Un sueño contado por un rey en ruinas, que nos lleva de la mano de flashback en flashback por el maremagnum de los sueños: la realidad hecha al mundo de Morfeo, y Morfeo que es realidad. Así llega al Gran Teatro de Córdoba la gran producción internacional de la popular y mítica compañía Cheek by Jowl, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y LaZona.

En escena, unas puertas laberínticas con un verde que llena y vacía la esperanza del anhelo de enfrentarse o entregarse a nuestros destinos, que ya están escritos pero que nuestra mente no acepta, que nuestro corazón combate y que nuestras almas entregan. Todo ello acompañado por un soniquete que recuerda al cabaret alemán de entreguerras.

Declan Donnellan contrasta en esta propuesta un distanciamiento, ya no solo brechtiano, sino entre la forma del verso de los personajes, observando un Segismundo que se reconstruye (lo que lucha, lo que nace) frente a un Basilio que declama el verso desde lo más formal (la norma que no mantiene el personaje).

El escenario se le queda pequeño a Declan y busca esa multidimensionalidad de la que habla Calderón, en el patio de butacas.

Ormerod y Ganecha Gil, por su parte, componen un diseño que alterna la penumbra de una torre baldía (la de Segismundo) con la pomposidad que pueda permitir, cortado en primer término por puertas, que deja las hechuras del teatro del fondo al desnudo, matizando así que esto es un sueño teatral y que los sueños...

Dentro del elenco, cabe destacar el arriesgado trabajo de Alfredo Noval (Segismundo), más cercano a una suerte de Joker contemporáneo que al personaje que ideara Calderón de la Barca, condenado por la locura de la decisión de los astros. Y un Ernesto Arias defendiendo a un Basilio abandonado, anonadado y aplastado por su destino, o tal vez todo fue un sueño, o no (y así infinitamente).

En conclusión, no se esperaba menos de Cheek by Jowl, que deja su impronta en nuestro clásico, llevándolo a zonas particulares, pero que, tal vez porque esta veterana compañía es “creadora de escuela”, son zonas ya demasiadas comunes.

Por su lado, el público agradeció bastante la obra, lo que demuestra que Córdoba necesita de este tipo de propuestas, que fue programada por la corta y (mal despeñada) dirección de Carlos Aladro.

Este 23 de febrero llega a todos los cines del país, una película que tiene mucho sello de nuestra ciudad, ya que su director, Javier Macipe, residió en la Fundación Gala y el director de fotografía, Álvaro Medina, es un gran conocido del mundo audiovisual cordobés.  

Desde que, hace más de dieciocho años, la madre del protagonista real de la película, Mauricio Aznar Müller, le encargara a un cuasi teenager, Javier Macipe, el director aragonés ha perseguido, cual estrella de rock, su deseo de subir La Estrella Azul a lo alto de las “cegadoras” del celuloide. Una épica odisea que bien merece una película aparte y, en la cual, se ha encontrado obstáculos como una pandemia mundial y las mil dificultades propias de producir en esta nación un largometraje.  

Macipe, un rockero hecho a sí mismo 

Un rockero que abomina la fama. En horas bajas. Una novia que lo abandona. Una ciudad que es su casa, pero que le es extraña. Una adicción que lo atormenta. Y una nostalgia infinita. Le impulsa a la llamada del Héroe-con-chupa-y-tupé. A indagar en la idealizada esencia de esa América de Atahualpa, Violeta y Jara, que añora sin haberla conocido. Y que está seguro que es la entidad de la música, de la profundidad del alma en la cual. Mauricio no hace pie. 

Allá es que se lanza y de repente se encuentra en el mundo de Don Carlos, en su hacienda, donde el tiempo (y tempo) parecen hallarse sostenidos. Sostén del que Mauricio se sirve para respirar, desprenderse del pegajoso Ego del músico occidental, y vibrar la vida y la música tal cual es. 

