¿Cómo se hace una imagen para una película sobre Federico García Lorca sin caer en todos los tópicos asociados a Federico García Lorca? ¿Cómo se habla de su universo sin poner una luna, un toro, una paloma o el rostro o la firma del poeta? Y, sobre todo, ¿cómo se convierte una campaña publicitaria en algo que parezca algo más que una simple campaña publicitaria?

En La Bola Negra, la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi que monopoliza estos días la conversación cultural en España –y fuera, con serias posibilidades de colarse en los Óscar–, la respuesta ha sido un proceso creativo de alrededor de dos años, numerosas pruebas y borradores y una colaboración entre Equipo SOPA –fundado por tres creativos cordobeses– y el artista andaluz Manuel Antonio Domínguez.

El resultado, como siempre ocurre con SOPA, no es un cartel, sino un mundo estético que acompaña a la obra audiovisual. En este caso, una colección de imágenes intervenidas en la que fotografías del pasado y del rodaje son atravesadas por flechas, manchas y pintura rosa. En realidad, una campaña que pretende hacer algo tan aparentemente contradictorio como deslorquizar una película sobre Lorca: partir de su imaginario para escapar de sus clichés.

Dos años de trabajo quitando capas

Cuenta Luis León desde las oficinas de SOPA en Madrid que la premisa base sobre la que trabajaron, cuando recibieron el encargo en el otoño de 2024, fue la de omitir lo conocido, aunque sin renunciar a ello. Así que en SOPA iniciaron una investigación sobre “el Lorca personal y el Lorca autor”, sobre Rafael Rodríguez Rapún y sobre el universo de la película, pero también sobre todo aquello que permitiera conectar ese legado con otros códigos. La intención era que las imágenes no replicaran “los clichés de la Guerra Civil y de Lorca”, sino que permitieran descubrirlo “desde otro lado”.

Cuando el Equipo SOPA se sumó al proyecto, en realidad, ya habían trabajado con Los Javis, puesto que habían desarrollado todo el bestiario de La mesías, la laureada serie que Ambrossi y Calvo desarrollaron para Movistar Plus. Y en el otoño de 2024, la película que hoy ha encandilado a la crítica era solo una idea sobre el papel. De hecho, el proyecto se llamaba inicialmente La piedra oscura, como la obra de Alberto Conejero. Sin embargo, una vez que el título pasó a ser La Bola Negra, el nombre que aparece en el manuscrito de Lorca, se abrió una vía gráfica completamente distinta.

Dice León que, para su suerte, una bola negra puede ser muchas cosas antes de ser una referencia a Lorca: un objeto, un enigma, una marca. Y esa ambigüedad era especialmente interesante para una película que habla de historias ocultas y deseos que no pudieron ser verbalizados. Pero el proceso acababa de empezar. Y fue largo. Hubo versiones que exploraban las grafías de la propia escritura de Federico, otras tipografías y diferentes composiciones en las que la bola negra ocupaba el centro. Después llegó una fase en la que la bola parecía invadirlo todo hasta desaparecer como objeto reconocible. Finalmente, se evaporó, icónicamente hablando.

La imagen que no está, el color que no tiñe la poesía

Y es que, aquella bola negra que, en el contexto de la obra, alude a una forma de votación aparentemente prosaica pero profundamente estigmatizante, podía rodar fácilmente fuera de ese imaginario e ir engordándose de significados en su devenir montaña abajo. “La idea tiene una contemporaneidad y un misterio muy chulo”, explica León. Precisamente por eso, una vez que el título fue fijado, el equipo tomó una segunda decisión: no mostrar necesariamente la bola. Si ya está en el nombre, repetirla como elemento gráfico sería demasiado obvio (y muy poco SOPA).

La misma operación se aplicó al color. El imaginario lorquiano tiene una paleta de colores inmediatamente reconocible, pero SOPA decidió buscar otro. Frente al verde, el blanco o el rojo asociados tradicionalmente a Lorca y su obra, apareció el rosa. No como un color decorativo, sino como una vía para conectar con la historia de la homosexualidad, el homoerotismo y la estigmatización.

“El rosa, muy probablemente, no está en ningún poema de Lorca”, apunta León, pero permite establecer una conexión con una tradición simbólica que va más allá de la obra del poeta. Ahí comienza a construirse el lenguaje visual de La Bola Negra: una bola negra que casi nunca vemos y un rosa que empieza a ocupar las imágenes. Pero todavía faltaba encontrar la forma concreta de intervenirlas.

Manuel Antonio Domínguez

La solución empezó a aparecer cuando entró en escena Manuel Antonio Domínguez. El artista onubense, habitual colaborador de la agencia, llevaba unos veinte años recuperando fotografías antiguas y materiales abandonados. En casas vaciadas, librerías viejas, rastros y otros lugares donde sobreviven imágenes de personas cuya historia se ha perdido, Domínguez interviene las fotografías para imaginar las identidades, relaciones, amores y conflictos que podrían esconderse detrás de ellas. Muchas de sus obras trabajan con soldados y futbolistas, dos arquetipos de masculinidad sobre los que introduce manchas y fluidos rosas.

Su trabajo ofrecía un espejo inesperado para la película. También La Bola Negra recupera un legado y se pregunta por aquello que quedó oculto. En las fotografías de Domínguez, una persona anónima del pasado puede aparecer de pronto marcada por una mancha rosa que introduce una historia que la imagen original no contaba. No se trata de descubrir qué ocurrió realmente, sino de hacer visible la posibilidad de una historia que quedó fuera del relato oficial.

SOPA tenía cerca y a mano la solución que estaba buscando. Las intervenciones del artista conectaban con la película y permitían abandonar definitivamente la idea de una campaña construida alrededor de símbolos lorquianos reconocibles. La bola negra dejaba de ser el centro. En su lugar aparecían cuerpos, manchas, flechas y fotografías. Y las flechas resultaron fundamentales.

Porque son flechas de amor, pero también de violencia. Pueden remitir a Cupido, a la Falange o a ese santo tan queer que fue San Sebastián (el personaje de Guitarricadelafuente se llama Sebastián). Pueden atravesar un cuerpo como una declaración amorosa o como una herida. Pueden señalar, marcar, vestir o matar. Esa ambivalencia permite que una misma imagen contenga deseo y dolor. El rosa, mientras tanto, deja de ser un simple color para convertirse en una acción. La mancha señala. La mancha identifica. La mancha estigmatiza. Pero también viste. En las fotografías de Domínguez puede parecer inicialmente una intervención delicada, incluso hermosa, hasta que se descubre su significado: aquello que se derrama sobre el cuerpo puede ser tanto una marca de deseo como una herida.

El concepto terminó de trasladarse a la campaña cuando las fotografías antiguas de Domínguez se encontraron con las imágenes del rodaje realizadas por Carla Oset. Para la gráfica exterior se intervinieron alrededor de quince fotografías de la película y, después de diferentes pruebas y algunas recreaciones, se seleccionaron diez para formar la colección definitiva. La intención era que funcionaran juntas.

La cabecera y los diez carteles

Por eso, La Bola Negra no tiene un póster oficial. Porque la campaña está concebida como una serie de obras plásticas cuyas historias se entrelazan y se superponen, igual que las distintas líneas temporales de la propia película. Es una decisión particularmente llamativa dentro de una industria acostumbrada a condensar una película en una sola imagen. Aquí sucede lo contrario: la imagen publicitaria se fragmenta. Cada pieza cuenta una pequeña parte y ninguna pretende resumir la película entera.

La cabecera de la película lleva esta idea al pasado: varios minutos después de empezar la película aparecen fotografías recuperadas de personajes anónimos de los años treinta, intervenidas para imaginar las vidas, relaciones y deseos que quedaron fuera de ellas. El procedimiento recupera además una técnica del cine clásico: gouache sobre transparencias, fotografiado después para poder trabajar las imágenes digitalmente sin perder la textura original.

