El audiovisual profesional cordobés vivió en 2024 un año histórico, con hasta diez películas que llegaron a las salas de cine. 2025, en cambio, ha sido una cosecha de menor entidad, en la que la hegemonía la ha tenido el cine documental, y en el que también se ha dado un hito histórico cordobés en televisión: la consagración de una guionista cordobesa como showrunner en una gran plataforma internacional.

Como decíamos, el género documental se ha erigido como el gran motor de la producción cordobesa de 2025. Uno de los títulos más destacados, quizá coronado en los próximos meses, es Un hombre libre, dirigido por Laura Hojman y producido por el cordobés Guillermo Rojas. La película triunfó en festivales en 2024, y llegó a las salas en 2025, con gran éxito crítico, refrendado, de momento, con tres premios Asecan.

Un hombre libre aborda la figura del escritor almeriense Agustín Gómez Arcos, exiliado durante la dictadura franquista y convertido en una de las voces literarias más reconocidas en Francia, donde escribió toda su obra en francés. El documental recorre su vida desde la infancia en Enix hasta su consagración internacional, subrayando su compromiso con la memoria democrática y su valentía al tratar cuestiones como la identidad de género.

También dentro del género documental se sitúa Lorca en La Habana, firmado por el escritor Antonio Manuel y el director José Antonio Torres. La obra recupera la huella que Federico García Lorca dejó en la isla caribeña durante su estancia, trazando un puente cultural entre España y Cuba a través de la poesía y la memoria.

Otro de los proyectos más ambiciosos del año es Una historia muy heavy, de la directora cordobesa María José Camacho. Este documental seriado de tres episodios y disponible en RTVE Play, recorre la historia del heavy metal en España a través de sus dos grandes iconos: Obús y Barón Rojo. Tras más de cuatro décadas de rivalidad, ambas bandas afrontan una gira conjunta que podría ser la última, con el reto inédito de interpretar temas de su eterno rival.

El Festival de Málaga fue también escenario del estreno de Mirando el instante Rita Rutkowsky, mediometraje documental dirigido por Isidro Sánchez. La película ofrece el retrato íntimo de la artista americana afincada en Córdoba, atravesando el siglo XX y el presente, guiada por su pasión y dedicación incansable a la pintura. Entre el hogar y el estudio, espacios de vida privada, la narración se ve atravesada por los versos del poeta T. S. Eliot, aportando una dimensión lírica al relato.

En el terreno de la ficción cinematográfica, ha destacado Lady Sakura, del director cordobés Álex Sereno. Rodada entre Córdoba y Cádiz y estrenada el pasado mes de marzo, la película sigue a Drama, una fotógrafa inmersa en una profunda crisis vital, que afronta sus últimos días de convivencia con su compañera de piso y mejor amiga. Un retrato íntimo sobre el cambio, la amistad y la incertidumbre vital.

Por su parte, en el ámbito televisivo, el gran acontecimiento del año ha sido el estreno de Nails en la plataforma SkyShowtime, su tercera producción original en España. La serie marca un antes y un después al convertirse en el primer proyecto como showrunner de la guionista cordobesa Araceli Álvarez de Sotomayor, quien asume además las funciones de directora y productora ejecutiva creativa junto a Mario Montero.

CINEMA25, la IV Semana del Cine de Córdoba, ya ha dado a conocer los 18 largometrajes y 25 cortometrajes que optan a los Cervatillos de Bronce, al Premio CINEMA Córdoba o al premio del público ‘Martín Cañuelo’, según su categoría. En esta edición, que se celebrará del 21 al 28 de noviembre en la Filmoteca de Andalucía en Córdoba y otras sedes de la ciudad, el público podrá disfrutar de proyecciones, masterclass y encuentros con profesionales del sector.

Los títulos que compiten por el Cervatillo de Bronce a Mejor Largometraje de Ficción, dotado con 3.000 euros, son Golpes, preestreno de la primera película del guionista y director sevillano Rafael Cobos; La Deuda de Daniel Guzmán, quien recibió el Premio Goya a Mejor Dirección Novel; Subsuelo del montador y director Fernando Franco, nominado en 10 ocasiones a los Premios Goya y ganador de uno en 2014; El cielo de los animales de Santi Amodeo, un drama basado en los relatos del escritor estadounidense David James Poissant. Estas películas se proyectarán dentro de CINEMA Sessions en la Filmoteca de Andalucía en Córdoba.

La Sección Oficial de No Ficción queda conformada por un total de cinco películas en competición por el Cervatillo de Bronce a Mejor Largometraje de No Ficción, dotado con 2.000 euros. Los documentales a concurso son No sea tu falta de Moisés Salama, quien realiza un ejercicio de memoria con la intención de entender y habitar el presente; La Marisma de Manu Trillo, sobre el Parque Natural de Doñana y su antiquísima historia; Velintonia 3 de Javier Vila, sobre la memoria del poeta y Premio Nobel Vicente Aleixandre; Plaza Nueva a las diez de Carmen Tortosa, sobre una variopinta sociedad danzante en una plaza de Granada; Quién vio los templos caer de Lucía Selva, primer film de la cineasta que recoge una carta de amor y despedida a su ciudad natal.

CINEMA Premiere, la sección no competitiva de la Semana del Cine de Córdoba, acogerá seis proyecciones de grandes títulos de producción nacional: Sirat de Oliver Laxe, Tardes de soledad de Albert Serra, Maspalomas de Goenaga y Arregi, Mi amiga Eva de Cesc Gay, El cautivo de Alejandro Amenábar y Romería de Carla Simón. Estas películas sí optan al Premio del Público ‘Martín Cañuelo’.

Fuera de concurso se proyectarán tres proyectos en el marco de CINEMA Special: Que arda la calle de Ana Villa, Lorca en La Habana de Jose A. Torres y Antonio Manuel, y Melón de Pablo Porcuna, proyecto ganador de CINEMA Campus 2024, iniciativa impulsada por RECORD y la Delegación de Cultura de la Diputación de Córdoba.

Cortometrajes en CINEMA25

Los cortometrajes también cuentan con su merecido espacio en la Semana del Cine de Córdoba. En esta ocasión, la organización ha recibido más de 600 trabajos, una gran cifra si se compara con los 218 de la pasada edición. Los 15 largometrajes de productoras nacionales que compiten por el Cervatillo de Bronce a Mejor Cortometraje, valorado en 1.500€, son Metacíclica, Abellón, Quejío de loba, One-way cycle, Discordia, La paciente desconocida de Freud, Marciano García, Pálpito, Buffet Paraíso, Cólera, Carmela, La Raíz, Gallina, Tienes Sitio? y Geratzen den Hori.

El Premio CINEMA Córdoba, valorado en 1.000€, reúne 10 cortometrajes de productoras o cineastas de Córdoba. El listado queda conformado por Liliums, Mi Favorita, Planta 5D, Después del Diluvio Electrónico, Hermanas Mi Juego, All You Need is Love, Piedra, Papel o Tijera, Saudade y El Lado Más Bestia de la Vida.

La Semana del Cine de Córdoba es una actividad organizada por RECORD (Asociación Profesional de Cine y Audiovisual de Córdoba) que cuenta con la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba como patrocinador principal y con Junta de Andalucía, Diputación de Córdoba y Fundación Cajasur como patrocinios colaboradores, además de Off Escac, UniEléctrica, SP Group y Hammam Al Ándalus como partners estratégicos.

Córdoba celebrará el 25 aniversario de La comunidad, una de las películas más emblemáticas de Álex de la Iglesia, con un evento especial que combina cine y encuentro con el director bilbaíno. La cita tendrá lugar el jueves 21 de agosto a las 20:00 horas en Cinesur El Tablero, donde se proyectará el filme y, posteriormente, se ofrecerá un coloquio en streaming con el cineasta.

Los Cines del Tablero se suman así a la programación nacional que conmemora la vigencia de una obra que marcó un hito en la comedia negra española. Estrenada en el año 2000, La comunidad narra la historia de Julia, una agente inmobiliaria de mediana edad que descubre 300 millones de pesetas escondidos en el apartamento de un hombre fallecido. Su hallazgo la enfrentará a un grupo de vecinos tan variopinto como siniestro, liderados por un administrador sin escrúpulos.

La cinta, que transita del humor negro al suspense, el terror y la acción desenfrenada, cosechó un gran éxito de crítica y público. Fue reconocida con tres premios Goya, incluido el de mejor actriz para Carmen Maura, quien además recibió el galardón en el Festival de San Sebastián, el Fotogramas de Plata y el Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos por su interpretación.

El coloquio permitirá a los asistentes conocer de primera mano la visión de Álex de la Iglesia sobre una película que, un cuarto de siglo después de su estreno, sigue considerándose una obra clave del cine español contemporáneo.

La Filmoteca de Andalucía en su sede en Córdoba programará un nuevo ciclo de cine que, bajo el título genérico de 'La primera vez', contiene las películas con las que sus directores se estrenaron en este arte. En total, se podrán ver las óperas primas de once directores, que se proyectarán en Córdoba durante el mes de septiembre.

El ciclo cinematográfico incluye títulos distintos como la cinta francesa 'L'Atalante', de Jean Vigo, estrenada en 1934; y 'El halcón maltés', de John Huston, rodada en 1941. También se podrá ver 'Ascensor para el cadalso' que Louis Malle dirigió en 1958, 'Los golfos', la cinta con la que se estrenó Carlos Saura en 1959, 'Accatone' de Pier Paolo Pasolini rodada en 1961, y 'Cabeza borradora' de David Lynch de 1977.

También se proyectarán 'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón' de Pedro Almodóvar rodada en España en 1980; 'El fluir de las lágrimas' de Won Kar Wai de 1988; 'Solas' de Benito Zambrano del año 1999; 'Las vírgenes suicidas' de Sofía Coppola también de 1999, y para concluir 'Caramel' dirigida por Nadine Labaki de 2007.

El director del Instituto Andaluz del Cine y la Fotografía, Juan María Rodríguez ha destacado que “la primera película es una promesa de carrera futura, a veces luego incumplida o fallida, que a menudo contiene las claves esenciales de la obra de un cineasta.

Muchos directores, volcando toda su creatividad en ese primer título, debutaron con filmes vibrantes que, como los que incluimos en el ciclo, hoy son legendarios. Es fantástico recordarlos para celebrar la osadía -como en el caso de David Lynch- con la que irrumpieron en el cine con la maravillosa brillantez de la inmadurez“.

En palabras de la periodista Marta Jiménez, autora de los textos del programa editado al efecto, se trata de “una invitación para entrar en el filme con el que dijeron eureka. Con este ciclo los espectadores conocerán ”el aliento de insolencia que puede haber en muchas primeras obras, en qué reglas establecidas se rompieron y qué nuevas visiones creativas aportaron, en la frescura que habita en estos filmes primerizos“.

Las gotas sacadas del amplio océano de creadores y creadoras para celebrar este experimento, en esta ocasión son las directoras Sofia Coppola y Nadine Labaki, junto a los directores, Jean Vigo, John Huston, Louis Malle, Pier Paolo Pasolini, Wong kar Wai, David Lynch, Carlos Saura, Benito Zambrano y Pedro Almodóvar.

Antes que por Córdoba, el ciclo pasará por Sevilla entre el 21 de abril y el 30 de junio y también se exhibirán algunos títulos en las sedes de la filmoteca de Granada y Almería.

Arrollado por las drogas y la desordenada vida de los ochenta, Mauricio Aznar, líder de la exitosa banda de rockabilly Más Birras, coge la mochila y atraviesa el Atlántico en busca de la huella de Atahualpa Yupanqui. En la Argentina rural encuentra calma, equilibrio y autenticidad en una humilde familia de chacareros que lo acogen como a un hermano.

A su regreso a Zaragoza, Mauricio quiere reinventarse como cantautor del folclore argentino ante el estupor general de sus fans. El joven poeta y cantante aragonés aparece muerto en su casa el 2 de octubre del año 2000, tan solo una semana después del suicidio de su hermano mayor. Su viaje iniciático a Argentina fue inmortalizado por el cineasta Javier Macipe, en un sensacional biopic al que le han llovido los premios en festivales de medio mundo.

La conmovedora película La estrella azul despliega una fantástica fotografía, dirigida por el cordobés Álvaro Medina, que se embarcó de forma inesperada en un proyecto arriesgado y fascinante con final decididamente feliz. Es una mañana gris en el instituto Ángel de Saavedra, donde el joven Medina inició hace ya casi dos décadas su formación audiovisual. En un aula desierta, nuestro director de fotografía, Premio Carmen 2025, desgrana las alucinantes peripecias de una película tocada por el duende.

PREGUNTA (P). Antes de sumergirse en el mundo audiovisual, inició una larga andadura en la música.

RESPUESTA (R). Cuando tenía 7 años mis padres me metieron en el Conservatorio a estudiar piano. Yo era un niño bueno que no rechistaba. Se me daba bien y estuve hasta los 17 años. Me crie en Doña Mencía e iba al Conservatorio de Cabra. Más tarde me matriculé aquí en el Conservatorio Superior. No terminé la carrera. Me faltó un año para acabarlo. Ya fue pura rebeldía.

P. Se le atragantó la música.

R. Sí. Yo quería estar en la calle con los amigos y no encerrado toda la tarde en el Conservatorio Superior. Por la mañana iba al instituto de 8 a 3 y luego cogía un bocadillo y me pasaba toda la tarde en el Conservatorio Superior. Era el final de la carrera y tenía muchísimas asignaturas. Es natural que un chaval adolescente que está encerrado en clase todo el día necesite un poco de aire.

Macipe estaba en la Fundación Gala y me llamó para hacer un corto. Me quedé fascinado

P. La música le jodió la infancia.

R. Realmente no me jodió porque la música me encantaba, pero sí que echaba en falta tener más tiempo de jugar con los amigos del colegio. La música me ha servido mucho en mi mundo audiovisual.

P. ¿En qué le ha servido?

R. La música tiene también algo de narrativa, como las películas o los libros. Tiene una estructura. Una intro, una estrofa, un puente y un estribillo, igual que la literatura y el cine. Tiene el ritmo, diferentes instrumentos y distintos timbres, una especie de amalgama que luego en el cine también tienes que tener para hacer algo que no sea aburrido y que tenga emoción. Mi forma de hacer cine parte mucho de la sensación musical.

P. Tocaba música clásica.

R. Sí.

P. ¿Y le gusta la música clásica?

R. Sí. Sigo escuchando música clásica a menudo, aunque me gusta un poco de todo.

P. Y tocaba el teclado en orquestas de pueblo.

R. Sí. Estuve 4 años de verbena en verbena. Cuando terminé los estudios no sabía qué quería hacer y como tenía esa facilidad para la música entré en bandas de rock y en orquestas de versiones para ganar dinero. Hasta que llegó Operación Triunfo, que fue una revolución y todos los ayuntamientos querían tener a un triunfito en su feria. Se gastaban todo el presupuesto en un triunfito. Aquella crisis fue bastante gorda para las orquestas y nos quedamos sin bolos. Entonces pusieron el ciclo de audiovisual aquí en el instituto Ángel de Saavedra y decidí cambiar el rumbo.

P. Usted no era un triunfito.

R. Yo no. Disfrutaba tocando. Pero tocar versiones no era a lo que yo quería dedicarme toda la vida. Me gustaba tener mi grupo de diferentes estilos, que no tenían nada que ver con Operación Triunfo.

La pandemia hundió el peso argentino y los productores cancelaron la película

P. Tocó en un grupo que se llama El Niño Pringue.

R. Sí. El Niño Pringue fue un grupo de culto aquí en Córdoba. Tenía músicos excelentes y mucha personalidad. El cantante era un showman y el grupo generaba mucha simpatía entre el público. Yo tendría ventipocos años y ellos eran ya gente de 40.

P. ¿Qué se aprende en una verbena?

R. Aprendes que para la gente del pueblo es un día muy importante cuando vas a tocar. Quieren pasárselo bien y que tú seas partícipe.

P. ¿Cuándo se le apareció la fotografía?

R. Apareció ya bien tarde aquí en el ciclo del Saavedra. Aunque estudiábamos con cámaras, al principio yo no sentía todavía esa fascinación. Me gustaba más el montaje y cuando terminé de estudiar entré en la Televisión Municipal como montador. Fue entonces cuando empecé a querer hacer cosas como realizador y a trabajar con la cámara y componer los planos. Hice muchos videoclips y algunos cortometrajes. También entré en el mundo de las bodas y fui disfrutando cada vez más con el trabajo de cámara.

P. Dejar la música por la fotografía es un crimen.

R. Realmente no soy un músico de vocación. Mis padres me metieron con 7 años a estudiar música. Se me daba bien. Me encanta la música. Me parece que es el arte más emocionante. Más que el cine o la pintura. Pero no tengo esa vocación como para sentir la necesidad de tocar el instrumento diariamente. Sin embargo, sí que me pasa eso con el cine y la fotografía.