Armado de la sabiduría que da el silencio, las leyendas ancestrales de la Argentina profunda y la contemplación. Nuestro Mauricio vuelve a casa, pero este retorno no le favorece a este Héroe de Guitarra y camiseta rallada. Ya que el monstruo de la autodestrucción y la banalidad occidental tiene múltiples e inescrutables cabezas. Con lo cual, solo puedes echarle a la vida, como hacía nuestro Mauricio, ironía y Rock and roll.

El universo de la película se mueve entre lo onírico del mundo de Mauricio y una extensión más allá de su vida que Macipe resuelve desde el meta-lingüismo fílmico con lo que, tal vez, nos quiera crear una suerte de “distanciamiento” para hacernos reflexionar sobre las temáticas que sondea el protagonista y que pueden ser extrapolables a cualquier mortal. Pero que, a la vez, sacrílega al sujeto y lo impregna de una magia casi divina que es capturada por la fotografía de nuestro Álvaro Medina, que sobre paisajes de color heroína, áridos de desiertos de la Argentina profunda, siempre cálidos, nos resalta el blue de nuestro Mauricio, interpretado por Pepe Lorente, que nos brinda una gama de azules, con su natural (odio esta palabra para calificar las interpretaciones), así que permítanme usar: REAL, con un acercamiento muy respetuoso, azulado y tierno a nuestro “cantor” de chacarreras rockanroleras. 

Y que, con planos secuencias, alterna con otros actores y no actores, llenando el film de brillantes momentos. Sin corte, ni cartón, con mucho trabajo sobre los personajes y una definición que incluso, diría yo, que trasciende lo documental, lo real, para transportarnos a una emoción sin sentimentalismos fútiles, vacuos, y que solo nos quedan las costuras del sutil y delicado acercamiento a la figura del rockero zaragozano, de forma tal, que les recomiendo tener unos pañuelos a mano. 

Los premios en San Sebastián, solo son el principio

La cinta de Macipe ha sido doblemente premiada en San Sebastian, además de recibir muy buenas críticas. Considero que es muy importante apoyar este tipo de iniciativas fílmicas, ya no solo por apoyar los talentos de este país, sino por el proceso que ha llevado la película -diez años de producción- y que Macipe ha sabido muy bien aprovechar y jugar a su favor. En una suerte de “laboratorio de ficción documental” entre dos continentes y dos lustros. Es el tiempo que se merece el estudio de una creación fílmica, cuando rindes homenaje a personas que ya no están y no se pueden pronunciar al respecto.

Por otro lado, la creme de la música nacional ha recibido la película llena de emoción y con ganas de “seguir en el alambre”. También un tal Enrique Bunbury ha apoyado desde el inicio la película, además de reconocer que se sintió muy emocionado, porque también es parte de esta historia. 

Sea como fuere, espero que Mauricio, el poeta y músico, vea sentado desde su estrellita azul, como se llenan las salas. Porque, además de ser una película de arte y ensayo, o de autor, como la queráis llamar, es muy entretenida. Las dos horas se te pasan volada mientras ríes y lloras de las ocurrencias de sus personajes más reales que la vida misma. 

El pasado año se cumplieron sesenta años del estreno de una de las películas cumbre de nuestra filmografía: El Verdugo. Y para celebrarlo -el tres veces premio Max- Ángel Calvente y su emblemática cia El Espejo Negro resucitan la película que fuera sensación en el Festival de Venecia. 

Ironía y expresionismo de una España más negra que blanca

Tras año y medio de investigación artesanal y teatral, El Espejo Negro estrenó esta pieza impecable el pasado año en el teatro Soho de Málaga (el cual co-produce la obra.)

Con cuatro intérpretes/manipuladores, que acometen también las funciones de tramoyistas, vemos la historia transitar ante nuestros sentidos, con una ejecución sencilla y engranada como el mejor de los relojes suizos. Llevándonos de una escena a otra de la joya narrativa berlanguiana (y azoconiana), de una forma sutil y magistral. Aderezado con canciones de nuestro patrimonio musical patrio que transitan, y apoyan, la narración.

Para dejar que, la carne de las marionetas, relaten esta “comedia kafkiana” sobre el género humano y lo absurdo de una época, la franquista, que de forma sorprendente Berlanga burla a la censura. 

