La Night Running Rock FM ha cerrado este sábado su duodécima edición con la mejor cifra de su historia: 2.040 inscritos que han tomado la salida a las nueve de la noche desde la explanada de la Diputación. Por delante, diez kilómetros de trazado estrenado este año, con el centro y el casco histórico como grandes protagonistas de una carrera que juega a mezclar zapatillas y rock. La convocatoria ha vuelto a desbordar los límites de la capital: han corrido vecinos de 17 localidades de la provincia y llegados de prácticamente toda Andalucía, con Jaén como la más representada, además de atletas de Madrid, Ciudad Real y Badajoz.

Cuando el exalcalde de Córdoba y exlíder de IU Julio Anguita dejó la primera línea política a principios de siglo, pasó a vivir en un anonimato que solo rompía cuando publicaba alguno de sus libros, y que se desquebrajó completamente cuando una generación joven, la del 15M, vio en él el molde moral con el que debían ser esculpidos todos los nuevos políticos de este país. Ese último Anguita, el que deambulaba de manera anónima por la ciudad de Córdoba, no llevaba una vida muy distinta a la de Vini Reilly, líder de Durutti Column, un músico que durante gran parte de su trayectoria ha vivido de espaldas al gran público, siendo idolatrado por una ferviente minoría, antes de que, en los últimos años, una nueva generación joven lo haya redescubierto gracias a artistas como Blood Orange o Harry Styles.

Lo curioso es que estos dos personajes, tan distintos y a la vez tan mitificados, llegaron a darse la mano. Anguita le sacaba doce años a Reilly cuando se conocieron, en Manchester, en junio de 1985. Vistas desde el presente, las fotografías de aquel encuentro tienen algo de insólito. Anguita, con su porte andalusí y su presencia recia, parece por momentos una suerte de hermano mayor del músico, cabizbajo, enjuto y ensimismado. Y ahí está, además, el gesto que vuelve la escena todavía más extraña y fascinante: Anguita le entrega una guitarra española a Reilly, que, aunque la recibe con una expresión casi de desconcierto, como si tampoco él terminara de entender del todo a qué viene aquel regalo, es capaz de esbozar una sonrisa que parece sincera.

Aquella guitarra era una pieza única. Había sido construida y reconstruida por un artesano cordobés. Y acabó en manos de uno de los músicos más singulares de Manchester gracias a algo tan protocolario como un hermanamiento entre dos ciudades de dos países distintos.

Aquel instrumento, sin embargo, ha marcado la trayectoria de Durutti Column desde mediados de los años 80 hasta la actualidad. El reciente lanzamiento de Renascent, el primer disco de Vini Reilly en 15 años, recupera acordes y fraseos hechos con una guitarra flamenca, algo que Reilly ha venido incorporando a su universo sonoro y visual prácticamente desde que aquel alcalde comunista español puso en sus manos aquel trozo de madera hecho por el artesano Juan Montero.

El factor Tony Wilson

Al final de la película 24 Hour Party People (Michael Winterbottom), Tony Wilson recibe la visita de Dios, que le recuerda que Vini Reilly merece desde hace tiempo un homenaje y le sugiere que quizá debería plantearse publicar un Greatest Hits de The Durutti Column. “Es buena música para relajarse”, le dice Dios todopoderoso en una bella licencia ficticia que, por otra parte, funciona como un reconocimiento simbólico a uno de los miembros más antiguos y menos reconocidos de la familia Factory (The Durutti Column fue el primer grupo que Wilson contrató para actuar en la primera noche del club Factory, celebrada en 1978, y Reilly se convirtió además en el primer artista en firmar un contrato con Factory Records, con la que lanzó New Order, Joy Division o Happy Mondays).

Algo similar debieron pensar en Córdoba unos 20 años antes de Winterbottom tres cabezas pensantes: la del periodista Julián Estrada, y la de los músicos Álvaro Tarik y Cisco Casado (entonces parte del grupo Yacentes). Ellos fueron los que, aprovechando la Semana de Córdoba en Manchester, que se iba a celebrar entre el 22 y el 30 de junio de 1985, tuvieron la idea de llevar una guitarra española para regalársela a algún grupo de aquella ciudad. Y ellos fueron quienes acabaron eligiendo a The Durutti Column por encima de todos los grupos de la Factory Records de Tony Wilson que ya entonces estaban casi más interesados en los cables de los sintetizadores que en las cuerdas de las guitarras.

Álvaro Tarik recuerda a Cordópolis que el nombre de Vini Reilly apareció casi de inmediato y que solo The Smiths podían hacerle sombra como banda guitarrera mancuniana de ese momento. Reilly, que de hecho tocó y grabó con el grupo de Morrisey, era el guitarrista de The Durutti Column, y su música transitaba por un territorio propio, entre el pop, la experimentación, la electrónica y una delicada concepción de la guitarra. Para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que seguía con atención lo que ocurría en Manchester, era el candidato natural.

Su grupo, además, había tomado el nombre de un famoso guerrillero anarquista, y el alcalde de Córdoba pasaba por ser el primer alcalde comunista de una capital española desde la muerte de Franco. Todo rimaba, así que solo hacía falta la guitarra. Y resultó que el instrumento, por su lado, también tenía su propia y fascinante historia.

La guitarra rota en una reyerta

Todo esto aparece en el documental Una guitarra para Durutti (2008), dirigido y producido por Evaristo Vinuesa y Juan Carlos Merino, y también lo recuerda desde el presente Julián Estrada: la guitarra la había construido Juan Montero Aguilera, un artesano cordobés ya fallecido, y había pertenecido a un guitarrista flamenco, que la había usado en sus recitales hasta que resultó dañada durante una trifulca en un tablao. El guitarrista entonces pidió al luthier que la reparase y el artesano optó por darle una nueva, y acabó quedándose con ella, restaurándola con cuidado.

Esa fue la guitarra que el 20 de junio de 1985 salió de Córdoba rumbo al Reino Unido, primero en un autocar desde la capital hacia el Aeropuerto de Málaga, después en la bodega de un avión de Iberia que aterrizó en Londres, y finalmente en otro autobús de dos plantas que llevó a la comitiva cordobesa desde la metrópolis británica hasta la ciudad de Manchester. Una vez allí, Julián Estrada charlará con Bruce Mitchell, batería de la banda, en los días previos a la entrega, que tendrá lugar en el Ayuntamiento de Manchester, el día 22. Mitchell, según recogen las publicaciones municipales de la época, ya advierte de que Reilly es una persona particular y, de hecho, deja caer que es posible que ni siquiera acuda al acto.

Pero acude. Con su novia. Puntuales los dos (los tres, contando a Mitchell). El que tarda es Anguita, que no encuentra taxi. Así que, mientras llega el alcalde, aprovechan para contarle a Reilly la historia de la guitarra, y le pasan el manuscrito del luthier, que se despide: “Ahora que me desprendo de esta guitarra, quisiera hacer llegar a la persona que va a disfrutarla que la trate con mucho cariño y la conserve para siempre como una joya artesanal cordobesa”. Estrada recuerda que el músico recibió toda la información con cara de sorpresa, como si no entendiera por qué lo merecía. “Why me?”, apenas acertó a articular, antes de acomodarse el instrumento y comenzar a tocarlo.

Anguita, en la línea que siempre caracterizó su etapa política, aprovechó el momento para cargar un buen discurso: cita a Buenaventura Durruti y apunta que, con el mapa de Andalucía en la mano, allí donde en la República había anarquismo de la CNT, en 1985 hay comunismo fuerte. A Reilly probablemente esto le importa un pimiento, mira el suelo mientras el político habla y, cuando termina, asiente y le da la mano.

Parte de su universo

Aquella noche, comenzará a trastear la guitarra. Y no tardará en incorporarla a su trabajo. Dos años después publica The Guitar And Other Machines, y en 1989 usa la española tanto para abrir su LP Vini Reilly, como para una colaboración con el grupo Swing Out Sister. Ya por entonces había confesado su amor por la sonoridad única de este tipo de acústica: “Mi guitarra preferida española, tocada acústicamente en una habitación pequeña. Pero he visto que, cuando está en escena, no puedes utilizar este tipo de guitarra por las dificultades de amplificación (…) Yo procuro producir un sonido claro, nítido que se parece mucho a una guitarra acústica”, contaba Reilly en una entrevista con la delegación española, recogida en la prensa de la época.

En el año 1991, además, se dio el milagro de que Reilly pudiera tocar en Córdoba. The Durutti Column actuó en el teatro de La Axerquía en octubre de aquel año, en un concierto que quienes estuvieron allí todavía recuerdan con especial intensidad. Álvaro Tarik lo describe como un acontecimiento para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que llevaba años siguiendo a Reilly: escuchar en directo a uno de aquellos músicos que parecían pertenecer a un mundo lejano tenía algo de excepcional.

Pasaron unos días en la ciudad y se movieron por los bares y tabernas. Hace unos años, en una entrevista en The Guardian, Reilly se reía cuando le llamaban virtuoso: “Pásate por cualquier bar de Córdoba, en España, y los tipos que encuentres tocando me harán parecer un estúpido”, dijo al periodista un músico, esquivo y propenso al mito, que pese a los altibajos, ha mantenido a pulso una carrera hecha disco a disco, a partir de devaneos entre el ambient, el rock instrumental, la música clásica y el toque flamenco.

Una subasta

Nadie sonaba como él y, sin embargo, ser único no lo hizo ser lo que se dice un músico exitoso. Más bien lo contrario. Es probable que Reilly no estuviera de acuerdo con romper el pacto con el luthier que le fabricó y restauró su guitarra española. Pero a punto estuvo de hacerlo. En 2011, una página vinculada a Phil Kooky Cleaver (que, a principios de los 2000 comenzó a reeditar parte del catálogo de Reilly) publicó un anuncio con un título inequívoco: Vini Reilly's Juan Montero guitar for sale. La guitarra que Anguita le regaló a Reilly salía a la venta.

El contexto hacía comprensible aquella decisión. Reilly había atravesado graves problemas de salud y una situación económica complicada. La guitarra aparecía así vinculada a una posible operación destinada a conseguir fondos para ayudarlo a levantarse. La pregunta, entonces, es: ¿se vendió realmente aquella guitarra? Este periódico ha contactado con Phil Kooky Cleaver para interesarse por el resultado de aquella subasta y tratar de despejar la incógnita, pero no ha obtenido respuesta.

