Rafael Cobos (Sevilla, 1973) reconoce que el cine se lo come todo. Se cita con Cordópolis en el Gran Teatro y no tarda en descubrir que la intención era recordar (recordarle) que el que hoy es uno de los guionistas más importantes del cine español contemporáneo, empezó como dramaturgo cuando Sevilla era todavía una ciudad que no sabía qué hacer con las infraestructuras que se levantaron para la Expo del 92. Así que Cobos sonríe, aunque no pueda ser.

El ensayo de la Orquesta frustra la sesión de fotos en el teatro. “Qué pena, suenan de maravilla”, comenta antes de cruzar un par de calles hasta la librería Ostin Macho. Allí conversa con calma con el propietario, que le cuenta que Rosario Izquierdo presentó hace poco El hijo zurdo, la novela que inspiró su debut como director: una serie premiada que se atrevía a mirar de frente una herida aún abierta —la extrema derecha— sobre la que hablará más tarde.

Su segundo trabajo en la dirección, Golpes, una película concebida para la gran pantalla, ganará 24 horas después el primer premio de la Semana de Cine de Córdoba. Pero cuando se sienta a hablar aún mide cada frase para evitar spoilers (su aterrizaje en las salas ha sido este jueves y la charla, una semana antes). Han pasado veinte años desde que Cobos vio por primera vez su nombre proyectado —7 vírgenes (2005)— y dos décadas le ha llevado dar el salto a la dirección. La espera, admite, ha merecido la pena. Ya está pensando la siguiente. Por ahora, eso sí, navega entre cierta esquizofrenia promocional, pues se le han juntado, en apenas un mes y medio dos guiones a la vez (Los golpes y Anatomía de un instante, ambas de su hermano Alberto Rodríguez), una producción documental (Ellas en la ciudad, que también coescribe junto a Reyes Gallegos) y su mimada ópera prima (Golpes).

PREGUNTA (P). Mi intención era quedar en el Gran Teatro por eso de que no todo el mundo sabe que Rafael Cobos, el guionista, mucho antes, empezó como dramaturgo. 

RESPUESTA (R). Hubiera sido guay. Estaba pensando antes y creo que no he entrado nunca... Ah, bueno, sí: en el Gran Teatro es donde se hicieron los Carmen, ¿no? Sí, el año pasado fue. Entonces sí que lo conozco, y es bonito.

Estamos en un momento en el que nadie se baja del burro

P. ¿El cine se lo come todo de alguna manera?

R. Absolutamente todo. Lo devora, es una apisonadora. 

P. ¿Sigue en ti la idea del teatro cuando escribes?

R. Es distinto, es como la trama: pensar para el teatro implica una economía de medios, otro lenguaje, pero muy distinto.

P. ¿Qué te invita a ti a escribir?

R. Bueno, es muy difícil encontrar dónde está el foco, el origen, mi forma más larvaria. Lo cierto es que estudié muchas cosas, tengo una formación muy errática. Empecé a estudiar Medicina porque venía de Ciencias y en aquella época eran excluyentes las carreras según la opción. Intenté entrar en Comunicación Audiovisual y no me aceptaron, y al final recalé en Medicina. Estuve un tiempo, pasé por Psicología, luego por Derecho, luego por Dirección Escénica en el Centro Andaluz de Teatro, por Dramaturgia, por Comunicación Audiovisual… Imagínate eso. Soy casi un tertuliano de estos de la radio, gente que sabe de muchas cosas, pero entiende de pocas, ¿no? 

Y el hecho de escribir… como te digo, es difícil localizar mi primera pulsión narrativa… Pero muy pequeño, muy muy pequeño. A medida que fui teniendo conciencia de que me apetecía comunicar a través de los textos, sentí que la poesía era mi formato. Cuando descubrí que era un pésimo poeta, me pasé al cuento. Cuando descubrí que era un pésimo cuentista, intenté escribir una novela. Escribí una con 17 años, que acabó en un cajón, por terrible. Y así sucesivamente: la dramaturgia, el teatro… y al final terminé convirtiéndome en guionista, que es donde estoy más o menos en un espacio confortable.

P. Ayer estuviste con Santi (Amodeo), me imagino. Porque vosotros y Alberto formáis parte de aquella generación de cine sevillano. 

R. Yo soy un poco más joven, me incorporé un poco detrás; no soy de los auténticos, de los originarios. 

P. Estaba recordando, preparando la entrevista, El factor Pilgrim. A mí me pilló de chaval, soy del 84, y no sé cómo recuerdas aquello. Yo lo recuerdo como un bombazo.

R. Sí, claro. Para mí fue la constatación de que era posible: que compañeros tuyos, tipos con los que habías compartido cervezas en el bar del barrio, podían hacer una película sin medios, prácticamente con su dinero. Era una aventura maravillosa, y estaba ahí, a la vuelta de la esquina; los sueños se podían convertir en realidad.

P. Además, no recuerdo si coincidió en el tiempo con aquello que se llamó Nuevo Cine Andaluz, que tenía más que ver con la eclosión de Solas. 

R. No sé en el tiempo cómo va. Santi, Alberto y otros cineastas andaluces —muchos sevillanos— montaron una cosa que quizá hayas escuchado: el Cinexín, cortos que ellos mismos gestionaban y producían. Creo que eso está muy vinculado a este nuevo cine andaluz. Luego llegó Benito, ganó en Berlín el premio del público, ganó cuatro Goyas y, de repente, el cine andaluz con acento andaluz estaba ahí. Probablemente, fue el abanderado de toda una generación de cineastas con muchas ganas. 

P. Plantó la idea de que se podía, pero también desde una visión muy naíf, porque pronto descubres que esto es industria, y que en Sevilla no hay industria. 

R. No la había ni en Sevilla ni prácticamente en Andalucía. Había focos, productoras, pero levantar una película es muy caro. Santi y Alberto demostraron que con El factor Pilgrim se podía hacer, pero las aspiraciones eran profesionalizarse. Ellos tuvieron la fortuna de entrar en contacto con José Antonio Félez , que acompañó a Santi en sus primeras películas —Astronautas, Cabeza de perro— y a Alberto hasta Modelo 77. José Antonio aportó solvencia y ayudó a profesionalizar el cine que se hacía desde aquí. También Gervasio -Iglesias- empezó a tener más fuerza en producción. A partir de ahí, otros colectivos empezaron a reverdecer. No controlo del todo la historia, pero esos datos están ahí.

P. Y Sevilla… La Sevilla de aquella época y la de ahora…

R. Yo creo que el mundo va muy rápido y las cosas cambian muy rápido. Si tuviera que decirte qué queda de aquella Sevilla de los 90 ahora, no hay nada. Las ciudades se homogeneizan, se turistifican, se gentrifican, y al final son permeables: pones una sobre otra y hacen el mismo dibujo. En cualquier caso, sí formamos parte de aquello y eso nos ha hecho ser como somos hoy; espiritualmente, emocionalmente, intelectualmente, eso sí prevalece.

La extrema derecha no se ha ido y ha vuelto, siempre ha estado ahí

P. Esto me sirve como prólogo, pero quiero empezar hablando de Golpes, la película con la que debutas en el largometraje, aunque El hijo zurdo yo siempre la vi casi como una película dividida en seis partes. Pero esto sí es cine, ¿no? 

R. Esto sí, totalmente. Esto es para las salas.

P. Es una película que podría pasar por quinqui, aunque realmente no lo sea del todo. De hecho, no la veo como quinqui porque sus protagonistas tienen ya 40 años y porque tienen un propósito, que es distinto a los protagonistas del cine quinqui de los 70 y 80, que eran puro desencanto. Temporalmente, se puede ubicar en esas coordenadas, aunque tu y Fernando (Navarro, coguionista) tampoco lo dejáis muy claro.

R. No lo dejamos muy claro. Pero te diría que sí, que son quinquis. Por lo menos el personaje que encarna Jesús Carroza, el personaje de Migueli y su banda sí son quinquis: forman parte de estos grupos marginados, gente de los barrios, gente que es consecuencia de un sistema del que han sido excluidos. Son quinquis porque no han encontrado otro mecanismo de ganarse la vida; ese es el espíritu del cine quinqui. ¿Qué ocurre? Que cuando quise revisitar aquel cine, consideré que lo interesante no era emular, repetir o imitar, sino hacerlo con perspectiva, con distancia y con reflexión. Y creo que ahí están los personajes de Golpes: representan la periferia, lo que está fuera, los márgenes; por tanto, son quinquis.

P. Una de las dinámicas más curiosas es que, como Jesús Carroza tiene un propósito, el desencanto lo tiene su hermano, que es el policía.

R. Exacto. El tiempo ha permitido esa paradoja: el cine quinqui, que era una respuesta casi animal, visceral, muy poco intelectualizada. Lo quinqui era una forma de ir contra el sistema, no tan diferente de los piratas mitológicos o de los bandoleros que vivían en las afueras. Ahora, 40 años después, yo he intentado hacer, con reflexión, con un juicio crítico, con una tesis, una aproximación a ello. Y lo he hecho con una especie de determinismo social. Los que han caído de un lado —el personaje del policía— viven desencanto porque no saben dónde están, porque la modernidad les sobreviene y no saben gestionarla, porque no saben gestionar sus emociones, porque son personajes desamparados, sin raíces, casi inexistentes. Y en este sentido sí hay un trasvase: los quinquis tienen un objetivo, que es acabar con un sistema, reivindicar justicia y memoria; y los personajes que están dentro del statu quo tienen un desencanto y una situación compleja y contradictoria.

P. Una cuestión muy interesante en este mundo tan sobrexplicado es la elipsis inicial. La película parte de la infancia y saltamos casi 25 o 30 años. Es una elipsis muy potente que deja que el espectador rellene esa parte: ese niño que corre y corriendo pasa a salir de la cárcel. ¿Estaba ya en la idea dejar ese inicio abierto?

R. Estaba clarísima. Tiene un prólogo, del que tú hablas, que transcurre —pienso— a mediados de los años 50. Y la respuesta a ese niño corriendo hacia la nada, buscando a un padre que no está, con la idea peregrina de recuperarlo, es recogerlo saliendo de la cárcel. Esa elipsis te lleva a hacerte preguntas, que son las que quiero que tengas como espectador y que vayas contestando poco a poco.

P. ¿Por qué te interesa dar más preguntas que respuestas?

R. Porque el cine que me gusta y me interesa es el que hace al espectador participar del proceso, el que te exige, el que te hace preguntarte cosas. Creo que el cine es una pregunta. Frente a quienes consideran que el cine debe ser una solución al mundo, el cine es una inquietud, un interrogante que debe llevarte a plantearte cómo funciona el mundo. Nuestra obligación es generarte expectativas, pero sobre todo generarte preguntas.

P. ¿En el germen estaba ya la historia de la recuperación de la memoria histórica?

R. No. El origen fue: “Vamos a revisitar el cine quinqui, a ver dónde nos lleva”. Y poco a poco consideré interesante localizar la película a comienzos de los 80, y sobre todo en el sur. Porque, al principio, la intención era ser herederos del cine quinqui y rodarla en una capital, en Madrid. Pero el proceso fue decantando, limpiando el guion y llevándonos hacia otro lugar. No sé si funciona por intuición o por trabajo, pero empezó a revelarse. Dijimos: “Ostras, el año 82 fue muy complejo”. Un año con optimismo por los cuatro costados: España era el escaparate del mundo en el Mundial; en la calle se respiraba el espíritu de que el Partido Socialista iba a ganar las elecciones de octubre de 1982. Un momento en el que todo parecía confabularse para que el país empezara a construirse como moderno y democrático. Así que nos pareció interesante reabrir el debate: ahora que teníamos un gobierno de izquierdas, progresista, ¿seríamos capaces de mirar hacia atrás y restaurar de dónde veníamos para seguir creciendo? Pensé que era un pretexto perfecto. Y ahí fue apareciendo la memoria histórica. 