La iluminación de Laín Calvente y la escenografía de Ángel Calvente, van más allá de la obra fílmica y construyen espacios expresionistas que bien podrían acercarnos por momentos al clásico de O. Welles: El Proceso.  

“Los miedos son libres y sus dueños no son ni los buenos ni los malos”. Esta es la frase con la que Ángel Calvente hace alusión a la película que co-escribieron Berlanga y Azcona allá por el comienzo de los años sesenta. 

El verdugo es un directo alegato contra la pena de muerte y los aparatos del estado de los que se servia una España oscura, subyugante y machista, para ahogar las voces que luchaban por la libertad y el cambio. Personas que se arrastran por sus vidas para poder sobrevivir en el día a día lleno de opacidad y resignación, aceptando trabajos que desgarran el alma de cualquier humano y que, Berlanga y Azcona, caricaturizaban para ver si entre risa y risa, se escudriñaban algún atisbo de reflexión.  

35 años de una compañía andaluza

Desde sus inicios, Ángel Calvente, ha defendido a ultranza la dignificación del uso de las marionetas, creando ya no un sello original y propio con denominación de origen sino también creando escuela, ya que decenas de compañías de todo el ámbito nacional han tomado, a la compañía malagueña, como un referente en el amor, cuidado y esmero que hacen por la artesanía teatral en todos los sentidos. Y que ahora goza de uno de sus mejores momentos. 

En definitiva, un acierto el acercar la película de Berlanga a esta extrapolación (barra) extensión del alma humana que son las marionetas, que nos hacen de espejo cóncavo y que nos devuelven el abrazo con un gesto de cariño, el cual abrazamos con ternura y reflexión.  

Visión entrañable de lo isabelino

Sanzol logra crear una comedia que, a pesar de su tono ligero, aborda temas profundos como la complejidad de las relaciones humanas. La trama, ambientada en un contexto shakesperiano, se desenvuelve con diálogos ágiles y personajes entrañables.

Con un juego constante de extravagancia en la trama y el uso recurrente de elementos cómicos, recorre el sempiterno conflicto de géneros, con todo lo que hoy “sabemos”, pero con una óptica isabelina.

La excepción que confirma el género

La obra narra la historia de la Reina Esmeralda y sus dos hijas, quienes, tras ser obligadas a casarse en matrimonios de conveniencia, naufragan en una isla aparentemente desierta. Decididas a evitar el destino que la reina detesta, se visten de hombres para protegerse, pero descubren que comparten la isla con un leñador y sus hijos que huyeron de las mujeres hace veinte años. A partir de este punto, se desencadenan aventuras, enamoramientos, confusiones y situaciones imposibles, explorando temas como el amor, la libertad y el deseo de encontrar la ternura en cualquier circunstancia.

Lo que repugna, a veces, es ternura

El enredado elenco que desenvuelve propiamente la Comedia de Equívoco, y que, a veces, se ríe de ella misma, en este el septenio, es capitaneada por una Llum Barrera, a esta tercera nómina actoral con la tierna maestría que repugna su personaje.

La Ternura es una propuesta teatral única, que puede resonar en toda persona que se haya dejado embriagar por el deleite de la necesidad de su complemento humano, en esa búsqueda de la totalidad del ser para (y con) la otredad.

Porque necesitamos éxtasis de contacto, porque sin ti no soy nada, solo soy isla. En estos tiempos, que nos pretenden individuales, sin necesidad de ese tacto del órgano más grande de nuestro cuerpo, que capitalizan la separación a través de las islas de las pantallas digitales.

Ficha técnica

Reina Esmeralda: Llum Barrera

Princesa Rubí: Ana Cerdeiriña

Princesa Salmón: Sandra Ferrus

Leñador Marrón: Markos Marín

Leñador Verdemar: Elias Gonzáklez

Leñador Azulcielo: Carlos Serrano

Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe

Escenografía y Vestuario: Alejandro Andújar

Diseño Gráfico: Javier Naval

Ayudante de Dirección: Beatriz Jaén

Dirección: Alfredo Sanzol

La fría noche cordobesa contrasta con el espejo árido que nos propone el montillano Juan Carlos Rubio en el Gran Teatro para el estreno nacional de Camino al Zoo -versión de la obra del Pulitzer, Edward Albee, At Home at the Zoo- y articulado por un trío actoral que rezuma talento por los tres costados:Mabel del Pozo, Fernando Tejero y Dani Muriel.