Todo apunta, sin embargo, a que la guitarra no llegó a venderse. Hay dos datos especialmente significativos: el primero, que ese mismo año se reeditó Vini Reilly con dos nuevos temas (bocetos, eso sí) que llevan por título Juan Montero. El segundo, la aparición de nuevos acordes de guitarra española en Renascent, su nuevo disco, publicado hace unas semanas. Este hecho, conociendo bien al personaje y la historia de aquella guitarra, alimenta la hipótesis de que Reilly no incumplió su promesa.

Porque hay otro elemento importante en la historia de este nuevo disco, el primero de The Durutti Column en 15 años. El material de Renascent no responde a un proceso de composición y grabación desarrollado ahora. Buena parte de estas piezas procede de un periodo amplio, que se remonta a la década pasada y llega hasta la actualidad. Reilly ha ido trabajando y registrando este material después de una etapa especialmente dura de su vida.

El músico ha sufrido dos ictus y ha atravesado además una severa depresión. Su regreso a la grabación ha sido posible en buena medida gracias al apoyo de sus amigos y colaboradores Bruce Mitchell y Keir Stewart. De ahí que la publicación de un nuevo trabajo tenga un significado que va más allá de la propia discografía de The Durutti Column: significa que Reilly ha vuelto a hacer música y que aquella manera tan personal de entender la guitarra sigue viva.

Y que, ahora, al igual que hace 40 años, Reilly sigue buscándose a sí mismo en el sonido evocador de una guitarra española que le regaló un alcalde comunista y que había sido restaurada para él, tras ser destrozada en una pelea en una taberna cordobesa. La historia es tan bonita, que hasta Tony Wilson la querría para su revival de ese genio de la música contemporánea que es Vini Reilly.

La Editorial Cántico, del grupo Almuzara, ha publicado una investigación exhaustiva sobre la banda cordobesa Mezquita, que fusionó la vanguardia progresiva con las raíces flamencas en los años 70. La autora, Irene Bueno Zorrilla, ha presentado el libro este jueves en la Fundación Antonio Gala con la asistencia del grupo, así como del editor de Cántico, Raúl Alonso.

Córdoba ha perdido a uno de los músicos que mejor encarnaron la historia del rock hecho en la ciudad. José Santiago Toledano, conocido por todos como Beethoven, ha muerto a los 77 años, después de más de seis décadas dedicadas a la música, según ha adelantado La Voz de Córdoba. Guitarrista, saxofonista, músico de bandas de baile y, sobre todo, incansable trabajador de los escenarios, deja tras de sí una trayectoria que se confunde con la propia evolución de la música popular cordobesa.

En Córdoba, decir Beethoven nunca llevó a pensar en el célebre compositor alemán. El nombre remitía a aquel joven de barrio que descubrió el rock and roll escuchando a Elvis Presley y a los Beatles y que terminó convirtiéndose en uno de los pioneros de la guitarra eléctrica en la ciudad. El apodo nació casi por casualidad durante sus años de formación en el Conservatorio. Los alumnos eran pocos y decidieron repartirse los nombres de grandes músicos: a José Santiago le correspondió Beethoven. El sobrenombre, que entonces parecía un juego, lo acompañaría durante toda su vida.

Había empezado con la bandurria y había pasado por el Conservatorio y el Centro Filarmónico, pero la guitarra eléctrica terminó ganándole la partida. Su primera guitarra costó 1.500 pesetas y tuvo que comprarla a plazos. Era una época en la que conseguir un instrumento era una aventura y tocar rock en Córdoba tenía mucho de desafío. Beethoven recordaba aquellos comienzos como los de una generación que ensayaba en los salones de sus casas, tocaba muchas veces gratis y se abría camino actuación tras actuación.

Su primer concierto llegó con apenas 16 años, en Villaviciosa, con Los Califas. Después vendrían Los Clakers, Las Manos, Flor y Nata, Pica Pica, Trinidad y, sobre todo, La Banda Sureña, formación que fundó junto a otros músicos procedentes de Trinidad y que acabaría convirtiéndose en uno de los nombres fundamentales de su carrera.

Con La Banda Sureña llegó también uno de sus grandes sueños: grabar. En 1982, la formación viajó a Madrid y, con dinero de sus propios bolsillos, registró su primer disco. Vendieron unas 2.000 copias y llevaron sus canciones por las emisoras de radio mientras continuaban haciendo aquello que Beethoven nunca dejó de considerar su oficio: tocar allí donde hubiera un escenario.

Porque si algo definió a José Santiago fue precisamente esa concepción del músico como trabajador. No le gustaba demasiado que lo llamaran artista. “A mí la palabra artista siempre me ha venido muy larga”, explicaba en una entrevista publicada por Cordópolis en 2023. Él prefería considerarse “currante de la música”: alguien que había hecho miles de kilómetros, cargado y descargado equipos, dormido en furgonetas y tocado para públicos de todo tipo con el objetivo de vivir de aquello que amaba.

Su hoja de ruta resulta difícil de igualar. Llegó a hacer alrededor de un centenar de actuaciones por temporada durante décadas y recorrió buena parte de España con sus diferentes formaciones. Sus nueve furgonetas fueron testigo de una vida nómada entre ferias, verbenas, salas, pueblos y escenarios. Compartió cartel con algunas de las grandes bandas españolas de aquellas décadas, desde Leño, Mecano y Asfalto hasta Alameda, Medina Azahara u Obús. También coincidió con músicos y artistas como Joan Manuel Serrat, Rocío Jurado o Rocío Dúrcal.

Pero su importancia no estuvo únicamente en los escenarios. Beethoven fue también un guardián de la memoria musical de Córdoba. Durante décadas conservó carteles, fotografías y recuerdos de aquellas primeras bandas que, entre los años sesenta y ochenta, construyeron una escena que hoy forma parte de la historia cultural de la ciudad. Ese trabajo de recopilación cristalizó en Pioneros del rock cordobés. 1960-1980, una publicación promovida por la Asociación Cultural CEMAC y editada por la Diputación, en la que reunió buena parte de aquella memoria.

“He sido músico, he vivido de ello y he llegado hasta aquí”, resumía en aquella entrevista. No necesitaba mucho más para explicar una existencia entera. Su último tramo profesional estuvo marcado por las dificultades físicas. La artritis terminó afectando a sus manos hasta impedirle tocar con la misma libertad la guitarra, el saxofón o la gaita. Aun así, quiso despedirse de los escenarios. El 14 de octubre de 2023 ofreció con Guateque el que sería su último concierto, poniendo punto final a una relación con la música que había comenzado siendo un niño y que se prolongó durante más de seis décadas.

Para cuando Víctor Coyote comenzó a bajar a Córdoba a grabar llevaba seis años sin publicar un disco. No era raro en él que dejara pasar tiempo entre grabación y grabación, puesto que siempre compaginó la música con su trabajo artístico y de diseño. Era el año 2010 y fue una amiga común la que planteó que las canciones que tenía maquetadas podrían gustarle al músico Fernando Vacas, que, en aquel momento, vivía una etapa creativa de enorme actividad, en parte gracias al éxito que cosechaba su sello Eureka, convertido en una de las referencias de la escena independiente española.

Aquella mujer, Estela Aparici, fue la que medió para que Víctor Coyote, que ha muerto este jueves en Segovia, acabara grabando en Córdoba dos discos seguidos. Dos trabajos en los que recuperó buena parte del sonido que hizo despegar su carrera hace cuarenta años, cuando Los Coyotes se convirtieron en pioneros en mezclar rock y géneros hispanoamericanos. Fernando Vacas coge el teléfono con la pena filtrándose aún a través de su voz. “Todavía lo estoy asimilando”, suelta el músico y productor, que comparte sus recuerdos de aquellos años en los que Víctor Coyote decidió confiar en su toque para grabar y publicar su música.

Cuenta el productor cordobés que, efectivamente, el músico gallego tenía en aquel momento un disco a medio grabar y las ganas de volver a publicar. Que escuchó aquellas primeras grabaciones y tuvo claro que necesitaban otro tratamiento. “Le dije que estaba bien, pero que eso no se podía sacar así y que había que producirlo bien”, recuerda. La respuesta de Coyote fue inmediata: “Me pongo en tus manos”.

Así comenzó la relación de Víctor Coyote con Eureka y con el estudio de Vacas, situado en la calle El Juramento. El primer resultado fue Dos años luz y cuarto, publicado en 2011. El segundo, De pueblo y río, llegó tres años después, y contó también con la participación de Pablo Novoa, que compartió con Vacas las labores de producción.

Del glam folk al crooner de pueblo

La propia hoja promocional de Dos años luz y cuarto resumía bien el espíritu de aquella etapa: “Víctor Coyote no hace muchos estilos, hace uno solo que es el de Víctor Coyote”. El propio artista había definido su música como glam folk, pero aquella etiqueta apenas alcanzaba a contener una trayectoria que había pasado por el rockabilly, por la música electrónica y por los sonidos y las músicas latinoamericanas.

Coyote había sido, desde los primeros tiempos de Los Coyotes, uno de los músicos españoles más atentos a los ritmos que llegaban del otro lado del Atlántico. “Fue muy pionero en mirar más allá del Atlántico. Fue de los primeros que hizo caso a ritmos caribeños y a todo el rollo este del folclore hispanoamericano. Después ya llegaron Radio Futura”, explica Vacas, que añade que una de las grandes virtudes del músico gallego era, precisamente, la ausencia de prejuicios.

La guitarra, no obstante, era lo que los unía. “Era un guitarrista muy muy bueno”, comenta sobre unos años en los que Coyote retomó su mirada a los primeros sonidos de Los Coyotes. Víctor había cambiado de registro muchas veces a lo largo de su carrera, pero en estos dos LP regresó de alguna manera a aquella mezcla de rock, folk y pop con músicas latinoamericanas que había caracterizado sus comienzos. Con matices, claro: tras un primer trabajo juntos era más rockero, el segundo sí que se ahondó en aquella idea primigenia.