P. Porque además, aquellos fueron años muy violentos. 

R. Al comienzo no tanto, pero después, los 80 se convirtieron en años muy violentos: violencia política, militar, terrorista. Fueron años muy complejos. Este arranque de los 80 todavía tenía esperanza, pero había ya una sociedad que cargaba con el silencio y la culpa de la generación anterior. Creo que el corazón de la película está en la secuencia del balcón de la casa de Sabino, cuando el personaje que hace Luis Tosar habla con el hermano y se establecen sus dos posturas. Uno dice: “La guerra terminó hace 40 años, a nadie le importa ya”. Y el otro responde: “Ese es el problema: que a nadie le importa, que nadie se acuerda”. Creo que ahí está el corazón de la película. Y cuando uno le dice al otro que no puede opinar porque es un ladrón, y el hermano replica: “Si papá estuviera vivo, a lo mejor yo no sería un ladrón”. Ahí está la confrontación, las dos Españas, el país fracturado: los que decían “sí”, los que decían “no”; los que pedían justicia y los que decían: “Eso quedó atrás y vivimos muy bien”.

En los 80 había ya una sociedad que cargaba con el silencio y la culpa de la generación anterior

P. Y tú inteligentemente pones siempre la cámara de frente a Jesús y a Luis, optas por grabarlo de espaldas.

R. Sí (sonríe). Es cierto, normalmente sí. Son recursos, claro. Son dos hermanos muy distanciados, pero unidos por algo. Son como el anverso y el reverso de una misma cosa. Jesús es frontal, directo, claro en sus objetivos, sin problemas para comunicar sus emociones, lo que siente, lo que busca. Frente a él, el otro personaje es un desamparado, ladino, oscuro, empequeñecido, débil, con una herida que no puede descubrir... Creo que eso tiene que reflejarse en el espacio y en la puesta en escena.

P. Es triste que España tardara 40 años en condenar los asesinatos y la Guerra Civil en el Parlamento. Se dice pronto, pero es que fueron cuarenta años de espera.

R. Sí, es triste, sobre todo porque no creo que se haya condenado del todo: se ha condenado en bastardilla, en cursiva. Creo que las heridas de la Guerra Civil todavía no se han cerrado, ni mucho menos. Luis (Tosar) decía algo muy interesante en una entrevista: citaba a un sociólogo que afirmaba que un país necesitaba 100 años para superar un conflicto armado, una guerra civil, y todavía prácticamente no han pasado 100 años de la nuestra. O sea, que aún es un proceso que necesita tiempo, pero también reflexión, intención, y creo que todavía nos falta un poco de intención.

P. La cuestión fraternal estaba ya en un guion que escribiste para una película que me gusta mucho, que es Toro. Lo que pasa es que son películas muy distintas.

R. Sí, muy distintas: una casi futurista y otra con una mirada al pasado.

P. Pero esta relación fraternal, entiendo que te interesa. ¿Tú tienes hermanos?

R. Tengo dos hermanos. En su momento no me interesaba tanto la fraternidad. En Toro todo estaba colocado en otro sitio. Sin embargo, en Golpes y en Los tigres, que es otra película que he escrito, todavía en cartel, la fraternidad, la relación entre hermanos, está ahí muy presente. Supongo que tiene que ver —haciendo psicoanálisis— con que uno va teniendo una edad y se cuestiona: si tienes hermanos, cómo ha sido la relación, cuál es tu vínculo de sangre, cuánto lo cultivas o no, cuánto lo proteges. Creo que tiene que ver con ese reservorio psicótico del que tiramos cuando escribimos, y probablemente se esté manifestando así. 

P. De hecho, se leen muchísimos análisis sobre la paternidad, muchos sobre la amistad, y, sin embargo, no se ven tantos sobre la hermandad.

R. Muy pocos. Mira que es algo bíblico. Y sobre todo el enfrentamiento entre hermanos, que tiene algo trágico, algo de esta cosa cainita que nos achacan a los españoles, eso de que somos muy cainitas y tendemos a hacernos daño entre hermanos. Algo de eso es verdad que se hablaba en Toro y de alguna forma se respira en Golpes. Golpes es la historia de dos hermanos enfrentados: desde el amor, desde la pulsión, desde la sangre, pero enfrentados, lo que hace que el conflicto sea mayor.

El cine es un interrogante que debe invitar a plantearte cómo funciona el mundo

P. Tú, sin embargo, los reconcilias.

R. Yo los reconcilio porque me parecía que era moralmente mi obligación y porque la reconciliación de ellos responde a una reconciliación metafórica. 

P. En muchas de tus obras percibo también la masculinidad en crisis. En esta es evidente en el personaje de Luis Tosar, que tiene ataques de ansiedad, algo que médicamente igual ni se llamaba así en los 80. Aunque también está en otras cosas que has hecho.

R. Sí. Yo te diría que la crisis de la masculinidad, o la búsqueda de otra forma de entender la masculinidad, está sobre todo en Los tigres, donde vemos de forma evidente que esto no funciona, que no es positivo, que no es constructivo, que no es la manera de entender la vida. El personaje de Antonio (de la Torre) en Los tigres es un ejemplo. Y eso creo que también está en Golpes, sobre todo encarnado en el personaje de Luis, que tiene este cuestionamiento inconsciente al que no sabe poner nombre, relacionado con la puesta en crisis de todo lo heredado, de las zonas oscuras del pasado.

P. Y yo iría incluso más atrás: a After. Es una película bastante avanzada a su tiempo, una de las que más me gustan de las que has escrito.

R. ¿Ah sí? En After, todo eso estaba, claro... Mira que fue un fracaso, pero me encanta. Creo que está cargada de muchas cosas.

P. Y el cine policiaco. ¿Qué tiene ese cine para Rafael Cobos?

R. Bueno, el cine policiaco me gusta mucho. Me gusta eso de que lo llames cine policíaco y no thriller. Es como lo hemos llamado toda la vida. El género es una herramienta perfecta para hablar de otras cosas: el wéstern es ideal para hablar de política, de sociedad, de cómo late un país; y el cine negro o policíaco es otro vehículo fantástico para tocar temas más trascendentales. Es un género que he trabajado bastante, que cultivo bastante, que me entretiene porque tiene un componente lúdico que no debemos desdeñar. El cine debe ser entretenimiento ante todo, y también permite vehiculizar pensamientos más complejos. Me gusta el género, aunque estoy deseando salir de él. 

De hecho, cuando hice El hijo zurdo, lo hice con absoluta conciencia de que me apetecía muchísimo salir del género y abandonar la trama. Lo hablábamos antes: las tramas son apisonadoras que no te dejan respirar, que impiden que los personajes se desarrollen. Cuando terminamos Modelo 77, donde la trama pesa mucho, dije: “Me voy a ir a otro sitio”. Me apetecía algo más íntimo, más pequeño, más de personajes, donde la trama no fuera tan importante ni estuviera por encima de los personajes. Y fue así. Ahora me apetecía volver al género, y he vuelto con las pilas puestas a Golpes, pero sobre todo quería volver al género para subvertirlo de algún modo. Ir a la contra: ya que conocemos el género y sus convenciones, que el espectador entiende, vamos a intentar dárselas de otra forma, incluso ir a veces a la contra para ver qué tal. Creo que al final le beneficia a esta invención permanente, esta reinvención permanente de los géneros. Me parece interesante.

P. ¿Hay alguna película negra que te guste particularmente?

R. Me gusta mucho el cine negro clásico. Me encanta. También el cine negro americano de los 70, y mucho el cine europeo. Me gustan muchas películas de Melville. El samurái, por ejemplo, es icónica: cargada de tensión, pero con un tempo contemplativo y dramático. Me gusta mucho el cine negro y sería muy difícil quedarme con una sola. Quizá El samurái.

P. Una que precisamente lo que hace es subvertir las reglas y las convenciones.

R. Sí, constantemente.

Al final, somos los últimos responsables de que algunos chavales estén cantando el ‘Cara al sol'

P. Se ha estrenado Golpes al mismo tiempo que Anatomía de un instante, unas semanas después de Los tigres. Además, coincide con el 50 aniversario de la muerte de Franco. Evidentemente, sabiendo cómo funcionan los proyectos en España, no es algo que tú ni Alberto pensarais: “Vamos a estrenar ahora”. Los proyectos a veces se eternizan, es una locura. Pero ya cuando estaba terminada, sí ha tenido sentido estrenar ambas ahora.

R. Supongo que sí, que ha habido una decisión por hacerlo, que me parece muy acertado. Yo creo que la putada es que se han amontonado todos estos proyectos: Los tigres ha tenido poco espacio; ahora, de sopetón Anatomía de un instante y Golpes… De repente, todo a la vez. Al final esto es bueno porque mediáticamente haces ruido, pero al mismo tiempo te dividen, te sectorializa demasiado, te produce una esquizofrenia total. Lo cierto es que ninguno de ellos —salvo Los tigres, que sí tenía una fecha y un proceso de construcción más claro— tenía intención de estrenarse coincidiendo con el aniversario de la muerte de nadie. Y al final, fíjate, las dos, hablando de Anatomía de un instante y Golpes, transitan espacios muy parecidos y manejan tesis similares. 

P. Ambas hablan de la traición.

R. Es más claro en Anatomía de un instante, que es la historia de los traidores —esos que traicionan a su sistema, a sus orígenes, en aras de un país democrático y libre—, pero también se habla del consenso, de apartar la vanidad, los egos de políticos y líderes para llegar a un acuerdo. Y en Golpes, al final, lo que hay es un consenso de una hermandad y de una reconciliación. O sea, que al final es importante y, de algún modo, se relacionan mucho. Es verdad que Anatomía de un instante está acotada por el golpe de Estado del 81, y Golpes empieza precisamente poco después de aquello, cuando ya hemos vencido y la sociedad es refractaria a cualquier práctica de ese estilo, y el país avanza —como decíamos antes— de un modo muy optimista y plantado hacia el futuro.

P. A mí me daba la impresión de que en Golpes dejabas la línea temporal un poco abierta. Yo pensaba viendo la película: Igual Migueli ni se enteraría de los líos del Parlamento.

R. No te creas, que él es muy político. Migueli, además, es muy curioso: los dibujos que va haciendo son su visión del mundo. Critica a la Iglesia cuando dibuja monjas besándose; critica al sistema económico cuando muestra a una familia dando el pecho al niño encadenada al banco; critica a Franco cuando aparece una cabra con cuernos dándole un cabezazo a Franco. Es un personaje que al final cae cuando se traiciona a sí mismo. Ahí es cuando entra la tragedia. Migueli tiene una conciencia política importante, muy pegada a la contracultura de finales de los 70 y principios de los 80. Sevilla tuvo una movida contracultural muy interesante, y un personaje como Nazario, con esos dibujos que hacía, está ahí, está presente. Y esa era mi intención, aunque poco a poco se va refinando hasta que el único dibujo verdaderamente realista que tiene es la encina y las tumbas de los miles de enterrados de la guerra.

P. En Anatomía, ¿te ha costado mucho alejarte de la novela de Cercas o has podido aportar cosas propias como en El hombre de las mil caras?

R. No, Anatomía ha sido todo lo contrario. La novela de Javier Cercas creo que es de las mejores de nuestra literatura reciente. Es complejísima, con un valor literario increíble. Una novela en la que estuvo cuatro años documentándose todos los días entre ocho y diez horas. Brutal. Lo difícil con ese material era no cagarla. La responsabilidad de adaptar una novela tan buena, tan compleja y tan difícil, te imponía. Al final, nosotros “solo” teníamos que adaptar. El trabajo difícil, complejo, el de escribir una novela así, ya lo había hecho él. Claro, no es lo mismo que cuando adaptamos el libro de Cerdán sobre Paesa, donde había claroscuros y huecos para fabular. La novela de El hombre de las mil caras era más periodística, y había sombras que reconstruir. No es igual que Anatomía: Anatomía es incontestable.  Ahí estaba todo. Lo que había que hacer era reducir, sintetizar, reestructurar para el formato televisivo, pero el contenido estaba servido.

P. Un buen lío, en cualquier caso, viendo cómo están los ánimos. ¿Mejor ir acompañado en estas lides?

R. Sí, nos gusta meternos ahí, a Alberto y a mí. Y nuestra relación tiene buena vida. Llevamos muchos años juntos y espero que nos queden muchos más. Yo voy a seguir dirigiendo, pero no tengo duda de que seguiré escribiendo con él y para él. De hecho, estamos ya en su siguiente proyecto y ojalá tengamos mucha vida por delante juntos.