Una historia del Zoo (1958) es la primera obra publicada de Albee en una época en la que el mundo aún se desprendía de los horrores de la II Guerra Mundial y que el teatro del absurdo de Beckett e Ionesco recogen. Es de estos autores de los que bebe Albee para dibujar a sus personajes abruptos, hastiados y que hacen caso omiso al mensaje del otro, derivando hacia una incomunicación total. Herida de guerra crónica que cala en la sociedad y que el teatro refleja. No debe ser casualidad que en la última obra antes de fallecer Homelife (2004) añada un acto pretérito a la que fuera su primogénita pieza. 

Obsesión del autor para corregir aquélla y cerrar así el ciclo, 40 años después, para reforzar aquella idea del 58 que confirma que la incomunicación y lo absurdo de la vida siguen presentes.

El espejo arañado de Albee

El creador de clásicos contemporáneos como ¿Quién teme a Virginia Woolf? nos coloca un espejo empañado, lleno de arañazos y rarezas. Desde el núcleo de la pareja, en primera instancia, y lo relacional-social con lo extraño, en segunda. 

Los arañazos del alma de los personajes del primer acto, Peter (Fernando Tejero) y Ann (Mabel del Pozo), no son otros que confesiones no realizadas que engangrena una relación llena de exceso de tedio y que aplasta, anodinamente, día a día a los personajes, deviniendo en un delirio de fantasías, traumas y tabúes que explosionan y hacen que, de forma hilarante, puedan, a modo de falsa esperanza, resurgir la chispa primeriza que hiciera arder el pasto seco que pisan en la escena. Y, desde ahí, ¿volver a sembrar?

Los mundos de Jerry

En el segundo acto, Peter decide escapar y no encender este impredecible misto. Para ello, se sienta plácidamente en un banco de Central Park para terminar de leer, el también anodino libro, que acaba de editar. En esto que aparece un tal Jerry (Dani Muriel) que lo aborda sin ningún tipo de miramientos para contarle sus siniestras aventuras. Una suerte de sombra, de alter-ego siniestro, del mismo Peter, que lo embauca, lo conduce a los infiernos pero que, en un ejercicio de voyeurismo, Peter, atormentado y lleno de culpable placer, lejos de huir, asiste a la abominación narrativa de los mundos de Jerry. Y que Dani Muriel desarrolla con una efectividad admirable y llena de verdad.  

Lo que no se habla, se seca

Con una puesta en escena sencilla y llena de metáforas, Curt Allen y Leticia Gañán (estudio Dos) “encierran” a los personajes entre paneles que los obligan a (no) comunicarse. 

En el centro, el banco, metáfora del espacio privado, que nos resistimos a compartir, “aunque haya espacio para ambos”. Y en el suelo, pasto amarillo, seco, la alfombra de animales enjaulados, aridez de lo que fue verdoso, lleno de esperanza y vida. Pero que ya solo pincha y seca gargantas que solo hablan. 

Nicolás Fischtel juega con las sombras, la penumbra y la claridad. Esta hace más evidente el amor seco presente de lo que en otros tiempos fue esperanza, humedad y pasión en la relación de pareja de Peter y Ann.

Todo coordinado con nuestro paisano Rubio, creando una mise-en-scène que evoca, más que ilustra, y que recorre espacios comunes de lo teatral, pero solo de puntillas, para crear nuevos significantes entre lo hablado, el movimiento y la disposición de los cuerpos del absurdo en lo humano.