Con De pueblo y río, publicado en 2014 y presentado como el trabajo de un “crooner de pueblo”, el músico recorrió a su manera repertorios y geografías que iban desde el sur de Italia hasta el norte de Portugal y desde Brasil hasta el sur de Estados Unidos, pasando por Grecia o Venezuela. Trece canciones populares reinterpretadas con su particular personalidad y con una instrumentación deliberadamente contenida.

“El que hubiera pocos instrumentos estaba claro desde el principio”, explicó Coyote entonces. El motivo era también práctico: estaba cansado de pedir a músicos que trabajasen gratis en sus discos y, además, había que hacer un álbum barato. La grabación se realizó fundamentalmente en analógico, aunque también se recurrió al digital, y buscó una sonoridad natural. “No me gusta hablar de si los discos suenan bien o mal; la clave está en adecuar el sonido al material”, defendía.

En esa tarea tuvo un papel fundamental Pablo Novoa. “En esa labor de producción Pablo Novoa ha hecho un gran trabajo”, reconocía Coyote. Vacas también recuerda aquella colaboración con especial cariño: “Hicimos un disco muy, muy guapo”.

Los conciertos en el Automático y un proyecto inacabado

La relación entre Coyote y Córdoba no se limitó al estudio. Vacas recuerda especialmente un concierto en el Automático, donde intentaron incorporar al repertorio un toque flamenco. Invitaron a Lin Cortés para participar en el concierto y la noche terminó prolongándose más de lo previsto. Porque, entre conciertos y sesiones de grabación, también hubo tiempo para salir, compartir noches y conocer a otros músicos de la escena cordobesa.

Uno de aquellos encuentros tuvo como protagonista a Rakel Winchester, que llegó a hacerle unos coros en la canción Verbenita, y con la que ideó un proyecto que nunca llegó a materializarse: un disco de rancheras para la artista cordobesa. “Fue una idea que se quedó en el aire”, recuerda Vacas, que cree recordar que llegó a haber canciones escritas, aunque el proyecto nunca terminó de arrancar. “Nunca se llegó a hacer porque yo no tuve tiempo”, admite el productor. “Así de triste y así de gilipollas”, añade con la franqueza que atraviesa toda su memoria de aquellos años.

Rakel Winchester, fiel a su estilo, le quita hierro al asunto. “Yo creo que me pilló en el momento en el que le cogí tirria a la música”, dice la cantante, que reconoce que la muerte de Víctor Coyote, al que considera su amor platónico desde pequeña, le ha afectado más de lo que esperaba. Hace memoria la cantante y para hablar de Víctor se va incluso antes de la etapa cordobesa.

“Cuando publiqué mi primer libro, mi editor ya quiso que en la presentación en Madrid pusiera música Víctor Coyote, que acabó haciendo de dj. Y, claro, me sorprendió porque yo siempre lo había amado, pero yo no veía, como sí que han visto otras personas, esa afinidad entre Víctor y yo”, relata. Años después de aquella sesión de dj, llegaron los discos en Eureka y esos coros suyos que Coyote metió en Verbenita y que, para Winchester, constituyen un punto álgido de su vida. “Para mí fue algo a la altura de cuando tuve la suerte cantar con El Drogas”, confiesa.

Y sí, Coyote y ella hablaron en aquellos días de un disco de rancheras que nunca se hizo. La cantante reconoce que podría haber sido algo único, aunque prefiere quedarse con la amistad y el contacto que surgió entre ellos a partir de aquella etapa. Este jueves, sin embargo, tuvo que aceptar que no habría más mensajes contestados. “Me ha sentado fatal y lo he sentido muchísimo más de lo que esperaba. Me puse a llorar al instante y eso que yo tardo siempre en asimilar las muertes”, afirma la artista.

Un gallego muy cordobés

Víctor Coyote dejó en Córdoba algo más que sus grabaciones. Vacas recuerda a un artista con un enorme sentido del humor, “muy serio y con mucho sentido del humor a la vez”, una combinación que, a su juicio, lo convertía en perfecto cordobés. También destaca su otra faceta artística. Coyote era diseñador gráfico, pintor, realizador de videoclips y escritor, además de músico. Su trabajo visual estaba estrechamente relacionado con su actividad musical. Y llegó a encargarse de la portada y el diseño de algunos discos más de Eureka. “Nos dio mucho, con muy buen gusto. Era un gran artista”.

La relación se mantuvo con el paso de los años, incluso cuando Eureka dejó de tener capacidad para continuar publicando discos de otros artistas. La industria musical estaba cambiando y la crisis hacía cada vez más difícil mantener determinadas aventuras discográficas. El productor recuerda que Coyote trabajaba mucho y que siempre se buscaba la vida, pero que los cambios de la industria musical habían hecho cada vez más difícil la supervivencia de artistas de su generación.

Cuando recientemente se preparó un recopilatorio que reunía los grandes temas de sus últimos veinte años, Vacas recibió una llamada para pedirle cuatro o cinco canciones procedentes de aquellos dos discos grabados con Eureka. “Se los cedí del tirón”, recuerda. Ahora, después de su muerte, aquellos dos discos cordobeses vuelven a adquirir otra dimensión.

El guitarrista irlandés Jack Moore actuará el próximo 4 de agosto en la Sala Ambigú del Teatro de La Axerquía de Córdoba con un concierto en el que rendirá homenaje al legado musical de su padre, el legendario Gary Moore, guitarrista titular de proyectos tan legendarios como Skid Row, Colosseum II y Thin Lizzy.

Moore llega a Córdoba con un espectáculo centrado en la vida y la obra del que fue uno de los guitarristas más influyentes del rock y el blues, un proyecto que anteriormente se presentó bajo el nombre Moore Plays Moore. El repertorio incluirá algunos de los temas más emblemáticos de la etapa blues de Gary Moore, como Still Got The Blues, Midnight Blues, Parisienne Walkways, Texas Strut o Walking by Myself.

El concierto también reservará espacio para composiciones propias de Jack Moore, que forman parte de Electric Ladyland, un trabajo desarrollado junto al cantante, compositor y multiinstrumentista Quentin Kovalsky. Ambos músicos mantienen una estrecha colaboración desde hace años y han compartido centenares de conciertos. Kovalsky, además de poner la voz al proyecto, ha participado en la composición, producción, arreglos y mezcla de gran parte del álbum.

Nacido en Irlanda, Jack Moore reconoce que ser hijo de Gary Moore ha supuesto “una bendición y una maldición”. Aunque su padre fue quien le animó a tocar la guitarra, su verdadera pasión por el instrumento llegó algunos años después. Desde entonces ha participado en numerosos conciertos tributo dedicados a su progenitor y ha sido invitado a compartir escenario con bandas y artistas como Thin Lizzy, Deep Purple o Joe Bonamassa.

La trayectoria más reciente del guitarrista incluye su participación, junto a su banda, en la decimoquinta edición del Festival Rock Legends de Szarlota, celebrada en junio de 2025, donde interpretó tanto clásicos del blues como temas propios.

La actuación comenzará a las 21:30 horas y las entradas ya están a la venta.

Domingo por la noche. El Festival de la Guitarra de Córdoba enfilando el ecuador y el termómetro dándonos un repaso de grados ascendente. El ambiente flotando en esa extraña calma que precede al lunes, mientras el público —una curiosa mezcla de indies de toda la vida, camisas de flores y público sobrevenido al mundo de los festivales — abarrotaba el recinto buscando una dosis de comunión colectiva antes de que la rutina nos vuelva a post-poner la vida. Todo el papel vendido desde hace tiempo, de hecho el único no hay billetes del festival.

Quienes me conocen saben que me encantan los domingos. Como dijo Standstill, La vida es domingo. Esa es, sin duda, una de las frases que más habré escrito en mi vida. Los domingos siempre fueron mis días de bajar a comprar tres periódicos y sus suplementos para entretener la resaca o las largas noches de La Comuna o el Underground donde hacía un poco de todo y nada a la vez. Incluso en alguna ocasión tuve mis domingos astrománticos que cantan los Love of lesbian. Pero siempre han sido días de sentarme a escribir en mi libreta de anotar la vida, organizar la semana y empezar a comerme el mundo el lunes a primera hora. En mi teoría particular, los domingos dividen a las personas en dos mitades exactas: las que desean empezar el lunes con la ilusión de estar vivas una semana más, o las que se hunden al ver que queda una semana menos de su vida. El domingo por la noche nos pone a todos frente al espejo. Cada uno que elija bando.

Pero este domingo tocó concierto, poner música con Groenlandiers, hacer esta crónica y trastocar los planes de este señor mayor de 49 años. Reto: Siloé y Conociendo Rusia en directo.

Para abrir boca, el festival nos trajo un telonero internacional de última hora: Conociendo Rusia, el proyecto que el argentino Mateo Sujatovich comanda desde 2018. Apareció con esa presencia escénica tan deudora del rock argentino de alcurnia, el que te mece entre la melancolía porteña y el estribillo perfecto.

Y tras un breve descanso apareció Fito Robles y se hizo la luz. Literalmente. Dos personas al estilo benedictino fueron quitando las telas rojas que cubrían los instrumentos en medio de música vocal sacra. El magnetismo fue inmediato. Quién recuerde los inicios de este chaval palentino de San Mamés de Campos, que se fogueó en los micros abiertos de Valladolid huyendo de la etiqueta del “cansautor” acústico, sabe que su fe no es un decorado de Instagram. El nombre de Siloé es el estanque donde Cristo curó a un ciego, y Fito oficia el concierto con la convicción del que te invita a sumergirte en sus canciones para salvarte del ruido diario.

Pero el intimismo duró lo que tarda en entrar un sintetizador bien cargado de graves. Tras una intro con toques electrónicos, sonó Terrorismo emocional y aquello mutó por completo. Sobre las tablas, presidiendo la escenografía junto al guitarrista y productor Xavi Road y el batería Jaco Betanzos, una cruz de neón gigante gobernaba la noche, dividiendo el show en una suerte de tres actos milimétricamente calculados. Ya no estábamos en un concierto folk; estábamos en una rave post-eucaristía, un ritual EDM de alto impacto diseñado para reventar grandes estadios y festivales.