P. ¿Cuál es la clave de una unión tan clara que lleva ya 20 años?

R. Yo creo que cuando el equipo funciona, cuando entendéis el oficio del mismo modo y cuando las cosas que nos preocupan y ocupan el mundo son las mismas… Y cuando consideramos que nuestro oficio es una buena herramienta para responder a esas preguntas de las que hablamos, es importante. Y si encima nos llevamos bien —hace 25 años que somos amigos— al final es como parte de tu familia: alguien con quien te lo pasas bien, con quien te ríes, con quien discutes, con quien te enfadas.

P. Como un hermano.

R. Exacto (Sonríe).

Las tramas son apisonadoras que no te dejan respirar

P. No sé qué pensaste del lapsus de Feijóo al citar vuestra serie, que se convirtió en meme instantáneo.

R. Tío, es que es casi un celebrity de La hora chanante. Increíble. La verdad es que se han dado cosas muy curiosas: la falsa muerte de Tejero como acto promocional, ahora Feijóo dándonos cancha… Todo muy divertido. Muy ibérico, muy español.

P. Cuando escribiste el guion, tú tenías nueve años en aquella época, ¿no? ¿Qué recuerdos tienes de aquel momento de Tejero entrando en el Congreso?

R. Muy vagos. Recuerdos muy, muy imprecisos. Recuerdos construidos, incluso. Recuerdo a mi padre escuchando la radio muy preocupado, y poco más. Todo muy vago.

P. Y al meterte en este proyecto, y levantar la cabeza y mirar la tele, ¿te atreves a comparar la política de entonces con la de ahora?

R. Ostras… Lo hemos hablado. Creo que hay algo peligroso en mirar al pasado con nostalgia. Justamente hemos huido de eso en Anatomía: miramos al pasado de forma crítica, igual que en Golpes. La distancia te permite reflexionar, pero debe permitir una reflexión crítica. Creo que la crítica, tanto en Golpes como en Anatomía, tiene que ver con lo difícil que es hoy que los intereses personales de los políticos estén por debajo de los intereses de todo un país. Estamos en un momento en el que nadie se baja del burro, nadie se aparta de sus posiciones para llegar a un acuerdo sobre nada. Justo lo contrario de aquellos tres personajes que, con más o menos acierto político, hicieron una temeridad: uno traicionó a la Falange; otro al Partido Comunista ortodoxo; otro, de alguna forma, a los militares. Tres tipos que traicionaron su ADN prácticamente para permitir la democracia y la libertad en un país. No sé si eso podríamos aplicarlo hoy a muchos políticos, y qué harían. No hay una respuesta.

P. Claro, es que esta triple traición al final consolidará una democracia que, en realidad, había llegado más por transacción que por transición. Tra-Tra-Tra, un triple.

R. Ahí es donde está quizás la clave. En la novela, el corazón eran los tres traidores. Nuestro vector, nuestra idea motora, era esa: la historia de tres traidores. De hecho, cada capítulo es la historia de uno de ellos, y al final están los golpistas, los antagonistas.

P. ¿Cuántas grandes sociedades se habrán construido a partir de traiciones, no?

R. Muchas. Seguro que no una ni dos.

P. El chaval del Hijo zurdo seguramente sería de estos que hoy estaría cantando el Cara al sol.

R. Pues sí. El otro día hicieron una encuesta en centros educativos y creo que un porcentaje altísimo de jóvenes entre 14 y 20 años se declaraba franquista —no sé si la palabra exacta era “franquista”, míralo si lo vas a poner—, pero era terrorífico. Muy, muy terrorífico. Me parece un dato espeluznante.

Voy a seguir dirigiendo, pero no tengo duda de que seguiré escribiendo para Alberto Rodríguez

P. El otro día hablaba con tres personas que vivieron la muerte de Franco y una de ellas —la primera concejala que hubo en el Ayuntamiento de Córdoba en la época democrática— me decía que, con el tiempo, se había dado cuenta de que incluso ellos fallaron al contarles a sus hijos de dónde veníamos. Y esos hijos son los padres —o ya casi abuelos— de los que ahora están cantando el Cara al sol. 

R. El hijo zurdo era justamente una metáfora de eso: una familia desestructurada que lleva mucho tiempo con el problema en casa, pero que lo ha mirado siempre de reojo. Igual que nosotros en Europa llevamos años viendo venir el problema, viendo venir al monstruo, años viendo venir al lobo, y hemos mirado hacia otro sitio. Era una metáfora evidente.

P. Eso te iba a decir: porque tú, al igual que yo, crecimos en una Andalucía donde la ultraderecha existía, era residual, pero muy violenta. Yo he estado pensando mucho después de ver la última peli de Paul Thomas Anderson…

R. No la he visto aún… 

P. Pues me parece muy inteligente porque plantea que la ultraderecha y el fascismo no han resurgido, sino que han sido un presente continuo en nuestra historia.

R. Exacto. Por eso me gusta utilizar el género como pretexto para contar otra cosa, que vaya a un lugar mucho más profundo. En El hijo zurdo era evidente esa metáfora: no es que la extrema derecha se haya ido y haya vuelto, siempre ha estado ahí. El problema es que no queríamos mirar hasta que explota. El hijo zurdo es sobre una familia que ha tenido ese problema ahí; lo han generado ellos mismos, pero lo han silenciado y han querido mirar hacia otro lado. Y les explota en las manos.

P. ¿Y tú, como padre, cómo vives esto?

R. Bueno, en la medida de mis posibilidades, intento educar transmitiendo todo esto, sabiendo que al final somos los últimos responsables de que esos chavales de 14 años estén cantando el Cara al sol, estén pegando palizas o haciendo las barbaridades que hacen. El otro día me mandaron una imagen sobrecogedora: un chaval con un pañuelo hasta aquí (se tapa por debajo de los ojos), con un montón de simbología fascista y diciendo barbaridades. Era un plano fijo brutal.

P. ¿Qué hilo hay podría haber entre el Tano de Siete Vírgenes y El hijo zurdo?

R. Bueno, no sé… son chavales, pero son chavales distintos. Aunque quién sabe: igual el personaje de El Tano, que en la película tiene no sé si dieciocho años, podría acabar convertido en un nazi dos años después. ¿Por qué no? Estamos viviendo un proceso en el que hay mucha ultraderecha en los barrios, muchísima. Al final es una cuestión de formación: el discurso básico de la ultraderecha cala en zonas donde no hay mucha formación ni mucha cultura. Es un proceso complejo. Pero sí: el Tano podía haberse convertido en un skinhead de 20 años. Es probable.

P. No quiero despedirme sin hablar de dos cosas. De dos personas, dos cordobeses más bien. De una ya has escrito: Guimerá. Creo que podría dar para un personajón de una película para él solo.

R. Uff… No sé si ya puedo contarlo. Creo que sí. La cosa es que a Guimerá lo conocimos Alberto y yo. Él nos pidió que nunca dijéramos que lo habíamos conocido. Fue por medio de una amiga mía cuyo padre es cordobés y amigo de Guimerá. Nos puso en contacto y nos dio cita en una playa de Andalucía. Estuvimos con él desde las once de la mañana hasta las seis de la tarde. Nos invitó a comer. Es un personaje brutal. Increíble.

P. Y otro del que no has escrito, pero que quizá dé para un futuro guion: Villarejo.

R. Hostia… Otro personaje, tío. Cruzando los dos, hay una inteligencia muy especial. Son personajes muy inteligentes, muy sombríos. Muy, muy inteligentes.

P. Y los dos cordobeses.

P. Menos mal que también tenéis a Pablo García Casado.

Cuando descubrí que era un pésimo poeta, me pasé al cuento

La Semana del Cine (CINEMA25) se consolida en su cuarta edición con un notable crecimiento gracias a la acogida del público durante las actividades y eventos programados en Filmoteca de Andalucía y otras sedes de Córdoba. Casi 5.000 asistentes han participado en las proyecciones, coloquios con directores, masterclasses con profesionales de la industria y CINEMA Party, la fiesta temática del cine junto a comercios locales que ha superado las expectativas. 

La IV Semana del Cine de Córdoba ha recibido más del doble de asistentes que en su edición anterior, ofreciendo una programación sólida y de calidad. Del 21 al 28 de noviembre se han proyectado un total de 44 títulos en la Filmoteca de Andalucía, estas CINEMA Sessions han llegado a los 1.920 asistentes. A estas sesiones, se suman las masterclass y talleres enmarcados en CINEMA Training, desarrollada en colaboración con IES Ángel de Saavedra, EASD Mateo Inurria, Escuela Superior de Arte Dramático, Escuela de Arte La Maquinita y Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). Las seis actividades formativas celebradas han alcanzado un total de 370 inscritos. 

Por otro lado, CINEMA Talks ha ofrecido varios espacios para la reflexión, el análisis sobre la actualidad en el sector audiovisual gracias al encuentro OFF ESCAC y el tributo a una figura clave en la historia del cine, Josefina Molina. En estas mesas redondas han participado un total de 180 personas, demostrando el interés que generan proyectos como el documental Que arda la calle de Ana Villa o Ellas en la ciudad de Reyes Gallegos. 

CINEMA Party ha tenido su segunda edición en la céntrica Plaza de las Cañas, punto de encuentro entre el cine y los comercios independientes de la ciudad que acogen y difunden la cultura en todas sus vertientes. La organización estima que, entre las 12:00 y las 19:00 del domingo 23 de noviembre pasaron por esta fiesta más de 1.800 personas para disfrutar de música en directo, actividades infantiles, mercadillo y comida. Como broche de oro, el 28 de noviembre tuvo lugar la Gala de Clausura en el Teatro Góngora, un espacio idóneo para entregar los Cervatillos de Bronce. Más de 450 asistentes disfrutaron de esta gala conducida por la periodista Marta Jiménez.

El respaldo del público se ha sentido en lo físico y en lo digital con un crecimiento del 46% en redes sociales respecto a la edición anterior, consolidando la tendencia al alza en el impacto digital del festival. CINEMA25 ha establecido vínculos con públicos nuevos y emergentes, posicionándose dentro del panorama cultural de Andalucía. 

Para clausurar con un buen sabor de boca, el vídeo resumen de esta IV edición está disponible y la organización ha anunciado que su V edición se celebrará del 26 de noviembre al 3 de diciembre de 2026, con el objetivo de atraer más público y ofrecer lo mejor del cine español y andaluz.

Golpes, el debut en la dirección del guionista sevillano Rafael Cobos, se ha alzado con el Cervatillo de Bronce a Mejor Largometraje de Ficción en Cinema 25, la IV Semana del Cine de Córdoba. La película, presentada en preestreno dentro de la programación del festival, se ha impuesto a La deuda de Daniel Guzmán, Subsuelo de Fernando Franco y El cielo de los animales de Santi Amodeo, los cuatro títulos que competían en esta edición por el premio dotado con 3.000 euros.

El primer largometraje del guionista habitual de Alberto Rodríguez ya ganó el premio al mejor guion de largometraje ASECAN en el reciente Festival de Cine Europeo de Sevilla, mientras que su autor recibió el premio Canal Sur a cineasta andaluz en el Festival Iberoamericano de Huelva, hace solo unas semanas. La película se estrena en cines el próximo viernes 5 de diciembre.

En la categoría de No Ficción, el Cervatillo de Bronce ha recaído en La marisma, de Manu Trillo, un documental sobre el Parque Natural de Doñana y su extensa historia natural y humana. El filme se ha impuesto a los otros cuatro trabajos seleccionados en esta sección: No sea tu falta de Moisés Salama, Velintonia 3 de Javier Vila, Plaza Nueva a las diez de Carmen Tortosa y Quién vio los templos caer de Lucía Selva.

El palmarés de Cinema 25 se completa con el Cervatillo de Bronce a Mejor Cortometraje para Gallina, de Fernando Reinaldos, y con el Premio Cinema Córdoba para All you need is love, de Dany Ruz.