Las letras siguen ese juego entre épocas. Las tipografías mecánicas proceden de fuentes alemanas del siglo XIX utilizadas en los años treinta, mientras que las manuscritas están pintadas a mano. Son escrituras que podrían pertenecer tanto a un cartel de la Guerra Civil como a una reivindicación del orgullo o a una declaración de amor. Ahí está la clave de la campaña: no actualizar a Lorca, sino encontrar aquello de Lorca que todavía puede hablar al presente.

El resultado: un nuevo flechazo entre el público y un poeta cuyos versos, incluso los que no pudo terminar, sobrevivieron a su muerte.

El cine, como todas las artes, vive en la conversación. Es decir, una película siempre es incompleta hasta que no atraviesa al espectador y entabla un diálogo con él. En ese punto de encuentro, que no siempre se logra, habitan todas las posibilidades. Es justo ahí donde el cine se hace político, en cruce con lo personal, de forma que amplía su dimensión colectiva y nos permite redescubrirnos. En esa no siempre fácil tarea que supone aprender que “soy porque eres tú”. De esta forma, en apenas hora y media, dos horas, pongamos que tres, pueden cohabitar la memoria y el futuro, hermanados en un ahora en el que nuestro pecho, frente a la pantalla, tiembla o se escuece.

Pocas películas recientes han conseguido que mi temblor como espectador, ese que últimamente parece tan domesticado por pantallas menores que en mi casa me entretienen, viaje hacia décadas pasadas, hasta mi adolescencia de bolas negras que yo mismo tiraba sobre mi pared, hasta esos manuales, de la escuela y de la vida, en los que tantas hojas faltaban. Javier Calvo y Javier Ambrossi han conseguido que después de mucho tiempo me sienta parte de una enredadera conjugada en la primera persona del plural y que la historia de Carlos, Sebastián, Rafael y Alberto – que son, al mismo tiempo, como diría Saramago, “todos los nombres” – me lleve a ese territorio en el que las emociones nos dictan recados. Y sí, es una película imperfecta, hiperbólica, ambiciosa, desmesurada por momentos, pero en ella todas las piezas, hasta las que se dejan llevar por la poética del exceso, la propia de huertas y amores oscuros, están tan sabiamente conjugadas que es imposible no sentirse asaetado. Supongo que porque han sabido contarnos una historia, que es la nuestra, un poco la de todos quienes fuimos niños raros, desde la dimensión de los cuerpos. Es decir, encarnada. Cuerpos deseados y deseantes, los que sangran, los que sudan bajo las camisetas blancas de marineros sin tierra, los que se miran en los espejos, los que son tocados o lo ansían, los que se abrazan y se rozan, los que curan y cuidan, los olvidados y los que reducidos a esqueletos nos siguen gritando desde las cunetas. Es justamente en cómo La bola negra se adueña de la memoria encarnada donde reside la mayor potencia de una película que hizo llorar a mi vecina de butaca, que consiguió el silencio de jóvenes que comen palomitas y que irremediablemente sacudió el tronco del hombre mayor que tenía sentado delante.

Con un impecable diseño de producción y con un reparto milagroso, La bola negra, cuyo guion parece tejido con la habilidad de dedos que parecieran tener cien años pero al mismo tiempo con la temeridad del joven aprendiz, alza la voz, además, en un momento en el que algunos parecen empeñados en “acecharnos todavía”. En medio de casi una conjura global contra “la fantasía de la posibilidad”, que es el travestismo pero también la democracia, esta película se alza victoriosa, majestuosa, como un canto de disidencias y playas de cuerpos hermosos. Migrantes en busca de pan y amores. Como si, pese al dolor que encierra, desplegara las alas de una fiesta de pueblo, de un pueblo inmenso, para acoger a quienes aun estando en los márgenes también somos España. A lo Gómez Arcos. 

Cuando cae el telón, después de casi tres horas en los que la belleza ha convivido con las heridas como en el mejor de los poemas, como si en esa cápsula de tiempo tan lorquiana no hubiéramos dejado de bailar un vals vienés, todos podemos sentir que somos inmensos, que en cada uno habitan multitudes y que, si fuéramos árboles, nos faltarían ramas para acoger todos los pájaros que nos hablan, muchos de ellos desde el pasado, como le susurraban a Virginia Woolf. Y es justamente esa obra de arte, la que se conjuga en plural y con versos que no siempre riman, la que hoy tenemos que seguir defendiendo. Mucho más ante la amenaza de que la nieve se tiña de rojo o simplemente acabe convertida en fango que impida abrir las puertas de los armarios. Por más que ellas - las hermanas liberadas, las madres que cosen, las emancipadas de cuplés y rosarios – hagan de su autonomía la llave con la que encerrar en el sótano a todos los monstruos.

Todo eso y mucho más está en esa película que es un como torrente y que en estos días está, felizmente, haciendo que cientos, miles de personas, se partan en dos al ser conscientes de todas esas historias de amor que siguen enterradas en la patria rojigualda sin violetas. Todo eso y, claro, un inmenso Guitarrica de la Fuente, con pestañas que hablan y huesos que lloran, que es sin duda el gran descubrimiento de una obra en la que los tiempos se funden, como si fuera obra de magia, para fervorosamente hablarnos del presente. Una historia que araña la tierra, esa que muchos se empeñan en dejar que se pudra, para ir más allá de los gusanos y las calaveras. Ese deseo de memoria encarnada que hace años Alberto Conejero, ese andaluz que siempre nos lleva a acantilados en los que elegir entre lanzarse al vacío o alzar el vuelo, transformó en hermosísima conversación que concilia que es “La piedra oscura”. El origen, no lo olvidemos, de esta escalada prodigiosa por los muslos de un San Sebastián en ruinas. 

El alcalde de Nueva York, Zohran Mamdani, ha leído ante Pedro Sánchez el poema que Federico García Lorca dedicó a Córdoba, La canción del jinete. “Córdoba. Lejana y sola. Jaca negra, luna grande, y aceitunas en mi alforja. Aunque sepa los caminos yo nunca llegaré a Córdoba”. Mamdani recordó que Lorca vivió en su ciudad, Nueva York. Y que La canción del jinete se publicó en 1927, en “un mundo que, al igual que ahora, atravesaba momentos de inmensa oscuridad y convulsión” a causa del avance del fascismo por Europa.

El gesto ha servido para abrir un encuentro cargado de simbolismo político entre el presidente del Gobierno español y el alcalde de Nueva York, celebrado este miércoles en Gracie Mansion, la residencia oficial del regidor neoyorquino. Sánchez y Mamdani han compartido escenario con la primera ministra de Barbados, Mia Mottley, y el presidente del Consejo Europeo, António Costa, en un acto titulado Construir una economía para la mayoría. La cita se ha producido durante la estancia de Sánchez en Nueva York con motivo de la Asamblea General de Naciones Unidas.

Mamdani ha utilizado la figura de Lorca para establecer un puente entre la época que vivió el poeta y el momento político actual. El alcalde ha recordado que el escritor granadino pasó nueve meses en Nueva York entre 1929 y 1930 y que durante su estancia conoció de cerca Harlem y la cultura afroamericana. En su intervención, ha presentado a Lorca como un hombre que nunca ocultó sus convicciones y que creía en la posibilidad de construir un mundo diferente.

El alcalde ha relacionado aquel contexto con el suyo propio. Ha recordado el avance del fascismo en Europa, la Guerra Civil española y el asesinato de Lorca por las fuerzas franquistas. Después de evocar el verso en el que el jinete afirma que nunca llegará a Córdoba, Mamdani ha convertido el poema en una metáfora política: décadas después, ha defendido que quienes estaban reunidos en aquella sala tienen la posibilidad de hacer realidad la visión de un mundo mejor que, según sus palabras, representaba Lorca.

“En Nueva York nos esforzamos por llevar dignidad a la vida de cada neoyorquino, no solo de aquellos que pueden permitirse comprarla”, ha planteado el alcalde. Su discurso ha conectado así la referencia literaria con uno de los ejes de su proyecto político: el coste de la vida y la dificultad de las familias trabajadoras para acceder a una vivienda, pagar las facturas o cubrir sus necesidades básicas.