P. A sus padres le dio el disgusto de sus vidas.

R. Efectivamente. Cuando decido abandonar el Conservatorio, es un palo muy gordo para ellos. Llega un momento de rebeldía y no entras en razones. Ellos me decían: “Termina, que te queda un año. Que luego tienes esa facilidad para dar clases”. Y ahora me arrepiento. Es verdad. Pero en aquel momento hice lo que tocaba.

P. ¿Qué les dijo?

R. No lo recuerdo. Creo que empecé a faltar a clase sin que lo supieran.

P. ¿Tenía recambio cuando dejó el Conservatorio?

R. La fotografía vino mucho después. Dejé el Conservatorio, me compré un teclado eléctrico y fue cuando empecé a tocar con bandas de muy diferentes estilos.

P. Se hizo músico yeyé.

R. Tocaba desde heavy metal hasta blues o reggae. De todo. En aquella época me metía en todos los grupos que podía. Estuve varios años y luego en la orquesta, hasta que empecé aquí en el Saavedra.

Entonces me volvió a llamar y me dijo: "Álvaro, ¿tú estás dispuesto a hacer la película sin presupuesto?". Le dije que sí

P. Se apuntó para estudiar fotografía.

R. No. Yo ya entré en 2004 cuando estaba implantado el ciclo de grado superior de Realización de Audiovisuales y Espectáculos.

P. Y se apuntó.

R. Exactamente.

P. ¿Por qué?

R. A mí siempre me había gustado el cine, incluso cuando estudiaba piano. Muchas veces, en vez de estudiar lo que me tocaba, Chopin o Bach, me ponía a sacar bandas sonoras de películas, como El piano o Jurassic Park. Canciones icónicas. Y siempre me ha gustado el tema de los aparatos y la tecnología. En casa hacía experimentos con vídeos VHS. Grababa imágenes de la tele y hacía montajes artesanales. Cuando yo llego aquí en 2004 tendría 23 años. Había dado muchas vueltas con la música y ya tenía la madurez de saber que esto era lo que me gustaba.

P. Y con 36 años se va a Madrid a estudiar Dirección de Fotografía. Menudo volantazo.

R. Yo siempre he vivido en Córdoba y aquí el mundo audiovisual tiene muy poco movimiento. La opción era irte a Madrid a buscarte la vida. Yo ya trabajaba allí haciendo cosas esporádicamente, pero no me quería ir a vivir a Madrid. Conocía a Javier Macipe, había trabajado con él y veía que estaba dedicado en cuerpo y alma a su carrera cinematográfica, mientras que yo iba a un ritmo muy lento. Me di cuenta de que necesitaba avanzar. Tenía ya 36 años y con unos ahorros que guardaba no se me ocurrió nada mejor que hacer un máster de Dirección de Fotografía en Madrid, donde iba a aprender de los mejores directores de España. Lo que aprendí ese año en el máster me hubiese costado muchísimos años aquí en Córdoba.

P. ¿Y cuántas bodas se ha chupado?

R. Estuve como cuatro años haciendo bodas. Seguramente más de cien habré grabado. Puedo decir que han sido también una gran escuela para mí como director de fotografía. En una boda tienes que trabajar con la luz disponible y entrenar mucho el ojo para poder sacar partido a los espacios y a la luz. Me ha servido mucho para el estilo de director de fotografía que soy.

P. La BBC es la dura realidad de los sueños.

R. Sí. Yo no he hecho bautizos y comuniones, pero sí bodas. Es algo así como un submundo dentro del sector audiovisual, pero una vez que coges experiencia también se puede disfrutar grabando bodas.

En 'La estrella azul' aprendí que todo es posible con amor al cine

P. Todo empieza con Javier Macipe.

R. Con Javier Macipe me doy cuenta de algo que ya intuía. Y era que no quería ser director de cine sino de fotografía. Cuando trabajo con Javier Macipe y veo su talento, su visión tan diferente y la forma en la que dirigía a los actores me doy cuenta de que yo no tengo esa facultad que él tiene. Y veo que lo que más me gusta es ayudar a gente como él.

P. Porque usted quería ser director de cine

R. Al principio, como casi todo el mundo, tienes la idea de ser director. Quieres contar tu historia. Pero es importante que la gente encuentre su vocación dentro del audiovisual. Hay muchos puestos y ser director es el más más difícil porque tienes que reunir muchas virtudes.

P. La dirección de fotografía ha sido un premio de consolación para usted.

R. Yo creo que ha sido el descubrimiento de mi vocación. Por mi personalidad y por mis pasiones, es lo que realmente me llamaba.

P. Usted había hecho cortos.

R. Como director, he hecho varios cortos. Todos muy malos. No los quiero ni enseñar. Sobre todo, en lo que es la dirección de actores. Tampoco eran buenos los guiones, pero sí dominaba la realización. Hay que tener algo especial para dirigir actores y para escribir el guion. Y, sobre todo, la energía para impulsar ese proceso y motivar a la gente para que te siga. Esa es una de las virtudes que debe tener un buen director.

P. Javier Macipe le aterrizó.

R. Yo no tenía una visión de mi futuro como director. Conocer a Javier Macipe me hizo encontrar una posición de escudero, donde veía que aportaba y disfrutaba.

P. Macipe le llamó.

R. A Macipe le otorgaron la residencia de la Fundación Gala en Córdoba y su proyecto consistía en hacer una serie de cortometrajes para los que no había presupuesto. Necesitaba ayuda de forma altruista. Se metió en Google y escribió a la Escuela de Cine de Córdoba con la idea de conseguir estudiantes que le ayudaran a hacer esos cortometrajes. Le sale el Ángel de Saavedra y la Escuela Evolutiva, que era una empresa que yo tenía por aquel entonces. Y nos escribe un un mail para conocernos.

Quedé con él en la Corredera. Me causó muy buena sensación hablando de cine. Le dije que acababa de montar la empresa y que tenía que estar prácticamente todos los días de la semana dedicado a ella. No le podía ayudar pero sí puntualmente en alguno de los cortometrajes. En uno de los cortos trabajé con él y ahí es donde me quedo fascinado. Por suerte, también sintió que trabajábamos muy bien juntos y empezamos una colaboración que llega hasta hoy. Él empezó a llamarme desde Zaragoza para algunos trabajos.

No hay camino fácil al éxito

P. ¿Qué tipo de trabajo?

R. Sobre todo documentales. También alguna publicidad de bajo presupuesto. Y algunos cortometrajes dedicados a ONGs o concursos.

P. Y usted trabajaba ya como director de fotografía.

R. Exactamente. Siempre ya como director de fotografía

P. Hasta que llegó La estrella azul.

R. Cuando llega La estrella azul yo no estoy en disposición de ser el director de fotografía. Había hecho el máster con él.

P. ¿Qué máster?

R. El máster de Dirección de Fotografía de la ECAM de Madrid. Y había hecho este corto que fue nominado al Goya en 2021, pero Macipe ya estaba preparando La estrella azul. Había conseguido el apoyo de una gran productora y yo no tenía experiencia. Evidentemente, no entraba en la ecuación que yo hiciera la dirección de fotografía de una película que iba a tener un presupuesto industrial. La productora rodeó a Javier Macipe de gente con mucha experiencia.

P. ¿Y qué pasó?

R. El rodaje de la película empieza la semana que llegó la pandemia en 2020. Se para el rodaje por el covid y hasta 2022 no se retoma con la parte de Argentina. Como es una coproducción entre España y Argentina, el peso de repente se devaluó mucho y todo el dinero que ponían los argentinos no valía nada. La película perdió casi la mitad del presupuesto que tenía. Así que los españoles le comunican a Javier que se cancela la película. Él estaba en Argentina ya preparando el rodaje cuando se lo comunican. Entonces me llama y me dice: “Álvaro, ¿tú estarías dispuesto a hacer la película de la manera que sea y sin presupuesto?”. Y yo le dije que sí.

Entonces hicimos un rodaje en secreto a espaldas de la productora. Ellos no aceptaron la propuesta que le hizo Javi para salvar la película: hacerla con menos medios y que yo fuera el director de fotografía. Era una de las productoras más importantes de España, la de Amenábar, y la idea les sonaba a disparate. Les parecía muy amateur lo que le estaba proponiendo Javi. Le dijeron que no y Macipe para convencerlos organizó un rodaje secreto como en nuestros inicios. Con muy pocos medios y un equipo de estudiantes, rodamos durante dos semanas en Zaragoza. Luego llamó a los productores, los metió en un cine y les puso lo que habíamos rodado. Se quedaron sorprendidos. Les encantó. Y cuando ya estaban convencidos de que se podía continuar la película, le preguntaron cómo lo había hecho. Les dijo: “Con Álvaro de director de fotografía trabajando como hacíamos en nuestros cortometrajes”. Y siguieron conmigo como director de fotografía.

P. O sea, que usted es hijo de la ruina.

R. Pues sí. Se podría decir. Fui a apagar un fuego. Esta historia de estar en el sitio y en el momento correcto se repite mucho en el mundo del cine. Supongo que en otros sectores también, pero este es un mundo muy cerrado en el que si no tienes experiencia no te dejan entrar. Y si no te dejan entrar, ¿cómo coges experiencia?

En Córdoba el mundo audiovisual tiene poco movimiento

P. Cogió un avión y se plantó en Argentina.

R. Sí.

P. Y no tenía dinero ni le pagaban.

R. Lo que hicimos sin cobrar fueron esas dos semanas en Zaragoza. Después ya sí cobré. De hecho cobré un buen dinero porque, a diferencia de otras películas donde se destina mucho a alquileres y otros gastos, aquí se destinó a tener más tiempo de trabajo. Una película española del presupuesto de La estrella azul se rueda en cuatro o cinco semanas. Yo estuve 12 semanas o más, con lo cual gané como si hiciera tres películas.

P. Macipe es un trapecista.

R. Es digno de estudiar la actitud de Macipe ante los obstáculos. Los grandes directores son aquellos que ponen en tela de juicio todo lo que se ha hecho hasta ahora e intentan probar cosas diferentes. Javier Macipe siempre me lo ha demostrado. Esa creatividad también la ha aplicado a la promoción de la película, para la que no contábamos con apenas presupuesto. Dedicó toda su inteligencia en conseguir que la película llegara a donde ha llegado y tuviera éxito.

P. Admira a Macipe.

R. Totalmente. Lo admiro.

P. Supo que estaba en una gran película cuando rodó en Argentina.

R. Cuando trabajo con Macipe siempre me emociono en el rodaje viendo que estamos haciendo cine de verdad y con mucho arte. Desde que leí el guion me encantó la película. Pero luego además Macipe tiene siempre esa capacidad de sorprenderme. Y cuando estamos en Argentina o en Zaragoza haciendo cada escena, siento que va a ser una gran película. Luego viene el proceso de montaje que cambia mucho lo que tú tienes en mente.

P. ¿Qué aprendió en Argentina?

R. En Argentina fue mi estreno como director de fotografía con un equipo grande de personas. Aprendí que mi profesión tiene mucho de política, de diplomacia, de relaciones personales. Aprendí de la gente de Argentina, de Santiago del Estero, de su modo de estar en la vida, que es tal como se ve la película. Y aprendí que todo es posible con ganas, ilusión y amor al cine.

El cine andaluz está hoy al mismo nivel que cualquier región de España

P. La estrella azul muestra una Argentina muy poco Argentina.

R. Efectivamente. A mí me pasa un poco como cuando Mauricio Aznar llega a casa de Carlos Carabajal y le dice que en España la imagen que tenemos de Argentina es por las películas de Buenos Aires. Una Argentina que podía ser perfectamente Europa. Y en la película creo que de una manera muy realista, muy natural y sin ojos de turista, se muestra otra Argentina mucho más indígena y más espiritual.

P. ¿La estrella azul cambió su vida?

R. Sí. He tenido la suerte de vivir una experiencia muy bonita, tanto en el rodaje como después en la temporada de premios. He aprendido muchísimo haciendo la película y siento satisfacción de tener ya en mi trayectoria una obra que, como amante del cine, considero una gran película. Me he quitado la presión de hacer algo bueno en mi vida. Ya está hecho.

P. Ya se puede echar a dormir.

R. Evidentemente no me puedo echar a dormir. De hecho, ahora estoy trabajando en mejorar mucho más. Siento que he tenido la gran suerte de hacer esta película con Javier Macipe, que es un genio, y tengo que estar preparado para poder aportar más en el futuro.

P. Mauricio Aznar dijo: “Había perdido el norte y me fui a buscarlo al sur”. ¿Dónde busca Álvaro Medina su norte?

R. Me gustaría seguir haciendo cine como La estrella azul. Ahora mismo no tengo muy claro cómo hacer otra película de este tipo. Intento formarme, estudiar y estar preparado para cuando llegue lo que se supone que tiene que llegar. Todo el mundo me dice que después de La estrella azul me llegarán nuevas películas. Mientras tanto, intento aprender cada día y buscar el equilibrio con la conciliación familiar. Creo que mi carrera debe seguir desde Córdoba, aunque tenga que viajar a cualquier sitio puntualmente para trabajar.

P. Dos goyas, ocho nominaciones y decenas de premios internacionales. ¿Qué tiene La estrella azul?

R. La estrella azul tiene muy buen cine dentro gracias al arte de Javier Macipe y al trabajo de todo el equipo que ha conseguido enrolar en el proyecto. Y tiene mucha emoción, buenas interpretaciones, el mensaje de hermanamiento con Sudamérica y la idea de seguir nuestros sueños aunque no sea el camino fácil al éxito. Tiene todos los ingredientes para triunfar. El único que no tenía era el dinero para la promoción y grandes nombres, ya que todos éramos primerizos. Pero hemos conseguido que una película pequeñita consiga llegar a competir las grandes.

P. ¿En Córdoba se puede vivir del cine?

R. Actualmente no. Pero con la facilidad que hay de comunicaciones, sí que puedes vivir en Córdoba y trabajar en el cine donde toque.

Alberto Rodríguez fue crucial para dedicarme al cine

P. El crítico Manuel Bellido dice que “el cine andaluz es una realidad esplendorosa”. ¿Y usted qué dice?

R. El cine andaluz está hoy al mismo nivel que el de cualquier otra región de España. Gracias al movimiento que surgió con Alberto Rodríguez y Santi Amodeo en Sevilla, que decidieron seguir rodando allí y no marcharse a Madrid, fue creciendo la estructura industrial cinematográfica en Andalucía y tenemos muchos ingredientes para tener éxito. Desde el clima, las localizaciones, los creadores o los técnicos. Solo nos faltaba el éxito, que fue lo que consiguió Alberto Rodríguez. A partir de ahí, Andalucía es una realidad en el cine. Me gustaría que lo que pasa en Sevilla y está pasando en Málaga se extendiera a otras provincias como Córdoba para que jóvenes talentos como Luis Soto Muñoz no tengan que emigrar a Madrid.

P. Es devoto de Alberto Rodríguez.

R. Sí. Alberto Rodríguez fue crucial para dedicarme al cine. Cuando estudié en el Ángel de Saavedra audiovisuales, no tenía una visión de futuro. Los estudios estaban más orientados a trabajar en televisión. Y cuando vi 7vírgenes, de Alberto Rodríguez, sentí que se podía hacer un cine andaluz de calidad y tener éxito comercial. Para mí fue como el ejemplo a seguir.

P. ¿Qué inauguró Benito Zambrano?

R. Benito Zambrano inauguró el cine andaluz con acento andaluz, bien hecho y de éxito. Por mi edad, Solas no me conectó tanto. Yo ya estaba estudiando audiovisuales y me conectaban historias más del tipo de 7vírgenes.

P. ¿Cuál es la película del año?

R. La estrella azul evidentemente.

P. ¿Y después?

R. Tengo muchas películas pendientes por ver. La que más me ha gustado hasta ahora es La quimera, de Alice Rohrwacher.

P. ¿La fotografía es un arte invisible?

R. La fotografía debe ser invisible igual que el montaje y otros aspectos técnicos cuando lo que se intenta es que el espectador se fije en la historia, en los actores y en la emoción que se quiere transmitir.

P. ¿Mozart o Pedro Almodóvar?

R. Mozart, por supuesto. La música es lo que más me emociona en la vida. No hay nada comparable como escuchar una gran canción. Me hace aflorar emociones que ningún otro arte consigue.

La música es lo que más me emociona en la vida

P. Y Pedro Almodóvar no le emociona.

R. Almodóvar me parece un gran director. He disfrutado mucho con sus películas, sobre todo, con las primeras, y sigo viéndolas con mucho interés. Pero es verdad que hay otro tipo de cine que me gusta más.

P. ¿Cuál es el sello de Álvaro Medina?

R. Solo he hecho una película. Es difícil todavía ver si tengo un sello propio. Me gustaría que las películas donde trabaje como director de fotografía conecten con el público.

P. ¿Volverá al piano?

R. En principio no, pero nunca se sabe. Le he comprado un teclado de juguete a mi hijo Mario para ver si le gusta tocar. Y le estoy enseñando algunas melodías de películas como yo hacía de pequeño.