El quinto galardón de la noche, el Premio del Público Martín Cañuelo se le ha otorgado a Maspalomas de Moriarti tras el voto de los asistentes a las proyecciones y la deliberación del jurado compuesto por representantes de Asociación Cinecercano, Asociación Mojo de Caña, Colectivo Azabache, Luciana Centeno y Plataforma Filmoteca se queda. 

La Gala de Clausura, conducida por la periodista Marta Jiménez, se ha celebrado en el Teatro Góngora con la colaboración del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), espacio donde se han reunido grandes figuras del cine español y andaluz. Durante esta celebración se ha reconocido el papel de tres mujeres claves dentro de la industria cinematográfica en Córdoba y a nivel nacional. Mercedes Tirado, técnico de cultura en la Diputación de Córdoba, ha sido nombrada con el Premio Honorífico Divulgación Cinematográfica de Córdoba. La actriz María Morales ha recibido el segundo Premio Honorífico de la noche, nombrada como Embajadora Cinematográfica de Córdoba. El hilo conductor de esta jornada ha sido el tributo a Josefina Molina, cineasta cordobesa y figura clave en el cine español, cuya trayectoria profesional ha sido recordada en un vídeo homenaje durante la gala. 

La IV Semana del Cine de Córdoba cierra así una edición que ha acogido entre el 21 y el 28 de noviembre más de una veintena de proyecciones de largometrajes y cortometrajes, diversas mesas redondas, masterclass y otras actividades lideradas por profesionales del sector audiovisual. “Una edición que mantiene la línea de crecimiento de 2024, hemos encontrado nuestra identidad y el público nos está respaldando; hemos alcanzado los 5.000 asistentes en total durante esta semana. La gran novedad de esta edición ha sido la incorporación del Cervatillo a Mejor Largometraje de No Ficción”, ha afirmado el director de CINEMA25, Edgar Burgos. 

La Semana del Cine de Córdoba, Cinema25, dedica este martes un espacio muy especial al diálogo y la memoria urbana con la sesión Ellas en Córdoba. La arquitecta y directora del documental Ellas en la ciudad, Reyes Gallegos, se reunirá con las vecinas de la barriada de San Martín de Porres, cuyos testimonios inspiran gran parte del filme.

Este paseo por el pasado y el paisaje humano comenzará en la Caja Negra del C3A, a las 11:30, donde Gallegos conversará con la periodista Marta Jiménez sobre su trabajo de campo realizado hace aproximadamente 15 años en esa zona. Luego, el público tendrá la oportunidad de acompañar a la directora en una visita guiada hasta la calle Torremolinos, punto clave donde comenzó este proyecto documental.

Ellas en la ciudad (Movistar+, 2025) rescata las voces de las primeras pobladoras de barrios periféricos, y en Córdoba su origen se remonta a un taller llamado “Ciudad Viva”, impulsado por Gallegos en colaboración con la Consejería de Obras Públicas. En él, estas mujeres compartieron relatos sobre género, cuidados, educación, urbanismo y lucha social, que hoy conforman los cimientos del documental.

La sesión es de entrada libre hasta completar aforo, gracias a la colaboración entre la Fundación Arquitectura Contemporánea y el C3A. Es una oportunidad única para reconectar con el pasado, reflexionar sobre el presente y celebrar la contribución de estas mujeres al tejido urbano y social de Córdoba.

En este noviembre de aniversarios en el que estamos atrapados entre la nostalgia de la derecha y la melancolía de la izquierda, y en el que leemos con pesadumbre esas encuestas que nos revelan lo frágil que es la democracia, asistir en la Filmoteca de Andalucía al estreno del documental Que arda la calle, en el marco de Cinema25, ha hecho que me reafirme en mi compromiso con ese proyecto alternativo de humanidad que representa el feminismo. Apenas superado un 20N en el que nos han sobrado tantos motivos para la desesperanza, recorrer una parte de nuestra historia común que para mí, debo confesar, era desconocida, ha sido como reconciliarme con esas alas que, en estos tiempos de zozobra, corrían el riesgo de quebrarse entre la queja y la domesticación.

Escuchar a siete mujeres protagonistas de la Córdoba más invisible, cuyas voces son parte de una polifonía que ha sostenido y sostiene la lucha por la igualdad y la no violencia, me hizo salir a las calles frías y prenavideñas con los ojos nuevos. Agradecido a las manos que han urdido este relato que nos faltaba, muy especialmente a las gentes de Cine Cercano, tan empeñadas en hacer de nuestra ciudad un espacio de cultura y por lo tanto de seres que tejen colectivamente, y también a mi Universidad por ser parte de un proyecto que tanto nos habla del sentido que ha de tener el compromiso público con la pedagogía democrática.

Es emocionante, además, que haya sido una jovencísima mujer, Ana Villa Zamorano, la que ha dirigido una película en la que, por si alguien tenía dudas a estas alturas, queda claro que el feminismo, o mejor aún, los feminismos, constituyen una herramienta emancipadora que fue clave en unos años de transición a la democracia en el que las españolas tuvieron que pelear por superar la minoría de edad a la que las había condenado el franquismo. Los testimonios de siete mujeres que, desde distintas miradas pero partícipes de un proyecto compartido, pusieron sus cuerpos y sus convicciones al servicio de la transformación pendiente nos abren la puerta de una parte de nuestra historia reciente que continúa en los márgenes y nos evidencian lo mal que se sigue contando la transición.

Un período que, no lo olvidemos, no consiguió desmontar buena parte de “los pactos de caballeros” que decidieron quién y cómo habría de ejercerse el poder. Escuchar a Fernanda Villalba, Juana Castro, Amelia Sanchís, Consuelo Borreguero, Anna Freixas, Aurora Genovés y Carmen Ruiz es como si, y tomando prestada la metáfora que esta última usa en la pantalla, se abrieran boquetes de luz en esa cueva inmensa en la que nuestra falta de memoria y el machismo, solo ligeramente erosionado, parecieran condenarnos a repetir errores del pasado. De ahí la necesidad, la urgencia diría yo, que este documental hecho con mimo y sin alardes, prueba evidente de que en ocasiones los mejores medios son las manos que juntas se multiplican, ocupe las aulas en las que formamos a unos jóvenes a los que hoy, agobiados por malestares que no tienen nombre, no estamos siendo capaces de ofrecerles unos relatos alternativos a esos que les venden libertad sí, pero con ira. 

Como hombre que lleva algunas décadas enfrentado al machista que llevo dentro, y como parte de una generación maleducada por la ausencia de mujeres en los manuales y en las referencias públicas, dejarme atravesar por la luz que supuran los fotogramas de Que arda la calle ha sido un ejercicio de reafirmación en la potencia de un movimiento que, como bien nos recuerda la sabia Carmen Ruiz, siempre ha sido y será plural, y del que nosotros también deberíamos ser partícipes porque no se trata sino de construir otro mundo posible. Una tarea que, como todas las que sostienen la dignidad y los derechos humanos, requiere un proceso de concienciación como paso previo, la cual es imposible si nos leemos, personal y colectivamente, desde el olvido y contra la memoria. De ahí la oportunidad de esta película que a mí me ha descubierto la importancia de la Asamblea Feminista de Córdoba, las movilizaciones que las mujeres de esta ciudad llevaron a cabo en los años 80 frente a unas violencias que todavía hoy nos demuestran que la democracia es un traje de hechuras masculinas, o la evidencia de esa forma de pensar y trabajar, tan horizontal y colaborativa, de la que los hombres deberíamos aprender.

En todo caso, lo que más debería escocernos ante este relato de generaciones de mujeres que han ido creando una trama de vindicaciones y conquistas, es que ese lema con el que las cordobesas gritaron hace décadas – La calle y la noche también son nuestras – necesita ser todavía vindicado en un siglo en que todavía ellas, y como expresión del más radical fracaso de la democracia, sienten miedos y viven violencias que la otra mitad, o sea, nosotros, ni sufrimos ni con frecuencia percibimos desde la responsabilidad. De ahí la necesidad de continuar portando antorchas que iluminen la cueva pero también de celebrar todo lo conseguido gracias a tantísimas mujeres que se atrevieron, entre otras cosas, a hacerle un corte de mangas a gobernadores civiles como el de Córdoba que, en aquellos no tan lejanos 80, se atrevió a pedirles a ellas heroísmos en lugar de a nosotros activismo para desmontar esa virilidad que tantas víctimas continúa dejando por el camino. Así que, por favor, señoras, y sobre todo señoros, vean esta película, y a ser posible háganlo con sus hijos y con sus hijas: no se me ocurre mejor manera de celebrar los 50 años sin Franco y de no traicionar a la joven que en la película abre la puerta hacia el futuro. 

La cuarta edición de la Semana del Cine de Córdoba (Cinema25), arrancará este viernes 21 de noviembre con una programación que se extenderá hasta el día 28. El festival, que este año diferencia por primera vez en la Sección Oficial entre cine de ficción y cine de no ficción, presenta una agenda amplia que incluye proyecciones, talleres formativos, coloquios especializados y actividades abiertas al público.

Esta cita ha arrancado mientras se publican estas líneas, ya que el festival se ha abierto con la proyección en el Centro de Recepción de Visitantes de la película Sirat, de Oliver Laxe, candidata española a los próximos Premios Óscar. Será el preludio de un primer fin de semana inaugural en el que se proyectarán algunas de las propuestas más interesantes de la temporada.

Así, el sábado 22, se proyectarán Que arda la calle (Cinema Special), a las 17.30 horas; Tardes de soledad (Cinema Premiere), a las 18.30; y No sea tu falta (Sección Oficial – No Ficción), a las 21.00, todas en la Filmoteca de Andalucía. El domingo 23 será el turno de El cautivo (Cinema Premiere), a las 20.30 horas en la Sala Val del Omar de la Filmoteca de Andalucía. A lo largo de la semana, el festival sumará numerosas proyecciones enmarcadas en la Sección Oficial de Ficción, No Ficción y Cortometraje.

La Sección Oficial

La programación de No Ficción reúne cinco documentales que se proyectarán en la Filmoteca de Andalucía. El primero será No sea tu falta, de 70 minutos, que abrirá esta categoría el sábado 22 a las 21.00 horas con entrada libre hasta completar aforo. El lunes 24, a las 19.00 horas, se exhibirá La marisma (85 minutos) en la Sala Josefina Molina, con un coste de 0,90 euros. El martes 25 será el turno de Velintonia 3, de 111 minutos, que podrá verse a las 18.30 en la misma sala con entrada también a 0,90 euros. El miércoles 26 incluirá dos proyecciones: Quién vio los templos caer (72 minutos), a las 18.30 en la Sala Josefina Molina, y Golpes (102 minutos), que se proyectará a las 20.30 en la Sala Val del Omar, ambas con entrada a 0,90 euros.

La categoría de Ficción reúne cuatro largometrajes, todos ellos con un precio de entrada de 0,90 euros. El martes 25 se proyectará Subsuelo (115 minutos) a las 17.30 horas en la Sala Val del Omar. El miércoles 26 será el turno de El cielo de los animales (81 minutos), a las 18.00 horas en la misma sala. El jueves 27 continuará la programación con La deuda (115 minutos) a las 17.30 horas en la Sala Val del Omar, seguida de Plaza Nueva a las diez (61 minutos), que cerrará la sección ese mismo día a las 18.30 en la Sala Josefina Molina.

Ciclos de cortometrajes y estrenos semanales

La sección Cinema Shorts estará organizada en cuatro rondas, todas con entrada libre hasta completar aforo. La primera se celebrará el lunes 24 a las 21.15 horas e incluirá las obras Metacíclia, Abellón, Quejío de loba, One-Way Cycle, Liliums y Mi favorita. El martes 25, a las 21.00 horas, el segundo bloque reunirá Discordia, La paciente desconocida de Freud, Cólera, Carmela, Planta 5D, Después del diluvio electrónico y Hermanas.