El setlist, de veinte temas clavados, funcionó como una apisonadora sónica. Cayeron Las palabras, Si me necesitas llámame, Esa estrella y Reza por mi. Es fascinante analizar sociológicamente el fenómeno Siloé y ver cómo este trío de Valladolid se ha convertido en una de las propuestas que más sold out cuelga de la escena musical española. Han dibujado su evolución impecable: pasaron de la solemnidad acústica de La verdad (2016) y La luz (2018), al quiebro electrónico de Metrópolis (2020) y Paradiso (2021).

Lo que presenciamos fue la puesta de largo de Terrorismo emocional, un álbum cargado de himnos instantáneos destinados a ser coreados en grandes recintos. Pop con estribillos digeribles, guitarras de épica contenida a lo Vetusta Morla y una energía maximalista, consolidando su estatus en la primera línea del pop y el rock independiente nacional.

Hubo tiempo para la zapatilla pura. Cuando enfilaron su versión de Personal Jesus de Depeche Mode, el recinto se convirtió en una pista de baile masiva, el momento más bailable y liberador de toda la noche, antes de conectar con la nostalgia de Heroes del silencio. La ejecución instrumental de la banda es limpia, pulcra, impecable. Si bien para los menos devotos puede pecar de una estructura demasiado predecible, el fan entregado cantó a pleno pulmón, fundiéndose con la banda en un único grito.

Agradecimientos a su oficina cordobesa, RIFF y a una joven criatura que subió al escenario para explicar Fito que tras diversos problemas de la vida había cambiado su nombre en el registro por el de la banda.

Para la traca final, los Siloé volvieron a romper la distancia de seguridad cantando de cerca: Todos los besos. El eco artificial de su voz, grandioso y épico, flotó sobre la judería mientras miles de personas botaban.

Siloé ha sabido leer los tiempos de la música de consumo rápido. Han cambiado los micros abiertos por un diseño de producción masivo, fotogénico y eficaz. Nos hemos vuelto menos dogmáticos y más hedonistas, y un domingo por la noche, que te pinchen un show empaquetado para hacerte olvidar las facturas del lunes deshacer llenar una Axerquía, aunque uno eche de menos un poco más de barro, peligro y alma sobre el escenario.

Y hablando de alma, peligro y de lo que se echa de menos sobre las tablas... Aprovechando que baja la marea inicial del festival, un recado directo a la dirección del Festival de la Guitarra de Córdoba: otro año más, otra década entera que se nos escurre entre los dedos sin contar con el enorme, brutal y sangrante talento que late en los locales de ensayo de esta ciudad.

Y ojo, que no reclamo un chovinismo barato ni una cuota de palmadita en la espalda por el mero hecho de compartir código postal. Reclamo un escaparate real, con luz y taquilla, para bandas guitarreras de verdad (que no se me enfaden otras disciplinas ni el bendito conservatorio). Esta ciudad ruge en los márgenes y tiene nombres propios capaces de partir escenarios: el post-hardcore internacional de Viva Belgrado, la frescura descarada de Los Primos Chicos o Fuentenueva, el ritmo infeccioso de Flying Cumbias, el magnetismo de Volpina o nuestros White Stripes patrios que son Lady Coulson, entre otros muchos que se dejan la salud pagando el alquiler del local.

La guitarra también se muerde, señores programadores. Menos inercia de catálogo y más mirar a la calle.

Álvaro Fuentes Ibarz (Guecho, Vizcaya, 17 de septiembre de 1975) es el bajista original de La Oreja de Van Gogh y uno de los cinco músicos que dieron forma a una de las bandas más exitosas de la historia del pop español. Integrante del grupo desde 1996, afronta ahora una de las giras que más expectación ha levantado de los últimos años, marcada por el regreso de la formación original (especialmente de la cantante, Amaia Montero) a los escenarios y por la enorme expectación que ha despertado entre varias generaciones de seguidores.

La cita de este sábado en el Córdoba Live tendrá, además, un significado especial para él. Aunque nació en el País Vasco, parte de su familia reside en Córdoba y aprovechará el concierto para reencontrarse con su hermana, su cuñado y sus sobrinos. Antes de subirse al escenario, conversa con Cordópolis sobre el éxito de una gira que se prolongará hasta 2028, la vigencia de unas canciones que han sobrevivido al paso del tiempo y los planes de futuro de la banda.

Una cosa es lo que imaginas en el local de ensayo y otra lo que ocurre cuando lo llevas al escenario

PREGUNTA (P.). Ya lleváis una decena de conciertos. ¿Qué balance haces de este regreso a los escenarios?

RESPUESTA (R.). Las sensaciones son muy positivas. Ya hemos superado los nervios de los primeros conciertos y empezamos a coger la inercia propia de una gira. Cada vez estamos más cómodos sobre el escenario y disfrutamos más. Además, la respuesta del público está siendo espectacular.

P. Es una de las giras que más expectación ha generado en la música española en mucho tiempo. ¿Eso añade presión?

R. Más que presión, lo interpretamos como una enorme responsabilidad. Si la gente tiene tantas ganas de vernos es porque espera mucho de nosotros y queríamos estar a la altura. Por eso hemos trabajado muchísimo. Una gira normal se prepara en un mes y medio aproximadamente; esta la llevamos preparando desde hace un año y medio.

P. Cuando echas la vista atrás y recuerdas el éxito con el que irrumpió La Oreja de Van Gogh, ¿qué diferencias encuentras con aquel Álvaro de finales de los noventa?

R. La verdad es que el tiempo ha pasado muy rápido. Seguimos teniendo las mismas ganas, la misma ilusión y el mismo deseo de hacer las cosas lo mejor posible. Tenemos la sensación de que todavía nos quedan muchos conciertos por dar y muchas canciones por escribir. Es que, sinceramente, somos unos privilegiados por poder dedicarnos desde hace tantos años a lo que más nos gusta.

P. ¿El repertorio de la gira está completamente cerrado o va mutando en cada concierto?

R. No. Vamos haciendo pequeños cambios. Una cosa es lo que imaginas en el local de ensayo y otra lo que ocurre cuando lo llevas al escenario. Además, cuando hacemos dos conciertos seguidos en una misma ciudad cambiamos alguna canción para que cada actuación tenga algo diferente.

P. Uno de los aspectos que más llama la atención de este retorno es comprobar cómo canciones escritas hace casi tres décadas siguen conectando con nuevos públicos.

R. Es una de las cosas que más ilusión nos hace. En los conciertos ves a padres, hijos, abuelos... Familias enteras cantando juntas. Han pasado casi treinta años y esas canciones siguen encontrando nuevos oyentes. Eso es algo maravilloso.

Nuestra propuesta siempre ha sido muy clara: canciones que hablan de experiencias humanas

P. Y eso que la industria musical ha cambiado por completo. Vivimos en la era del algoritmo y de la inteligencia artificial. ¿Os sorprende que vuestra propuesta siga teniendo tanto impacto?

R. No especialmente, porque nuestra propuesta siempre ha sido muy clara. Hacemos canciones que hablan de experiencias humanas que cualquiera puede vivir, independientemente de quién sea, de dónde venga o de cuáles sean sus circunstancias. Son historias muy humanas y creo que eso facilita que la gente las haga suyas. A mí me gusta decir que son canciones que podrías tocar solo con una guitarra delante de una hoguera y seguirían funcionando. Nuestros conciertos están pensados para que el público pueda cantar desde el primer minuto porque esas canciones hablan de emociones y vivencias compartidas.

Yo quiero pensar que este tipo de canciones son más personales y es más fácil que la gente las incorpore a su vida que una que diga “por la mañana café y por la tarde ron”. Por poner un ejemplo. Quiero pensar que no toda la música tiene el mismo efecto sobre el que la escucha, ni la misma función en un sentido profundo, ¿sabes? Hay música que es para divertirse en el momento y bailar, otra que es para cantar, otra que es para reflexionar. No sé, no se puede comparar con tanta facilidad

P. El sonido del pop español desde luego también ha cambiado mucho. Hoy prima lo urbano frente a las guitarras. ¿Hay artistas actuales en los que os veáis reflejados?

R. Sí. De hecho, en esta gira nos acompañan grupos como 21, Supercremalleras o Merino, que comparten una manera de entender la música muy parecida a la nuestra: bandas, guitarras, letras con mensaje... El mercado se ha diversificado muchísimo, pero no creo que nuestra propuesta haya perdido vigencia. Es una forma de hacer canciones que funciona desde la época de los Beatles y que seguirá funcionando.

P. El rock y el pop llevan décadas escuchando que van a desaparecer.

R. Exacto. Siempre ha habido algo que supuestamente iba a acabar con ellos. Estamos en lo de siempre, y aquí seguimos.

P. Esta gira también parece abrir la puerta a nueva música.

R. Sí. Cuando se produjo el regreso de Amaia al grupo, la expectación fue tan grande que empezamos a preparar canciones nuevas. Solo nos dio tiempo a grabar una, pero tenemos más escritas. La gira, si todo va bien, llegará hasta 2028. Hasta ese año no podemos plantearnos hacer un disco al uso. Igual, antes que eso, grabamos alguna canción por separado, porque, como te digo, ya tenemos algunas escritas, pero son planes a futuro eso. No no te puedo confirmar más.

P. Después de tantos años de carretera, ¿los viajes pesan más?

R. Claro que pesan. Sobre todo porque dejas atrás a la familia y porque ya llevamos unos cuantos millones de kilómetros encima. Eso también se nota. Pero sigue compensando completamente.

Viva Belgrado acaba de desvelar Un andalucito más, primer adelanto de su quinto álbum de estudio Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye, un trabajo que consolida la evolución sonora y lírica de la banda cordobesa hacia territorios donde la intensidad emocional y la reflexión identitaria conviven en estado de combustión permanente.

El single llega como carta de presentación de un disco atravesado por la metáfora del río como medida del tiempo, la memoria y el desgaste vital. En este nuevo trabajo, el grupo vuelve a tensar su característico equilibrio entre rabia, lirismo y catarsis, situando el imaginario andaluz en el centro de una narrativa que oscila entre lo íntimo y lo político, lo cotidiano y lo simbólico.