El reconocimiento de Mamdani a las políticas de Sánchez

A partir de ahí, Mamdani ha dirigido buena parte de su intervención hacia España. El alcalde ha presentado a Sánchez como un “defensor de la clase trabajadora” y ha destacado las políticas sociales desarrolladas por su Gobierno.

Uno de los datos que ha utilizado es la evolución del salario mínimo. Según Mamdani, cuando Sánchez llegó al Gobierno el salario mínimo interprofesional se situaba en 735 euros mensuales, frente a los 1.221 euros actuales. El alcalde ha cifrado el incremento en un 61% y ha sostenido que esa subida transmite un mensaje a millones de trabajadores: que su trabajo, su esfuerzo y su dignidad importan.

Mamdani también ha citado otras medidas adoptadas en España, entre ellas la ampliación del permiso de paternidad, la prohibición de las terapias de conversión y las políticas de memoria relacionadas con las víctimas de la dictadura franquista. Su argumento ha sido que esas decisiones forman parte de un mismo compromiso con la dignidad de las personas trabajadoras y con la ampliación de derechos.

El alcalde neoyorquino ha situado ese planteamiento dentro de una conversación internacional sobre cómo responder a la desigualdad y al deterioro de las condiciones de vida de amplias capas de la población. Nueva York, ha defendido, puede aprender de las experiencias desarrolladas en otros lugares y adaptar aquellas políticas que permitan mejorar la vida cotidiana de sus habitantes.

Sánchez: “Existe otro camino posible”

Sánchez ha recogido el mensaje y lo ha trasladado al terreno económico. El presidente ha defendido durante su intervención que España y Nueva York representan experiencias diferentes, pero que comparten la búsqueda de políticas dirigidas a la mayoría social.

“España está demostrando que otro modelo económico es posible, y Nueva York está demostrando que esa misma ambición puede transformar nuestras ciudades”, ha afirmado. A continuación ha pronunciado la frase que ha terminado dando el tono político al encuentro: “Por eso los poderosos nos temen, porque día tras día demostramos que existe otro camino posible y que funciona, que genera resultados para la gente corriente”.

El presidente ha defendido que crecimiento económico y justicia social no son objetivos incompatibles. Según su planteamiento, la experiencia española de los últimos años demostraría que una economía puede crecer al mismo tiempo que se incrementa la protección social y se elevan los salarios.

Sánchez ha citado entre sus argumentos la evolución del salario mínimo, las políticas de energías limpias y la situación del empleo. También ha insistido en que la economía debe medirse por su impacto en la vida cotidiana de las personas y no únicamente a través de indicadores macroeconómicos.

“Las políticas progresistas también pueden ganar el futuro”, ha planteado el presidente, que ha aprovechado además para reivindicar que la asequibilidad de la vivienda, los salarios y los servicios públicos forman parte del debate económico central y no constituyen cuestiones secundarias.

Los espectadores cordobeses podrán asistir al estreno en pantalla grande de La bola negra, la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos popularmente como Los Javis. La llegada de la película a Córdoba coincidirá con su estreno comercial en los cines españoles, antes de su aterrizaje en la plataforma Netflix, y con uno de los momentos más importantes de su recorrido internacional, ya que este mismo miércoles se ha anunciado que La bola negra es la película seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en la próxima edición de los Oscar, donde optará a convertirse en una de las películas nominadas a la estatuilla.

La cinta de Los Javis se impuso a las otras dos finalistas españolas, El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa. La elección abre ahora el camino de la película hacia la carrera por la nominación al Oscar a la mejor película internacional, cuya próxima parada será en diciembre, cuando se sepa si se cuela entre las 15 películas extranjeras en ser preseleccionadas.

El estreno en Córdoba será el próximo viernes 25 de septiembre a las 19:00 en los cines de El Tablero. La proyección estará acompañada, al finalizar, de un coloquio con los directores, Javier Calvo y Javier Ambrossi, que se desarrollará vía streaming.

La bola negra llega además a las salas después de haber obtenido uno de los principales reconocimientos de su trayectoria: el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes para Javier Calvo y Javier Ambrossi. La película se ha situado así entre los títulos españoles con mayor proyección de cara a la próxima temporada de premios. La producción supone también la gran apuesta de Netflix para la carrera de los Oscar. La plataforma ha preparado una campaña internacional para impulsar la película y, en Estados Unidos, contará con un periodo especialmente prolongado de exhibición exclusiva en salas antes de incorporarse a su catálogo.

Otro de los elementos que aspiran a tener recorrido en la carrera por los premios es La nieve, la canción compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree para la película y presentada para competir por una posible nominación al Oscar.

La historia de La bola negra se construye a partir de tres hombres y tres épocas distintas, cuyas vidas aparecen conectadas a través de la sexualidad y el deseo, pero también del dolor, la memoria y la herencia. En el centro del relato se encuentra además una de las obras inacabadas de Federico García Lorca, que sirve como uno de los hilos que conectan las diferentes historias.

La película aborda así la memoria histórica y la represión de la sexualidad, al tiempo que establece un diálogo con la figura y la obra de Lorca. El proyecto parte precisamente de una de las piezas teatrales que el poeta granadino dejó inconclusas y que Los Javis han utilizado como punto de partida para construir una historia que atraviesa diferentes momentos históricos.

El guion está firmado por Javier Calvo, Javier Ambrossi y Alberto Conejero, mientras que el reparto reúne a nombres como Guitarricadelafuente, que debuta como actor, Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres.

Los últimos días de García Lorca de Eduardo Molina Fajardo vuelve al catálogo de la editorial Almuzara y a las librerías con una nueva edición, con motivo del noventa aniversario del fusilamiento del poeta granadino, aquel fatídico 19 de agosto de 1936. Se trata de la reedición de uno de los trabajos de investigación más concluyentes y minuciosos de la última etapa vital de García Lorca.

Una obra que, aunque quedó inconclusa en su redacción debido la muerte de su autor, según su familia, desde la primera edición de este libro, la investigación estaba sustancialmente concluida y apoyada en pruebas documentales, testimonios directos y una larga indagación periodística desarrollada durante años, décadas después de su fusilamiento.

El volumen reúne entrevistas a testigos directos, archivos particulares, documentos y una reconstrucción minuciosa de los hechos que acontecieron, desde el regreso del poeta a Granada hasta su traslado final a Víznar.

La obra entra en la Granada de julio y agosto de 1936 desde el terreno de los hechos. Sigue el viaje de Lorca desde Madrid, su llegada a la Huerta de San Vicente, el registro que precipitó su salida, el refugio en la casa de los Rosales, la detención, el paso por el Gobierno Civil y el traslado a Víznar. Al hacerlo, dibuja una ciudad atravesada por la sublevación militar, la represión y una red de lealtades, temores y silencios que marcó cada decisión de aquellos días.

Molina Fajardo aborda uno de los episodios más investigados de la historia cultural española desde un cruce especialmente delicado entre memoria y documento. La obra distingue los hechos acreditados de las declaraciones de testigos y de las hipótesis que quedaron abiertas. Esa cautela recorre la reconstrucción de la detención, el papel de la casa de los Rosales, las gestiones fallidas para frenar el traslado, la estancia en Víznar, la última noche del poeta y las pesquisas sobre el lugar de enterramiento, todavía rodeado de versiones contradictorias.

El valor del volumen está también en su arquitectura documental. A los capítulos narrativos se suman la introducción a la nueva edición, el prólogo de Antonina Rodrigo, la introducción de Ángeles González, un amplio cuerpo de entrevistas, documentos, fotografías, materiales gráficos e índice onomástico. El prólogo sitúa la presencia de la muerte en la vida y en la obra de Lorca. La investigación, por su parte, mantiene el foco en el expediente humano, político y memorialístico de sus últimos días en Granada.