El miércoles 26, también a las 21.00 horas, se proyectarán La raíz, Gallina, ¿Tienes sitio?, Mi juego, All you need is love y Piedra, papel o tijera. La última ronda tendrá lugar el jueves 27, a la misma hora, con Geratzen den hori, Marciano García, Pálpito, Buffet Paraíso, Saudade y El lado más bestia de la vida. Además, entre el 24 y el 27 de noviembre se ofrecerán distintos largometrajes con un precio simbólico de 0,90 euros en taquilla. El ciclo de proyecciones culminará el viernes 28 con un tributo a Josefina Molina que incluirá el pase de Función de noche a las 18.30 horas.

Formación y coloquios para profesionales

Este año, Cinema25 refuerza su carácter formativo con encuentros, debates y masterclasses de acceso libre. El lunes 24 tendrá lugar la sesión Dirigir desde dentro, impartida por Natalia Mateo a las 10.30 horas, seguida de un coloquio sobre el documental Que arda la calle a las 11.30. El martes 25 se celebrará el coloquio Ellas en Córdoba a las 11.30 horas en el C3A.

El jueves 27 será el turno del encuentro OFF ESCAC, que incluirá el coloquio AAMMA Corten! Manual de buenas prácticas entre las 10.00 y las 10.45 horas, un balance sobre OFF_ESCAC Córdoba y Andalucía de 11.00 a 11.30, y una masterclass impartida por Manuel Martín Cuenta de 11.45 a 13.15.

La programación formativa concluirá el viernes 28 con la mesa redonda Enfocando a Josefina Molina, a las 11.30 horas, con la que se rinde homenaje a esta pionera del cine español. También se han previsto talleres exclusivos para estudiantes de centros educativos.

Así, el lunes 24 se impartirá la masterclass Arte & diseño de producción, con Pepe Domínguez del Olmo, dirigida a alumnado de la EASD Mateo Inurria. El martes 25 se celebrará la sesión Producción low cost, con Álvaro Alonso, destinada al IES Ángel de Saavedra, mientras que el miércoles 26 Elisa Moreno ofrecerá la masterclass La luz que construye el cine, también para este centro.

Actividades infantiles y fin de semana temático

Los más jóvenes podrán participar en el taller Historias en movimiento, centrado en la técnica del stop motion. La primera sesión será el sábado 22 de noviembre, a las 11.00 horas, para niños de entre 7 y 11 años en La Maquinita, mientras que el miércoles 26 se celebrará una segunda convocatoria, a las 17.00 horas, dirigida a jóvenes de 12 a 15 años. Ambas actividades requieren inscripción previa.

El domingo 23, la Plaza de las Cañas acogerá la Cinema Paryty, un evento que saca el festival a la calle con un mercado temático con música en directo entre las 12.00 y las 19.00 horas. La jornada incluirá talleres infantiles de pintacaras y manualidades entre las 12.30 y las 15.00, además de sesiones DJ y los conciertos de Lalola (16.00–16.45) y Titín (17.00–17.45).

Cinema25 despedirá su cuarta edición con la gala de clausura, que se celebrará el viernes 28 de noviembre a las 20.00 horas en el Teatro Góngora. Toda la programación en el siguiente archivo:

CINEMA25, la IV Semana del Cine de Córdoba, ya ha dado a conocer los 18 largometrajes y 25 cortometrajes que optan a los Cervatillos de Bronce, al Premio CINEMA Córdoba o al premio del público ‘Martín Cañuelo’, según su categoría. En esta edición, que se celebrará del 21 al 28 de noviembre en la Filmoteca de Andalucía en Córdoba y otras sedes de la ciudad, el público podrá disfrutar de proyecciones, masterclass y encuentros con profesionales del sector.

Los títulos que compiten por el Cervatillo de Bronce a Mejor Largometraje de Ficción, dotado con 3.000 euros, son Golpes, preestreno de la primera película del guionista y director sevillano Rafael Cobos; La Deuda de Daniel Guzmán, quien recibió el Premio Goya a Mejor Dirección Novel; Subsuelo del montador y director Fernando Franco, nominado en 10 ocasiones a los Premios Goya y ganador de uno en 2014; El cielo de los animales de Santi Amodeo, un drama basado en los relatos del escritor estadounidense David James Poissant. Estas películas se proyectarán dentro de CINEMA Sessions en la Filmoteca de Andalucía en Córdoba.

La Sección Oficial de No Ficción queda conformada por un total de cinco películas en competición por el Cervatillo de Bronce a Mejor Largometraje de No Ficción, dotado con 2.000 euros. Los documentales a concurso son No sea tu falta de Moisés Salama, quien realiza un ejercicio de memoria con la intención de entender y habitar el presente; La Marisma de Manu Trillo, sobre el Parque Natural de Doñana y su antiquísima historia; Velintonia 3 de Javier Vila, sobre la memoria del poeta y Premio Nobel Vicente Aleixandre; Plaza Nueva a las diez de Carmen Tortosa, sobre una variopinta sociedad danzante en una plaza de Granada; Quién vio los templos caer de Lucía Selva, primer film de la cineasta que recoge una carta de amor y despedida a su ciudad natal.

CINEMA Premiere, la sección no competitiva de la Semana del Cine de Córdoba, acogerá seis proyecciones de grandes títulos de producción nacional: Sirat de Oliver Laxe, Tardes de soledad de Albert Serra, Maspalomas de Goenaga y Arregi, Mi amiga Eva de Cesc Gay, El cautivo de Alejandro Amenábar y Romería de Carla Simón. Estas películas sí optan al Premio del Público ‘Martín Cañuelo’.

Fuera de concurso se proyectarán tres proyectos en el marco de CINEMA Special: Que arda la calle de Ana Villa, Lorca en La Habana de Jose A. Torres y Antonio Manuel, y Melón de Pablo Porcuna, proyecto ganador de CINEMA Campus 2024, iniciativa impulsada por RECORD y la Delegación de Cultura de la Diputación de Córdoba.

Cortometrajes en CINEMA25

Los cortometrajes también cuentan con su merecido espacio en la Semana del Cine de Córdoba. En esta ocasión, la organización ha recibido más de 600 trabajos, una gran cifra si se compara con los 218 de la pasada edición. Los 15 largometrajes de productoras nacionales que compiten por el Cervatillo de Bronce a Mejor Cortometraje, valorado en 1.500€, son Metacíclica, Abellón, Quejío de loba, One-way cycle, Discordia, La paciente desconocida de Freud, Marciano García, Pálpito, Buffet Paraíso, Cólera, Carmela, La Raíz, Gallina, Tienes Sitio? y Geratzen den Hori.

El Premio CINEMA Córdoba, valorado en 1.000€, reúne 10 cortometrajes de productoras o cineastas de Córdoba. El listado queda conformado por Liliums, Mi Favorita, Planta 5D, Después del Diluvio Electrónico, Hermanas Mi Juego, All You Need is Love, Piedra, Papel o Tijera, Saudade y El Lado Más Bestia de la Vida.

La Semana del Cine de Córdoba es una actividad organizada por RECORD (Asociación Profesional de Cine y Audiovisual de Córdoba) que cuenta con la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba como patrocinador principal y con Junta de Andalucía, Diputación de Córdoba y Fundación Cajasur como patrocinios colaboradores, además de Off Escac, UniEléctrica, SP Group y Hammam Al Ándalus como partners estratégicos.

Cinema25, la Semana del Cine de Córdoba, ha otorgado el Premio Embajadora Cinematográfica de Córdoba a la actriz María Morales y el Premio Divulgación Cinematográfica de Córdoba a la técnica de cultura Mercedes Tirado. Ambas profesionales recogerán estos galardones en la Gala de Clausura que se celebrará el viernes 28 de noviembre a las 20:00h en el Teatro Góngora.

Con estos premios, la organización pone en valor la trayectoria de ambas, así como su dedicación al ámbito de la cultura, en general, y el cine y la interpretación, en concreto. Sus figuras han sido claves para difundir la imagen de Córdoba por otros lugares y promocionar el talento y la excelencia cultural existente en la provincia. 

Morales cuenta con más de dos décadas dedicada a la interpretación en teatro, cine y televisión, trabajando con grandes directores y compañeros de profesión; lo que la ha llevado a estar nominada en los Premios Goya. Por su parte, Tirado ha destacado como técnica de cultura en la Diputación de Córdoba, impulsando proyectos esenciales para el desarrollo de la cultura cinematográfica en la provincia cordobesa. 

Cinema25 continúa su andadura con la mirada puesta en la inauguración de la IV edición de la Semana del Cine, que contará con numerosas proyecciones y actividades que llevarán el cine a las calles de Córdoba entre el 21 y el 28 de noviembre. En los próximos días se anunciarán los títulos y los profesionales que formarán parte de esta edición.

María Morales, Premio Embajadora Cinematográfica

La cordobesa María Morales es actriz de teatro, cine y televisión. Su trayectoria comenzó en el ámbito teatral y quedó consolidada en 2010 con el Premio Unión de Actores por Urtain de Andrés Lima, uno de los primeros grandes reconocimientos de su carrera. Así continúa en el mundo del teatro, en los últimos años ha formado parte de otras producciones dirigidas por Lima, como 1936, Shock. El cóndor y el puma y Shock II. La tormenta y la guerra.

En cine, fue nominada en 2014 al Premio Goya a Mejor Actriz Revelación por su interpretación en Todas las Mujeres, dirigida por Mariano Barroso. Además, ha participado recientemente en La Bola Negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, y en otras películas como Los Amantes Pasajeros, dirigida por Pedro Almodóvar; y Gordos, dirigida por Daniel Sánchez Arévalo.

En televisión ha protagonizado recientemente La Sombra de la Tierra, Honor (que le valió el Premio en la XXII Edición de FICAL a Mejor Actriz), Operación Barrio Inglés; y muchos más títulos como El Apagón o La red púrpura. Actualmente, se encuentra rodando una serie de época para una plataforma.

Mercedes Tirado, Premio Divulgación Cinematográfica

Mercedes Tirado desempeña el cargo de Técnica de Cultura actualmente, siendo la Jefa de Departamento en la Delegación de Cultura de la Diputación de Córdoba. Comenzó a trabajar en 1998 y continúa desarrollando su labor con entusiasmo por la promoción y la dignificación del cine y el audiovisual. 

Entre los programas que ha impulsado y coordinado se encuentran: el Circuito Provincial de Cine, Encuentros de Cine & Literatura, por donde pasaron relevantes directores de cine españoles y guionistas como Rafael Azcona, Fernando Trueba, Gonzalo Suárez o José Luis Garci; Martes de Cine, las Ayudas a la Creación dirigidas a proyectos audiovisuales, el programa Cine en la Merced junto a la asociación CineCercano, CINEMA Campus junto a la asociación RECORD o la línea de patrocinio a proyectos cinematográficos Toma Primera. En definitiva, un listado que establece la línea de trabajo de Tirado con el marcado objetivo de potenciar el talento local y facilitar el acceso a la cultura y a la industria cinematográfica. 

Asimismo, Tirado, nacida en Torrecampo (Córdoba), cuenta con la titulación Superior en Arte Dramático por la Escuela Superior de Arte Dramático de Córdoba, en la especialidad de Interpretación. Lo que convierte esta en su segunda profesión, apareciendo en proyectos de teatro, sobre todo.

Cinema25 reconoce la labor de estas profesionales que durante más de dos décadas han demostrado su excelencia y su gran pasión por la cultura y el cine. La organización hará entrega de estos Premios Honoríficos el día 28 de noviembre en el Teatro Góngora, una cita indiscutible que reunirá a grandes figuras del cine y de la industria a nivel nacional.

CINEMA25, la Semana del Cine de Córdoba, recibe en el marco de CINEMA Talks a Reyes Gallegos, la directora del documental Ellas en la ciudad, quien protagonizará la sesión Ellas en Córdoba. Este encuentro en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A culminará con una ruta guiada por los orígenes de este celebrado proyecto.

El próximo 25 de noviembre Reyes Gallegos, directora y arquitecta especializada en urbanismo y paisaje, estará en las sesiones de CINEMA Talks para hablar del trabajo urbanístico que fue una de las semillas del documental y del reflejo que tuvo en Córdoba, en la barriada de San Martín de Porres. Ellas en Córdoba tiene como objetivo mostrar la experiencia de Gallegos realizando este trabajo de campo en la ciudad; su testimonio irá acompañado de los vídeos grabados en la zona de la calle Torremolinos en aquel momento.