El álbum ha sido producido por Ricky Falkner, con grabación a cargo de Jordi Mora en La Casamurada (Tarragona), mezcla de nuevo por el propio Mora en Del Suono Moretti (Girona) y masterización de Víctor García en Ultramarinos Mastering (Barcelona). Un equipo técnico que refuerza la ambición sonora del proyecto, dotándolo de profundidad, claridad y contundencia.

El lanzamiento del single viene acompañado de un videoclip dirigido y producido por Grito Films, con arte de Anita Jiménez. Las imágenes, desde luego, acompañan la letra de Un andalucito más, en la que Cándido Gálvez articula un discurso de resistencia, identidad y contradicción.

Sobre el disco, la banda ha explicado que Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye toma como referencia el río que atraviesa Córdoba para reflexionar sobre el paso del tiempo y sus efectos inevitables. Si Cancionero de los cielos se planteaba como un collage de cielos diversos, este nuevo trabajo se sumerge en la idea del fluir continuo:

“Estas canciones son lo que nos ha ocurrido mientras el tiempo, y el río, fluyen y fluyen y fluyen de forma inexorable”, explica la banda, consolidada como una de las más importantes del panorama hardcore español, con un nutrido recorrido además a nivel internacional.

Para escuchar el nuevo disco toca esperar hasta octubre. Eso sí, el líder ya avanzaba que había logrado algo histórico: romper la inercia de cinco años entre LP y LP y bajar la espera a dos años.

Javier Estévez afronta una cita muy especial este jueves en la Sala Polifemo del Teatro Góngora, donde presentará en directo Salvarnos, el quinto trabajo discográfico de su proyecto Subtónica. El músico cordobés, fundador y exintegrante de la banda Estirpe, llega a Córdoba inmerso en la gira de un álbum que combina rock de autor, reflexión social y una mirada crítica sobre cuestiones como la hiperconectividad, el individualismo o la emergencia climática.

Para esta puesta de largo, Estévez estará acompañado por la formación al completo de Subtónica: Alejandro Macías a la batería, Francisco Sibaja en teclados y coros, Pablo Sánchez al bajo y Juandi Serrano a la guitarra eléctrica. El concierto, previsto para las 20:00 horas, servirá además para mostrar sobre el escenario las nuevas canciones de Salvarnos junto a algunos de los temas más representativos de la trayectoria del proyecto.

Lo mejor de lo mejor es descubrir cosas que nunca te pondría el algoritmo

PREGUNTA. Cuándo uno toca en Córdoba, siendo como es el mito del senequismo, ¿realmente juega en casa o todo lo contrario? 

RESPUESTA. Tengo la suerte de ser un privilegiado en Córdoba, tanto con Estirpe en su día como con Subtónica, me siento muy querido y tengo el cariño de Córdoba hacia la música que hago. Todo cuesta, y las cordobesas y cordobeses saben bien a qué conciertos ir y dónde gastarse el dinero de una entrada. Subtónica es un proyecto que, aunque cumplimos más de una década, sigue creciendo y con este álbum creo que hemos conseguido el respeto de público que quizá antes tenía ciertas dudas. Los músicos somos exigentes y cada vez queremos más, pero Subtónica es un proyecto musical de ir a paso de hormiguita, poquito a poco, y así lo estamos haciendo en otras ciudades de España. A nivel de medios de comunicación también siento mucho aprecio y es un orgullo siempre tocar aquí y que nos presten atención.

P. ¿Te sientes como el niño que juega en la playa de la portada del disco ahora mismo? 

R. Ojalá, jejejeje… En cierto modo sigo teniendo la ilusión de ese niño que quiere hacer las cosas cada día mejor, de tocar en sitios que nunca toqué, pero sobre todo de disfrutar del camino y siempre con el enfoque de componer grandes canciones. Con la edad uno va perdiendo la inocencia con la que empezó a dedicarse a la música, pero hay algo primigenio y pasional de eso que sigue intacto en mi, sigo haciendo castillos de arena y sintiendo lo mismo que hace treinta años al escribir. Luego viene la ola de la industria musical y lo tira rápidamente, jejeje. Lo que realmente es muy cierto y muy potente es el hecho de seguir peleando por un proyecto underground de temas propios, porque es una verdadera hazaña en los tiempos que corren, esa energía infantil la sigo manteniendo, incluso sin playa.

P. ¿Y si ese niño crece y te pone un altavoz con reguetón mientras disfrutas de la playa, cómo te lo tomarías?

R. Le pondré Calle 13 y lo disfrutaremos juntos. Toda música puede tener cabida en determinados momentos. En casa siempre hemos intentado que mis hijos escuchen a los grandes, de muchos estilos. El paladar se va formando con los años y con variadas experiencias, lo ideal es que haya inquietud para escuchar estilos distintos y contemplar la belleza. 

P. Me pongo serio un segundo: ¿Crees que la música todavía puede influir en la conciencia social o ese barco ya ha zarpado para siempre y solo nos queda su oleaje?

R. Yo soy un terco convencido de que sí. De hecho, el poder de las canciones se puede ver en multitud de ámbitos de la vida socio-económica y política. Hacer unas canciones y no otras es hacer política, hablar de unos temas y no de otros también. Mira los festivales, los ayuntamientos que financian unos y no otros, en fin… El formato canción que es donde yo me muevo, sigue siendo poderoso, no es la panacea, pero por supuesto que puede influir. Es más, en una sociedad como la actual, donde existen “personajes” que son capaces de movilizar votos con un pobre y demagogo discurso, ¿cómo no lo van a poder conseguir las buenas canciones?

P. ¿Y la salvación a la que apelas tiene algo que ver con la que pregona el Papa? 

R. Desconozco en detalle lo que pregona el Papa, pero si hablamos de una salvación orientada al más allá, no, no me refiero a esa. Yo hablo de protegerse uno mismo y proteger la sociedad, de cuidarnos, reflexionando sobre los peligros de deshumanizarnos, de perder derechos conseguidos, de seguir jugando a la guerra, etc. Ser conscientes de la emergencia climática, de cómo nos secuestran la atención, de cómo nos invitan a polarizarnos o cómo nos tutelan directa e indirectamente es el principio para poder “Salvarnos”. “Brindar y pensar distinto es lo hermoso de estar a tu lado” es el estribillo de una canción. Salvarnos de nosotros mismos es uno de los mayores desafíos, de nuestro ego, del enganche digital… de la soledad, de la pérdida de ilusión. Es muy triste saber que hay muchos adolescentes sin motivación.

P. Entre componer una canción, hacer una declaración de Hacienda y hacer promo en redes, ¿qué te resulta más desesperante? 

R. Por supuesto que lo último, lo primero no solo no me desespera, sino que me apasiona y me encanta hacerlo. Lo segundo en el fondo… es relativamente sencillo y no lleva tanto tiempo realmente. Respecto a la promo en redes, piensa que no tengo Whatsapp por lo que todo lo que es estar con el móvil me genera una contradicción, pero Subtónica lo precisa… así que ahí ando lidiando con la desesperación, jejeje.

P. ¿Qué es más peligroso para un músico cincuentón hoy: TikTok, los algoritmos o los grupos de WhatsApp familiares? 

R. Cuando llegue a los 50 te lo diré, jejeje, pero con cuarenta y pico y 30 años haciendo música, creo que sería lo último. Pero no familiares, sino del colegio, jejeje. Subtónica tiene TikTok (por obligación) y los algoritmos… bueno… ya sabes, al final, romper el algoritmo es lo que te hace ser crítico. Mola descubrir cosas parecidas a tus gustos, pero sin duda lo mejor de lo mejor es descubrir cosas que nunca te pondría el algoritmo. Un buen dj siempre será un buen dj, ni playlists ni algoritmos. Otro tema es la comodidad y la desidia. Dejar al ser humano sin tiempo es la mejor forma para controlarlo.

P. Me vuelvo a poner serio: ¿Escribes canciones para ti o nacen con el objetivo de ser escuchadas en director? 

R. Yo realmente escribo canciones para poner mis cosas en orden, para entender el mundo que me rodea y para entenderme a mí mismo, para “gritar” algo o para aprender de alguna forma. Así llevo desde que escribía canciones con Estirpe y difícilmente creo que pueda cambiar. Después entra la parte literaria o poética de cómo contar eso utilizando el lenguaje. Y finalmente uno las adorna y las arropa de una instrumentación particular, que en mi caso es rock porque vengo de dónde vengo: batería, bajo, guitarra eléctrica… Además, en esta gira estamos haciendo muchas salas pequeñas en formato electro acústico, cargando con los vinilos y picando piedra por todas las ciudades. Es decir, que una buena canción, puede tocarse en directo de muchas maneras.

P. ¿A quién le vas a dedicar el concierto de este jueves? 

R. Con los nervios del directo a veces se te puede pasar alguna dedicatoria. Pero por si se me olvida, desde estas líneas se lo dedico a mi familia que está siempre apoyando, a mis amigos, a toda la gente que me sigue y en especial a Pilar que se nos fue y estaría viéndonos.

Una buena canción puede tocarse en directo de muchas maneras

La Feria de Córdoba tiene algo de territorio en disputa permanente. Entre sevillanas y reguetón, entre rebujito y cacharritos, siempre hay quien reclama una feria más tradicional y quien defiende esa identidad abierta que distingue al Arenal desde hace décadas. En medio de ese debate aparece este año Viva Belgrado, la banda cordobesa con mayor reconocimiento internacional de la actualidad, que se ha plantado en El Arenal dispuesta a convertir la caseta Juan XXIII en un pequeño templo del rock emocional y las guitarras afiladas.

“Tocar en la Feria es batalla”, admite entre risas Cándido Gálvez, cantante y guitarrista del grupo. “Pero estamos curados de espanto. Hemos tocado por toda Europa en sitios absolutamente precarios y absurdos: garajes, casas okupas en pueblos de Eslovaquia. No es algo que nos sea ajeno”.

La frase resume bien el espíritu con el que la banda cordobesa ha afrontado una actuación tan singular como la de este jueves en la Feria de Córdoba. Sin grandes lujos técnicos. Ni siquiera una prueba de sonido en condiciones. “Nos decían que por normativa municipal no se podía probar, pero hemos llegado y había gente haciéndolo. Nosotros no hemos podido, así que haremos lo que podamos antes de tocar”, explicaba Gálvez horas antes del bolo.