En un momento en que la muerte de García Lorca, la búsqueda de sus restos y la verdad documental sobre la represión siguen ocupando un lugar central en la memoria democrática, Los últimos días de García Lorca reaparece como una herramienta de trabajo para periodistas, investigadores y nuevos lectores. Almuzara recupera así una pesquisa esencial y devuelve a la conversación pública un archivo de voces, papeles y huellas sobre la Granada de 1936, dentro de su colección Memorias y biografías.

Eduardo Molina Fajardo fue un periodista e investigador granadino que dirigió varios periódicos andaluces durante más de cuarenta años y comenzó a trabajar sobre los temas lorquianos en la década de 1960. Murió en 1979, cuando esta obra había quedado inconclusa en su redacción y sustancialmente concluida en su investigación.

Fue hace ochenta y nueve veranos pero podía haber sido hoy o mañana. O en la madrugada de ayer. Unos disparos en el claro de un campo en Granada hicieron callar a todos los grillos del mundo.

Federico García Lorca fue fusilado “por rojo y por maricón” (sic).

Lorca, en la que pudo ser su última entrevista para El Sol, de Madrid, dijo: “Yo soy español integral y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; pero odio al que es español por ser español nada más, yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista, abstracta, por el solo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula, pero antes que esto soy hombre del mundo y hermano de todos”.

También podrían haberlo fusilado por decir eso, ya puestos.

Yo también soy español y sigo releyendo a Lorca ochenta y nueve años después de que el plomo le agujereara el pecho y tengo la sensación de que el poeta ya nació fusilado.

Escucho a Bernarda Alba y creo que las palabras que dice las puso en su boca un fusilado.

“El sueño va sobre el tiempo/ flotando como un velero. Nadie puede abrir semillas en el corazón del sueño”. Eso sólo pudo decirlo un arlequín fusilado. El mismo que viajó a Nueva York y a La Habana. El que recibió un ofrecimiento de exilio de las embajadas de México o Colombia. El que se quedó en Granada. El que sacaron de casa de sus amigos falangistas como si esas camisas azules fueran una coartada de quien sabe qué. El que nunca volvió ni a esa casa ni a ninguna.

Hace ochenta y nueve años hoy o mañana o ayer y vuelven a fusilarlo. Eso es irremediable.

Te diré una cosa, por si aún no lo sabes: hay más España en el camino que va de Víznar a Alfacar que en los colorines de tu pulserita.

So tonto.

Cuando Federico García Lorca desembarcó en La Habana en marzo de 1930, su viaje estaba previsto para una semana. Pasó allí 98 días que fueron, con bastante probabilidad, los más felices de sus últimos años de vida. Esa es la premisa del documental Lorca en La Habana, codirigido por el cineasta, productor y guionista, José Antonio Torres y por el escritor y profesor Antonio Manuel, estrenado el pasado viernes en el Festival de Cine de Málaga.

Un documental forjado en Córdoba, gracias al impulso de Antonio Manuel, que vio claro su viabilidad a raíz de la oportunidad que tuvo de prologar el libro Lorca y Cuba, todas las aguas, del investigador cubano Urbano Martínez Carmenate, reeditado hace unos años por Utopía Libros. Aquellos textos despertaron en él la necesidad de contar la historia poco conocida de un Federico distinto, el que encontró luz y vitalidad en la isla caribeña después de asistir a la crudeza del capitalismo estadounidense.

“La estancia de Federico en Nueva York y en Cuba son la cara y la cruz de la misma moneda,” explica el escritor cordobés en una entrevista con Cordópolis, días antes del estreno en el Festival de Málaga. Antonio Manuel, que ha codirigido y guionizado la cinta, apunta que, mientras que Estados Unidos, el poeta contempló la devastación del crack del 29 y la dureza del capitalismo, en La Habana, en cambio, se encontró con un mundo lleno de vida, una realidad que le recordaba a la Andalucía que dejó atrás, con un trasfondo político y social similar.

Porque, frente a la soledad y la barrera del idioma que le impedía relacionarse en plenitud en Nueva York, en Cuba se rodeó pronto de intelectuales de primer nivel que combatían la dictadura de Gerardo Machado. Allí, Lorca conoció a figuras como Juan Marinello, Nicolás Guillén, la familia Loynaz y Lezama Lima, con quienes compartió largas noches de diálogo y arte. Pero sobre todo, vivió. Apenas escribió en esos meses porque se dedicó a disfrutar de la cultura, la música y el ambiente bohemio de la isla.

Una Cuba que habla de Lorca

Para plasmar esta experiencia en imágenes, Lorca en La Habana ha buscado un enfoque distinto. “Queríamos que fuera Cuba la que hablara de Lorca,” comenta Antonio Manuel. Por ello, el documental está protagonizado por voces cubanas que evocan su recuerdo, acompañadas de un actor que interpreta al poeta en una obra de teatro dentro del film.

Así, la ficción y la realidad se entrelazan en la película a través de entrevistas dramatizadas con personajes que conocieron a Lorca, mientras que el actor Javier Jiménez Noia encarna al poeta también en una escena clave, presa ya de la mitología popular: la noche antes de su último viaje a Granada.

“Lorca necesitaba 250 pesetas si quería ir a Granada. Y esas 250 pesetas se las presta el diplomático cubano José María Chacón. Esa carga de culpa la tuvo toda la vida. Es decir, él viaja a Granada con el dinero que le dio José María Chacón. Y en la película, se plantea el debate que pudo haber en esa habitación. Sobre si se viste con el traje blanco y con ese dinero se va a Cuba y salva la vida, o si se viste con el traje negro y viaja a Granada a morir”, relata Antonio Manuel sobre una película que, a la vez, rescata imágenes de archivo que muestran al poeta tremendamente feliz en La Habana.

La ucronía de la huida a Cuba

Esa ucronía, esa posible historia alternativa, es uno de los interrogantes más relevantes surgidos a partir de la película. En este ámbito, el escritor cordobés recuerda que, mientras en España, el nombre de Lorca fue censurado durante cuatro décadas, en la isla caribeña su legado se mantuvo vivo. “El pueblo cubano reivindicó a Federico cuando en España estaba silenciado,” afirma Antonio Manuel.

Por eso mismo, la película algunos episodios que demuestran el amor de Cuba por Lorca, como la reacción del público habanero al enterarse de su muerte, que tuvo lugar tras una representación de Bodas de sangre, en la que el teatro entero aplaudió en su honor y recitó sus versos en las calles. O su llegada la isla, en la que lo primero que escuchó al bajar del barco fueron los versos cantados de La morena trinidad, una melodía que le era familiar gracias a su madre, que amaba esa habanera.

La máscara rota

Anécdotas de un viaje que también le sirvió para desprenderse de la máscara y mostrarse en plenitud sexual. Es otro aspecto clave de la cinta para Antonio Manuel, que relata que Federico vivió la homosexualidad en Cuba con una libertad inusitada que no tenía en España. “De hecho, hay una anécdota fabulosa de cuando sale de Cuba: Federico vuelve a España a través de Estados Unidos y allí van a recibirlo unas periodistas amigas que, al verlo, le comentan que parece más masculinizado. Y lo que estaban diciendo es justo lo contrario, que volvía incluso más afeminado”, sonríe el intelectual.

Por encima de todo -continúa-, Lorca en La Habana es una exaltación del humanismo. “En tiempos de barbarie, defender el humanismo es una bandera libertaria y rebelde”, reflexiona Antonio Manuel, quien insiste en que tanto la poesía como la propia vida de Lorca siguen siendo hoy algo revolucionario.

El actor cordobés Francisco Recio se ha metido en la piel del poeta y dramaturgo Federico García Lorca en la segunda temporada de La Moderna, la serie diaria que emite Televisión Española, producida por Mediawan y Boomerang TV.

Recio, graduado en la Escuela Superior de Arte Dramático de Córdoba, tiene un notable parecido con el poeta granadino, al que califica como “uno de los escritores de mayor influencia en la literatura española”.