P. A ver si le va a salir fotógrafo.

R. Espero que encuentre su vocación y que lo haga antes que yo, porque así llegará a tener éxito en lo que haga. Para mí, el éxito no tiene por qué ser ganar mucho dinero o ser famoso, sino ser feliz y que no te falte nada.

Es digna de estudiar la actitud de Macipe ante los obstáculos

El editor de vídeo cordobés Javier Frutos ha sido galardonado con el Premio Goya al Mejor Montaje por su trabajo en Segundo Premio, la película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez sobre la ascensión de la banda de Los Planetas al olimpo de la música indie española.

Frutos ha subido al escenario de la gala de Los Goya que se ha celebrado este sábado en Granada y ha dedicado el premio a su familia de Córdoba. “¡Viva Córdoba!” ha dicho en su intervención de agradecimiento.

Esta era la primera nominación para Javier Frutos, quien también vio reconocida su labor como editor de Segundo Premio en el pasado Festival de Cine de Málaga. El montador es uno de los responsables del acabado visual de una película que trasciende la idea del biopic musical al uso para entrar en otro terreno, y que tenía 11 nominaciones.

La conexión cordobesa de otros Premios Goya

Otros premios Goya otorgados en esta gala también han tenido una conexión con Córdoba. De un lado, el director Javier Macipe ha recibido el Goya a Mejor Dirección Novel por su película La estrella azul, inspirada en el rockero Mauricio Aznar (líder de Más Birras). Macipe fue residente artístico en la Fundación Gala de Córdoba en 2011. En esta ciudad, no solo rodó una serie de cortometrajes centrados en la espiritualidad, sino que, tal y como contó en una entrevista con este periódico, tuvo un momento epifánico cuando le cantó al propio Antonio Gala una canción de Mauricio Aznar. Era Voces de Tango, una canción que luego hizo suya Enrique Bunbury.

Más curiosidades cordobesas: La estrella azul supuso el salto al largometraje del dúo que Macipe formaba con el director de fotografía cordobés Álvaro Medina, con quien ya llevaba una década trabajando. Y ambos acabaron rodando parte de la película en la provincia de Córdoba, aunque fuera en la Córdoba argentina, donde tiene lugar parte de la trama.

La estrella azul ha obtenido un segundo Goya, al Mejor Actor Revelación para Pepe Lorente.

Por su parte, la pozoalbense María Pulido ha participado como directora de arte en el film que ha ganado el Goya a Mejor Película de Animación, Mariposas negras.

Los Goya también han tenido un recuerdo para José De la Torre, el actor montillano fallecido el año pasado, que ha formado parte del In Memoriam que se dedica a los profesionales del cine que desaparecieron durante el pasado año.

Lista completa de los ganadores

Lista completa de los ganadores de la 39 edición de los Premios Goya:

.- Mejor Película: 'El 47' (Javier Méndez y Laura Fernández Espeso) y 'La infiltrada' (Álvaro Ariza, María Luisa Gutiérrez, Mercedes Gamero y Pablo Nogueroles), premio 'ex aequo'

.- Mejor Dirección: Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, por 'Segundo premio'

.- Mejor Actriz Protagonista: Carolina Yuste, por 'La infiltrada'

.- Mejor Actor Protagonista: Eduard Fernández, por 'Marco'

.- Mejor Guion Original: Eduard Sola, por 'Casa en flames'

.- Mejor Guion Adaptado: Pedro Almodóvar, por 'La habitación de al lado'.

.- Mejor Película Europea: 'Emilia Pérez' (Francia)

.- Mejor Película Iberoamericana: 'Ainda estou aqui' (Aún estoy aquí) (Brasil)

.- Mejor Película Documental: 'La guitarra flamenca de Yerai Cortés', de Antón Álvarez (C.Tangana), Cristina Trenas y Santos Bacana

.- Mejor Montaje: Javi Frutos, por 'Segundo Premio'

.- Mejor Música Original: Alberto Iglesias, por 'La habitación de al lado'

.- Mejor Dirección Novel: Javier Macipe, por 'La estrella azul'

.- Mejor Cortometraje de Ficción: 'La gran obra'

.- Mejor Cortometraje Documental: 'Semillas de Kivu'

.- Mejor Cortometraje de Animación: 'Cafuné'

.- Mejor Película de Animación: 'Mariposas negras'

.- Mejor Dirección Artística: Javier Alvariño, por 'La Virgen Roja'

.- Mejor Actriz de Reparto: Clara Segura, por 'El 47'

.- Mejor Sonido: Diana Sagrista, Eva Valiño, Alejandro Castillo y Antonin Dalmasso, por 'Segundo Premio'.

.- Mejor Dirección de Producción: Carlos Apolinario, por 'El 47'

.- Mejor Dirección de Fotografía: Edu Grau, por 'La habitación de al lado'

.- Mejor Maquillaje y Peluquería: Karmele Soler, Sergio Pérez Berbel y Nacho Díaz, por 'Marco'

.- Mejor Actor Revelación: Pepe Lorente, por 'La estrella azul'

.- Mejor Actriz Revelación: Laura Weissmahr, por 'Salve María'

.- Mejor Canción Original: 'Los Almendros', de Antón Álvarez, Yerai Cortés y La Tania, por 'La guitarra flamenca de Yerai Cortés'

.- Mejores Efectos Especiales: Laura Canals e Iván López Hernández, por 'El 47'

.- Mejor Vestuario: Arantxa Ezquerro, por 'La Virgen Roja'.

.- Mejor Actor de Reparto: Salva Reina, por 'El 47'

El año que está a punto de terminar pasará a la historia, entre otras cuestiones, por ser el de la mejor cosecha de películas producida desde Córdoba y/o por cineastas y productores cordobeses, un trabajo hecho de forma dispersa, pero que no debe verse como algo anecdótico, sino como la culminación de la profesionalización del sector audiovisual cordobés, cuyo principal símbolo es la consolidación de la Semana del Cine, que ha alcanzado tres ediciones.

Los proyectos hechos por directores y productores cordobeses se han paseado este año por las salas de cine, las plataformas, los festivales y las galas de premios. Incluso a nivel internacional y con algo de retraso, como ha sido el caso de La espera, la tercera película del cordobés F.J.Gutiérrez, estrenada en 2023 en España, y que, gracias a su estreno en Estados Unidos, lo ha llevado a ser el primer español que gana el Premio Auteur en los Satellite Awards, que entrega la prensa internacional en Hollywood -que también la ha nominado a Mejor Película Extranjera-. 

Más allá del “milagro Gutiérrez” -que hace honor al título de su película-, el cine cordobés ha dejado varias perlas en formato largometraje. Son las siguientes:

Solos en la noche

Solos en la noche es una película dirigida por el cineasta cordobés Guillermo Rojas. La cinta ha sido reconocida en los Asecan, así como en la cuarta edición de los Premios Carmen del Cine Andaluz, obteniendo 15 nominaciones, incluyendo categorías como Mejor Largometraje, Dirección y Guion. La trama se centra en un grupo de abogados laboralistas durante la noche del 23F, explorando temas de tensión y compromiso en un contexto histórico clave para España. 

El elenco está compuesto por actores de renombre como Pablo Gómez Pando, Andrea Carballo, Félix Gómez, Alfonso Sánchez, Paula Usero, Beatriz Arjona y Jacinto Bobo. La película ha sido bien recibida por la crítica, destacando su narrativa y la calidad de las interpretaciones.

Los restos del pasar

Los restos del pasar es una película dirigida por los baenenses Luis Soto Muñoz y Alfredo Picazo. El filme ha sido presentado en festivales de renombre como Cannes Docs, el Festival de Cine Europeo de Sevilla y el Festival Internacional de Cine de Gijón, donde ha recibido elogios y premios por su enfoque poético y su profunda conexión con la cultura local. La película se centra en los recuerdos de la infancia durante la Semana Santa en Baena, capturando las tradiciones del pueblo a través de la mirada de un niño y la obra del pintor Paco Ariza. 

Rodada en blanco y negro con momentos de color, Los restos del pasar“ presenta contrastes entre realismo y abstracción, luz y sombra. Es una carta de amor a Baena que combina poesía visual con una profunda reflexión sobre la memoria y la identidad cultural del lugar.

Sol Mayor

Sol Mayor es un largometraje dirigido por Chico Sánchez y producido por Actúa Córdoba, con Gonzalo Moya como productor ejecutivo. La película entrelaza tres historias diferentes que ocurren en un mismo espacio, pero en tiempos distintos, explorando cómo las acciones humanas dejan huellas en los lugares que habitamos y cómo estas conexiones trascienden el tiempo. El elenco incluye a actores destacados como Mónica Bardem y Antonio Meléndez-Peso. 

El estreno de Sol Mayor tuvo lugar el 29 de noviembre de 2024 en el Cine Regio de Vera, Almería, y posteriormente se proyectó en los Cines Axion de Córdoba y en el Cine Artistic Metropol de Madrid. La película ha sido bien recibida por su narrativa innovadora y la calidad de las interpretaciones, consolidando la reputación de Chico Sánchez en el panorama del cine independiente español

Miles in Bello

Miles in Bello: Juan Bernier en la guerra de los españoles es un documental dirigido por los hermanos Juan Antonio y Rafael Bernier, sobrinos nietos del poeta cordobés Juan Bernier. La película sigue los pasos de su tío abuelo durante la Guerra Civil Española, antes de que comenzara su carrera literaria y fundara el grupo Cántico. Utilizando el diario personal de Juan Bernier escrito entre 1936 y 1939, los directores recorren los lugares que el poeta transitó durante la contienda, ofreciendo una visión íntima de su experiencia en el conflicto. 

Una característica distintiva del documental es su enfoque visual contemporáneo; los realizadores optaron por no utilizar imágenes de archivo, filmando en los escenarios actuales por donde pasó Juan Bernier. Esta decisión crea un contraste entre la narración del pasado y las imágenes del presente, invitando al espectador a reflexionar sobre cómo los conflictos históricos resuenan en la sociedad actual. Tras un relevante paso por festivales, Miles in Bello está disponible en la plataforma Filmin.

Un hombre libre

Un hombre libre es un documental dirigido por Laura Hojman y producido por el cordobés Guillermo Rojas. La película se centra en la vida del escritor almeriense Agustín Gómez Arcos, un autor que, tras exiliarse durante la dictadura franquista, alcanzó la cumbre de la literatura en Francia escribiendo en francés. El documental explora su trayectoria, desde su infancia en Enix hasta su reconocimiento internacional, destacando su valentía al abordar temas como la memoria democrática y la identidad de género. 

Un hombre libre fue presentada en la sección oficial del Festival de Cine de Sevilla en noviembre de 2024, donde fue candidata al premio a Mejor Película LGTBIQ+. La obra incluye testimonios de figuras destacadas como Pedro Almodóvar, Marisa Paredes y Bob Pop, quienes reflexionan sobre la relevancia y el legado de Gómez Arcos. El documental ha sido reconocido por su contribución a la recuperación de la memoria histórica y la reivindicación de autores olvidados en España.

Tívoli 

Tívoli es un documental producido por AliquinDoc que se centra en el parque de atracciones Tívoli World de Benalmádena. La película se presentó en la III Semana del Cine de Córdoba, Cinema24, en la sección Cinema Special, que incluye producciones andaluzas fuera de concurso.

El documental narra la historia del parque a través de imágenes inéditas y testimonios de trabajadores, artistas, periodistas y propietarios, destacando la participación del empresario Rafael Gómez 'Sandokan'. Tívoli debutó en la 27ª Sección Oficial fuera de concurso del Festival de Cine de Málaga y ha tenido éxito en otros festivales. Además, se encuentra entre las 15 películas documentales más vistas del año en España.

La primera en la frente

La primera en la frente: La historia de Pabellón Psiquiátrico es un documental que explora la trayectoria de la banda cordobesa Pabellón Psiquiátrico, conocida por su estilo irreverente y humorístico en la escena musical española de los años 80. El documental se centra en los inicios del grupo en abril de 1986 y sigue su evolución hasta su regreso de una exitosa gira en Argentina, tras la publicación de su primer disco, La primera en la frente.

Los miembros fundadores, Fernando Prats, Juanma Copé, Paco Marín, Fernando Alcántara y el fallecido Juan Antonio 'Patuchas', comparten anécdotas y experiencias que ilustran cómo un grupo de jóvenes de 19 años logró conquistar escenarios internacionales inesperadamente.  El documental fue estrenado el 29 de noviembre de 2024 en el salón de actos de Orive, en Córdoba, como parte de una iniciativa de la Asociación Córdoba Digital Lab, con el apoyo de la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba.

Sueños y pan

Sueños y pan es el primer largometraje del director cordobés Luis Soto Muñoz. La película ha sido proyectada en la sección Made in Spain del Festival Internacional de San Sebastián, recibiendo una cálida acogida por parte del público y la crítica. Además, ha sido reconocida en festivales como el Atlántida Mallorca Film Fest, la Semana del Cine de Córdoba y el D'A Barcelona Film Festival, consolidando la reputación de Soto como una de las promesas del cine español contemporáneo. 

La trama sigue a dos jóvenes que, en un intento por mejorar su situación económica y ayudar a una amiga, deciden vender un cuadro robado. Rodada en blanco y negro, la película retrata la difícil realidad de la juventud en un Madrid contemporáneo, explorando la precariedad y la esperanza.

Intersex 

La película Intersex, co-producida por Actúa Córdoba, Gonzalo Moya y dirigida por Tomás Aceituno, ha sido nominada en la próxima edición de los Premios Carmen de la Academia de Cine de Andalucía. La reconocida actriz y cantante Charo Reina ha obtenido la nominación en la categoría de Mejor Actriz de Reparto, y ya se llevó galardón en los Premios Lorca, con una película que también triunfó en el festival de Cine Independiente de Nueva York.

Intersex aborda una temática social y humana con sensibilidad y fuerza narrativa, contando con un equipo de profesionales en su mayor parte andaluces.

Edén 

La película más radical del año hecha en Córdoba se puede ver estos días (hasta el 15 de enero) en exclusiva en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A). Se trata de Edén, dirigida por el artista Juan López López, y es un ensayo fílmico que ha realizado como artista residente en el C3A. 

López López ha captado en su film diversos entornos naturales de la provincia de Córdoba, como el Parque Natural de la Subbética, Sierra Morena, el Valle del Guadalquivir y la Campiña, además de haber filmado una serie de escenas de ficción con la actriz Helena Kaittani y el artista Niño de Elche. El film está aún en fase final de edición, pero su director ya muestra parte del resultado estos días, con la idea de moverlo por festivales a partir de 2025. 

El cineasta cordobés Alex Sereno ('Siempre es Otoño', 'Violeta y los días grises' y 'Folie à Famille') y la gaditana Celia Kiedis, que han rodado entre Córdoba y Cádiz 'Lady Sakura', la segunda película en la que colaboran, ya tienen tráiler oficial de este nuevo proyecto cinematográfico conjunto.

Según ha destacado el propio Alex Sereno en sus redes sociales, consultadas por Europa Press, “aún no tenemos fecha de estreno”, tras concluir su rodaje el pasado verano, pero ya cuenta la película con el mencionado tráiler promocional.

La primera película en colaboración Alex Sereno y Celia Kiedis fue 'Folie a Famille', que rodaron el año pasado en apenas unos días, encerrados en una casa de campo en la Sierra de Córdoba con los actores, y el esfuerzo, según ha recordado ya Alex Serno, tuvo su recompensa cuando la película “encontró su hogar en Filmin apenas un mes después de finalizar el rodaje”, y fue premiada en el Festival de Cine de Linares (Jaén), donde logró galardones, a la Mejor Película y al Mejor Guion, y también ganó el Tercer Premio en el Festival de Cine Independiente de Sevilla.

“Casi no tuvimos tiempo de procesar nada, ni de organizar un estreno con tiempo, y aunque tenemos fama de rodar muy rápido, nunca lo habíamos hecho tan rápido, y al final somos dos personas tirando del carro de una película, así que fue un poco agotador para todos”, según ha reconocido.

La situación ha cambiado para este nuevo proyecto cinematográfico, pues el pasado abril comenzaron el rodaje de 'Lady Sakura' en Córdoba, y el mismo se extendió hasta el inicio del pasado verano, cuando el equipo se trasladó a Cádiz a rodar las escenas finales de la película.

El largometraje cuenta la historia de Drama, una fotógrafa de 26 años que encadena trabajos y relaciones esporádicas abocadas al fracaso, mientras espera una beca con la que abrir una pequeña galería ahora que Clara, su mejor amiga y compañera de piso, se muda a otra ciudad.

Sereno ha explicado que, “realmente, el argumento es solo una excusa para hablar de cosas que me apetecía hablar. Es una historia que habla de sentirse fuera de lugar o estancado, y también de aprender a decir adiós y a aceptar el cambio. Hemos aprovechado con esta película para hacer cosas que siempre hemos querido hacer, pero que en otras historias no nos encajaban, así que, en ese sentido, nos hemos dado muchísima libertad, queremos jugar”.