Reyes Gallegos se encontrará con el público en la Caja Negra del C3A el 25 de noviembre a las 11:30h y conversará con la periodista Marta Jiménez. Asimismo, este encuentro culminará con una visita guiada al punto neurálgico donde nació este relevante trabajo. Esta actividad cuenta con entrada libre hasta completar aforo y tiene lugar gracias a la colaboración de la Fundación Arquitectura Contemporánea junto al C3A.

El documental Ellas en la ciudad (Movistar+, 2025) es una joya que rescata la memoria fundamental e invisible de las primeras pobladoras de los barrios de la periferia sevillana, por aquel entonces “islas desconectadas de la ciudad”. Parte del origen de este trabajo reside en un taller que Gallegos desarrolló en Córdoba, bajo el nombre Ciudad viva, en la barriada de San Martín de Porres, hace 15 años de la mano de la Consejería de Obras Públicas.

Los relatos de estas mujeres hablan de género, cuidados, urbanismo, educación y luchas políticas. Sus testimonios son imprescindibles para conocer, desde la perspectiva de género, el patrimonio cultural de nuestro país y la transformación de nuestras ciudades en los últimos 50 años.

Ellas en la ciudad se presentó en un pase especial en la 28 edición del Festival de Málaga y desde entonces no han cesado sus proyecciones en diferentes puntos a nivel nacional. 

Un cartel que buscaba situar a los bomberos de Córdoba como héroes de película, ha acabado convertido en doble homenaje a uno de ellos: José Varona, el efectivo del Servicio de Extinción de Incendios y Salvamento (SEIS) de Córdoba que falleció inesperadamente este domingo.

Esa ha sido la inesperada y triste carambola del cartel de la cuarta edición de la Semana del Cine de Córdoba (Cinema 25), una obra que el director de esta cita, Edgar Burgos, encargó a la artista Virginia Bersabé, y que ha cobrado un matiz distinto por una tragedia sobrevenida.

Tal y como ha contado este martes Burgos, la idea de convertir a los bomberos en protagonistas del cartel surgió tras el pasado verano, en el que la concatenación de incendios graves colocó a los bomberos como “héroes de la película”. En ese momento, cuenta, se pensó hacer coincidir esta imagen con el 40 aniversario de la película El club de los cinco, de John Hughes, y así nació el cartel.

La cuestión es que, entre los cinco modelos que posaron para Virginia Bersabé estaba José Varona, que lamentablemente, no ha podido llegar a ver el cartel de esta cuarta edición del festival. Este martes, tanto el director del festival como el alcalde de Córdoba, José María Bellido, han trasladado su pésame a la familia y compañeros de Varona.

“La vida sigue”, ha dicho el alcalde, que ha agradecido a la asociación Récord, impulsora de esta cita, que hayan insistido en convertir la Semana de Cine de Córdoba en un evento de ciudad. “Es un evento que nació con el empeño y la modestia de la asociación, y ha ido creciendo año a año ganándose su sitio en la ciudad, en el calendario de citas culturales y también del propio ayuntamiento, que ha visto que esta era la cita para saldar la deuda que tenía con el sector audiovisual”, ha recalcado Bellido.

La Semana del Cine de Córdoba (Cinema 25) se celebra del 21 al 28 de noviembre en distintos puntos de Córdoba, aunque con la Filmoteca como principal sede de las proyecciones. 

Que arda la calle, dirigido por Ana Villa Zamorano y producido por Intersum Films junto con la asociación CineCercano, cuenta un fragmento importante de la historia del movimiento de mujeres de Córdoba en las décadas desde 1970 hasta 1990. A través del testimonio de siete mujeres que hacen memoria frente a la cámara, se narran aquellas primeras reivindicaciones por la igualdad en plena transición española. Conforme avanza la narración, los relatos de estas siete mujeres se entrelazan creando una narración íntima y coral que combinada con material de archivo de la época, muestra cómo era nuestra ciudad durante esos años.

El documental está producido por Intersum Films, productora formada por Ana Villa Zamorano y Guillermo P. Sevilla, quienes han colaborado previamente en diversos proyectos como El Camino de las Bestias (2023), Un Polo de Limón (2024) y La Espantada (2025). En esta ocasión, Ana asume la dirección y el guion, mientras que Guillermo firma la dirección de fotografía.

La labor de CineCercano, asociación cultural cordobesa comprometida con la promoción del cine social y de autor, ha sido el motor fundamental de este documental. De su iniciativa nace este proyecto audiovisual, concebido con un marcado sello local y una clara perspectiva de género.

La producción cuenta con el respaldo institucional de la Diputación de Córdoba y el Ayuntamiento de Córdoba, además del apoyo de la Universidad de Córdoba, que se ha convertido en un pilar fundamental del proceso. A partir de la UCO nace un proyecto de investigación paralelo al documental, que articula traducción y accesibilidad audiovisual, con especial atención a subtítulos en inglés, audiodescripción y subtitulado para personas con discapacidad auditiva o visual. Esta iniciativa parte de un equipo interdisciplinar de investigadoras de la UCO.

La proyección en la Filmoteca contará con la presencia de la directora, parte del equipo técnico y algunas protagonistas del documental, quienes participarán en un coloquio abierto al público.

El lunes 24 de noviembre se celebrará la sesión de CINEMA Talks 'Arde la calle' (11:30 h. en el Centro de Recepción de Visitantes). Un coloquio sobre el documental 'Que arda la calle', con su directora, Ana Villa. Además, algunas de sus protagonistas, junto a socias de Cine Cercano y parte del equipo interdisciplinar de la Universidad de Córdoba (UCO) que ha investigado y trabajado en la traducción del documental, tendrán un encuentro horizontal con el público. Una charla entre todas las protagonistas que están delante y detrás de la cámara de este documental y los espectadores de 'Que arda la calle'.

CINEMA25 IV Semana del Cine de Córdoba se celebrará en Córdoba del 21 al 28 de noviembre. Es una actividad organizada por RECORD (Asociación Profesional de Cine y Audiovisual de Córdoba) que cuenta con la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba como patrocinador principal y con Junta de Andalucía, Diputación de Córdoba y Fundación Cajasur como patrocinios colaboradores, además de Off Escac, UniEléctrica, SP Group y Hamman Al Ándalus como partners estratégicos.

Ya están publicadas en FESTHOME las bases para participar en la nueva edición de la Semana del Cine de Córdoba (Cinema 25), que este año incorporará importante novedades, ofreciendo hasta 7.500€ en premios.

La edición de este año se celebrará del viernes 21 al viernes 28 de noviembre en Filmoteca de Andalucía (donde tendrán lugar las proyecciones) y en las distintas sedes del festival. En los próximos meses se irán desvelando todos los detalles de la programación.

Las secciones a competición serán las siguientes:

SECCIÓN OFICIAL / Largometrajes

Largometrajes de todos los géneros que cuenten con producción andaluza o participación andaluza en el rol de director/a. Pendientes de estreno o que hayan sido estrenados del 1 de abril de 2025 en adelante.

Los largometrajes que formen parte de la SECCIÓN OFICIAL podrán optar a los siguientes premios:

SECCIÓN OFICIAL / Cortometrajes

Cortometrajes de todos los géneros de producción o coproducción española estrenados del 15 de octubre de 2024 en adelante. Los cortometrajes que formen parte de la SECCIÓN OFICIAL podrán optar a los siguientes premios:

Cinema 25 es un festival calificador para los Premios Carmen de la Academia de Cine de Andalucía. Los largometrajes documentales que formen parte de la SECCIÓN OFICIAL podrán optar al galardón a Mejor Largometraje Documental en la próxima edición de estos premios.

En este enlace están las bases de la convocatoria.

La Asociación de Cineastas de Córdoba Record anuncia los proyectos finalistas y confirma la presencia de los profesionales invitados para las jornadas de celebración de la 3ª edición de Cinema Lab, que tendrá lugar los días 3 y 4 de junio en el Centro de Visitantes de Córdoba (Plaza del Triunfo). 

Cinema Lab es un laboratorio de proyectos de largometrajes de ficción o documental, destinado a productoras cinematográficas y creadores con proyectos en fase de desarrollo, cuyo objetivo es impulsar la profesionalización del sector audiovisual en la ciudad de Córdoba. 

Esta iniciativa, financiada por el Instituto Municipal de Desarrollo Económico y Empleo del Ayuntamiento de Córdoba (IMDEEC), ofrece la oportunidad a cineastas y a productoras de dar a conocer sus proyectos a agentes relevantes del sector para mejorar sus oportunidades de financiación.

En esta edición se han recibido un total de 47 proyectos, duplicando cifras respecto a la pasada edición. El origen de procedencia de estos se reparte de la siguiente forma: Córdoba (15) - Sevilla (8) - Málaga (8) – Huelva (4) - Cádiz (2) - Almería (2) - Granada (1) - Jaén (1) junto a 6 proyectos de fuera de Andalucía. De estos proyectos, 10 son dirigidos y 9 producidos o coproducidos por mujeres.

 Los proyectos seleccionados han sido los siguientes:

Con productor/a o director/a de Córdoba  

Con productora andaluza

En esta edición los 13 proyectos finalistas tendrán la oportunidad de presentar sus proyectos a Ana Pernia (Coordinadora de Área - Subdirección General de Fomento del ICAA) y Leonardo Sardiña (Departamento de Cine de Canal Sur), además de recibir las tutorías personalizadas de Nazaret García Crespo (profesional especializada en evaluar proyectos audiovisuales que ha formado parte de comités de ICAA o Europa Creativa y que ha colaborado en programas como Ventana CineMad, CIMA Impulsa, Residencias de la Academia de Cine y TorinoFilmLab).

El proyecto CINEMA Lab está financiado por las Subvenciones para Entidades sin Ánimo de Lucro 2024 del Instituto Municipal de Desarrollo Económico y Empleo de Córdoba. Dentro de esta convocatoria, el IMDEEC cuenta con un presupuesto de 1,2 millones para que 67 asociaciones locales pongan en marcha proyectos en los que el desarrollo económico y social de la ciudad van de la mano, impulsando el crecimiento de Córdoba.

Como ha recordado la Teniente de Alcalde de Economía y Empleo del Ayuntamiento de Córdoba y presidenta del IMDEEC, Blanca Torrent, “este laboratorio nació hace tres años gracias al respaldo económico del Instituto municipal, para impulsar la creación de nuevas empresas en el sector cinematográfico y ayudar a los emprendedores del audiovisual a profesionalizarse”. Torrent ha destacado que “estamos ante una industria con un gran potencial para crear empleo, y que necesita continuamente nuevos productos y contenidos para las plataformas digitales. Y con CINEMA Lab, queremos aprovechar esta oportunidad”.

El programa completo puede consultarse en la página web: www.cinemalab.es

La película Sueños y pan, del director cordobés Soto Muñoz, ha ganado el Cervatillo de Bronce a la Mejor Película en la 3 Semana del Cine de Córdoba, Cinema24. El jurado ha entrado una mención especial al documental Caja de resistencia, de Concha Barquero y Alejandro Alvarado.

La ópera prima de este cineasta cordobés (que estos días tiene en cines su segundo largo, Los restos del pasar, codirigida junto a Alfredo Picazo, se estrenó en el Atlàntida Mallorca Film Fest (Mallorca, España) donde ganó el premio Agustí Villaronga a la mejor película nacional. Con posterioridad pasó por el Festival de Cine de San Sebastián, bértigo, la 21a Muestra de cine Iberoamericano de las Palmas de Gran Canaria, Rizoma y Festival de Sevilla, antes de llegar a los cines la pasada primavera, como paso previo a su entrada en el catálogo de Filmin.