Nada de eso parecía preocupar demasiado a un grupo acostumbrado a sobrevivir en escenarios improbables durante años de carretera europea. “El equipo es limitado, todo será un poco batallero”, reconoce. “Pero también nos apetece reivindicar que hay otra forma de vivir la Feria”.

Porque Viva Belgrado no entiende su presencia en el recinto ferial como una provocación ni como una enmienda al modelo tradicional. Más bien al contrario. “No creo que sea una cosa contra la otra. Todo puede convivir”, defiende Gálvez. “Con todo el respeto al flamenco y al folclore, también hay una parte de la Feria que nos pertenece y que queremos celebrar”.

18 años después de su primer concierto

La relación del músico con la Feria viene además de muy atrás. Mucho antes de giras internacionales, festivales europeos o discos aclamados por la crítica. Muchísimo antes de que Viva Belgrado se consolidara como uno de los nombres fundamentales del post-hardcore español.

“Mi primer concierto en la Feria fue con 18 años, en 2008. Precisamente en la caseta Juan XXIII”, recuerda. El grupo se llamaba Hamster Project. “Éramos muy malos. Pero reconozco que me hacía ilusión volver 18 años después al mismo sitio e intentar hacerlo un poco mejor”, dice el músico, uno de los letristas más brillantes de su generación.

La actuación, efectivamente, ha tenido inevitablemente algo de reencuentro sentimental. También de anomalía cordobesa. Porque, como reconocía el propio Cándido, probablemente haya gente que acuda al concierto simplemente porque está en la Feria y es gratis, aunque jamás iría a ver a la banda a una sala.

“Me está escribiendo mucha gente conocida diciéndome que se van a pasar”, comentaba. Y ahí aparece una contradicción muy cordobesa: “Da un poco de coraje que hacemos conciertos mucho más currados, con muchísimo mejor sonido y producción, y luego mucha gente se vaya a quedar con esto, que será mucho más precario”.

Aun así, el músico confiaba en que el contexto tiene algo especial. “Va a estar muy bien de ambiente. Creo que será una celebración colectiva bonita”. La propia selección de canciones ha estado adaptada al entorno. Menos electrónica ambiental y capas atmosféricas; más músculo guitarrero. “Vamos a priorizar la parte más cañera porque el contexto lo merece y además es más sencillo técnicamente”, explicaba. “Formación de banda de rock tradicional y ya está. Que se formen buenos pogos en la Feria también tiene su gracia”.

El concierto llegaba además en un momento especialmente ilusionante para la banda. Viva Belgrado ya tiene grabado su próximo disco. “Lo grabamos en enero, acabamos de terminar las mezclas y ahora estamos con toda la parte gráfica, vídeos y fabricación”, adelanta Gálvez.

Mientras tanto, la Feria de Córdoba sumaba esta noche un escenario poco habitual: una de las bandas más respetadas del underground nacional tocando entre farolillos, albero y olor a algodón de azúcar. Un concierto seguramente imperfecto, quizá hasta caótico, pero precisamente por eso muy coherente con la trayectoria de un grupo que aprendió hace tiempo que la épica también cabe en los márgenes.

Dreadsistance continúa desvelando el universo de Herencia, su próximo trabajo discográfico, con Santa Cruz, un nuevo single en colaboración con Niño Bravo, banda cordobesa de indie rock con la que el grupo explora nuevos territorios sonoros sin renunciar a su identidad. 

Tras El Arenal, este segundo adelanto muestra una cara más íntima y emocional del proyecto, profundizando en una fusión entre indie y música urbana que reafirma el carácter mestizo de la banda. Santa Cruz gira en torno a las cargas invisibles que cada persona arrastra consigo: la ansiedad, el peso de las expectativas, los juicios ajenos o las heridas que permanecen ocultas tras lo cotidiano.

Lejos de cualquier lectura religiosa, la “cruz” funciona aquí como símbolo de todo aquello que sostenemos en silencio mientras intentamos seguir adelante. Una canción que habla de fragilidad, resistencia y de la necesidad de encontrar refugio incluso en medio del desgaste. 

El tema ha sido grabado y producido por Ismael Skellington y José Manuel Muñoz Pérez, con mezcla y masterización a cargo de Ruslan Slatin en slatin.pro (Madrid). El videoclip ha sido codirigido por Brayan Huerta y Paola Monserrat, con producción de Carlos Sánchez, dirección de fotografía de Ibai Urien y V. Manuel Macías y edición de Axlit Lozano. 

Con Santa Cruz, Dreadsistance reafirma su voluntad de romper etiquetas y seguir explorando nuevos caminos sonoros sin perder el pulso emocional y crítico que define al grupo. El single ya está disponible en YouTube y en todas las plataformas digitales.

La recuperación de la que fue una de las propuestas más singulares del panorama escénico andaluz de principios de siglo ya es una realidad. El sello 5 Lunas Producciones, especializado en sonido progresivo made in Andalucía, ha lanzado en formato CD y DVD Wallada: El sueño de un poeta cordobés, un trabajo que recoge la música y el show del que está considerado como el primer musical —o la primera ópera rock— del rock andaluz.

La obra, estrenada en 2004 en los Jardines del Alcázar de los Reyes Cristianos durante el Festival de la Guitarra, regresa ahora convertida en pieza de archivo singular para entender la evolución de este género musical, que en aquellos años no gozaba de la misma popularidad que tiene ahora, y también para analizar su relación con las artes escénicas.

El montaje original, impulsado por Javier García Pelayo -figura clave en el desarrollo del rock andaluz por su trabajo con grupos históricos como Smash o Triana-, destacó por su carácter pionero: sobre un mismo escenario convivían el ballet clásico, la danza española y el flamenco, todos ellos interpretando una partitura de rock andaluz. El elenco reunió a figuras de prestigio internacional como Igor Yebra, Aida Gómez y Paco Mora, en una propuesta que rompía las fronteras tradicionales entre disciplinas.

Un musical en la Córdoba omeya

Basado en la vida de Wallada bint al-Mustakfi, símbolo de libertad intelectual en la Córdoba omeya, el espectáculo trasladaba al lenguaje del rock una historia de amor, conflicto y creación poética ambientada en el siglo XI -la que la unió a ella con el poeta y político, también cordobés, Ibn Zaydún-. La elección del enclave no fue casual: el propio Alcázar cordobés fue el marco escénico de una narración que quería conectar pasado y presente y que, a pesar del esfuerzo, brilló como una estrella fugaz (no se volvió a representar más allá de aquella única noche estival).

La partitura del musical fue compuesta por nombres fundamentales de este estilo: Miguel Galán (guitarrista original de Medina Azahara), Randy López (líder de Mezquita) y Eudaldo Valentín. La colaboración unía así el legado de dos formaciones esenciales como Medina Azahara y Mezquita, consolidando una propuesta musical que iba más allá de la canción para construir un relato continuo.

Un relato que pretendía que, más de nueve siglos después, la figura de una mujer brillante y muy adelantada a su tiempo reviviera a través de la música en directo del grupo Kurrtuba, en una fusión de guitarras eléctricas, raíces flamencas y desarrollos sinfónicos que definían el sonido del rock andaluz.

Restauración y valor documental

Aquel espectáculo se grabó con los medios de la época. Por ello, desde el sello han remarcado que el material ha sido sometido a un proceso de restauración y mejora para su publicación actual. Desde 5 Lunas destacan el valor “artístico y documental” de la obra, que permite recuperar una creación irrepetible dentro del panorama cultural andaluz.

La edición incluye tanto el audio completo como el registro audiovisual del espectáculo, estructurado en 15 piezas que recorren el arco narrativo de la historia, desde la obertura hasta el cierre con Adiós Wallada.

Más allá de su valor musical, Wallada se interpreta hoy como una propuesta adelantada a su época. En un contexto en el que el rock andaluz había perdido presencia en la industria, el espectáculo apostó por expandir su lenguaje hacia lo escénico, integrando narrativa, coreografía y música en directo en un formato cercano a la ópera rock.

Su complejidad técnica y su ambición artística dificultaron su continuidad tras el estreno, quedando como una pieza de culto para los amantes del rock andaluz -muchos de los cuales desconocían que existía registro de la pieza-. Por ello, esta reedición permite una nueva lectura: la de una obra que no solo dialoga con la tradición del rock andaluz, sino que la amplíaba hacia nuevas formas de expresión.

El disco está disponible en la web de 5 Lunas y en tiendas especializadas.

La banda andaluza La Enfermedad del Beso continúa desvelando detalles de su nuevo trabajo discográfico y anuncia la próxima publicación de Como nunca he querido, su nuevo EP, que llegará el 13 de marzo a todas las plataformas digitales, y que presentarán en directo en Córdoba el 15 de marzo.

Este nuevo lanzamiento supone un paso más en la evolución sonora y emocional del grupo. En él, la banda profundiza en su característico universo del pop rock, combinando melodías directas con letras cargadas de honestidad que exploran relaciones, dudas, contradicciones y distintos momentos vitales que atraviesan su narrativa musical.

Coincidiendo con esta nueva etapa, el grupo también presenta Como Siempre has querido Tour, la gira con la que llevarán estas nuevas canciones al directo. El tour contará, por el momento, con ocho ciudades confirmadas, aunque la banda afirma que sigue trabajando para ampliar el número de fechas durante los próximos meses.

Una de las primeras paradas tendrá lugar el domingo 15 de marzo en la sala Long Rock Córdoba, donde el grupo ofrecerá el segundo concierto de la gira. La cita será una de las primeras oportunidades para escuchar en directo las canciones de Como nunca he querido, junto con algunos de los temas que ya forman parte del repertorio habitual de la banda.

Con este nuevo EP y el arranque de la gira, La Enfermedad del Beso consolida una etapa de crecimiento artístico y escénico, reforzando su presencia en la escena independiente y acercando su música a nuevas ciudades y públicos.

Cuarenta y un años después de aquel primer LP que marcó a toda una generación, Hombres G aseguran que se siguen subiendo al escenario con la misma energía —y casi la misma mirada— que cuando empezaron siendo apenas unos chavales. La gira Los mejores años de nuestra vida, que los traerá a Córdoba en junio no solo celebra una trayectoria única dentro del panorama pop rock en español, sino también una amistad que ha resistido modas, cambios de industria y transformaciones culturales de todo tipo.