Ahora, desde este viernes, su Lorca es uno de los personajes que se dejarán caer por el escenario en el que transcurre la serie, que adapta libremente el libro Tea Rooms. Mujeres obreras, escrito por Luisa Carnés y publicado en 1934.

La moderna transcurre en la ciudad de Madrid en el año 1930. Las empleadas de la tetería La Moderna, una de las más distinguidas de la capital, navegan su vida entre la clientela adinerada y el inestable ambiente político y social del país.

I

Federico García Lorca advirtió sobre su última obra, La Casa de Bernarda Alba, la que acabó de escribir en junio de 1936 y que Margarita Xirgu no pudo estrenar hasta 1945 en Argentina, que estos tres actos tenían la intención de ser un documental fotográfico. Quién sabe si el poeta soñaba con que este drama sobre la represión, la violencia y la injusticia pudiera acabar documentado el estado de la cuestión en otros tiempos futuros. 

Justo esto parece ser lo que busca el montaje del Centro Dramático Nacional (CDN) en esta nueva versión del “drama de mujeres en los pueblos de España”, en versión de Alfredo Sanzol y en escena este fin de semana en el Gran Teatro de Córdoba. Una adaptación que acredita la vitalidad del legado de Lorca: cuánto se anticipó el poeta a su tiempo y la exactitud con la que vaticinó la sociedad que estaba por llegar.

Sanzol hila el pasado con el presente en este montaje a través de la música, la danza y la escenografía. Fiel al texto de la obra, esta versión consigue suspender el tiempo entre el entonces y el ahora con explosiones de música electrónica que ponen en pausa el texto y convierten en danza contemporánea los estados de ánimo y la violencia sobre los cuerpos de las hijas de Bernarda. A modo de flashes, la danza es deseosa, anhelante, ansiosa en el caso de Adela y sus hermanas, para llegar a la de Angustias, más calmada y desinflada en el último acto.

La escenografía de Blanca Añón es visualmente muy poderosa, además de respetuosa con la que indicaba el propio Lorca, “blanca, sencilla”.  Con un precioso telón de encaje que sube en cada acto, el espacio geométrico a dos aguas, con solo sillas en escena y las sombras de las mujeres proyectadas en las paredes, cobija la pesadilla: La opresión de la tradición católica y del machismo empleados por Bernarda sobre las desgraciadas habitantes de una casa en la que existe “una tormenta en cada cuarto”.

II

“No me meto en los corazones, pero quiero buena fachada y armonía familiar”, suelta la autoritaria matriarca. Federico se inspiró en su vecina de Valderrubio (pueblo de la Vega antes llamado Asquerosa, donde el poeta pasó parte de su infancia y adolescencia), una mujer llamada Frasquita Alba. La casa tenía un pozo compartido con la vivienda de una tía paterna, Matilde García Rodríguez. Desde el pozo se veían y oían a los del otro lado. Fue a través de esta tía suya cómo se enteró Federico y su familia de lo que sucedía y hablaban en casa de los Alba. 

Pero no todo lo que aparece en el drama de Lorca proviene de esta casa hoy convertida en museo. El luto riguroso fue inspirado por una pariente llamada Paca Mazuecos, cuya casa, tras la muerte de su hija, quedó de luto por completo, de negro riguroso, con pañuelo en la cabeza, sin flores en el patio, cortinas negras en las ventanas, en la falda de la mesa de camilla…

“Nacer mujer es el mayor castigo (...) Este luto me ha pillado en la mejor época de mi vida”, protesta Adela. O como grita Magdalena: “Malditas sean las mujeres”. Una frase que hoy tal vez se podría actualizar con Malditas sean las que reniegan del feminismo.

El caso es que esta versión contemporánea acaba apiadándose de Bernarda. Encarnada por Ana Wagener, una actriz con una gran presencia y suficientes matices para enfrentarse a cualquier dualidad, el personaje diluye su despotismo a lo largo del drama cruzada por un miedo a enfrentarse a la libertad que acaba haciéndola vulnerable.

Resultan memorables sus conversaciones con la criada Poncia, en la piel de otra grande, Ane Gabarain, quien borda el personaje más sabio de la casa. Ambas tienen el peso de convivir, en la mente de tantas espectadoras, con las míticas Nuria Espert y Rosa María Sardá en la versión que dirigió el más lorquiano de todos los dramaturgos actuales, Lluis Pascual. Pero Wagener y Gabarain salen dignas y airosas de la inevitable comparación.

En cuanto a la prole, existe corrección, pero demasiada urbanidad para el contexto rural que late en el texto. Hay algún que otro grito exagerado y se saca poco partido de la maravillosa Patricia López Arnáiz en el rol de Angustias, la triste hermana mayor. 

De la adaptación destaca la crítica a la dependencia de los personajes respecto al único hombre, omnipresente, que aparece en el texto pero no en escena: todas están sujetas a lo que decide Pepe el Romano sin cuestionarse nada.

Es “la fuerza que tiene un hombre entre mujeres solas”, como habla Poncia. No hay rastro de pensamiento crítico ni rebeldía con sus deseos, con las convenciones sociales, ni tampoco con el poder del dinero.

Y en esa dicotomía de víctimas y verdugos, ninguna de las mujeres resulta ser un alma virtuosa. De la opresión que sufren nacen la envidia y el miedo, que sumen a la casa en comportamientos que viajan de la claridad a la oscuridad.

III

Lluis Pascual opina del último drama lorquiano que muestra “nuestra manera, española, de ser de derechas”. Esa defensa a ultranza de una fachada que conecta con los antepasados. Un “eco genético” que sigue gozando de una triste actualidad.

Y hay algo más en esta obra desesperanzada. El hecho de que Lorca pusiera el punto y final a ese “¿Me habéis oído? ¡Silencio, silencio he dicho! ¡Silencio!”, en junio de 1936, un mes antes del estallido de la Guerra Civil y dos de su asesinato. Algo que suma a su legendaria fama de hombre premonitorio, otra de sus sensibilidades.

Ese “¡silencio!” resuena hoy como un escalofrío en este y en cualquier teatro: por ser la fotografía que documenta los tiempos oscuros de los que parece que no nos podremos librar.

A Federico García Lorca le gustaba pasearse por Córdoba cuando caía la noche. Y sus visitas a aquella ciudad que universalizó para siempre como “lejana y sola” eran habituales, también en los años previos a su asesinato. En uno de esos paseos, una noche de Jueves Santo de los años 30, en una ciudad en la que no había turistas, más allá de algún viajero “romántico”, se topó con la salida de una procesión de la Iglesia de San Agustín.

Era la Virgen de las Angustias Coronada, la última gran obra firmada por el escultor Juan de Mesa, el esteta del arte sacro. La talla iba paseada a hombros, en el silencio de una noche que solo podía romper una saeta.

Y, emocionado por el paso de la Hermandad más antigua y la que más tiempo lleva procesionando de manera ininterrumpida de la Semana Santa de Córdoba, el autor de Canción de jinete, apenas pudo contenerse. Agarró una libreta y en ella garabateó diez versos:

Molde de la estrecha vía/ dos hileras luminosas;/ prisionera de las rosas/ viene la Virgen María./ De plata y de pedrería/ lleva las andas repletas/ y a su paso, las saetas,/ para su lujo y derroche,/ se van clavando en la noche,/ constelada de cornetas

Hasta aquí el mito.

Toda esta escena, en realidad, es del todo probable que nunca ocurriera. Y que aquel poema, atribuido al escritor español más relevante del siglo XX, nunca saliera de su imaginación. Porque es fácilmente comprobable que no hay rastro de esos versos en ninguna de las ediciones completas de su obra, ni siquiera en las que más atención prestan a su mirada al folclore andaluz.

Sin embargo, a él se le atribuyen esas rimas por una anécdota, esta probablemente cierta, que ocurriría cuarenta años más tarde. Según contó la profesora del Departamento de Ciencias del Lenguaje de la Universidad de Córdoba Clara Eugenia Peragón en su artículo El alma que allí canta, esos versos descansaban en la memoria de Manolo Carreño, autor de Memorias tabernarias, e íntimo de García Lorca.