“Soy de Baena y estuve viviendo allí hasta los 19, me fui a estudiar cine a la capital”, ha asegurado Soto Muñoz, quien ha relatado que en su pueblo “echábamos en falta el tejido cultural, la oportunidad de hablar de cine y descubrir película. A pesar de vivir en la época de información accesible es un arte poco intuitivo. Echábamos en falta una semana del cine. Ha sido importante porque he tenido la oportunidad de hablar con gente joven de pueblos, que me contaban que están estudiando y que han cogido hostales para venir a la semana del cine”, ha asegurado. Además, ha declarado que este festival “ayuda a construir tejido cultural” algo que “viene muy bien para construir a los cineastas cordobeses del futuro.

Soto Muñoz, nacido en el año 2000 en Baena (Córdoba), es licenciado en Cinematografía y Artes audiovisuales en Escuela TAI. Reside actualmente en Madrid, donde ha producido sus dos primeros largometrajes, que se han estrenado con muy pocos meses de diferencia, llenando su palmarés de premios y nominaciones.

El jurado de la tercera edición de Cinema24, ha otorgado, además, una mención especial al documental Caja de resistencia, que recoge esos bocetos de películas que el cineasta andaluz Fernando Ruiz Vergara nunca pudo terminar. Los directores, Concha Barquero y Alejandro Alvarado, fabulan con estos proyectos soñados para llevarlos al cine desde el presente.

Los premios se han entregado este jueves en una gala celebrada en el Teatro Góngora, junto al resto del palmarés. Así, el premio del público 'Martín Cañuelo' ha sido para Fandango, la película documental dirigida por Remedios Málvarez y Arturo Andújar, y que ya triunfó en su estreno en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva -ganó el Premio Talento Andaluz.

En cuanto al premio al Mejor Cortometraje ha sido para Cuarentena, dirigido por Celia de Molina, y el Premio Cinema Córdoba (que se entrega al mejor cortometraje rodado en Córdoba) ha sido para La elegida, dirigido por Sergio Morcillo.

Finalmente, en el transcurso de la gala se ha nombrado Embajadora Cinematográfica de Córdoba a la actriz Marisol Membrillo, y se ha dado el premio a la Divulgación Cinematográfica de Córdoba al escritor y periodista Manolo Bellido, de Canal Sur.

Este jueves ha tenido lugar la última jornada de proyecciones y sesiones formativas en CINEMA24 III Semana del Cine de Córdoba. En la Filmoteca de Andalucía se ha proyectado la ópera prima de Luis (Soto) Muñoz, Sueños y pan, el documental Atín Aya: Retrato del silencio de Hugo Cabezas y Alejandro Toro, y Los destellos dirigida por Pilar Palomero.

El baenense Luis (Soto) Muñoz ha presentado su primera película Sueños y pan junto al periodista cultural Juan Velasco, quien ha destacado que esta es “una película de colegas y además trata sobre la amistad”. Esta historia se encasilla en el cine quinqui y han pasado casi cuatro años desde su escritura hasta la llegada a la gran pantalla.

El documental sobre el fotógrafo Atín Aya, que ha llenado la sala Josefina Molina, realiza un recorrido por su vida y obra, así como sus referentes y fotógrafos coetáneos. A la presentación y el coloquio posterior han asistido los directores Hugo Cabezas y Alejandro Toro, los productores Fidel Pérez y Antonio Aparcero y el compositor Miguel Rivera. 

La última sesión de largometrajes del día ha sido la tercera película de la directora Pilar Palomero, Los destellos, que se enmarca dentro de la sección CINEMA Premiere. Antes de la proyección se ha mostrado un vídeo del actor Antonio de la Torre mandando un mensaje de agradecimiento al médico cordobés Antonio Escribano, especialista en endocrinología y experto en cambios físicos para intérpretes, quien le acompaña desde 2008 en sus procesos de preparación y que también ha participado en películas como La sociedad de la nieve.

Los cortometrajes que participan en Sección Oficial y Cinema Córdoba se han proyectado en la cuarta sesión de CINEMA Shorts. Los títulos que se han podido ver son Umbra, Ganadero, Po favó, Carroña, Un polo de limón, La elegida y Vinilo.

CINEMA Talks y CINEMA Training

La actriz y directora de doblaje, Mercedes Hoyos, ha participado en CINEMA Talks con una conferencia sobre el doblaje audiovisual en colaboración con la Academia de Cine de Andalucía. Ante los asistentes al Centro de Recepción de Visitantes ha propuesto un acercamiento al doblaje de películas y series de televisión. 

Por otra parte, se han desarrollado dos sesiones de CINEMA Training, una a cargo del editor cinematográfico Javier Frutos, y otra del productor y director de animación Manuel Sicilia. La primera ha tratado sobre la profesión del montaje cinematográfico respecto a la imagen y la importancia del resultado final. Mientras que la segunda ha versado sobre los pasos necesarios para crear una película de animación y la relevancia de todas las partes del proceso a la hora de transmitir una idea.

Fue un periodista que acabó en las galerías. También un obrero de la fotografía. Un foco para los que está en la sombra. Y un silencio antes de un disparo de flash. Fue padre, hijo y amigo. Atín Aya, nacido Joaquín Aya Abaurre (Sevilla 1955-2007), fue muchas cosas. Pero sobre todo fue los ojos con los que miraba a través del objetivo de sus cámaras.

Este miércoles, la Semana del Cine de Córdoba, Cinema24, ha estrenado el documental Atín Aya, retrato del silencio, dirigido por Hugo Cabezas y Alejandro Toro, que supone una inmersión en la obra y la personalidad del fotógrafo sevillano, un artista bastante desconocido por el gran público, casi en consonancia con las personas sobre las que fijó el foco en su trayectoria: gentes sin nombre, parte de una Andalucía que rara vez salía en los medios de comunicación o en los catálogos de las galerías.

El cordobés Hugo Cabezas, de hecho, señala que la película viene a hacer un poco de justicia en torno a una figura que, si bien es reverenciada en los círculos fotográficos, había quedado relegada a un segundo plano de nuevo, tras el auge de reconocimiento que tuvo hace una década con el estreno de La isla mínima, la galardonada película de Alberto Rodríguez que estaba inspirada parcialmente en sus imágenes de las marismas del Guadalquivir.

Atín Aya, retrato del silencio ha llegado a Córdoba tras proyectarse en los festivales de Sevilla y Huelva. Esta tercera parada es, para Cabezas, un poco más especial, en tanto a que el realizador y director de fotografía es cordobés. “No te voy a engañar, a mí me hace especial ilusión proyectar esta película aquí, en mi tierra”, reconoce. 

Entre el silencio y la verdad

La idea de resucitar la memoria de Aya surgió cuando Cabezas y Toro revisaron su legado fotográfico, oculto entre el de otros nombres más mediáticos. “Sentimos que había caído en el olvido y queríamos devolverlo a nuestros días”, explica Cabezas, que indica que el principal reto consistió en trasladar al cine no solo las fotografías de Aya, sino también su esencia, un desafío que requería capturar la quietud, la profundidad y el simbolismo de sus retratos.

Para ello, los directores optaron por un formato inusual de 5:4, evocando el formato que el fotógrafo utilizaba. “Queríamos que el espectador sintiera que estaba viendo uno de sus catálogos”, comenta Cabezas sobre una decisión técnica que subraya la intención de convertir cada fotograma en una ventana a la obra del artista.

Un artista que era un hombre culto pero reservado. Un fotógrafo que optaba por hacerse casi invisible, buscando que fueran las propias imágenes las que hablaran por sí mismas. “Desde el principio supimos que el título debía reflejar eso. Retrato del silencio no solo remite a su estilo fotográfico, sino también a su propia personalidad”, aclara el documentalista cordobés sobre un fotógrafo que exploraba la Andalucía rural y marginal, mientras los medios y los poderes de las grandes urbes vivían seducidos y embrujados con los fastos de la Expo del 92.

De hecho, Aya ejercía una dualidad fascinante: mientras trabajaba como fotógrafo oficial de la Expo, dedicaba sus horas libres a retratar las marismas y los pueblos olvidados. Para él, las personas en los márgenes de la modernidad eran las verdaderas protagonistas de su época.

La cara B de la Andalucía

Lejos de las camisetas y gorras de Curro, la mascota de aquella exposición universal, las imágenes de Aya desvelan una Andalucía detenida en el tiempo, donde la miseria convivía con una belleza brutal. Sus retratos de jornaleros, pescadores y campesinos capturan en algunas imágenes una plasticidad similar a la de algunos pintores, aunque con un enfoque más documental que artístico, fruto de su trabajo previo como fotoperiodista.

“Él lo que hacía era aprovechar los viajes en los que le habían contratado para fotografíar determinados sitios de Andalucía. Mientras hacía aquellos trabajos, aprovechaba su momentos de descanso para irse a buscar ese otro mundo”, explica Cabezas sobre un universo que, todavía hoy, sigue, en buena medida, congelado en el tiempo.

“Lo sorprendente es que, cuando visitamos las marismas siguiendo sus huellas, encontramos que muchas cosas no han cambiado”, confiesa el documentalista, que apunta que, probablemente, si siguiera vivo hoy, Atín Aya estaría captando las condiciones de vida de los migrantes que trabajan en la fresa de Huelva o los invernaderos de Almería.

Un legado inexplorado

No obstante, su legado más que vivo, lo que está es inexplorado. El documental revela que buena parte de la obra de Aya sigue siendo inédita. Según Cabezas, su hija María ha custodiado el archivo con esmero, pero aún queda mucho por descubrir, incluyendo series completas como un trabajo sobre Cuba que solo se ha exhibido una vez.

“Ese material nos ha dejado boquiabiertos”, confiesan los directores. Cada imagen inédita invita a revisar no solo la obra conocida, sino también a interrogar la narrativa oficial de la transición andaluza hacia una modernidad que, todavía hoy, tiene una cara B que los medios, las redes y los algoritmos optan por ignorar, y que precisa de estilistas como Atín Aya para que el silencio no se convierta en olvido.

CINEMA24 III Semana del Cine de Córdoba continúa llenando las salas de la Filmoteca de Andalucía con las proyecciones de películas y cortos que optan al Cervatillo de Bronce. Este martes se han podido ver Marisol, llámame Pepa de Blanca Torres, Fandango de Remedios Malvárez y Arturo Andújar, Rita de Paz Vega y la tercera sesión de CINEMA Shorts.

La Sala Val del Omar ha acogido la presentación del documental producido por Sarao Films que muestra de nuevo aquellas imágenes de la niña Marisol, para acabar descubriendo a la verdadera Pepa Flores. El productor José Carlos de Isla y la actriz Irene Lázaro han sido los encargados de presentar este biopic que compite en Sección Oficial. 

El escritor Antonio Manuel ha presentado Fandango, documental al que él mismo define como “una película flamenca” y que muestra una de las manifestaciones músico-populares más antiguas que existen en la Península Ibérica. La directora Remedios Malvarez ha agradecido la acogida del público ante una sala llena y junto al también director Arturo Andújar han celebrado un coloquio tras el visionado. 

La tercera CINEMA Session de la noche fue para la primera película dirigida por la actriz Paz Vega, Rita. Con la presencia de la actriz Amada Santos y el compositor musical Pablo Cervantes, se han comentado ante el público cuestiones del rodaje, la interpretación, la composición y elección musical, y todo lo que ha supuesto participar de la mano de Paz Vega en esta película.

La Sala Josefina Molina se ha vuelto a llenar en la tercera sesión de CINEMA Shorts, donde han participado tres equipos de los cortos que se han proyectado en esta ocasión. En la gran pantalla se han podido ver El monstruo de la fortuna, La bonita La banda, Apuntes para Silvia, Una historia de fuegos artificiales y Tu última pregunta.

CINEMA Training y CINEMA Talks

Durante la mañana se ha celebrado CINEMA Talks, con la presentación exclusiva del cortometraje Melón, el proyecto ganador del II Campus de Cine organizado por RECORD y la Delegación de Cultura de Diputación de Córdoba. A la presentación han asistido el director Pablo Porcuna; Santi Rodríguez, actor protagonista; Gabriel Carrasco de la productora Sabbia Films y Javier Estévez, compositor. La historia de este vendedor de melones se rodó en los municipios de Dos Torres y Priego de Córdoba.