En su opinión esta puede ser su “película más 'metacinematográfica', no porque trate sobre gente que se dedica al cine, como sí he hecho en otras películas, sino porque a través de la protagonista y los personajes que la rodean se intenta responder un poco a la pregunta de si el cine imita la vida o es la vida la que imita al cine”.

Para el director cordobés, lo más complicado, una vez que terminó el guión, fue cuadrar agendas, ya que “el reparto es mucho más amplio que otras veces, hay muchas más localizaciones, escenas y cambios de vestuarios, y movilizar a toda esa gente, que está trabajando o estudiando fuera, ha sido un poco como hacer un 'tetris', pero se ha conseguido”.

Por ello, Sereno y Kiedis cuentan con un equipo de producción algo mayor que en otras películas, ocupándose el cineasta cordobés de “organizar la producción, las agendas y la dirección, y Celia de la parte más estética: dirección de fotografía, vestuario y dirección artística, y hemos sumado algunas personas más a todo este proceso creativo, para que nos descarguen de volumen de trabajo, pero sin perder esa idea de trabajar con un equipo reducido, con el que nos sentimos cómodos”, según ha precisado Sereno.

La película, escrita y dirigida por Alex Sereno, con la dirección artística y fotográfica de Celia Kiedis, está protagonizada por Flavia Ruffa, Fátima Ortega, Iván Herrera, Marta Nebot, Gonzalo Cortés, José Ruíz y Chelo Albarrán. Con la colaboración especial de Fran Cubero, María Giménez, Trini Alabanda, Ruth Ceballos, Javier Córdoba, y José Carlos Garrido.

La Estrella Azul, ópera prima del residente de la fundación Gala Javier Macipe y con dirección de fotografía del cordobés Álvaro Medina, se ha convertido en la sorpresa cinematográfica del año y una de las favoritas en los premios Feroz. Todo ello, tras un exitoso recorrido por festivales que se inició en San Sebastián, donde recibió dos premios, y que concluyó recientemente en el festival de Almería, donde se alzó con el primer premio a mejor película, mejor guión y mejor dirección.

Además, La Estrella Azul consiguió llevar a los cines a 100.000 espectadores, una cifra muy elevada para la cantidad de copias con las que se distribuyó. Estuvo también entre las tres finalistas a representar a España en la próxima edición de los Óscars junto con Marco y Segundo Premio, y actualmente está nominada a mejor película en los premios Forqué y los premios Feroz.

Todo esto hace pensar que la película puede tener una presencia importante en las nominaciones a los premios Goya, que actualmente están en proceso de votación, y a las que opta también Álvaro Medina en la categoría de mejor dirección de fotografía donde ya ha salido como uno de los favoritos en las quinielas de algunos medios especializados. También entra en los cálculos como nominado a los Premios Carmen de la Academia de cine andaluz, que en esta edición celebran su gala en el Gran Teatro de Córdoba el día 1 de Febrero.

El trabajo del cordobés en La Estrella Azul ha sido muy valorado por su estilo naturalista, usando casi exclusivamente luz natural y disponible en las localizaciones, y donde el límite entre la ficción y el documental está muy difuminado, con largos planos-secuencia de mucha dificultad técnica.

Por todo ello y por el éxito que está teniendo la película rodada en Argentina y Zaragoza, Álvaro Medina ha sido invitado a contar su experiencia en formato de clase magistral en diferentes eventos cinematográficos en ciudades como Pamplona o Pontevedra, compartiendo cartel con grandes nombres del cine español como Diego San José, guionista de Ocho apellidos vascos, Valerie Delpierre, productora de Las Niñas y Verano 1993, o Rodrigo Sorogoyen, director de As Bestas y Antidisturbios. Será el lunes 16 de Diciembre en Pontevedra.

Álvaro Medina Cano, nacido en 1981 en Córdoba, donde reside en el barrio de Santa Marina, estudió Realización de audiovisuales en el I.E.S Ángel de Saavedra y posteriormente se especializó en dirección de fotografía haciendo un máster en la escuela de cine de la comunidad de Madrid, ECAM. También es conocido entre el mundo musical cordobés por su pasado como teclista de bandas como El niño Pringue, Clan Fugu, y diversas bandas de versiones.

La colaboración entre el cordobés Álvaro Medina y Javier Macipe, que obtuvo una beca en la Fundación Gala en 2012 gracias a un proyecto de cortometrajes, empezó hace más de diez años. Desde entonces ha desembocado en multitud de trabajos audiovisuales, como videoclips, documentales o cortos de ficción. Uno de ellos, Gastos Incluidos, ya estuvo nominado a los Premios Goya en 2021. “Mi manera de trabajar como director de fotografía está muy marcada por la visión del cine de Macipe, alejada de modas y del cine industrial, pero a la vez capaz de crear películas muy bellas y emocionantes”, cuenta el cordobés.

CINEMA24 III Semana del Cine de Córdoba continúa llenando las salas de la Filmoteca de Andalucía con las proyecciones de películas y cortos que optan al Cervatillo de Bronce. Este martes se han podido ver Marisol, llámame Pepa de Blanca Torres, Fandango de Remedios Malvárez y Arturo Andújar, Rita de Paz Vega y la tercera sesión de CINEMA Shorts.

La Sala Val del Omar ha acogido la presentación del documental producido por Sarao Films que muestra de nuevo aquellas imágenes de la niña Marisol, para acabar descubriendo a la verdadera Pepa Flores. El productor José Carlos de Isla y la actriz Irene Lázaro han sido los encargados de presentar este biopic que compite en Sección Oficial. 

El escritor Antonio Manuel ha presentado Fandango, documental al que él mismo define como “una película flamenca” y que muestra una de las manifestaciones músico-populares más antiguas que existen en la Península Ibérica. La directora Remedios Malvarez ha agradecido la acogida del público ante una sala llena y junto al también director Arturo Andújar han celebrado un coloquio tras el visionado. 

La tercera CINEMA Session de la noche fue para la primera película dirigida por la actriz Paz Vega, Rita. Con la presencia de la actriz Amada Santos y el compositor musical Pablo Cervantes, se han comentado ante el público cuestiones del rodaje, la interpretación, la composición y elección musical, y todo lo que ha supuesto participar de la mano de Paz Vega en esta película.

La Sala Josefina Molina se ha vuelto a llenar en la tercera sesión de CINEMA Shorts, donde han participado tres equipos de los cortos que se han proyectado en esta ocasión. En la gran pantalla se han podido ver El monstruo de la fortuna, La bonita La banda, Apuntes para Silvia, Una historia de fuegos artificiales y Tu última pregunta.

CINEMA Training y CINEMA Talks

Durante la mañana se ha celebrado CINEMA Talks, con la presentación exclusiva del cortometraje Melón, el proyecto ganador del II Campus de Cine organizado por RECORD y la Delegación de Cultura de Diputación de Córdoba. A la presentación han asistido el director Pablo Porcuna; Santi Rodríguez, actor protagonista; Gabriel Carrasco de la productora Sabbia Films y Javier Estévez, compositor. La historia de este vendedor de melones se rodó en los municipios de Dos Torres y Priego de Córdoba.

La directora de casting, Marichu Sanz, ha impartido una masterclass en la Escuela Superior de Arte Dramático en el marco de CINEMA Training. La conferencia, que ha tenido gran acogida entre los alumnos, ha tratado sobre el funcionamiento del proceso de casting cinematográfico y el rol del director de casting.

La segunda sesión de CINEMA Training ha estado a cargo del músico y compositor Pablo Cervantes. En esta sesión titulada ‘La música que cuenta historias’ ha desvelado el proceso creativo y técnico detrás de la composición musical para proyectos audiovisuales. De esta forma, ha ofrecido a los asistentes al Conservatorio Profesional Músico Ziryab un recorrido integral por cada fase del oficio, pensado para quienes desean entender cómo la música transforma imágenes en historias inolvidables.

Algo se mueve en el cine cordobés. Y, esta vez, parece que es algo serio y no una carambola. La tercera edición de la Semana del Cine de Córdoba, Cinema24, organizada por la Asociación Record, coincide con un panorama bastante efervescente y alentador para un sector que, hace solo cinco años, estaba en la lona.

Este mismo viernes dos películas de creadores cordobeses, Los restos del pasar (de Soto Muñoz y Alfredo Picazo) y Sol menor (de Chico Sánchez), llegaban a las salas de cine de todo el país, mientras que otra producción cordobesa, Un hombre libre, producida por el cordobés Guillermo Rojas, ganaba la semana un premio en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, que también le dio el premio a Mejor Película en la Sección Panorama Andaluz a Los restos del pasar.

Eso ocurría apenas unos días después de que la Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía -ASECAN- presentara sus nominaciones, con hasta siete finalistas cordobeses; de que el director, guionista y productor cordobés, Guillermo Rojas, recibiera el Premio al Mejor Cineasta de Andalucía, que entrega Canal Sur en el marco del Festival de Cine de Huelva Iberoamericano; y de que La espera, del cineasta cordobés F.J.Gutiérrez, fuera la película más vista de la plataforma Filmin, que acababa de proyectar, unos días antes, el laureado documental Miles in bello, de los Hermanos Bernier.

La guinda del pastel es que este mismo sábado, una de las actrices cordobesas más conocidas, Macarena Gómez, estrena en Cinema24 Polar, una película que produjo y rodó en la propia ciudad. “La gente tiene que entender que todo esto no surge de la nada. Es producto de algo. Y nos gustaría pensar que hemos contribuido a ese algo”, reflexiona al respecto el cineasta Edgar Burgos, director de la Semana de Cine y uno de los impulsores de la asociación Record, una de las semillas que ha conducido a este momento.

No hay que romantizar la precariedad ni de perpetuar la idea de que esto es un hobby. Hacer cine es un trabajo

Edgar Burgos — Director de Cinema24

Especialmente porque Record fue la que planteó que había que abandonar la idea romántica del cine de guerrilla que se hacía en Córdoba para ir hacia una red de profesionales. Esa red, en menos de un lustro, ha logrado cambiar en buena manera la percepción y la infraestructura del sector audiovisual en Córdoba.

“En 2019 nos dimos cuenta de que el cine en Córdoba había desaparecido como ámbito cultural. Decidimos reunirnos, ver quiénes estábamos y qué podíamos hacer. Lo que comenzó como una plataforma abierta se convirtió en una asociación profesional que buscaba dignificar el sector”, cuenta Álvaro García, uno de los impulsores de la Asociación Record de la que es vicepresidente, y también fundador de Estudio Inania, productor de Tumbas vecinas, probablemente el cortometraje cordobés más laureado de las últimas décadas.

García, Edgar Burgos y Gabriel Carrasco (de Sabbia Films) insisten en que, para llegar a este momento, había que cambiar la cultura de la producción audiovisual en Córdoba. “Desde el principio queríamos que nuestro trabajo fuera profesional. No hay que romantizar la precariedad ni de perpetuar la idea de que esto es un hobby. Hacer cine es un trabajo, y eso implica pagar a las personas que participan y gestionar los proyectos con seriedad”, afirma Edgar Burgos.

Carrasco añade que eso también pasaba por movilizarse, asociarse, crear un grupo con capacidad para poder movilizar a las instituciones, que han pasado, en este lustro, de ignorar el impacto del cine local y provincial, a apoyarlo de forma creciente. Detrás de ello ha estado Record, impulsora de iniciativas como Cinema Lab, el directorio Cinema Database y el Campus de Cine.

De hecho, si de algo se saca pecho, es de haber trabajado para crear un ecosistema en Córdobas en el que los cineastas pueden desarrollar proyectos con apoyo técnico y logístico, y en el que se han estrechado lazos con instituciones educativas y públicas, permitiendo una mejor formación y conectividad entre profesionales.

“Una película tan potente como Los restos del pasar recibió una ayuda de Toma Primera, que fue una iniciativa que nosotros impulsamos junto con Diputación”, explica, poniendo como ejemplo la exitosa cinta, dirigida por los cordobeses Soto Muñoz y Alfredo Picazo, que ha triunfado en Gijón y Sevilla, y que se llegó a proyectar en el Festival de Cine de Cannes.

La consolidación de un festival propio

Hablando de festivales, también es obligatorio situar el papel que ha tenido la Semana del Cine de Córdoba, para generar la corriente que mueve la bovina del cine Córdoba. Esta cita comenzó como Cinema 21 con pequeñas proyecciones, pero se ha transformado en un evento referente en Andalucía. Su evolución ha sido orgánica, pero su éxito responde a un esfuerzo colectivo y a una marca de ciudad.

“El festival nos ha permitido proyectar el cine cordobés y atraer películas que ahora quieren estar aquí. Hemos pasado de buscar películas a que nos busquen a nosotros”, señala Edgar Burgos, consciente, en cualquier caso, de que, si esta cita quiere seguir creciendo, tendrá que llegar más apoyo público.

En la tercera edición, que ha arrancado este viernes, no falta el cine cordobés. Uno de los platos fuertes es el estreno de este sábado de la ópera prima de Macarena Gómez como productora, Polar, un thriller rodado en Córdoba en 2021, y que aún no se había estrenado. No obstante, Edgar Burgos recuerda que La espera, que viene de recibir un relevante respaldo crítico en cines en Estados Unidos, fue la película ganadora el año pasado en la Semana de Cine de Córdoba, lo que, a su juicio, indica que hay conexiones en todo lo que ha ido conduciendo hasta el presente.

Los retos pendientes: rodajes y financiación

A pesar de los avances, el cine en Córdoba sigue teniendo delante retos importantes. Uno de los mayores es la atracción de rodajes. Según Gabriel Carrasco, la ciudad tiene grandes ventajas logísticas y geográficas, pero necesita un mayor compromiso institucional. Burgos coincide en que Córdoba tiene las infraestructuras y el talento, pero falta apoyo para atraer rodajes.

“En ciudades como Sevilla o Málaga, las instituciones ofrecen facilidades económicas y logísticas que aquí no existen. Es una competencia real, y si no damos el paso, los proyectos se irán a otros sitios”, advierte el cineasta, mientras que Álvaro García añade que también hay todavía déficit de profesionales. No obstante, cree que esto se paliará pronto, ya que, desde hace unos pocos años, la ciudad cuenta con el Máster de Producción y el Grado de Cine que ofrece la Universidad de Córdoba.

Eso sí, desde Record apuntan que el auténtico desafío sigue siendo el cambio cultural en torno a la gestión audiovisual. Así, cuentan que, mientras los talleres de guion o dirección agotan las plazas, los de producción y financiación se quedan prácticamente vacíos. De nuevo, la idea romántica del cine como arte se impone a la realidad del cine como oficio con cuota de autónomo y facturas trimestrales.

Los miembros de Record se ríen. “El talento y las ganas están, pero hay que entender que sin profesionalización es muy difícil avanzar. El cine no se hace solo con pasión; también requiere planificación y recursos”, concluye Álvaro, antes de que se apague la grabadora, y todos los presentes entren en una sala oscura, donde se proyectan películas que son los sueños (y desvelos) de decenas o cientos de profesionales.

Fin de semana grande para el cine cordobés. Este viernes llegan a las pantallas de toda España dos películas producidas y dirigidas por equipos creativos cordobeses, un pequeño hito que difícilmente ocurre en el panorama audiovisual actual. La coincidencia es fortuita, pero también sirve para valorar el activo tejido del cine independiente facturado fuera de los grandes centros creativos: Madrid y Barcelona.

Las propuestas son, además, bien distintas. Por un lado está Los restos del pasar, la película dirigida y escrita por los baenenses Luis Soto Muñoz y Alfredo Picazo, que acaba de recibir el premio a la Mejor Película de Panorama Andaluz en el marco del Festival de Cine Europeo de Sevilla, Sevilla y ha sido nominada al Premio ASECAN a la Mejor Dirección de Cine

Anteriormente, la película obtuvo el Premio Fipresci al Mejor Largometraje ‘Tierres en trance’, el galardón al Mejor Montaje de Película Española, una Mención Especial del Jurado en la 61 edición del Festival de Gijón, otra en la Competición Nacional de la 21 edición de Documenta Madrid y fue seleccionado para Cannes Docs, sección oficial de documentales del Festival de Cannes.

Los restos del pasar, que llegará a los cines el 29 de noviembre, explora los últimos días de un hombre, Antonio, mientras sus recuerdos lo trasladan a un pasado que marcó su vida para siempre y en la evocación de una Semana Santa de su infancia en un pequeño pueblo de Córdoba.

Es una producción de Mubox Studio y Du Cardelin Studio, que ha contado con la colaboración del Ayuntamiento de Baena y la participación de Canal Sur, Caja Rural Baena, el apoyo de ECAM y el patrocinio de Diputación de Córdoba.

Además, este viernes también se estrena Sol Mayor, el largometraje dirigido por Chico Sánchez, y producido por Actúa Córdoba, con producción ejecutiva de Gonzalo Moya, natural de Vera, Almería. El estreno tendrá lugar en el Cine Regio de Vera (Almería) a las 17:00 horas. Las entradas para esta proyección inicial estarán disponibles exclusivamente mediante reserva previa en el Ayuntamiento de Vera, uno de los patrocinadores del largometraje.