Y fue Carreño quien, una noche de Jueves Santo, pero de 1973, le recitó al poeta y profesor Miguel Salcedo Hierro aquella poesía que, según aseguraba, había garabateado García Lorca tras ver desfilar a Las Angustias Coronada en Córdoba, cuarenta años antes.

Una enigmática firma

Salcedo Hierro pudo memorizar aquellos versos, que publicaría cuatro años después, en 1977, atribuyéndoselos a Lorca, en un artículo de la revista Alto Guadalquivir. Y, con ello, el mito del poema cofrade de García Lorca había echado a andar. La cuestión es cómo una obra de un autor tan estudiado pudo estar oculta durante casi 40 años y por qué la leyenda que se generó en torno a aquel poema tardó décadas en ser desmentida.

Y es probable que esto se deba a que, si bien la mano de Lorca está descartada, todavía hoy siguen surgiendo dudas sobre la autoría de aquellos versos. Según publicó el periodista Rafael Carlos Mendoza, quienes sacaron a García Lorca de la ecuación poética-cofrade fueron, sucesivamente, el historiador Juan Aranda Dorcel y el escritor Antonio Varo, en sendos artículos en los que atribuían la autoría de aquel poema al fotograbador Vicente Casares, basándose en que venían firmados por las iniciales V.C.

¿Quién era aquel Vicente Casares? Se trataba de un empresario del sector de la impresión que había comenzado su andadura en Córdoba en el año 1926, y que mantuvo una estrecha relación con la prensa escrita hasta la década de 1960, como responsable de fotograbado en La Voz y, en 1941, del Diario Córdoba, entre otras muchas publicaciones.

El impresor de Cántico

Ahora bien, ¿fue realmente Casares el autor de este poema? En su familia lo desconocen. Su nieto, consultado por este periódico, se quedaba ojiplático al escuchar la historia. “No tengo ni idea, nunca había escuchado algo así. Pero yo no conocí a mi abuelo, quizá mi padre sepa algo”, contestaba, antes de pasar el testigo a su progenitor.

Sin embargo, su padre, Ángel Vicente Casares, tampoco era consciente de ello. El hijo de Vicente Casares explicaba a Cordópolis que nunca jamás supo que su padre escribiera poemas, si bien reconoce que tanto él como su progenitor eran hermanos de las Angustias Coronada, a la que profesaban devoción.

“Yo a mi padre nunca lo vi escribir poemas, ni nada parecido, pero sí que tenía relación con el Grupo Cántico, ya que le publicaba sus números”, señalaba este miércoles el hijo del fotograbador, fallecido en el año 1966.

Más allá de los misterios detrás de su autoría, el poema fake de García Lorca se ha ganado su sitio en la memoria colectiva cofrade de Córdoba, Andalucía e incluso en el resto de España, como evidencia el hecho de que incluso ha sido difundido por la Virgen de las Angustias y Soledad de León en Twitter.

También el hecho de que ha sido recogido por el diario La Voz de Almería como un ejemplo de poesía cofrade, por medios religiosos de la ciudad de Córdoba, o por los cronistas de la Semana Santa de Córdoba que han cubierto el Jueves Santo. Es decir, por periodistas y medios de comunicación que, como éste, no pudieron dejar escapar la oportunidad de recrear una escena mitológica tan potente como la de Federico García Lorca en pleno éxtasis estético ante una obra de Juan de Mesa.

Dos ideas enhebran la génesis del libro Los novios de Federico, escrito por el periodista Pablo-Ignacio de Dalmases y publicado por la editorial Cántico. Una de ellas era muy conocida: esa imagen de Federico García Lorca como una figura tremendamente seductora que, sin embargo, siempre se enamoró de la persona equivocada. Y otra menos conocida y tremendamente paradójica: que casi todos los grandes amores del poeta al que mató el bando nacional acabaron posteriormente integrados en el régimen franquista.

Esta última circunstancia es el motor que llevó a Pablo-Ignacio de Dalmases (Barcelona, 1945) a escribir la “biografía gay” del gran poeta granadino. Doctor en Historia por la Universidad Autónoma de Barcelona y exdirector de RNE y TVE en el Sáhara español, el periodista se apartó de los temas que solía tratar para penetrar en el mundo íntimo de un poeta universal sobre el que hay multitud de ensayos y biografías, pero que no siempre acertaban a la hora de abordar su compleja sexualidad.

“La riqueza de investigaciones existentes, especialmente las de Ian Gibson, a quien cito profusamente, ofrecen una base enorme y sólida, pero me intrigaba una cuestión que parecía haber pasado un poco desapercibida: la paradoja ideológica en las relaciones sentimentales de Lorca”, explica a Cordópolis el autor de Los novios de Federico, que apunta que, en contradicción con su propia orientación ideológica, cuatro de los cinco grandes amores de Lorca acabaron siendo simpatizantes o integrándose en el franquismo. También apunta que, más allá de los “novios” más conocidos del autor de Poeta en Nueva York, hay una figura sobre la que se había tratado menos y cuya relación constituye uno de los grandes reclamos de este libro.

Cuatro amores carnales y uno platónico

Pero, antes de entrar en ello, Pablo-Ignacio de Dalmases resume brevemente los que fueron los cinco grandes amores de Federico García Lorca y su evolución ideológica. El primero, quizá el más literario y cinematográfico, fue Salvador Dalí. “Conocido por su postura antimonárquica y surrealista, Dalí termina adoptando una posición conservadora, distanciándose de las ideas de juventud”, relata el periodista, que enfatiza la “ambigüedad sexual” del pintor surrealista, lo que plantea interrogantes sobre la naturaleza sexual de su relación con Lorca y su posterior matrimonio con Gala.

Su relación fue profusamente tratada -e inmortalizada-, al igual que también es muy conocido otro de sus noviazgos, el que mantuvo con Emilio Aladrén, un escultor de gran atractivo físico que Lorca conoció a través de Maruja Mallo, y con el que mantuvo una relación bastante desdichada. De nuevo, por encima de ideologías. Aladrén, según Pablo-Ignacio de Dalmases, acabó en la Falange y, después de la Guerra Civil, acabó como escultor de prohombres franquistas.

A Aladrén le sigue, cronológicamente, Rafael Rodríguez Rapún, actor y futbolista al que Lorca llamaba cariñosamente Tres Erres, al que conoció cuando era secretario de La Barraca y que, al contrario de sus amores anteriores y posteriores, mostró congruencia con sus ideales socialistas incluso en tiempos de guerra. Su compromiso con las Juventudes Socialistas y su participación en el Ejército Popular lo acabaron llevando a la muerte en Santander en 1937, en plena contienda y justo un año después del asesinato de Lorca.

El cuarto amor que cita De Dalmases no fue carnal. “Fue un amor por correspondencia, pero nunca llegaron a convivir”, explica. Se trata de Eduardo Rodríguez Valdivieso, un trabajador de banca granadino al que Lorca conoció en 1932, en una fiesta de máscaras, y con el que se estuvo carteando durante un año. “Fue un amor muy puro, muy platónico, pero otro amor casi imposible”, señala el periodista, que, aunque no ha encontrado datos relevantes de su peripecia posterior, todo le lleva a pensar que Rodríguez Valdivieso sobrevivió a la Guerra Civil y se integró en el franquismo -o, al menos, duda de que militara en el antifranquismo-.

Y, aunque a Rodríguez Rapún siempre se le ha considerado el último amor carnal de Lorca, el autor de Los novios de Federico apunta que existió una relación importante posterior. Según su investigación, el último gran amor de Lorca fue el periodista y crítico Juan Ramírez de Lucas, un adolescente de 17 años -por los 37 que tenía entonces el autor de Bernarda Alba-. Es aquel “rubio de Albacete” con el que el poeta inició una relación que se rompió por el rechazo de la familia, y que volvió a evidenciar la paradoja ideológica.