El tour acompaña el estreno de un documental homónimo que repasa la historia del grupo desde dentro: la complicidad, las risas, las discusiones y la conquista de Hispanoamérica. Un viaje emocional que, según cuentan, se aleja del típico relato de rock para centrarse en algo más profundo: la historia de cuatro amigos que han crecido juntos.

En plena era del single y del consumo inmediato, la banda reivindica en una charla vía zoom el valor de las canciones, la libertad artística y la ilusión intacta. Hablan del relevo generacional, del espíritu punk, de la industria actual y de nombres clave en su historia como el del cordobés Paco Martín, su descubridor. Lo hacen sin perder el sentido del humor ni la perspectiva que dan cuatro décadas en la carretera.

“Los mejores años de nuestra vida son estos, ahora”

Hace poco estábamos celebrando el cuarenta aniversario del primer LP del grupo. Ahora, digamos que estamos en una gira que sería del cuarenta más uno, por decirlo de alguna manera. Aunque también podemos estar celebrando que se cumplen cuarenta años del segundo. Contadnos un poco más sobre esta gira.

David Summers: Bueno, esta gira se llama Los mejores años de nuestra vida, pero también porque va con el soporte de una película documental que estrenamos ahora el ocho de mayo con ese título. Es una película muy especial, muy emocionante; no es el típico documental al uso de un grupo de rock. Hemos querido hacer algo que emocione de verdad y ha salido algo muy bonito, con momentos de risas y de lágrimas. Es la historia de la amistad de cuatro niños que crecimos juntos viajando por todo el mundo. La estrenamos en cines y luego irá a Movistar. Con ese leitmotiv montamos la gira, hemos compuesto canciones nuevas —incluido el tema principal de la película— y la hemos preparado para pasarlo bien, celebrando que estos son los mejores años de nuestra vida.

¿Cómo se consigue mantener un proyecto colectivo como el vuestro durante cuarenta años en una era en la que se prima el individualismo?

Dani Mezquita: Pues teniendo siempre ilusión por trabajar, por hacer canciones nuevas, por irte de gira y arrastrar una maleta por un aeropuerto con tus amigos. La música no nos cansa; nos encanta tocar en directo y encontrarnos con nuestro público. Lo llevamos en la sangre y no vamos a poder abandonarlo nunca.

Rafa Muñoz: El éxito que tuvimos en la primera etapa nos dio libertad. Y en una carrera es fundamental poder tomar tus propias decisiones, no depender de una discográfica o de un mánager que te diga lo que hacer. Así disfrutas mucho más. Seguimos aquí porque nos encanta lo que hacemos y queremos continuar los cuatro en este proyecto que empezamos hace más de cuarenta años.

La ilusión sigue intacta, como decís. Entiendo que cuando subís al escenario seguís siendo esos niños que empezaron en el ochenta y pico.

Rafa Muñoz: Ese espíritu no hay que perderlo nunca. Te mantiene con los pies en el suelo. Lo que has conseguido es gracias al público; si ellos no están, tú no estás ahí arriba. Aunque el cuerpo pese más, cuando estás en el escenario se te olvida.

Dani Mezquita: Yo no creo que por tener más años tengas que ser diferente. El músico que empezó con veintipocos sigue ahí. Ver a chavales jóvenes que vienen por primera vez a un concierto nuestro es como empezar otra vez. Eso te llena de energía.

Hace poco, sacasteis un disco con artistas muy jóvenes interpretando vuestro repertorio. ¿Cómo habéis vivido el trasvase generacional de vuestra música? Lo digo porque la mayoría de artistas que hay en ese disco ni habrían nacido cuando vosotros explotasteis

David Summers: Si a artistas jóvenes les gustan es porque sienten que siguen siendo actuales. Para nosotros es un homenaje precioso. Es interesante escuchar cómo reinterpretan nuestras canciones y ver cómo cambia la música en España a través de ellos. De hecho, eso que has dicho antes de la edad: en el disco no había ninguno que hubiera nacido cuando empezamos; hicimos como Leonardo DiCaprio, nos los buscamos que no tuvieran más de veinticinco años.

Rafa Muñoz: Cuando la música se convierte en popular, no tiene edad. Y yo creo que nuestras canciones no la tienen.

Lo importante es seguir haciendo canciones bonitas

¿Sentís que el rock mantiene su capacidad subversiva o ahora son otros géneros los que tienen ese espíritu?

Rafa Muñoz: La actitud punk es propia de los jóvenes. Hay estilos que nunca desaparecerán: el flamenco, el jazz, el rock o el blues. Pero es verdad que la rebeldía tiene más que ver con la edad. Cuando eres joven eliges una música fuerte, agresiva. Pero lo que manda son las canciones; los géneros ahora están más mezclados.

Javier Molina: La letra es lo más importante. El envoltorio puede ser punk, ska o reguetón, pero lo que importa es el mensaje. Eso del rock y del pop y el punk y todo eso, eso era cuando éramos jóvenes nosotros, pero ya se está perdiendo completamente. Hoy hay raperos que transmiten un mensaje acojonante, y que me parece un prodigio cómo lo hacen. En fin, cada uno en su estilo suele abarcar una cosa. Nosotros, cuando éramos jóvenes, pues el rock era un poco la revolución. La rebeldía del rock and roll siempre ha estado ahí. Ahora, hay otros chavales que se sienten rebeldes haciendo otro estilo de música. O sea, hay artistas de ahora que a lo mejor sienten esa rebeldía haciendo reguetón. Pero a mí no me parece ni rebelde ni me parece nada; me parece que no están diciendo más que chorradas. Pero porque creo lo importante es la letra.

Estamos en Córdoba y tengo que preguntaros por Paco Martín. ¿Qué recuerdos traéis de aquella época y de aquella locura de convertiros en un éxito también en Hispanoamérica?

Rafa Muñoz: Paco fue quien nos dio la primera oportunidad de grabar. Estuvimos con él hasta el quinto disco, Voy a pasármelo bien. Luego hemos grabado catorce en total. Y es verdad que se fue a América con nuestros discos y confió muchísimo en nosotros. Nos defendió a capa y espada. Y el tío se peleaba por nosotros con todos los críticos Le tenemos mucho cariño.

Javier Molina: Fuimos muy fieles a Paco.

Rafa Muñoz: Cuando se fue nos quedamos un poco huérfanos. Nosotros fuimos siempre fieles a Twins, que, al principio, era él solo con una secretaria. No no tenía nada de nada. Y fuimos el primer grupo que fichaba. Luego, cuando él se fue y lo dejó, pues ya teníamos que hablar con gente que no conocíamos de nada. Con gente nueva. Todo era menos romántico.

David Summers: Paco es un personaje, es un gran tipo y le debemos mucho. Sigo en contacto con él; a veces me llama para colaborar y solo por verle, voy.

Hay artistas que sienten esa rebeldía haciendo reguetón; a mí me parece que dicen chorradas

La verdad es que habéis vivido todos los cambios del sector. ¿Cómo veis el momento actual, en el que el disco de estudio parece pesar menos y manda la tiranía del single?

Dani Mezquita: Es cierto lo de la tiranía del single. Echo de menos que haya grupos de cuatro o cinco chavales haciendo música. Ahora hay más artistas en solitario que sacan una canción y llenan estadios. Eso sí ha cambiado.

David Summers: A mí al final me da igual. Hemos nadado en todo tipo de mares. Hay que confiar en las canciones bonitas y en hacer melodías que merezcan la pena, aunque haya modas. Porque luego son muchas veces modas.

Rafa Muñoz: Nosotros, cuando hacemos un disco, pensamos en las canciones como unidades; cada una tiene su propia historia, su personalidad, su vestidito. No pensamos si está en el sonido de ahora o de moda; nos da completamente igual. Hacemos un rock and roll, una balada… cada una tiene su personalidad, las ponemos juntas y eso son Hombres G, lo que ofrecemos.

Javier Molina: Las tendencias y las modas siempre nos han dado igual. En los años ochenta no queríamos ser un grupito con tecladitos como la mayoría de los de La Movida. Y eso que dices de lo de los singles es un poco lo que se hacía antes, hasta que los Beatles empezaron a hacer long plays, a juntar los singles del año. Ahora el tema es mantenerse en el tiempo. Da igual que saques un single o un disco de diez o doce canciones; lo importante es mantenerse, no sacar solo una canción. Ha habido millones de artistas con un hit mundial que han desaparecido. Lo importante es seguir haciendo hits, da igual que los empaquetes de diez en diez o de uno en uno; lo importante es seguir haciendo canciones bonitas.

Cuando Paco Martín se fue, nos quedamos un poco huérfanos

El cuarteto cordobés Volpina ha lanzado en plataformas Qué sería de la ciudad sin nosotros, un himno luminoso que funciona como primer adelanto de su esperado LP de debut, previsto para este año, y que han querido convertir en una oda a los bares modernos que resisten en la ciudad cordobesa, y a la gente que está detrás y delante de sus barras.

Todo ello en un videoclip dirigido por David Donnier, que acompaña la canción con una estética que refuerza esa idea de ruta nocturna, de barra en barra, celebrando los espacios que mantienen viva la ciudad.

Con su característico sonido, que bebe del power pop y de la identidad cordoboide, a partes iguales, la banda está formada por Migue Pérez (Los Esclavos, Wa Fulana), Ismael Delgado (Los Esclavos), David Paz y Mario Cano (Raisa, Neon Violets, Mr. Mitas, Plastic Friendly). Juntos han consolidado una propuesta que combina inmediatez, guitarras afiladas y estribillos coreables con una narrativa profundamente urbana.

Tras el lanzamiento en 2023 de su EP Lecciones de Vuelo, Volpina da ahora un paso adelante con una canción que es también una declaración de intenciones: una oda a los bares, a las conversaciones interminables y a esa comunidad anónima que sostiene el pulso cultural de Córdoba. El tema ha sido grabado por Juan Valera en El Doblao (Córdoba), mezclado y masterizado por Juli Díaz en Curva Polar (Granada). En este primer single, colabora Juan Valera al teclado en esta grabación.