Además, el film se proyectará en los Cines Axion de Córdoba y en el Cine Artistic Metropol de Madrid, mientras se confirman los detalles para un pase especial en Bédar (Almería), uno de los escenarios clave del rodaje.

Sol Mayor es una obra que entrelaza tres historias diferentes en un mismo espacio, pero en tiempos distintos, explorando cómo nuestras acciones dejan marcas en los lugares que habitamos, conectando vidas más allá del tiempo. El film cuenta con un elenco de nueve actores entre los que destacan grandes nombres como Mónica Bardem o Antonio Meléndez-Peso.

La Asociación de Escritoras y Escritores Cinematográficos de Andalucía -ASECAN- ha dado a conocer esta mañana las nominaciones, en las 13 categorías competitivas, a los 37 Premios Asecan del Cine Andaluz, que se entregarán el próximo 21 de diciembre en Sevilla, gracias a la colaboración oficial de Fundación SGAE y Fundación AISGE, y al apoyo del Ayuntamiento de Sevilla, EGEDA, Platea Odeón Imperdible y la red de Cines de Andalucía.

En esta convocatoria, el Premio Asecan Mejor Película Andaluza se lo disputarán ‘La infiltrada’ de Arantxa Echevarría para Bowfinger International Pictures, Beta Films Spain, Esto también pasará, Film Factory Entertainment, Beta Fiction Spain, Atresmedia Cine, Movistar Plus, Mogambo y Crea SGR; ‘Los últimos románticos’ de David P. Sañudo para La Claqueta PC e Irusoin; ‘Por donde pasa el silencio’ de Sandra Romero para Mammut, Icónica Producciones, Auna Producciones y Playa Chica Films; y ‘Solos en la noche’ de Guillermo Rojas para La Claqueta PC y Summer Films.

Los cineastas andaluces que este año aspiran al Premio Asecan Dirección de Cine son Benito Zambrano por ‘El salto’, Guillermo Rojas por ‘Solos en la noche’, Luis Soto Muñoz y Alfredo Picazo por ‘Los restos del pasar’, Remedios Malvárez y Arturo Andújar por ‘Fandango’, y Sandra Romero por ‘Por donde pasa el silencio’.

Por el Premio Asecan Guion de Cine compiten Flora González Villanueva por ‘El salto’, Guillermo Rojas por ‘Solos en la noche’, Remedios Malvárez y Miguel Ángel Parra por ‘Fandango’ y Sandra Romero por ‘Por donde pasa el silencio’.

En esta edición las series de televisión vuelven a concurrir y, por primera vez, la dirección y el guion para series de televisión competirán en su propia categoría. Por otra parte, los intérpretes y técnicos de series concurrirán con sus homólogos en largometrajes de ficción o documental para cine.

Precisamente este año las nominadas al Premio Asecan Mejor Serie son ‘En fin’ de Different Entertainment, ‘Operación Barrio Inglés’ de Onza Entertainment y Emociona Media, y ‘Una perra andaluza’ de Copodenieve Producciones.

Este año Asecan reconoce también el trabajo de directores para series con el Premio Asecan Dirección de Series de TV en el que concurren David Sainz por ‘En fin’, Pablo Tocino por ‘Una perra andaluza’ y Violeta Salama por ‘Detective Touré’. Por el Premio Asecan Guion de Serie de TV compiten David Sainz por ‘En fin’ y Pablo Tocino por ‘Una perra andaluza’.

Este año, para el Premio Asecan Fundación AISGE Interpretación Femenina, las nominadas son Adelfa Calvo por ‘¿Es el enemigo? La película de Gila’, Beatriz Arjona por ‘Solos en la noche’, Carmen Escudero por ‘Alumbramiento’, Mona Martínez por ‘Por donde pasa el silencio’ y Tamara Casellas por ‘Por donde pasa el silencio’.

Por su parte, los intérpretes masculinos nominados al Premio Asecan Fundación AISGE Interpretación Masculina son Alfonso Sánchez por ‘Solos en la noche’, Antonio Araque y Javier Araque por ‘Por donde pasa el silencio’, José Manuel Poga por ‘En fin’, Pablo Gómez Pando por ‘Solos en la noche’ y Víctor Clavijo por ‘El marqués’.

Por el Premio Asecan Música Original competirán Fernando Vacas por ‘Miles in bello. Juan Bernier en la guerra de los españoles’, Miguel Rivera por ‘Solos en la noche’, Pablo Cervantes por ‘Operación Barrio Inglés’, Pilar Onares por ‘Summers, el rebelde’ y Sergio de la Puente por ‘Verano en diciembre’.

Las obras nominadas al Premio Asecan No Ficción son ‘Marisol, llámame Pepa’ de Blanca Torres, ‘María la portuguesa’ de Eduardo Montero, ‘Atín Aya. Retrato del silencio’ de Hugo Cabezas y Alejandro Toro y ‘De caballos y guitarras’ de Pedro G. Romero.

Mientras, en la categoría de Mejor Cortometraje concurren ‘El tribunal’ de Carmen Tortosa, ‘La noche dentro’ de Antonio Cuesta, ‘Tumbas vecinas’ de José Antonio Gutiérrez Bustos, ‘Uranites’ de Marina Arenas y ‘Viaje alrededor de mi ordenador’ de Daniel Natoli.

Asecan destaca cuatro publicaciones de temática cinematográfica que competirán por el Premio Libro de Cine y/ audiovisual: ‘Elmer Bernstein, melodías de Hollywood’ de Juan Ignacio Valenzuela publicado en Saimel Ediciones, ‘El mundo es nuestro’ de Alberto López, Alfonso Sánchez y Pepe Barahona en El Paseo Editorial, ‘Hey, dude! El toque Coen’ de Francisco Javier Rodríguez Barranco en Ediciones Azimut y ‘Una mirada femenina’ de Miguel Jiménez en Ediciones JC.

Finalmente por el Premio Asecan Otros Formatos compiten ‘Casa Carreras’, videoclip del grupo musical Vera Fauna; ‘Strachan, complejidad y contradicción de una arquitectura ecléctica’, pieza audiovisual que conmemora el centenario de la Casa de las Palmeras; y ‘Un mundo violento’, podcast de ficción de David Sainz.

Tradicionalmente Asecan reconoce también los trabajos de diversos colectivos cuya principal preocupación es difundir, fomentar, debatir e informar sobre el cine andaluz con los Premios Juan Antonio Bermúdez a la Labor de Difusión y a la Labor Informativa. Ambos serán concedidos por jurados y se darán a conocer en próximas fechas junto al Premio Asecan Cines de Andalucía Industria y el Premio Asecan de Honor 2024.

En esta edición de los Premios ASECAN se han recibido en total 275 inscripciones, de las cuales 164 han sido para las categorías individuales y 111 para las colectivas, destacando entre estas últimas 18 largos de ficción, 27 largos documentales y 48 cortometrajes.

El acto de entrega de los 37 Premios Asecan del Cine Andaluz se celebrará en Sevilla, el próximo 21 de diciembre gracias a la colaboración oficial de Fundación SGAE y Fundación AISGE, y al apoyo del Ayuntamiento de Sevilla, EGEDA, Platea Odeón Imperdible y la red de Cines de Andalucía.

Buenos días, cordopolitas. Los dos afortunados que disfrutarán del preestreno de 'Los destellos' el próximo martes 24 de septiembre en los cines MK2 Cinesur El Tablero son: Domingo Baena Guerrero y Beatriz Gautier Ramos. Ahora nos pondremos en contacto con los agraciados para daros las instrucciones concretas y recibir las invitaciones al preestreno. Gracias a todos por participar.

Aunque era un niño, recuerdo como si fueran los fotogramas de una película cómo se vivió el 23f en mi casa. Tengo fijada en mis recuerdos la imagen de la sala de estar de nuestro piso pequeño, donde mi hermano y yo hacíamos los deberes, mientras que mi madre y mi tía les daban vueltas a los disfraces del próximo carnaval. Estuvimos ajenos a lo que pasaba, hasta que llamaron a la puerta y un alumno de la academia en la que entonces trabajaba mi padre hasta las tantas de la noche nos pidió una radio en su nombre. Ay, las radios aquella tarde-noche. Yo entonces era muy pequeño para valorar lo que estaba pasando, pero si recuerdo la sensación de angustia y de incertidumbre que sentí a mi alrededor. También de alivio cuando al levantarnos a la mañana siguiente me di cuenta de que todo seguía más o menos igual. Recuerdo que ese 24 de febrero de 1981 mis padres y yo tuvimos que venir a Córdoba a una consulta médica. Entonces venir a la capital era para mí una especie de aventura. Tengo grabada en mi cabeza, como en aquella escena de una película de Amenábar, las avenidas prácticamente desiertas, la carretera apenas transitada y la cara de circunstancias del médico que tenía que verme que, además, era militar. Solo con los años sería consciente de todo lo que nos habíamos jugado aquella noche y entendería, por ejemplo, la tensión que tuvo que vivir un tío mío que entonces era concejal socialista en Cabra.  

Imagino que todos los que vivimos aquel día, y sobre todo quienes por edad eran conscientes y no digamos quienes tenían entonces un claro posicionamiento político, tienen su particular película del 23f. Lo raro es que el cine español no hubiera nunca usado ese escenario para contarnos un fragmento de nuestras vidas. Ha habido, claro, acercamientos documentales, historiográficos y hasta literarios, pero faltaba mirar a través de la cerradura y contar en la pantalla como ciudadanos y ciudadanas habían vivido ese momento tan dramático que, para algunos, supuso, junto a la posterior victoria del PSOE en 1982, el final de la transición. Eso es lo que hace Guillermo Rojas en Solos en la noche, una película cuyo título homenajea no solo a Solos en la madrugada, el clásico de Garci, sino a toda una manera de hacer cine hoy injustamente poco valorada, y que no es sino una carta de amor y agradecimiento a una generación, la de su padre y la de su madre, que fue crucial en la conquista de las libertades democráticas. Lo mejor de esta película pequeña y valiente, a la que no le habrían venido mal unos cuantos millones más de presupuesto, es su apuesta por contar ese trozo de nuestra historia con tono de comedia. Una apuesta que es clave en el que parece un compromiso evidente de su creador: evitar la melancolía.  

Con un guion que responde bien a las exigencias casi matemáticas de la comedia y con unas interpretaciones que lo salvan del riesgo en el que a veces cae de un cierto esquematismo sentimental, Solos en la noche es de esas películas necesarias en una cinematografía como la nuestra tan poco dada, hasta hace relativamente poco, a mirar y a mirarse en la historia más cercana. En este caso, su gran acierto es que opta por hablarnos de nosotros mismos, de quienes fuimos pero también de quienes somos, a través de lo personal e íntimo, que es por supuesto político y que forma parte de esa enredadera sobre la que se construye un ethos colectivo. De esta manera, Guillermo Rojas no solo nos está contando la historia de unos abogados laboralistas que en aquellos primeros años de democracia jugaron un papel esencial en la articulación de un sistema de derechos recién estrenados, sino que también nos apunta con inteligencia cómo en ese momento empezaban a cambiar las formas de relacionarnos, de amar, de ligar o de crear una familia. Cómo entonces estábamos pasando del singular al plural, de la unicidad a la diversidad. Un mundo nuevo en el que, a diferencia de en épocas anteriores, y tal como vemos en la pantalla, las mujeres dejan de ser las “señoras de” y empiezan a convertirse, no sin esfuerzos, en seres autónomos y soberanos. Incluso para amar o follar. Una auténtica revolución de las costumbres de un país en el que veníamos de un Código Civil en el que las casadas eran una especie de menores de edad bajo la tutela de los maridos. Y el resto, unas frescas. Todo ello amparado por una Iglesia metomentodo con la que, sin embargo, todavía no hemos concluido la necesaria transición. 

La pieza de cámara, casi teatral, que nos propone Rojas funciona porque ha tenido la suerte de contar con unas actrices y unos actores que hacen suyos unos personajes en los que vemos una completa galería de tipos que reconocemos con facilidad y que no varían mucho de los que hoy encontraríamos en cualquier grupo de amigos o colegas. Destacan por sus matices y verdad Paula Usero, cuya Marisol podría ser la secundaria entre inocente y valiente de una película de Woody Allen, y un Pablo Gómez-Cando que nos hace tan creíble a Paco, ese hombre que es una suerte de anti-héroe, en las antípodas del viril sujeto también machirulo de izquierdas, y que tanto nos dice de lo muy necesario que es, para nuestra salud, pero también para la de la democracia, curarse de hombría.  

Sin ser una película redonda, ni falta que le hace, Solos en la noche transmite todo el amor con que Guillermo ha tejido a los personajes y toda la ternura, que también es política, sobre lo necesario en cualquier democracia del compromiso de los sujetos que desde su ámbito profesional – en este caso, la abogacía, en claro homenaje a aquellos históricos hombres comprometidos del despacho de San Felipe – reman para que el sistema funcione, y a ser posible sin que deje fuera a los más vulnerables. Desde ese vínculo, que es íntimo y ético, Rojas nos ha escrito no solo, como apuntaba antes, una carta de amor a los hombres y mujeres de una generación de este país, y también a las referencias culturales que les sirvieron de sostén emocional, sino también, y no creo que peque de exagerado, una carta de amor a la democracia. Una llamada de atención, como nos hace Paco a través de una radio que no sabe si estará escuchando alguien, sobre la fragilidad de este sistema que pretende organizar  la convivencia sobre la igualdad de derechos. De esta manera, Solos en la noche abre también una ventana hacia el futuro y se convierte no solo en un ejercicio de memoria democrática sino también en un horizonte de posibilidad para unas jóvenes generaciones que tal vez piensen que los derechos se heredan y no se luchan. Una lección que, con la ternura y el humor que encierran esta película, esas dos armas tan revolucionarias, incorporo desde ya en el programa de las asignaturas que enseño en Derecho.

Un fin de semana de estrenos alejado de los grandes nombres y de los taquillazos (en principio). Pasamos al cine más de autor, donde más vale la imagen por cómo está contada, que por el mero hecho de contarse. De los guiones. De las historias bien contadas. O mejor dicho, de las que vale la pena contar. Si hay un deportista que ha logrado poner el nombre de un deporte hasta la fecha casi desconocido en España, en el prime time nacional, ese es Ilia Topuria, el primer español (aunque nacido en Georgia) campeón de la Ultimate Fighting Championship (UFC), la competición más prestigiosa del mundo de las artes marciales mixtas.

Topuria: Matador narra la historia de superación de este luchador, desde su Georgia natal en guerra y su llegada a España, hasta catapultarse como el campeón mundial. Puro desenfreno dentro de una jaula, y bajo la dirección de un Giampolo Manfreda que también debuta en este formato.

Y si asfixiante es, sin lugar a dudas, verse encerrado en ese octógono frente a frente con Ilia, no lo es menos la tensión y la angustia, aunque desde un punto de vista cómico y frenético, que se generan entre las paredes por las que transcurre la nueva obra del director cordobés Guillermo Rojas (Una vez más), que da vida a una de esas historias que merecen la pena ver y escuchar. La de unos abogados laboralistas muertos de miedo durante la noche del 23 de febrero de 1981. Todos ellos inspirados en algunos de los que integraban entonces el despacho cordobés de la calle San Felipe.

Como se ha dicho, la trama de Solos en la noche, muy coral y con un reparto integrado, entre otros, por figuras como Pablo Gómez-Pando (La chica invisible), Andrea Carballo (Séptimo) o Alfonso Sánchez (El mundo es nuestro), pone su mirada en este grupo de abogados, significados políticamente, que se esconde en una casa cuando se produce en España el golpe de Estado del 23-F. Sin saber muy bien qué hacer, discutirán entre huir del país, permanecer escondidos a esperar acontecimientos o intentar hacer algo para defender la joven democracia española. “Quieto todo el mundo”. Sin saber qué hacer. Como ellos mismos. Disfruten en el cine.

Y de la comedia política, a un thriller con sello nacional y nuevamente rodeado de una atmósfera que corta el aire. Una casa de campo y una conversación entre un (supuesto) periodista y un afamado escritor de novelas de misterio. Bajo ese punto de partida se envuelve la nueva película de David Marqués, Puntos suspensivos. Un creador con amplia experiencia en clave de comedia, al haber participado, entre otros, en la saga de Campeones, Descarrilados o la reciente Odio el verano.

El reparto lo encabezan Diego Peretti (El robo del siglo), José Coronado (No habrá paz para los malvados) o Cecilia Suárez (La casa de las flores) y la historia transcurre cuando Leo, este exitoso escritor, está en mitad del proceso de escritura de su próximo libro, aislado en un chalet, y recibe la extraña visita de quien dice ser un periodista. Lo inquietante es que Leo firma siempre bajo un pseudónimo y nadie, más allá de su agente, conoce su verdadera identidad. Por tanto, ¿cómo ha conseguido esta persona dar con él? ¿Qué intenciones tiene?