Y es que, según el historiador, tras la guerra civil española, Ramírez de Lucas se unió al ejército franquista y participó en la División Azul, recibiendo incluso condecoraciones por ello. A su regreso, se integró en la sociedad de la posguerra y desarrolló una carrera como periodista, trabajando para medios de comunicación como ABC.

Promiscuidad y poesía

Más allá de estos cinco grandes amores, el libro añade otras relaciones esporádicas, tanto en España como en sus viajes por Latinoamérica. El retrato final que dibuja la obra, pinta a Lorca como “un seductor”, y también como alguien que vivía su sexualidad con una enorme libertad desde su adolescencia. “Según amigos suyos de Granada, sobre todo un compañero suyo de juventud que se llamaba García Carrillo, Federico mantenía relaciones promiscuas de forma muy descarada. Es decir, cuando le gustaba un chico, pues lo perseguía. Y, si había que pagar, pagaba”, explica el autor del libro, que añade que Lorca “no se escondía ni renunciaba al sexo”.

El sexo y el amor, tan presentes en su obra, sin embargo, no son tan fáciles de conectar directamente a sus grandes amores. Algunos autores, de hecho, vinculan a varios de estos hombres con los Sonetos del amor oscuro, unos versos cuya redacción comenzó en 1935, meses antes de ser asesinado, y que permanecieron inéditos durante casi cincuenta años. La mayoría de expertos consideran que ese “amor oscuro” es Rodríguez Rapún, si bien algunos poemas ambientados en Castilla-La Mancha también podrían apuntar a Ramírez de Lucas, natural de Albacete.

El libro que publica Cántico, sin embargo, añade una anécdota que lo niega. Ocurrió en 1984, cuando los Sonetos del amor oscuro se publicaron en conjunto en el diario ABC. Cuenta Pablo-Ignacio de Dalmases que aquella fue una exclusiva que consiguió Luis María Ansón cuando estaba al frente del periódico y que, cuando los publicó, llamó a su puerta Ramírez de Lucas. Allí, en aquel despacho y con la exclusiva sobre la mesa, le contó a su director que él fue el último amante de Lorca.

Ansón le preguntó entonces si esos versos estaban dedicados a él, a lo que Ramírez de Lucas le contestó: “Yo con Lorca siempre tuve un amor tranquilo. Y esos son versos de un amor despiadado”. Todo apuntaba de nuevo hacia Rodríguez Rapún, como indican la mayoría de expertos. Pero el amor no entiende de análisis literario. Y aquel periodista y crítico volvió durante un segundo a ser El rubio de Albacete y sentenció a la expareja de Lorca con otra frase que recoge el libro: “Ramírez Rapún no se merecía el amor de Federico. Era tan cerdo que se acostaba con mujeres”.

El dramaturgo cordobés Juan Carlos Rubio vuelve a estar entre los nominados en los Premios Lorca de las Artes Escénicas de Andalucía. En este caso, Rubio opta a Mejor Autor Teatral por El inconveniente, una obra que también llegó a los cines en 2020.

La Academia de las Artes Escénicas de Andalucía ha anunciado esta mañana los nominados a los X Premios Lorca de las Artes Escénicas de Andalucía que premian a los espectáculos y los profesionales de compañías andaluzas que han estrenado o han estado en gira durante el 2023 en nuestra comunidad en las siguientes categorías: teatro de adultos, danza contemporánea, teatro de calle, circo, infantil y familiar y flamenco.

Los premios Lorca se entregarán el próximo 19 de marzo en el Teatro Central de Sevilla y contarán con el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía y la Fundación SGAE.

Por primera vez la categoría de teatro para adultos se divide en dos. En formato grande optarán al Lorca 2024 las obras El verdugo de El Espejo Negro Ángel Calvente S.L./Teatro del Soho Caixabank, La violación de Lucrecia  de Teatro Clásico de Sevilla, Las bingueras de Eurípides de Las niñas de Cádiz S.L., Nevenka de Histrión Teatro S.L.  y Ricardo III de Atalaya, mientras que en la modalidad de pequeño y medio formato lo harán El arrepentido o los demonios de Jasón  de SilencioDanza y Jóvenes Clásicos. Ellas de oro de La Líquida, Libertá  de Charo Urbano y La pícara de Cervantes de Aida Santos-Allely Cía.

En danza contemporánea están nominadas al mayor galardón Acto I lugar de encuentro  de Proyecto Lanza, MujerSilencio: Crónica de la frontera  de SilencioDanza, Recuerdos olvidados de Raúl Durán Compañía de Danza y María Moguer y The disappearing act de Yinka Esi Graves/Trans-Forma Producción teatral.

En la categoría de teatro dedicado a la infancia y familiar las nominaciones son: Ad Libitum de Lapso Producciones, Animalitos una historia trocha de Escenoteca Arte y Educación, En un rincón del mundo de LaSal Teatro y Tierra mía de Pata Teatro.

Los espectáculos de circo finalistas son: Anónima de Vaivén Circo, Lullaby de Proyecto Kavauri y Mar, o de cómo sobrevivir a un tsunami de  Rebe al Rebés/Ana Donoso/ Javier Prieto.

En la categoría de teatro de calle circo han sido nominados dos espectáculos: El primer círculo de Gero Domínguez y Cía  y Love love love de Animasur.

Inherente de Iván Orellana + Serendipia Global, La reina del metal de Vanesa Aibar y  Enric Monfort, o../o../.o/o./o. (SOLEA)  de María Moreno y Pie de hierro de Manuel Liñán  son los cuatro finalistas en espectáculo de Flamenco.

En autoría teatral optarán al LORCA de esta edición, Alfonso Zurro por La violación de Lucrecia, Juan Carlos Rubio por El inconveniente,  Mané Solano y Charo Urbano por Libertá,  Raúl Cortés y Mercedes Martínez por El arrepentido o los demonios de Jasón y Josemi Rodríguez y Macarena Bravo por Tierra mía.

Los candidatos a mejor dirección son: Ángel Calvente  por  El verdugo, Alfonso Zurro por La violación de Lucrecia,  José Troncoso por Las bingueras de Eurípides, Julia Ruiz Carazo por En un rincón del mundo, Macarena Pérez Bravo y Josemi Rodríguez por Tierra mía y Ricardo Iniesta por  Ricardo III.

En interpretación femenina de teatro las nominadas de esta edición son Alejandra López  por Las bingueras de Eurípides, Charo Urbano   por Libertá, Gema Matarranz por Nevenka, Lorena Ávila por La violación de Lucrecia y Macarena Pérez Bravo por Tierra mía. Los actores finalistas son Ales Furundarena por  Nevenka , David Cebrián por WC, Javi Parra por En un rincón del mundo, Jerónimo Arenal por Ricardo III y José Carlos Cuevas por El arrepentido o los demonios de Jasón.

Desde la Academia de las Artes Escénicas de Andalucía se organizan estos premios con el propósito de promover, estimular y visibilizar el talento de los profesionales de las Artes Escénicas de la comunidad andaluza.

La finísima frontera que separa lo culto de lo popular tiene un antes y un después de Federico García Lorca. El poeta dibujó y tensó unas líneas basadas en su respeto y amor, con toda la profundidad de ambos verbos, a la cultura del pueblo. Una pasión que viajó a las raíces y supo alejar de la vulgaridad el hecho diferencial andaluz.

Antes que poeta, Federico fue músico. Contaron quienes lo conocieron que se convertía en un ser magnético sentado al piano. La música popular, mediante la composición o la armonización, formó parte de buena parte de su obra, la poética y la dramática. Se puede comprobar en los cantos corales de Bodas de sangre o las coplas de las segadoras de La casa de Bernarda Alba. 

De este modo, con algunos de los elementos de estilización del arte del universo lorquiano, unidos al talento, el arrojo y la generosidad de cuatro enormes artistas de nuestro tiempo, ha nacido y se ha estrenado en el teatro Góngora -otro autor que vuela en la espiral de lo culto y lo popular, por cierto- la crónica sentimental titulada La Tarara/125.