En los agradecimientos, la banda deja claro el espíritu que envuelve el lanzamiento: Limbo, Los Cuatro Gatos, Barbaridad, Último Tango, La Boca, Amapola, Bassico, Automático, Jazz Café y tantos otros bares de Córdoba que, aunque no aparezcan en pantalla, forman parte esencial de su imaginario. “¡A toda esa gente que mantiene la ciudad en movimiento!”, proclaman en los créditos finales del single.

Para escuchar el resto del disco, habrá que esperar unos cuantos meses. Y Volpina deja claro que, la espera es menos larga en los bares.

El rock andaluz sigue encontrando nuevas formas de expresión, incluso lejos de su lugar de origen. Desde Berlín, la banda Deliriô acaba de publicar su primer trabajo discográfico, Alfawwara, un LP autoproducido que combina raíces andaluzas, ecos flamencos y una mirada contemporánea que dialoga con el rock progresivo, el post-rock, el folclore y los sintetizadores.

Al frente del proyecto se encuentra el cordobés Rafa Raigón, músico, actor y emigrante, cuya trayectoria vital tiene mucho que ver con el pulso del disco. Y es que, el batería del grupo desarrolló durante años su carrera como actor en varias compañías teatrales de Córdoba, hasta que en 2009 decidió trasladarse a Berlín, donde coincidió con otros emigrantes andaluces.

Esta mirada a lo que uno deja atrás está muy presente en la identidad de Deliriô, un proyecto que comenzó a lanzar sus primeros sencillos hace casi dos años, y que ahora ha lanzado su primer LP. El álbum ha sido grabado en The Famous Gold Watch Studios de Berlín, bajo su propio sello, y cuenta con la ingeniería de sonido, mezcla y masterización de Bob Spencer.

En palabras de la banda, Alfawwara ha sido “autoproducido con mucho cariño en Berlín, con historias de voces silenciadas y con alma blanca y verde”. Deliriô explica que el proyecto nació “como un pasatiempo para echar el rato y combatir el frío (no solo la temperatura)”, pero que con el tiempo se ha convertido en “nuestra máxima ilusión”.

El LP ha estado disponible en sus primeras semanas en Bandcamp, donde han dado opción de adquirir un libreto físico o en formato PDF. Todo el material gráfico —textos, ilustraciones, diseño y maquetación— ha sido realizado por el propio colectivo. El grupo subraya además su apuesta consciente por no “regalar el arte a la primera”, ofreciendo escucha gratuita y descarga en MP3 a precios populares. No obstante, desde hace unos días ya está también disponible en el resto de plataformas de streaming.

Además, uno de los temas destacados del disco es Córdoba (canción del hinete), adaptación de un poema de Federico García Lorca y que, desde Berlín, Deliriô canta a su tierra “con la nostalgia del emigrado”, estableciendo un puente entre la poesía clásica andaluza y una sonoridad actual (el grupo bebe del rock progresivo, aunque también de la música electrónica, tan presente en Berlín).

La formación del grupo está integrada por Bea Cobos (voz), Ezequiel López-López y Riccardo Esposito (guitarras), Rafa Raigón (batería), Esteban Guevara (bajo) y Alberto Estepa (teclados).

El próximo 27 de diciembre, a partir de las 21:30, se celebrará un nuevo concierto de Álvaro Tarik y Yonka Zarco, que tendrá lugar en sala Ambigú Axerquía. Tras el éxito de convocatorias que tuvo el evento celebrado el año pasado en las salas Amapola y Limbo, agotándose las localidades en ambos lugares en poco más de veinticuatro horas, vuelven a otro escenario cordobés, concretamente a una de las salas con más solera de la ciudad, con mayor aforo.

Abrirá el concierto Yonka con su acústica y un repertorio preparado para este evento, en el que hará un recorrido vital con composiciones de los diferentes grupos que lideró, especialmente del celebérrimo Corazones Estrangulados, aunque no faltarán canciones de su época en La Reserva, Liviana, Superamigas o Mteörik. Además, desgranará unos cuantos temas inéditos de un disco acústico que ya está grabando desde hace unas semanas, algunas de cuyas canciones ya están fase de mezcla y masterización, y que estrenará en exclusiva para el público del Ambigú. 

Y después aparecerá Álvaro Tarik, también con su guitarra acústica, cerrando en el escenario del Ambigú la gira que ha realizado este año, en el que se conmemora el 20 aniversario de su celebrado disco Sequentialee, editado en el año 2005 por el sello Mushroom Pillow y considerado uno de los mejores trabajos de toda su trayectoria. Esta gira le ha llevado por varias ciudades españolas, entre las que se incluyen Madrid y Granada. Aparte de tocar sus temas más conocidos de Tarik y la Fábrica de Colores y Summer Spree, su proyecto actual, hará un recorrido exhaustivo por las canciones que conformaron Sequentialee, álbum grabado y producido por Pedro Cantudo y que contó con la colaboración de, entre otros, Eric Jiménez, multipremiado batería de Los Planetas y Lagartija Nick.

Álvaro Tarik y Yonka Zarco, dos artistas con trayectorias muy diversas: además de sus respectivos trabajos musicales, Álvaro ha expuesto recientemente sus pinturas, y Yonka publicó en marzo de este 2025 su segunda novela. Como asegura una gran parte de la crítica y del público local, ambos ocupan un lugar preferente entre los mejores compositores que ha dado la ciudad de Córdoba.

Córdoba vuelve a convertirse en hogar del Desencuentro Enemigo, el festival itinerante creado en 2001 como homenaje al grupo madrileño Los Enemigos, que regresa a la ciudad 16 años después para celebrar su 23 edición. Será del 5 al 7 de diciembre, coincidiendo con el Puente de la Constitución, cuando la capital cordobesa reuna a seguidores llegados de toda España en una programación que combina música, actividades culturales y convivencia.

Nacido hace casi 25 años tras el anuncio de la separación de Los Enemigos, el Desencuentro ha recorrido buena parte del país —de Murcia a Bilbao, pasando por Sevilla, Granada, Segovia o Tomelloso— consolidándose como un evento de culto para los aficionados al rock y la música independiente. Por sus escenarios han pasado artistas y bandas fundamentales del panorama nacional y europeo como Josele Santiago, Guadalupe Plata, Los Deltonos, The Soul Jacket, Freedonia, Powersolo o Julián Maeso, entre muchos otros.

Encuentros, conciertos, paseos y potajes

La nueva edición arrancará el viernes 5 de diciembre con la tradicional Bienviandas en el bar 4 Gatos, en la plaza de las Cañas, donde se recibirá a los asistentes en un ambiente distendido. Ya por la noche, la Sala Ambigú Axerquía acogerá a los ubetenses Guadalupe Plata, que regresan al Desencuentro 16 años después convertidos en una referencia internacional del blues-rock alternativo. La velada la abrirá P.A. Barham & The Varlets con su pop-rock de filiación británica, y se cerrará con una sesión de Dj Miamigomigue.

El sábado 6 comenzará con una visita guiada por los patios de la Axerquía en fechas navideñas, antes de trasladarse al pub Amapola, donde los Picadiscos Requesound pondrán música a un potaje cordobés y al debut escénico de Los Carnales, banda que actuará por primera y única vez.

Por la noche, la actividad regresa al Ambigú con uno de los conciertos más esperados: los londinenses MFC Chicken, estandarte europeo del frat rock, presentarán su nuevo LP Milk Chicken (Folc Records). Como teloneros, los cordobeses The Hot Jivers, líderes del jump & jive nacional, ofrecerán un adelanto de su próximo EP. La fiesta continuará con Dj Du Canción.

Traspaso del felpudo enemigo

El domingo se reserva un tiempo libre para explorar Córdoba antes de la Comida de Hermandad en la Sociedad de Plateros de María Auxiliadora. A las 17:00, el pub Jazz Café acogerá una nueva edición de la clásica Jam Session Enemiga, seguida del concierto de Little Joe and The Runners, representantes del blues local.

El cierre oficial llegará en el pub Limbo con la tradicional entrega del felpudo enemigo, símbolo del relevo hacia la próxima ciudad anfitriona. La música continuará en el Jazz Café con los Djs pDTK y Coliflor Fernández.

El cantautor cordobés Juan Antonio Salmoral Galiot (Córdoba, 1991), conocido artísticamente como Juan Antonio Galiot, ha lanzado su segundo álbum en solitario, Mi verdad, una obra con la que consolida su identidad musical y da un paso más en la madurez de su sonido. El álbum llegó a las plataformas el pasado 28 de noviembre, dos años después de su anterior trabajo, Cambio de agujas (2023), que superó las 200.000 reproducciones en Spotify.

Formado desde los nueve años en el Conservatorio Profesional de Música de Córdoba en piano y viola, Galiot ha desarrollado una carrera marcada por la versatilidad: cantautor, compositor, productor y arreglista. Además de su proyecto personal —en el que transita por terrenos cercanos al folk y al blues— es fundador del grupo Malaraña (2017), banda influenciada por el rock americano y géneros como el blues, grunge y folk. Con ella ejerce de cantante, guitarrista, teclista ocasional y responsable de composición y producción. En 2022, el grupo se alzó con el II Concurso de Bandas “Aguilar Rock”.

Con diez canciones, Mi verdad profundiza en las raíces de la música americana y se mueve entre el rock, el folk y el blues. Las letras mantienen el sello introspectivo y emocional del artista, con influencias que van desde Bob Dylan, Neil Young y Eddie Vedder hasta referentes nacionales como Joaquín Sabina, Andrés Calamaro o Quique González.

Uno de los aspectos más destacados del proyecto es su carácter completamente autoproducido: Galiot ha asumido la grabación, producción, mezcla y mastering del álbum. La parte gráfica ha sido realizada por Diego Cacamut (Katarsis Visual) y el videoclip del tema principal corre a cargo de Juan Ruz Polonio (Ruz Polonio Audiovisual).

El lanzamiento ha coincidido con un nuevo reconocimiento para el músico: en octubre de 2025 fue distinguido con el Premio a Mejor Artista Provincial en el VI Festival de la Canción de Priego de Córdoba.