Una historia trepidante cargada de mentiras, tradiciones y muchas amenzadas de muerte. Un duelo sin piedad entre dos personajes a cada cual más misteriorso. Y en el fondo de todo, una joven amante.

Cine dentro del cine. Christophe Honoré (Vivir deprisa, amar despacio) dirige Marcello mio, obra que cuenta el interés de Chiara Mastroianni en dar vida nuevamente a su padre, el afamado actor italiano Marcello Mastroianni, fallecido a mediados de los 90 y con un amplísimo historial cinematográfico a sus espaldas.

De este modo, su progenitora, sometida a una fuerte presión, decide un día devolverle a la vida a través de ella misma. Se hace llamar Marcello, se viste como él y pide que la consideren ahora un actor, no una actriz. La gente que la rodea cree que se trata de una broma pasajera, pero Chiara está decidida a no renunciar a su nueva identidad...

El fin de semana de estrenos también se abre paso con el terror. En este caso, con la ópera primera de Eren Celeboglu y Ari Costa, quienes se sumergen en el género del 'slasher', dando cabida a ciertos mitos clásicos del género, conjugados con la inocencia y la infancia. Puro disfrute de miedo. Un juego a vida o muerte.

Y es que precisamente ese el concepto del propio título de la película, Juega o muere. La cita dispone, además, de un amplio y conocido reparto, donde figuran nombres como los de Keith David (Platoon o Están vivos), Asa Butterfield (El niño con el pijama de rayas o La invención de Hugo) o Natalia Dyer (Stranger Things).

La historia se centra en un grupo de adolescentes del conocido pueblo de Salem, los cuales descubren una daga maldita que libera a un demonio que los fuerza a jugar a versiones crueles y sangrientas de los típicos juegos infantiles: no habrá ganadores, solo supervivientes.

Finalmente, también hay espacio en las salas de cine para la animación. Y no una cualquiera, sino que llega Transformers One, de la mano de Josh Cooley, un reputado director de cine vinculado a la animación, al haber participado en obras como las sagas de Toy Story o Inside Out. Además, el reparto de voces tampoco se queda corto, con la presencia de actores muy conocidos en el universo Marvel como Chris Hemsworth (Thor) o Scarlett Johansson (Viuda negra), además de los míticos Laurence Fishburne (Matrix) y Steve Buscemi (Reservoir Dogs).

Es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos.

Tienes los horarios y entradas de estos estrenos y de toda la cartelera aquí.

Quien había llegado a este mundo en febrero de 1981 recuerda dónde estaba el 23F. Algo a lo que no pueden responder ni la mayoría de actores y actrices de la película Solos en la noche, quienes aún no existían la tarde que Tejero gritó en el Congreso “quieto todo el mundo”, ni tampoco su director, el cordobés Guillermo Rojas.

Una circunstancia que no les ha impedido reconstruir aquellas horas históricas en clave de comedia política y humana, con un grupo de abogados laboralistas muertos de miedo como protagonistas. Todos ellos inspirados en algunos de los que integraban entonces el despacho cordobés de la calle San Felipe.

El segundo largometraje de este director, guionista y productor afincado en Sevilla llegará a los cines el 20 de septiembre tras pasar por el Festival de Málaga, el Atlántida de Palma de Mallorca o haber recogido cuatro premios en el Festival de Islantilla. Un filme rodado entre Utrera y Priego de Córdoba, que sin rehuir de lo político ni de esa piedra aun en el zapato de la democracia española que fue el fallido golpe de estado, pone el foco en las personas, en los valores de la comunidad y en los recuerdos de lo que a Guillermo le contaron sus padres sobre aquella noche.

El número de septiembre de la revista Fotogramas publica una crítica de cuatro estrellas, de esas que roban el corazón al equipo y otorgan buenos augurios para la película. “Esta es una de esas películas pequeñas que van haciéndose grandes según avanzan”, comienza; que “no renuncia a una mirada, tierna, cómplice y con mucho humor a pesar de lo grave del momento”, sigue; y termina lamentándose de que “no se hagan más películas así en España”.

El próximo viernes 13, el director y el equipo acompañarán -en los cines MK2 de el Tablero- el preestreno de Solos en la noche, en una emocionante sesión en la ciudad donde vivieron el 23F las personas que la inspiran. 

Esta historia en mi imaginario siempre estuvo ambientada en la ciudad de Córdoba

PREGUNTA (P). La semilla de esta historia está en el célebre despacho de abogados laboralistas de la calle San Felipe, en Córdoba, un lugar que ya no existe.

RESPUESTA (R). Bueno, la semilla se remonta mucho tiempo atrás, porque el 23F fue una fecha que para mi familia siempre fue importante porque fue un día que, digamos, tuvo su miga, su importancia. Mis padres pertenecían a ese grupo de personas significadas políticamente, comprometidas de izquierdas y si el golpe triunfaba, lo podían pasar mal. Mi padre trabajaba como abogado en ese despacho. Entonces, cuando el golpe finalmente fracasa, pues ellos se llevan una gran alegría y empiezan a recordar esas vivencias y a contarlas. Esa noche mis padres se fueron a un chalet en la zona del Brillante con varios amigos, un poco a ver qué pasaba, a pensar qué podían hacer si el golpe triunfaba con toda la incertidumbre del momento. Pero cuando el golpe realmente no triunfa hay en ellos algo de relajación. 

Esa democracia que durante los años de la transición había sido tan convulsa, pues hacía que no las tuvieran todas consigo. Mi padre me contaba que cuando el golpe fracasa, ellos se dan cuenta de que quizá la democracia sí que puede ir en serio y que el país puede entrar realmente en una nueva etapa. Y yo creo que también está muy vinculado con lo que pasa en el año 82, con la victoria socialista en las elecciones generales, que hay un chip en el que la sociedad española cambia y parece que está deseando abrazar un tiempo nuevo. Creo que las cosas que él me contaba del 23F estaban vistas desde la lejanía con ese cariño. Una fecha que podía haber sido muy jodida ellos la recordaban como un punto de inflexión positivo, que les dio mucha fuerza y mucha alegría de vivir. 

P. ¿Y cuándo supiste que querías hacer una película con todo eso?

R. Creo que hace bastante tiempo, porque mi padre siempre me lo contaba como una pequeña batallita y yo siempre he tenido como inquietud escribir. Recuerdo que con diez, doce años ya pensaba que podía escribir algo, algún relato, empecé a escribir algunos capítulos de novelas en la adolescencia, pero aquello no fue ninguna parte. Y siempre pensé que ahí había una historia, pero tal como me lo contaba mi padre, que siempre lo fabulaba y lo contaba de una manera que a mí me recordaba mucho al cine de Woody Allen o al tono que podían tener las primeras películas que yo vi con mi padre, con esa edad, con 10, 12 años. En mi mente me imaginaba que podía hacer un mix entre esa historia de mis padres y ese universo cinematográfico de Allen que tanto le gustaba a él.

Entonces, empecé a pensar en hacer algo desenfadado, algo que fuera tierno, bonito, pero nunca pensé en hacer algo dramático. Cuando estaba preparando la película la gente me decía que por qué ese tono de comedia, por qué acercarte a un momento que pudo ser tan jodido desde un punto de vista de la comedia. Y es que yo creo que lo más importante es que la comedia estuvo antes incluso que la historia, porque yo quería hacer un homenaje a esas personas que eran jóvenes en la transición, que tenían muchas ganas de celebrar y de vivir y que el golpe podría haber sido como un verdadero golpe, nunca mejor dicho, mortal para esa ideología, ese idealismo que tenían. 

Mis padres pertenecían a ese grupo de personas significadas políticamente, comprometidas de izquierdas y que si el golpe triunfaba, lo podían pasar mal

P. De todos modos ¿no crees que hoy en la comedia caben muchas cosas?

R. Sí, mira, hay dos momentos que indican que tuve muchas dudas. Hice un primer planteamiento algo más serio, que no me acababa de cuajar. Yo tenía en mi mente hacer algo de comedia clásica, tipo Lubitsch o Billy Wilder. Pero hay dos películas que para mí son cruciales, en el sentido de que creo que se puede hacer algo parecido a lo que los cineastas hicieron en esas películas. Una es la película sueca Juntos de Lukas Moodysson [2000], una película que ganó el Festival de Gijón y que programamos en el Cineclub de la  Facultad de Comunicación, en Sevilla, en mis años de universidad. Trata sobre una comuna hippie en los años 70, que arranca cuando se enteran por la radio que Franco ha muerto. Y entonces eso les provoca mucha alegría, no una pequeña satisfacción, sino como un golpe de suerte, algo bonito, Y está basado también en los recuerdos infantiles del director que se crió en una comuna como esa. Es una película muy tierna, tiene muchas cosas del cine de Campanella y también es una reflexión sobre la izquierda y su pensamiento crítico, pero a la vez es jugosa y hay enredo entre parejas. La vi cuando tenía 18 ó 19 años y pensé, con todo lo del golpe de estado de mis padres, igual se puede hacer algo así ¿no?.

Y la otra película es una comedia española de Borja Cobeaga, que se llama Fe de etarras [2017]. Es una comedia sobre un comando terrorista de ETA que está en una ciudad, no sé si era Valencia, esperando órdenes de sus superiores para cometer un atentado y como esas órdenes no llegan, empiezan a relajarse, empiezan a disfrutar de la vida y aquello del terrorismo les va quedando cada vez más ajeno, se van integrando en la comunidad con los vecinos y casi toda la película está centrada en ese comando, en cómo viven dentro del piso franco. Entonces yo veo que hay cosas que pueden funcionar, o que creo que llegan al corazón, que son tiernas, y parto un poco de ahí para elaborar lo que es el primer tratamiento de guión, que después ha cambiado bastante, porque también te vas documentando cada vez más, va viendo cosas que crees que funcionan y otras que no, pero más o menos la comedia siempre estuvo ahí y a partir de una cosa personal, hago una especie de homenaje a una generación. 

P. Creo que eres de los primeros autores que van a invitar a ver el 23F con una sonrisa…

R. Pues yo creo que sí, pero también porque igual la vida lo ve un poco así. En el último festival que estuvimos, que fue el Festival de Cines de Islantilla [donde Solos en la noche ganó cuatro premios, entre ellos el de Mejor Película], al final de la proyección, que gustó bastante, un matrimonio mayor se me acercó llorando y me dijeron, muchas gracias por hacerme recordar una época tan dura con una sonrisa, no sabía que se podía recordar aquello con alegría. Entonces, no es una cosa deliberada porque yo creo que lo he hecho más desde mi lugar, de intentar poner en pie, a ver cómo lo digo, de recrear la juventud de una serie de personas que yo admiro y quiero. Es un poco como volver a cómo eran ellos de jóvenes. Una especie de máquina del tiempo personal, un pequeño capricho que me he permitido. Y la verdad es que te vas dando cuenta que la película apela a un momento importante de la historia del país.

Hay algo como de catarsis colectiva, de que mucha gente se siente identificada. A lo mejor no con todo lo que les pasa a los personajes, pero los espectadores también son partícipes porque recuerdan un poco dónde estaban ellos. Y en algunos coloquios pasa eso, que la gente más que preguntarme sobre por qué hemos hecho las cosas técnicas, el rodaje y tal, prefieren compartir dónde estaban el 23F y lo que les había pasado a ellos.

P. Volviendo al lugar del que parte de tu película, a lo mejor hay mucha gente que va a leer esta entrevista que no sabe que existió un despacho de abogados laboralistas en la calle San Felipe, que fue como la versión cordobesa del famoso despacho de Atocha de aquellos años ¿Qué les contarías de aquel lugar?

R. Bueno, es que en esa época, en esos años de la transición, los despachos laboralistas que había en España eran un foco de defensa de las libertades y de la integración social, porque estaban muy vinculados con los trabajadores, con los obreros de las fábricas, asesoraban en huelga, en reclamaciones. Entonces, esa fue la causa por la que hubo un atentado en enero del 77 en el despacho de abogados de Atocha [en el que asesinaron a cinco personas y otras cuatro resultaron heridas], porque eran una amenaza para ese sector de la sociedad que quería volver a los tiempos oscuros, como se menciona en la película.

Entonces aquí en Córdoba, pues es verdad que el despacho donde trabajaba mi padre [Paco Rojas, ya fallecido], con otros abogados como Filomeno Aparicio, por ejemplo, estaba muy vinculado con los sindicatos, con Comisiones Obreras, el  alcalde de la ciudad era Julio Anguita, en el 81, o sea que Córdoba también tenía esa cosa de lucha y defensa de esas libertades y de los derechos de los trabajadores, que hacía que sintieran mucho miedo, porque ellos estaban en contacto directo con gente que estaba haciendo reivindicaciones sociales. Entonces, ellos mismos estaban como en el ojo del huracán y por eso deciden coger tres, cuatro carpetas, cosas y salirse un poco del núcleo de la ciudad porque realmente había miedo a qué podía pasar porque estos despachos estaban muy vinculados con esos movimientos sociales. He querido poner un poco en valor el cómo la sociedad también se nutre de ciertas sinergias y de lo que ahora se llaman las redes sociales, que en esa época existían fuera de lo virtual y los despachos de abogados laboralistas funcionaban de esa manera.

La gente me decía que por qué ese tono de comedia para acercarme a un momento que pudo ser tan jodido

P.¿Y qué imagen nos devuelve tu película, como un espejo, a los ciudadanos de hoy?

R. Bueno, yo no he querido hacer una película solo del pasado, sino que también de diálogo con el presente y creo que eso es algo que hacemos habitualmente en la productora [Summer Films], también con Laura [Hojman, su socia y también realizadora] intentamos siempre hablar del pasado para intentar, no sé si construir una sociedad mejor, pero por lo menos replantearnos cosas que nos están pasando ahora. Y claro, la película habla de muchos temas que hoy son candentes, como el diálogo con el que piensa diferente, intentar que el colectivo se junte y poder intentar hacer algo en común, que el proyecto de país pueda ser algo factible. Y es curioso cómo el propio contexto sociopolítico del país a veces te ayuda. O sea, yo cuando empecé a hacer esta película, que fue realmente hace 12 años cuando empiezo a escribirla, el panorama político en España no era tan crispado como es ahora. Era una sociedad antes del 15M, por ejemplo, donde realmente a nivel político estaba todo como más estable. Y la película llega en un momento en el que todo eso ha saltado por los aires, con el auge de la ultraderecha, donde se están empezando a perder ciertas libertades en un mundo en el que parecía que estaban ya sólidas. 

Entonces, claro, la película en ese sentido, habla de una época en España que recién sale de la transición, donde mucha gente realmente sentía que igual que había pasado en Chile o en Argentina, podría volver a instaurarse una dictadura, todas esas libertades se podían acabar de cuajo. Creo que en ese sentido, de alguna manera, la película crece. Si hubiese  hecho la película hace cinco años, por ejemplo, no sé si hubiera llegado en el momento adecuado. Nos pasó también con el documental de María Lejárraga [A las mujeres de España, Maria Lejarraga (2022), de Laura Hojman]. Si ese documental lo hubiéramos hecho tres años antes, no hubiera funcionado como funcionó. Con ese auge del movimiento feminista, donde toda la sociedad estaba mucho más abierta a esas cosas. Entonces, supongo que también hacemos las películas que hacemos porque vivimos en sociedad y estamos un poco atentos a cómo respira. Cómo respiramos como individuos y qué nos pasa. Entonces, asimilamos cosas que desarrollamos y que después volcamos y soltamos. 

P. La película llegará a los cines el día 20, pero antes, el viernes 13, habrá un pase con público en Córdoba y coloquio posterior. Esa proyección en los cines MK2 de El Tablero será muy especial.

R. Sí, yo tengo muchas ganas de que se vea Córdoba. Es un pase una semana antes de que la película llegue a los cines y voy a estar presente con otra gente del equipo, donde vamos a poder hacer una presentación, un coloquio con los espectadores, donde vendrá mucha gente que yo quiero, familia, amigos, quienes vivieron el golpe, gente de ese despacho también. Entonces, yo creo que va a ser muy emotivo o, al menos, yo lo espero así y, sobre todo, es ver una película cuya historia en mi imaginario siempre estuvo ambientada en la ciudad de Córdoba. 

Por tanto, la película se ambienta en una ciudad de provincias, no se dice cuál es, pero podría ser Córdoba o Sevilla, pero, bueno, el corazón siempre está ahí en Córdoba. Al final se cruzó Priego de Córdoba y rodamos una parte allí.  Priego cuenta con un centro histórico muy bien conservado, donde hay pocos elementos a intervenir como farolas, ya que hay muchas farolas que siguen siendo antiguas, hay pocos bolardos, el acerado, el piso de la calzada, todavía se mantiene como en aquella época, hay pocas papeleras… Pero el centro de Córdoba está muy cambiado y hay muchos vados de cocheras, hay muchas cosas que impedían una recreación fácil para una película como ésta, que nos deja ser una película pequeña, por así decirlo. La verdad es que Priego se volcó y los vecinos estaban muy ilusionados de que hubiera un rodaje, porque no lo había desde la época de Joselito.