Un café cantante -sin lámparas de cristal ni espejos verdes- para hacer memoria partiendo de las grabaciones de canciones populares que dejaron Federico al piano y su amiga cantante Encarnación López Júlvez, La Argentinita.

Ambos nacieron hace 125 años, en 1898, fecha de la que parte esta historia en la que tras el piano se sienta una mujer, la gran Rosa Torres Pardo, Premio Nacional de la Música, y la voz la pone un tenor, el cordobés Pablo García-López. Los acompaña el arrebatador bailaor Marcos Flores con la dirección escénica y dramaturgia de Paco López, que vuelve a casa. Una alineación de astros.

Pablo aparece en la escena roja, el escenario de un lugar imaginado llamado Lux Edén, como si fuera el maestro ceremonias de Cabaret. Se convierte en Federico para dar la bienvenida al público e invitar a entrar en el juego: a lo largo del espectáculo el tenor recitará, aflamencará la voz cantando unas sevillanas del siglo  XVIII y será actor. Al igual que la pianista, que también recitará y se atreverá a cantar; o el bailaor, quien asimismo cruzará las fronteras de varias disciplinas.

Con proyecciones a modo de cine mudo, con cartelas cronológicas, el viaje poético y musical, pero también político, será por la España de principios del siglo XX. Un país que comienza a volar impulsado por el entusiasmo, la educación y la cultura y en el que todo se trunca en 1936.

El espectador asiste al nacimiento del cine, con George Meliès, a la creación de La Barraca, acompaña al rey Alfonso XIII a las Hurdes o ve cantar a la propia Argentinita, hasta llegar al año de la muerte de Lorca. 

Poesía, canto, música y danza. Suenan deliciosas en la voz del tenor canciones como En el Café de Chinitas, Las tres hojas, Los mozos de Monleón, Nana de Sevilla o La Tarara y suenan piezas al piano envolvente de Torres Pardo compuestas por Granados, Albéniz o Debussy. De la pantalla, que proyecta imágenes de principio de siglo, entra y sale el bailaor Marcos Flores, cuya presencialidad, dominio del cuerpo y de su arte resultan emocionantes.

A través del arte, el dramaturgo no evita invitar a pensar sobre el tiempo que vivimos con la fuerza y la vigencia que aún poseen muchas ideas y palabras de Lorca:  “Yo soy español integral y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; pero odio al que es español por ser español nada más, yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista, abstracta, por el sólo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos”, declaraciones del poeta en su última entrevista, que recita el bailaor.

En el bis, los tres artistas se lanzan con una memorable versión de ¡Anda Jaleo! ante un público mayor de media de edad, qué pena. Con lo hermosas que hubiesen sido las miradas  jóvenes bebiendo de este espectáculo.

Todo un canto de amor al folclore y al arte de cuatro artistas que no necesitaban embarcarse en un proyecto como este. Ahí reside su grandeza y así se escribe la cultura con mayúsculas. La que rescata quienes fuimos y sueña con convertir un teatro cordobés como el Góngora en un pequeño Broadway, aunque sea por una sola noche. Así son quienes alimentan el alboroto (cultural) y alejan el tiroteo.

Anthea Teatro presenta este sábado Llanto por la Muerte de Ignacio Sánchez Mejías y Otros Poemas no de Amor en el Museo Taurino de Córdoba. El espectáculo representa la muerte -tema recurrente de Lorca- de una manera transitoria, unidos a la frustración y dolor que van unidos a su poesía.

El mundo literario y real de Federico abarca una serie de símbolos distintivos de su producción literaria y los poemas que se exponen en este montaje son el camino que recorre el poeta para acabar en esa grandiosa elegía a su amigo Sánchez Mejías. En ese Llanto se muestran todos los símbolos que ha recreado durante esa trayectoria literaria.

Pablo S. Barona, Ángela Gan y Teresa Doctor interpretarán poemas como Romance de la luna, luna; La Guitarra, Alba, Café Cantante, Nana de Sevilla, Zorongo Gitano, La Cogita y la Muerte o Anda Jaleo. El espectáculo, basado en las obras del poeta granadino, está dirigido por Rafael Serena. Este tendrá lugar en el Museo Taurino este sábado a las 21:00 y la entrada será gratuita hasta completar a aforo.

La editorial cordobesa Utopía Libros ha recuperado una obra difícil de encontrar en torno a la figura del poeta Federico García Lorca. Se trata del ensayo García Lorca y Cuba: Todas las aguas, un libro del historiador cubano Urbano Martínez Carmenate, que recibió el Premio Anual de Investigación Cultural en 1999.

Se trata de un ensayo que se editó por primera vez en el año 2022 en Cuba, a través del Centro de Investigación y Desarrollo de la Cultura Cubana Juan Marinello, si bien en 2004 fue imprimido en Granada por la editorial Museo-Casa Natal Federico García Lorca. La edición que sale este mes de enero en Córdoba es, por tanto, la tercera en español, y recupera una obra que era de difícil acceso para el gran público.

García Lorca y Cuba: Todas las aguas recoge las vivencias del poeta granadino en Cuba, sus incursiones al interior de la isla, sus encuentros con los intelectuales de la época, sus experiencias con los cubanos, y su controvertida visita a Santiago de Cuba, que daría origen a uno de sus mas conocidos poemas (Son de negros, incluido como cierre de Poeta en Nueva York).

Federico García Lorca llegó a la isla de Cuba el 7 de marzo de 1930 tras su célebre paso por Nueva York. El poeta desembarcó en La Habana invitado por la Sociedad Hispanocubana de Cultura con el propósito de dar unas conferencias. La estancia del poeta en Cuba se prolongaría más de tres meses en los que no sólo conocería la capital, sino también Santiago, Pinar del Río, el valle de Viñales, Cienfuegos o Varadero.

García Lorca no sólo llegó a afirmar que fueron los mejores días de su vida sino que, casi como un epitafio (o un cante de ida y vuelta), sentenció aquello de “si yo me pierdo que me busquen en Andalucía o en Cuba”.

El autor del ensayo que recupera ahora la editorial cordobesa nació en Cárdenas (Cuba) el 12 de febrero de 1953. Escritor, investigador e historiador, licenciado en Lengua y Literaturas hispánicas por la Universidad de La Habana. Entre sus obras publicadas destacan las biografías Domingo del Monte y su tiempo (Maracaibo, Venezuela; 1996), Milanés: las cuerdas de oro (Matanzas, 2013) —ambas reconocidas con el Premio Nacional de la Crítica— y Byrne, el verso de la patria (Matanzas, Cuba; 2013), merecedora del Premio de la Crítica Histórica.

También ha publicado el ensayo Matanzas, ciudad del mundo (Guadalajara, México, 2020). En 2022 fue distinguido con el Premio Nacional de Historia. Tiene en proceso editorial una biografía de Alejo Carpentier.

La cantante cordobesa India Martínez, artista con una gran trayectoria artística consolidada y reconocida nacional e internacionalmente y ganadora del premio Goya a la Mejor Canción Original en 2015, debuta como actriz en Lorca enamorado, un gran espectáculo global en el que interpretará y cantará, acompañada en escena por otros actores y músicos.

El director Carlos Saura ha querido que, de forma excepcional, sea una mujer la que interprete el papel del poeta granadino, pues su mensaje es universal y atemporal. El espectáculo ha sido presentado este viernes en el Ateneo de Madrid.

La obra se estrenará en el Cartuja Center, el teatro sevillano, en enero del 2023. Las entradas ya están a la venta en El Corte Inglés a partir de 30 euros.

Saura ha asegurado que la obra forma parte de una colaboración con el novelista y dramaturgo Natalio Grueso. El espectáculo aún no está culminado, ha detallado. India Martínez estará acompañada en el escenario por los actores Eulalia Ramón y Alberto Amarilla.

El espectáculo se preestrenará en Sevilla y ya hay fechas cerradas en Málaga, Avilés y Madrid. En el Teatro Infanta Isabel de Madrid están previstas varias sesiones, entre el 1 de febrero y el 19 de marzo.