La directora de casting, Marichu Sanz, ha impartido una masterclass en la Escuela Superior de Arte Dramático en el marco de CINEMA Training. La conferencia, que ha tenido gran acogida entre los alumnos, ha tratado sobre el funcionamiento del proceso de casting cinematográfico y el rol del director de casting.

La segunda sesión de CINEMA Training ha estado a cargo del músico y compositor Pablo Cervantes. En esta sesión titulada ‘La música que cuenta historias’ ha desvelado el proceso creativo y técnico detrás de la composición musical para proyectos audiovisuales. De esta forma, ha ofrecido a los asistentes al Conservatorio Profesional Músico Ziryab un recorrido integral por cada fase del oficio, pensado para quienes desean entender cómo la música transforma imágenes en historias inolvidables.

El más primitivo de los palos flamencos es, a su vez, uno de los más saludables a nivel creativo. Y la prueba es el éxito que ha cosechado en su estreno de Fandango, el nuevo documental de Remedios Málvarez y Arturo Andújar (Pico Reja, Alalá), en el que la dupla de cineastas vuelve a fijar su particular mirada en el arte jondo.

La película, que triunfó en su estreno en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva -ganó el Premio Talento Andaluz-, ha llegado este martes a la Semana del Cine de Córdoba (Cinema24) con la intención de reivindicar este palo esencial como parte del patrimonio musical andaluz.

Málvarez, nacida en Huelva, confiesa en una charla con Cordópolis que la película parte de su conexión emocional y profesional con el flamenco y su tierra. “Quería poner en valor el patrimonio musical de Huelva, que tiene al fandango como su emblema”, explica la documentalista, que tiene en su filmografía películas como Menese (centrada en el cantaor José Menese) y Alalá (un relato social sobre las Tres Mil viviendas de Sevilla con el flamenco como eje conductor).

Además, la película también supone un contraste respecto a su anterior trabajo, el celebrado documental Pico Reja, -también codirigido con Andújar-, una obra centrada en la memoria histórica. Una vez cerrado aquel documental, según Arturo Andújar, se fueron abriendo a un nuevo mundo, de manera que este nuevo proyecto ha representado un “soplo de aire fresco” que les permitió abordar el flamenco desde una perspectiva más libre y creativa, integrando música, paisajes y tradiciones populares.

Del concurso de 1923 al mairenismo

Una tradición que ancla sus raíces en una tierra, Huelva, que es el apellido que suele llevar uno de los palos más populares del flamenco, a pesar de que ha vivido épocas de menosprecio por parte de la élite del arte jondo. Un ejemplo de este menosprecio está en el desconocimiento general que existe sobre el Concurso de Cante Jondo de 1923, celebrado en Huelva, y que, como cuentan los documentalistas, es mucho menos conocido que el que se celebró en Granada un año antes.

“Este concurso fue esencial para la consolidación del fandango como un palo importante dentro del flamenco”, explica Málvarez, que añade que Huelva rompió esquemas al incluir al fandango en un contexto donde los palos más puristas como la soleá y la seguiriya dominaban la escena.

Ese menosprecio se repitió en los años 50 del pasado siglo, con el auge del mairenismo, es decir, la escuela de Antonio Mairena, que lo que hizo fue defender el cante gitano andaluz como el germen del flamenco, y que contribuyó a que algunos de los mairenistas denostaran palos de corte más popular, como era el caso del fandango.

No obstante, Málvarez y Andújar aclaran que su película no es, ni mucho menos, una investigación académica o etnográfica, sino que está mucho más cerca de ser un viaje sensorial y musical al pasado, presente y futuro de este palo flamenco.

Márquez, Carrasco, De Moret, Perlita...

Para ello, los directores invitan al espectador a compartir la mirada tanto de cantaores clásicos (Perlita de Huelva), como de nombres consolidadísimos (Arcángel, Argentina, Jeromo Segura, Rafael Estévez o Rocío Márquez), y voces contemporáneas como Sandra Carrasco o Cristián de Moret. Todos ellos muestran cómo, a partir de un conocimiento de fandango que han mamado y que está anclado en lo popular, son capaces de reinterpretar este palo desde ángulos sorprendentes e innovadores.

“No hay dos fandangos iguales en toda la película”, se apresura a decir al respecto Málvarez, que explica que la música ocupa un lugar central en esta especie de road movie, con más de 30 minutos dedicados a interpretaciones.

Unas interpretaciones que, además, la pareja de cineastas filma con su propio estilo, lejos de la alargada sombra de Carlos Saura, autor de algunos de los más celebrados documentales sobre flamenco hechos en la historia del cine. “Saura es un maestro, pero nosotros no hemos tratado de capturar lo efímero del espectáculo, sino de narrar una historia a través de imágenes, sonidos y emociones”, explica Málvarez sobre un film que apuesta por un sobrio blanco y negro, como un homenaje a la mítica serie Rito y geografía del cante.

Para los realizadores, el fandango es más que un género musical; es un reflejo de la identidad cultural de Huelva y un símbolo de resistencia artística. Y, desde luego, uno que, aunque sea percibido como accesible, entraña un alto nivel artístico y técnico. “Como palo propio, y dicho por los propios profesionales: un buen fandango no lo canta cualquiera”, zanja la directora, que reconoce que, a pesar de ello, el fandango es “un palo que un aficionado se puede atrever a cantar en contextos sociales y festivos”.

De hecho, en palabras de los realizadores, un buen fandango “encapsula siglos de historia, tradición y emoción”. Y un palo que sigue vivo más allá de Huelva, con capacidad para sobrevivir en la era de la globalización, las redes sociales y los algoritmos.

En su segundo pase oficial, Fandango se ha visto este martes en Córdoba. A partir de aquí, los cineastas tienen previsto presentar la obra en festivales nacionales e internacionales, además de buscar su distribución en salas de cine, para lo que habrá que esperar al segundo trimestre de 2025. Entre medias estará la temporada de premios, en la que la película se ha posicionado con dos nominaciones a los Premios ASECAN, y como candidata firma a las nominaciones a los Premios Carmen del Cine Andaluz, que se desvelarán a finales de diciembre.

“Todo eso ayuda. La distribución es caballo de batalla que tenemos los que hacemos cine documental y de bajo presupuesto. Porque es un cine que, a priori, no está el primero en la lista de las grandes distribuidoras. Pero bueno, tenemos que pelear a ver la manera de poder llevarlo a salas. Pero, no solo a salas. Porque también creo que, en el caso de Fandango, tiene un recorrido por los circuitos flamencos que también puede ser muy interesante”, remata Andújar.

La cuarta jornada de CINEMA24 III Semana del Cine de Córdoba ha estado conformada por la proyección de tres títulos que compiten en Sección Oficial, Un hombre libre de Laura Hojman, Caja de resistencia de Concha Barquero y Alejandro Alvarado, y ¿Es el enemigo? La película de Gila de Alexis Morante. Además, se ha visionado la segunda sesión de CINEMA Shorts y el documental Tívoli de Lucía Muñoz y Sergio Rodrigo.

La tarde en la Filmoteca de Andalucía ha comenzado con un documental que rescata del olvido la figura del escritor exiliado Agustín Gómez Arcos, Un hombre libre. Esta ha sido una proyección especial, ya que entre el público se encontraba Antonio Gómez, familiar de Agustín Gómez Arcos y la traductora de su obra en España, Adoración Elvira. Asimismo han estado como invitados la directora del documental Laura Hojman, el productor Guillermo Rojas y la actriz Marisol Membrillo. 

“Vivimos unos tiempos difíciles y todos los que nos dedicamos a hacer cine y a la narración tenemos un poder fantástico que es el de devolver la existencia y devolver la presencia. Podemos decir ”ahora sí, queremos que estéis aquí y queremos que estéis con nosotros y forméis parte de nuestra historia“. Debemos rebelarnos siempre contra el silencio”, ha comentado Hojman al respecto de este documental que incluye testimonios de artistas disidentes como Pedro Almodóvar, Paco Bezerra o Marisa Paredes, entre otros. 

En la Sala Josefina Molina se ha proyectado el documental Caja de resistencia, que recoge esos bocetos de películas que el cineasta andaluz Fernando Ruiz Vergara nunca pudo terminar. Los directores, Concha Barquero y Alejandro Alvarado, fabulan con estos proyectos soñados para llevarlos al cine desde el presente. La cineasta Pilar Monsell ha sido la encargada de presentar este documental.

La historia de uno de los cómicos más importantes en España también ha pasado por CINEMA24. El preestreno de ¿Es el enemigo? La película de Gila dirigida por Alexis Morante ha contado con el actor David Elvira, quien ha compartido con el público sensaciones y comentarios acerca del rodaje y la historia del humorista. Esta película, que cuenta cómo Gila sobrevive al estallido de la Guerra Civil española y cómo su forma única de interpretar el mundo le convierte en uno de los cómicos más populares de España y Latinoamérica, llegará a los cines el 13 de diciembre.

La última sesión de la tarde ha sido para ocho cortometrajes que compiten en Sección Oficial y Cinema Córdoba. La proyección ha contado con la presencia de algunos de los equipos de estos trabajos, quienes han explicado los detalles de las historias que han creado. Los títulos que se han proyectado son El soldao, La visitante, Las pardas, El desayuno de los funcionarios, Egoísta, Cuarentena, Cita previa, Señal zombi y Pasan cosas.

 El Centro de Recepción de Visitantes (CRV) ha acogido la proyección de uno de los trabajos enmarcados en CINEMA Special, el documental Tívoli. Una historia de un parque temático de Málaga al que todos los veranos acudían millares de cordobeses. La presentación ha estado a cargo del periodista Alfonso Alba, director de Cordópolis, y la directora del documental Lucía Muñoz. Ambos han mantenido después de la proyección un coloquio con los asistentes. 

CINEMA Talks

En la primera sesión de la mañana se ha visionado un avance de Que arda la calle, un documental sobre el movimiento feminista en la España de la Transición. La directora y guionista Ana Villa lo ha presentado en el marco de CINEMA Talks, acompañada por Guillermo Parrilla, director de fotografía, y Consuelo Borreguero, productora ejecutiva.  

Este largometraje documental cuenta con la presencia de mujeres que participaron de este movimiento durante aquellos años, construyendo así un relato a partir de sus recuerdos.

Este domingo se ha celebrado Cinema Party, una fiesta temática en la cordobesa Plaza de Las Cañas de la mano de los comercios de la ciudad, en el marco de CINEMA24 III Semana del Cine de Córdoba. Asimismo, el guionista Fernando Navarro, la productora Odile Antonio-Baez y Gervasio Iglesias (RTVE) han estado presentes en CINEMA Talks.  

Desde las 12:00 hasta las 18:00 los asistentes han disfrutado de artistas en directo como El Colectivo Djs, Lämpara y Mike Sun. En el mercadillo han estado presentes diferentes comercios locales: las librerías Ostin Macho y La República de las Letras; las tiendas de música Discos Vitalogy, Discos Submarinos y Raggafá; Cerámica Alzina; la céntrica tienda Crash Comics junto con Fuzz Tshirts; y las tiendas de ropa de segunda mano California Vintage y Cosí Fan Tutte. Los más pequeños han podido disfrutar de su propio espacio con actividades infantiles como pintacaras y cuenta cuentos. A estas actividades se suman las tapas de los bares de la Plaza de las Cañas, Los Cuatro Gatos y Munda. Un ambiente perfecto para disfrutar de la cultura cordobesa con los vecinos y vecinas de la ciudad, y de CINEMA24, que continúa con su programación durante esta semana. 

Cinema Talks

Durante la mañana, el guionista de Segundo Premio, Fernando Navarro, ha impartido una masterclass sobre guion y ha comentado con los participantes de CINEMA Lab las dudas, complicaciones y diferentes cuestiones alrededor de los proyectos que están llevando a cabo.

Tras su masterclass se han sumado la productora Odile Antonio-Báez y el subdirector de cine de RTVE Gervasio Iglesias a la mesa redonda “¿Es posible configurar un proyecto de éxito desde cero?”. En esta charla abierta al público han hablado sobre lo que se considera éxito dentro de la industria y las posibilidades de desarrollo de proyectos audiovisuales en el mercado actual.