Hay algo como de catarsis colectiva, de que mucha gente se siente identificada

P. ¿Habrá pase de Solos en la noche allí?

R. Sí, en Priego vamos a hacer varios pases. De hecho, vamos un mes más tarde, el 18 de octubre, que es viernes. Haremos un pase especial con el equipo, con el reparto y creo que se va a quedar varios días en cartelera en el Teatro Victoria. Aquí tenemos la suerte de que se va a quedar en los cines de el Tablero.

P. ¿Da mucho vértigo colarse en la jungla de estrenos de principios de otoño?

R. Yo qué sé, es que hay tantísimos estrenos a la semana, entre 10 y 14 estrenos, creo. De esos 14 estrenos creo que siempre hay 3 ó 4 pelis españolas y uno nunca sabe cuándo es el momento idóneo para colocar tu película. Nosotros salimos el viernes que se inaugura el Festival de San Sebastián. Entonces, eso nos ha hecho que toda la campaña de “contacto con los medios”, como estamos contigo, por ejemplo, la tengamos que hacer previa, porque esa semana ya están muchos medios nacionales volcados en la cobertura del Festival de San Sebastián. Pero es que después hay poco hueco, porque una vez que las cinco o seis películas españolas de ese momento se presentan en San Sebastián, enseguida llegan a las salas y ya digamos que está el hueco cogido, hay que intentar coger un poco esa ventana que pensamos que puede ser un buen momento, cuando la gente también vuelve de vacaciones.

Creo que es una película que aunque le puede gustar a un público más o menos joven, está principalmente enfocada a un público de cierta edad y ese público muchas veces en los meses de verano está de vacaciones o tiene otros quehaceres. Entonces, hemos pensado que es en septiembre cuando se vuelve a la ciudad y se vuelve a retomar la rutina y a volver a ir al teatro y al cine. A ver qué tal. 

P. ¿Cuánto puede durar en cartel en las salas?

R. Sabemos que es complicado, pero bueno, estamos intentando tres, cuatro semanas. Y ya sería algo muy optimista, porque las siguientes semanas se estrenan algunos títulos españoles potentes. Pero bueno, hay que hacerse hueco y tendrá lo bonito que logramos con nuestros documentales previos [Antonio Machado. Los días azules y María Lejárraga. A las mujeres de España], que es hacer una pequeña turné por España, acompañando la película, haciendo mucho coloquio, mucha presentación, contacto con el público.

Había miedo a qué podía pasar porque estos despachos estaban muy vinculados con esos movimientos sociales

P. ¿Ese contacto con el público en los festivales por los que has pasado (Málaga, Mallorca, Tarazona, Islantilla) siempre ha sido tan emotivo como contabas antes?

R. La primera vez que uno ve la película en una sala con público, no te diré que esté muerto de miedo, pero uno realmente está un poco a la expectativa de ver qué tal, cómo respira el público. Más en una película que en teoría es comedia y donde hay algunos chistes. Creo que es más una película de sonrisa que de risa, entonces, está un poco a ver si al público le gusta, a ver si le llega. Y desde el primer pase que se hizo en el Festival de Málaga yo creo que el público, la verdad, ha conectado con la historia. Quizás el que incluso ha ido con algún prejuicio, pensando que podría ser una película muy política o muy panfletaria, se ha encontrado algo que creo que es más humanista que otra cosa. Hay un componente político siempre en la película, desde el momento en el que yo decido hacerla sobre el 23F, pero hay un momento en el que se transforma en un relato de personajes, de una época, se convierte en algo que puede emocionar, y eso ha hecho que haya gustado en Málaga, que haya gustado en Palma de Mallorca, cuando se vio en el Atlántida, un festival muy de autor, donde hay propuestas muy arriesgadas y sesudas, donde a priori a lo mejor la nuestra no encajaba, no sé si por tono, y la respuesta fue positiva. Después fuimos a un festival puramente de comedia, como era el de Tarazona, donde hay comedia más de trazo grueso, por así decirlo, y donde también conectó bien con el público. Es una película que va a ganar en pantalla grande,o sea, todas las películas ganan en el cine, pero aquí creo que va a ganar mucho si uno va a la sala y está con más gente, porque hay mucho de contagio al ver la película, por eso que te decía de que apela algo que recordamos mucho.

P. Y eso que a ti te faltaban nueve meses para nacer aquel 23F del 81…

R. Pero recuerdo que fue un día importante para este país, que tuvo consecuencias importantes para gente que quiero y que conozco, entonces eso me hace conectar con la historia y hay mucho de eso también en la película.

La película llega en un momento de auge de la ultraderecha, donde se empiezan a perder ciertas libertades que parecía que estaban sólidas

P. Hablabas de que la película no evade la política, ¿dirías que toma partido?

R.  No sé, no creo que tome partido sobre esas teorías del 23F, pero sí que creo que toma partido sobre el compromiso que tenemos que tener con la sociedad actual y como ciudadanos de este país. O sea, sí que creo que está ambientada en el 23F, pero la podríamos haber ambientado un día de un terremoto o en el confinamiento. O sea, creo que el fondo, la trama no es tan importante como el tema, que es una cosa que defiendo: creo que tenemos que pensar no solo como individuos, sino en la colectividad y pensar en los demás y tener empatía y escuchar al otro para seguir avanzando.

Entonces, la película, en ese sentido sí tiene que ser política, lo va a ser, porque creo que defiende una idea de intentar llevarnos bien y de convivir y de intentar olvidar, quizás, tantas fricciones. Pasa en el panorama político actual, o sea, no me puedo creer que siempre estemos a la gresca ¿No podemos realmente ponernos de acuerdo en avanzar como se hizo en esos años de la transición? Yo estoy muy agradecido al espíritu de la transición y a lo que se hizo en ese momento, creo que quizá no se podía haber hecho mucho más.

Igual que Mandela cuando terminó el apartheid en Sudáfrica, quizá en ese momento lo inteligente era hacerlo de esa manera. Hoy día, 40 años después, sí que creo que estamos en situación de poder revisar algunas cosas que se quedaron en el tintero en la transición. 

P. Y eso que los personajes de Solos en la noche están también a la gresca.

R.  Bueno, pero hay una gresca, no diré superficial, pero sí. Hay diferentes puntos de vista. Hay un personaje que creo que es muy interesante, que es un personaje argentino, que viene huyendo de la dictadura que hay en ese momento en su país y que de alguna manera espolea a los españoles al decirles, oye, que no os podéis quedar en vuestra casa, como se queda gran parte de la población el 23F, asustada, como también era lógico. Porque igual eso que habíais conseguido aquí, a través de la muerte de Franco y esa transición pacífica que hubo durante muchos años, se puede ir al garete ¿no? Entonces, también es una película de ficción y he querido jugar no tanto con la verosimilitud, sino con la ensoñación o un recuerdo de algo que podía haber pasado. Lo importante es el alma de los personajes, no tanto lo que ellos pasan literalmente. 

¿No podemos realmente ponernos de acuerdo en avanzar como se hizo en esos años de la Transición?

P. Existe un anteproyecto de Ley de Información Clasificada que ha presentado el Gobierno. Los secretos oficiales tendrán por fin caducidad en España pero la norma se queda corta para investigar la transición. Si ya podemos reír, o sonreír, ante lo que ocurrió la noche del 23F del 81, ¿no debería también ser hora de conocer la verdad? 

R. Pues esperemos que sí, también yo creo que somos capaces de reírnos porque el golpe fracasó. Y claro, en la película se apunta algún momento sobre cuál podría ser el papel del rey. Creo que ya tenemos una democracia lo suficientemente madura como para poder aceptar que quizás figuras de la política de ese momento, pues a lo mejor sabían más de lo que se ha dicho que podían saber. Y también, hasta cierto sentido, puede ser algo lógico, porque fue un momento de convulsión. Yo creo que podemos, por lo menos, tener más información y a partir de ahí sacar nuestras conclusiones. Más de 40 años después ya se puede decir, oye, pues mira, pues sí, en el golpe estaban no solo tres unidades militares, sino que realmente estaban todos los altos mandos a la expectativa y a poco que aquello hubiera triunfado hubieran entrado todos. No lo sé, creo que realmente se puede profundizar porque tampoco pasa nada. 

En la icónica imagen cuando entra Tejero al Congreso y están todos los diputados escondidos menos Suárez, Gutiérrez Mellado y Carrillo, aunque a Carrillo no se le ve en las imágenes de Televisión Española, ostras, es que si yo hubiera sido diputado seguramente estaría también muerto de miedo y quién soy yo o quién eres tú para juzgar el miedo de las personas. Eso nos lo contaba el escritor y profesor Antonio Rodríguez Almodóvar en el documental de Antonio Machado, hablando sobre el papel de Manuel Machado que tuvo cuando se entera que Antonio Machado muere en el exilio. Como decía, es muy difícil juzgar el miedo de la gente ante, por ejemplo, que Manuel Machado realmente se vendió al régimen franquista.  Hay ciertas circunstancias que se pueden igual no compartir, pero bueno, las puedes entender. 

P. El tono de comedia, su trasfondo político, ¿hacen de esta película una rara avis en el panorama de las comedias actuales españolas?

R. Desde luego, yo creo que es una comedia que se proyecta a un público diferente, porque no se hacen en este tipo de películas en España ahora. ¿Por qué? Pues, bueno, supongo que es una corriente que ha ido cambiando con los años, porque sí que se hacía cuando yo era un chaval, en los 70, en los 80, yo crecí con el cine de Fernando Colomo, de Fernando Trueba, entonces había cosas que me llegan muy dentro y las películas que uno ve en su infancia le marcan mucho. Hay un momento en los 90 que todo cambia y creo que hay como un clic, con Tesis de Alejandro Amenábar, junto a las películas de Álex de la Iglesia, que realmente hace que el cine español salte a hacer un cine de género, como se hacía fuera de nuestras fronteras, un cine un poco a la americana o a la europea. Quizá olvidamos ciertas raíces de nuestra idiosincrasia, de cierto cine español, ¿no? Queremos intentar emular otro tipo de cine y yo creo que ahí hay como una desconexión con este tipo de propuestas. Fernando Trueba sigue haciendo cosas parecidas, hizo La niña de tus ojos también a finales de los 90, pero a partir de ahí este tipo de comedia, lo que hacía Manuel Gómez Pereira, va un poco desapareciendo porque también los directores, los creadores van cumpliendo años y va entrando gente joven con otro referente, con otro pensamiento y se va imponiendo un tipo de comedia diferente.

Ahora, por ejemplo, lo que se lleva es mucho la comedia familiar, que va a un público mucho más amplio, quizás una comedia más de chiste o de gag, que es una comedia más de situación y con unos referentes más clásicos. Pero creo que esa es la apuesta de la película intentar volver un poco a ciertas esencias que a lo mejor estaban un poquito olvidadas, habrá que ver si eso al público le interesa.

40 años después, sí que creo que estamos en situación de poder revisar algunas cosas que se quedaron en el tintero en la Transición

P. Y luego está José Luis Garci, a quién le debes el título de la película, inspirado en su Solos en la madrugada, de 1978.

R. Sí, la verdad que ese cine de la transición, también lo que se llamó “cine de la tercera vía”, por ejemplo, con películas como Asignatura pendiente, Solos en la madrugada, o Las verdes praderas se refleja algo que era propio de sus coetáneos, de esa generación que tenían 20, 30 años y que no sabían muy bien vivir en libertad, por así decirlo. Eran jóvenes criados en la dictadura y cuando llega un momento de tener que vivir con unos referentes, con toda la vida por delante, con un montón de posibilidades, no se saben bien relacionarse ni entre ellos, ni con las instituciones, ni a nivel ni afectivo, ni sexual, porque siempre tienen esas causas pendientes, que decía Garci en su primera película.

Creo que esas películas reflejaban mucho ese espíritu de lo que se estaba viviendo. Garci iba un poco por libre, pero creo que es un cine que siempre apela a la emoción, son películas muy emocionales, que conectan con la generación que vivió en ese momento. Solos en la madrugada, además, tuvo muchísimo éxito en Argentina, porque coincidió que estaba la dictadura allí en ese país. Entonces, los jóvenes argentinos la vieron como un canto de esperanza a lo que ellos estaban viviendo. 

Ese “cine de la tercera vía”, sobre todo, lo defendió durante unos pocos años el productor José Luis Dibildos, con películas como Tocata y fuga de Lolita. Era el intento de aunar cine con una vocación comercial, como el cine, por ejemplo, que hacía en los 60 Pedro Lazaga o las comedias de Alfredo Landa y Pepe Sacristán, con ese cine de autor que triunfaba en los festivales y que hacía, por ejemplo, Carlos Saura. Era un intento de hacer películas con cierto compromiso que tuvieran un componente intelectual fuerte, pero que a su vez tuvieran como una vocación comercial.  Entonces, claro, cuando yo empiezo a revisitar películas de esa época, como las ya mencionadas o Vida conyugal sana [Roberto Bodegas, 1974], es como entender que “la tercera vía” tenía todo el sentido, porque es hacer películas con vocación comercial pero que también tienen cierto compromiso y una visión de autor un poco singular. 

P. Hablemos del reparto de Solos en la noche, muy coral y con un protagonista que viene del teatro andaluz, Pablo Gómez Pando junto a otras caras más conocidas para el gran público como Félix Gómez, Paula Usero o Alfonso Sánchez.

R. Pues mira, para mí es la elección fundamental. Como esta es una película eminentemente de personajes y donde los diálogos y las situaciones entre ellos eran muy importantes, la elección del reparto fue crucial. Hemos querido intentar hacer un grupo que, sobre todo, estuviera como muy bien empastado. Es decir, que fuera creíble que, aunque cada uno del grupo tenga sus cosas y quizás responden a ciertos roles de la sociedad en ese momento, pertenecen a un grupo de personas de izquierdas. Sí que para mí era importante que no fuera simplemente un conjunto de caras conocidas, sino que fueran muy creíbles, que si íbamos a poner una pareja en pantalla, los espectadores pudieran creerse que esos dos actores pudieran ser como una pareja. 

Entonces, me he rodeado de gente con la que ya había trabajado y que son amigos y parte de la familia, como Beatriz Arjona, que tuvo un pequeño papel en mi primera película, Una vez más. También, por ejemplo, Félix Gómez, que es alguien con el que había trabajado hace 16 años en el corto La patrulla perdida, rodado aquí en Córdoba. Alguien con el que siempre digo, oye, a ver, si encontramos la forma de volver a trabajar y creo que coge el personaje de Toni, lo abraza porque prácticamente está hecho para él, pensamos mucho en él desde el primer momento. Había coincidido, aunque yo no lo había dirigido, con Alfonso Sánchez, ya que durante mucho tiempo hice making of de películas de Alberto Rodríguez y coincidí con Alfonso, donde él hizo un papel muy importante en Grupo 7, dramático además. Y aunque él es conocido por hacer de compadres y por montar su show y sus películas, tiene mucho potencial en la comedia. 

Por otro lado, el protagonista Pablo Gómez Pando, que es alguien que yo conozco de teatro, de la compañía de Teatro Clásico de Sevilla, y con el que hice una colaboración para un programa de Canal Sur, quise hacerle una prueba para Una vez más, por ver si hacía algún personaje secundario, pero no pudo, y lo tuve muy claro para que fuera el protagonista de Solos en la noche. Lo tuve tan claro que, de hecho, retrasamos el rodaje de la película para que Pablo pudiera hacerla. Entonces, la familia, digamos, se completa con Jacinto Bobo, que fue el protagonista de mi primera película y aquí también hace un pequeño papel y con Paula Usero y con Andrea Carballo a las que yo conozco a través de sus cortometrajes.

Yo veo muchas películas y veo cortos e intento seguir la máxima de Garci de no hacer castings, sino que él se obliga a ver todo lo que ha hecho ese actor previamente, que eso ya son castings. Entonces, si tú quieres ver cómo trabaja alguien, vete a ver sus películas, vete a ver sus obras de teatro. Estábamos buscando una actriz argentina que fuera residente en España y a Andrea la conocía de varios cortometrajes que programé cuando yo trabajaba en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. Es alguien a quien tenía ya en el radar. Y con Paula, aunque ha hecho más películas y ha hecho series, principalmente yo he visto un par de cortos y pensaba que podía aportar como esa luz, esa inocencia de ese personaje, que es un poco la recién llegada al despacho. 

La verdad que estuvimos ensayando con ellos una semana en Madrid, que fue fundamental para lograr esa cohesión del grupo. Yo me suelo también de rodear de un estupendo equipo de dirección que a mí me ayudan mucho a la hora de dirigir a los actores, de poder repasar el texto con ellos, de poder cambiar cosas, un guión con tantísimo diálogo, es importante que los actores encuentren el tono y se sientan cómodos. De lo que más orgulloso estoy es de cómo ha quedado el elenco. 

Somos capaces de reírnos porque el golpe de Estado fracasó

P. La mayoría no había nacido el día del golpe.

R. Algunos sí. Alfonso Sánchez y Félix Gómez sí que habían nacido. Pero los demás, no. A todos les habían contado cosas del 23F. Entonces, cuando estábamos preparando la película, les pasé muchas películas, les pasé referencias, algunos libros para que se empaparan un poquito de ese espíritu de la gente de izquierdas de esa época, porque es verdad que a lo mejor hay gente que proviene de otro contexto, y a lo mejor ve el golpe como algo que pasó y ya está. Pero es que hubo gente que lo podía pasar mal si el golpe triunfaba, ¿no? Entonces, recuerdo explicarles la matanza de Atocha, que igual no se acordaban o no la tenían fresca. Y decía, a ver, es que esto podía pasarles a nuestro protagonistas.

P. Curiosamente, Paula Usero se ha convertido en una abogada del despacho laboralista de Atocha en la inminente serie de RTVE, Las Abogadas. Parece que la vida y la ficción, riman.

R. Sí, es curioso. ese personaje le llegó después de Solos en la noche. Por eso te decía que hay momentos en el que uno hace una película, pero hay otro creador en Madrid que está desarrollando una serie, y a lo mejor se le ocurre algo porque hemos visto los dos el mismo reportaje en Informe Semanal. Y entonces, hay como una chispa y dices, vamos a hacer algo eso. Me pasó también con Una vez más, mi primera peli que habla un poco de los jóvenes españoles que tienen que emigrar fuera a buscarse la vida, porque la situación de crisis en España les impedía desarrollarse en algo como ellos querían. Y tú ves películas que son casi hermanas, como Un otoño sin Berlín o El arte de volver o La reconquista. Hay películas que hacen que parezca que uno no está solo, sino que hay otra gente en otro lugar que también piensa cosas parecidas y eso es bonito, porque es como encontrar almas gemelas en otros sitios, en otras ciudades.

P. Laura Hojman, tu social en la productora Summer Films y también directora, es productora de esta película, al igual que tú has sido productor de los exitosos documentales que ella dirigió sobre Machado o María Lejárraga ¿Qué será lo próximo? 

R. La nueva película de Laura, que se llama Un hombre libre, y es sobre el escritor de Almería Agustín Gómez Arcos, una figura también muy desconocida en España, a reivindicar. Un escritor que se tuvo que exiliar en los años 60, porque aquí en ese momento hacía teatro, ganó dos veces el Premio Nacional Lope de Vega, la censura le impidió poner en pie algunas obras, se exilia primero al Reino Unido, a Londres, y acaba en París donde, gracias a la lengua francesa, encuentra la forma de expresarse y da a conocer su voz. Es un escritor que tiene muchas cosas de Lorca, tiene muchas cosas del habla andaluza, de la miseria que deja atrás, de todo el silencio que provoca vivir en una dictadura. Hay mucho también del cine de Almodóvar, que bebe de la literatura de Gómez Arcos.

De hecho, Almodóvar aparece en el documental porque convivieron unos meses en los años 80 y nos contaba Almodóvar una cosa que les pasó. En los 80 lo que le encantaba era abrazar esa nueva libertad, esa España moderna de los años 80 y no pensar mucho en lo que había pasado antes. Y Agustín regresa a España también en esos años y tiene un pensamiento completamente diferente, porque él sí ha sufrido el exilio, él es de una generación mayor que la generación de la movida, entonces viene con cierto resquemor sobre esa parte de la sociedad que quiero olvidar. Dice, oye, pero cómo vamos a olvidar si yo me he tenido que exiliar, han matado gente, hay gente en las cunetas, cosa que ya Agustín Gómez Arcos hablaba en los años 80. Entonces, claro, hay como un cierto choque entre esa generación un poco que se siente olvidada y gran parte de la literatura de Gómez Arcos va por ahí, pero también es una literatura dura, pero optimista, es fatalista, Si todo va bien se estrenará en otoño en festivales y en 2025 en salas.

Hay películas que hacen que parezca que uno no está solo, que hay gente en otro lugar que piensa cosas parecidas y eso es bonito

P. Comenzamos esta conversación hablando de ese niño que soñaba con contar esta historia, la que sus padres le habían transmitido tantas veces sobre la noche del 23F. Has podido dirigir esa película y la has visto materializarse en pantalla ¿Alguien que lleva 20 años produciendo y dirigiendo cine en Andalucía solo puede ser un soñador?

R. Bueno, depende de cómo te lo tomes. Yo soy un gran amante del cine independiente y, sobre todo, me crié con el cine independiente americano de los años 90, con películas que se hacían con cuatro duros, que se presentaban en festivales y, si al final no las veía nadie, pues nadie las veía. Pero las primeras películas de gente como Jim Jarmusch, por ejemplo, yo qué sé, me marcó mucho cuando vi las primeras películas de Kevin Smith, de Richard Linklater, por ejemplo, gente que era capaz de expresarse y que si, no se les iba mucho la cabeza, asumían un modelo de producción asequible y bien dimensionado.

Entonces, nosotros en la productora hasta ahora hemos seguido un poquito esa máxima, intentar contar películas que sean importantes para nosotros, que sean honestas, que contemos desde el corazón, pero siempre nos regimos con un modelo de financiación o de producción que podamos controlar y eso también nos lleva a desarrollar el guión, la producción, controlar el montaje y hasta la distribución. También llevamos la distribución de las películas por festivales, por salas, porque nos gusta no terminar la película y lanzarla como a los lobos, sino como arroparla y defenderla. Y yo creo que, en ese sentido, hemos encontrado un modelo, no estoy diciendo que no queramos crecer o llegar a otros públicos o a otros territorios porque siempre es algo a lo que aspira, pero hasta ahora el tener esa pequeña infraestructura nos ha permitido, por ejemplo, sobrevivir en los años duros de la crisis, porque no teníamos un gran conglomerado de trabajadores, sino que realmente, en el fondo, éramos dos personas escribiendo nuestras historias e intentando contarlas cuando podíamos. 

Por tanto, sí que somos soñadores porque seguimos pensando que tenemos algo dentro que nos lleva a expresar y que creemos que puede conectar con alguien. Y si no tenemos más presupuesto, lo haremos con el que tengamos y si algún día tenemos la posibilidad de hacer algo de cinco millones de euros lo intentaremos contar, pero siempre desde nuestro lugar. 

P. En esta película ha entrado la Claqueta, una de las productoras “importantes” andaluzas. ¿Llegará el día en el que el cine sea una industria en el sur?

R. Sí, vamos, sin duda. Además, de hecho, la proliferación de festivales de cine, que aquí en Córdoba, por ejemplo, tenemos un festival que tiene tres años [la Semana de Cine de Córdoba], la aparición de premios como los que está haciendo la Academia de Cine de Andalucía, que bebe de todo ese trabajo previo que ya estaba haciendo ASECAN. La suerte que tenemos de que producciones nacidas en Andalucía hayan arrasado en premios, como por ejemplo el cine Alberto Rodríguez, producciones andaluzas que están viajando por el extranjero, como la película La espera de Javier Gutiérrez.

Yo creo que sí, que hay como cierto asentamiento o ha habido en estos años, incluso a nivel de formación de los técnicos, de cuando venían las producciones gordas de Hollywood a rodar aquí, nuestros técnicos podían formarse. También los productores andaluces nos hemos valido de esa experiencia para incorporar a nuestras películas y yo sí que noto que hay como mucha producción y más una cosa bonita que es que está dispersa, o sea, que no solo se concentra en Sevilla o en Málaga, sino hay gente que está, yo que sé, por ejemplo, Manuel Martín Cuenca, que está haciendo casi que una película en cada provincia andaluza, gente que está sabiendo reconocer el valor que tenemos en Andalucía.

Una película de La Claqueta como Secaderos, de Rocío Mesa, que se centra en la Vega de Granada. Creo que estamos abriendo la mirada e intentando hacer desde comedias a cine más de autor, que viaja por festivales, propuestas un poquito híbridas como las que hacemos nosotros o también el mundo del documental, que digamos que hay compañeros que están haciendo cosas estupendas.

Soy un gran amante del cine independiente americano de los años 90

El cine cordobés ha arrasado en los premios de la XVII edición del Festival Internacional de Cine Bajo la Luna-Islantilla Cinefórum, el festival más largo de España, pues dura dos meses. El gran vencedor de esta cita ha sido un film dirigido por el cordobés Guillermo Rojas, que además está a punto de llegar a los cines.

La película Solos en la noche, que narra la reacción de un grupo de abogados laboralistas significados políticamente cuando se produce en España el golpe de Estado del 23 de febrero de 1981, ha recogido el Premio ‘Luna’ al Mejor Largometraje, alzándose también con el Premio a la Mejor Dirección, Mejor Actor para Pablo Gómez-Pando y Mejor Guion para el propio Rojas.

Un espaldarazo para una película que llegará a los cines españoles el 20 de septiembre, una vez culminado su periplo por festivales, que se inició en Málaga, con la premiere de la cinta

Además, Tumbas vecinas, del cordobés José Antonio Gutiérrez Bustos, se ha alzado con el Premio del Público al mejor cortometraje en este festival. La cinta estaba también nominada a Mejor cortometraje, Premio RTVA y Mejor dirección de arte. 

Producido por la empresa cordobesa Inania Studios, (www.inania.es), este cortometraje acumula ya 14 galardones, entre los que destaca el Premio Otero ‘Milagros Alcalde’ del Jurado al Mejor Cortometraje en la Muestra Internacional de Cine de Palencia, lo que otorga a la obra la clasificación directa para las nominaciones a Mejor Cortometraje de Ficción en los Premios Goya 2025.

Una canción de Mauricio Aznar tocada ante el escritor Antonio Gala en un convento cordobés. Y una idea loca en una conversación entre un cordobés y un granadino sobre una película de Los Planetas. Dos destellos pequeños pero importantísimos en los que se puede rastrear el germen cordobés que este año tienen dos de las tres películas preseleccionadas por España para competir en los Premios Oscar como mejor película internacional.

Son dos pequeños milagros cinematográficos -ambas son, por cierto, encargos- que comparten, además, el mismo reconocimiento crítico como dos de los biopics musicales más interesantes y poco convencionales que se han rodado en los últimos años, en los que este tipo de películas se han popularizado.

Hablamos de La estrella azul, la película dirigida por el zaragozano Javier Macipe inspirada en el rockero Mauricio Aznar (líder de Más Birras); y de Segundo Premio, la película que (no) va de cuando Los Planetas se convirtieron en la banda más importante del indie español, y que ha editado (con gran reconocimiento) el cordobés Javi Frutos.

Ambas obras están en la terna junto a Marco, de los realizadores vascos Aitor Arregui y Jon Garaño (y que es otro biopic, en este caso menos musical), con la casualidad de que son dos obras vinculadas creativamente con Córdoba.

Cronológicamente, la primera que se estrenó fue La estrella azul, dirigida por este cineasta zaragozano que residió en Córdoba. Fue en el año 2011, cuando fue escogido como residente de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores.

En esta ciudad, no solo rodó una serie de cortometrajes centrados en la espiritualidad, sino que, tal y como contó en una entrevista con este periódico, tuvo un momento epifánico cuando le cantó al propio Antonio Gala una canción de Mauricio Aznar. Era Voces de Tango, una canción que luego hizo suya Enrique Bunbury.

Más curiosidades cordobesas: La estrella azul supuso el salto al largometraje del dúo que Macipe formaba con el director de fotografía cordobés Álvaro Medina, con quien ya llevaba una década trabajando. Y ambos acabaron rodando parte de la película en la provincia de Córdoba, aunque fuera en la Córdoba argentina, donde tiene lugar parte de la trama.

Mejor Montaje en Málaga

Pocos meses después de que La estrella azul se estrenara y se convirtiera en un pequeño éxito de público, llegaba a los cines Segundo Premio, la visión de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez sobre uno de los grupos más míticos de la música española: Los Planetas. Era un proyecto que llevaba años dando vueltas y que, como toda película, se hizo casi de milagro.

Lo curioso es que, en su génesis, ya estaba desde el principio un editor cordobés, Javi Frutos, que curiosamente acabó encargándose del montaje del film. Tal y como contó Frutos a Cordópolis, en el año 2008 coincidió con Cristobal García, productor de Segundo Premio, y ya entonces hablaron de lo interesante que sería hacer una película sobre Los Planetas, una banda de la que el cordobés es fan declarado.

“La cosa es que Cristóbal montó su productora hace como cinco años o así, y justo el primer proyecto que él quería sacar adelante era esta película”, rememoraba Frutos sobre un proyecto que se expuso a unas cuantas carambolas y cambios en el elenco inicial y al que llegó cuando la producción demandó un editor andaluz. Así fue como acabó haciéndose cargo de un trabajo al que ha dedicado seis meses, por el que recibió el premio al Mejor Montaje en el último Festival de Cine de Málaga, y que ahora puede llevar su nombre a los Premios Oscar.

¡Qué festival de comedias españolas! Cada semana una: Padre no hay más que uno 4, Tu madre o la mía: guerra de suegras, Cuerpo escombro… Se ve que el español, no digamos ya el cordobés, con los calores, busca refrescarse a base de risas. La de esta semana es Odio el verano, dirigida por Fer García-Ruíz (Descarrilados), que tiene un reparto de comediantes muy atractivo: Julián López (Operación Camarón), Kira Miró (Que se mueran los feos), Jordi Sánchez (Si yo fuera rico), María Botto (Código emperador), Roberto Álamo (La gran familia española) y Malena Alterio (Hasta que la boda nos separe).

Cuenta la historia de tres familias que han reservado una casa aislada en Canarias para pasar las mejores vacaciones de su vida. Lo que no saben es que, por un error de la agencia, han alquilado la misma casa. Ninguno está dispuesto a ceder y, sin muchas opciones, se ven obligados a compartir el mismo espacio durante todas sus vacaciones. Las diferencias entre ellos transforman esos días en un caos lleno de situaciones divertidas y descontroladas. Aun así, deben aprender a convivir, comprender a los demás y, sobre todo, a sí mismos.

La trama recuerda al chiste: “¿Qué tal las vacaciones, bien o en familia?”. Compartir casa veraniega con familias desconocidas es un piso más abajo en el infierno.

También española, pero en este caso un thriller romántico, es Isla perdida (Haunted heart), en la que su director Fernando Trueba rinde tributo a los maestros del suspense, en especial a Alfred Hitchcock y Patricia Highsmith. Cuenta con un reparto internacional encabezado por Matt Dillon y Aida Folch.

Álex, una joven española, empieza un nuevo trabajo de verano como camarera en un restaurante en una remota isla griega. Allí se enamora de Max, el estadounidense que dirige el lugar. Sin embargo, a medida que su relación avanza, comienzan a revelarse inquietantes pistas sobre el oscuro y misterioso pasado de Max

La película está estructurada en tres actos que corresponden cada uno a una estación: verano, otoño e invierno. Y, paralelamente, el tono, la atmósfera y ánimo de los personajes van cambiando: desde la luminosidad mediterránea del comienzo en Grecia hasta el clima invernal de terror casi gótico del final.

Es la película 19 de uno de los grandes del cine español, Trueba, que rueda lo que le da la gana: documentales, películas de animación, conciertos, etc. Ya probó con el suspense, también en inglés, en películas como El sueño del mono loco. Confiemos en que Isla perdida sea una de sus mejores cintas.

Otro thriller que ofrece muchas semejanzas con el anterior es Parpadea dos veces, dirigida por la actriz Zoë Kravitz (que conjuga la herencia genética de sus atractivos padres Lenny Kravitz y Lisa Bonet) y protagonizada por Naomi Ackie y Channing Tatum.

Cuando el multimillonario tecnológico Slater King conoce a Frida, una camarera, la atracción es inmediata. Él la invita a unirse a su grupo de amigos para unas vacaciones de ensueño en su isla privada. Todo parece perfecto: días soleados, noches llenas de diversión, etc. Sin embargo, empiezan a suceder cosas extrañas y Frida deberá descubrir la verdad si quiere sobrevivir a esta fiesta.

¿Ven que se parece a Isla perdida? Enamoramiento en un lugar paradisiaco, un personaje atractivo con un lado oculto, una protagonista femenina que debe descubrir la verdad… Es cuestión de ver las dos y comparar.

MaXXXine es la tercera y última entrega de la trilogía X, siguiendo a X y Pearl, que se han convertido en lo que se suele denominar “películas de culto”. Y como en aquellas, también está protagonizada por la inquietante Mia Goth.

Maxine, superviviente de los sangrientos incidentes de X, continúa su viaje hacia la fama para ser actriz en el Los Ángeles de la década de 1980. Finalmente obtiene la oportunidad que tanto anhelaba. Sin embargo, un asesino misterioso comienza a acechar a las estrellas.

Por último, El mayordomo inglés es el debut en la dirección del escritor Gilles Legardinier, adaptando su propio best seller. Protagoniza John Malkovich como un empresario de éxito que decide asumir un puesto de mayordomo de una casa solariega en Francia para conservar los recuerdos de su difunta esposa francesa.

Tienes los horarios y entradas de estos estrenos y de toda la cartelera en la Cartelera de cine de Cordópolis.