Finalmente, el público se levantó poco a poco en el Gran Teatro mientras aplaudía al elenco y a los equipos artístico y técnico. Acabó en un abrasador abrazo, en forma de aplauso, lleno de amor en especial a nuestro Tejero, que regresa a, y parte de, Córdoba, diciendo al mundo escénico nacional que su madurez de actor teatral ha llegado mientras besaba el suelo de nuestro templo principal escénico.

El telón rojo del Gran Teatro se inunda por una luz que presagia la maravilla de Tchaikovsky. Al abrirse, la histórica Compañía de Ballet Ruso entra en Córdoba para regalar los movimientos del legendario Cascanueces, ritual clásico que anticipa la navidad.

El Ballet Nacional Ruso fue fundado en 1989 por el legendario solista del Teatro Bolshoi de Moscú, Sergey Radchenko, para crear una compañía independiente que reuniera los elementos más clásicos de los grandes Ballet Kirov y Bolshoi. 

El Cascanueces, es un ballet de dos actos, originalmente coreografiado por Marius Petipa y Lev Ivanov con una partitura de Piotr Ilyich Tchaikovsky. El libreto es una adaptación de Alejandro Dumas del cuento de Hoffmann El Cascanueces y el Rey Ratón. Se estrenó en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, el 18 de diciembre de 1892, en sesión doble con la ópera de Tchaikovsky, Iolanta.

Ante una propuesta de iluminación sobria, de paneles tintados y artefactos escenográficos -que recordaban a las antiguas obras clásicas del teatro europeo- el virtuosismo de los bailarines rusos se abre ante nuestra retina.

El cuento trata de una niña, Clara, que festeja, en su decimonónica casa, la Navidad con sus amigos, los regalos y el mítico árbol cargado de luces y juguetes. Drosselmeier, su padrino, tras hacer las delicias de los niños con una exhibición juguetes mecánicos, regala a Clara un muñeco: Cascanueces. Que por la noche cobrará vida para cautivar el corazón de la niña.

Es inevitable no reconocer, en el inconsciente colectivo, las notas de Tchaikovsky en esta obra como las del dueto de Danza China, Vals de las Flores, Pas de Deux o La danza del Hada del Azúcar, que el cuerpo de baile, de la compañía rusa, ejecutó con gran precisión y limpieza de movimientos.

Un jovencísimo repertorio hizo vibrar, por momentos, al público con una destacada sincronización del grupo que daba luz a los solistas en sus diferentes solos y duetos. Y que el público cordobés recibió con un caluroso aplauso al finalizar la función, pero que en esta ocasión no lo hizo en pié. 

En definitiva una noche llena de belleza, aunque tal vez la propuesta no llegara a calar del todo por su excesiva dulzura y falta de tensión dramática.

Este lunes llegaba por primera vez una serie cordobesa a la plataforma Filmin, probablemente el más cinéfilo de los catálogos de streaming de los que disfrutan los españoles. Un futuro aterrador ideado hace más de una década. Cuando no se había emitido ni Black Mirror, ni las tropecientas series, miniseries y películas distópicas que atestan las, aún inexistentes, plataformas digitales; la palabra meme sonaba rara en el vocabulario popular y el pulgar de Zuckerberg entraba en nuestras vidas, la serie MemE comenzaba a esbozarse en el ordenador del creador cordobés Jose A. Gutiérrez a principios de 2009.

Así que con más empeño, y talento que dinero, Jose y Diego Ruiz Expósito comenzaron a fraguar a fuego muy lento esta serie que, aunque quede totalmente desfigurada de lo que sería la idea original -había bosquejados doce capítulos de 50 minutos y unos cientos de miles de euros faltaban- lo que podemos encontrarnos en Filmin es un trabajo más que aceptable.

MemE mantiene, en la medida de lo posible, la atmósfera lynchiana que buscaba el director y, es más, la poesía de sus imágenes resulta cautivadora. Con un elenco de actores y actrices que han ido creciendo mucho estos años, la serie permite vislumbrar el talento interpretativo que atesora Córdoba.

Entrar en Meme es, salvando las distancias económicas, como darse un paseo por las creaciones de Denis Villeneuve, por los entresijos de la mente de David Lynch y por los legendarios personajes de Philip K. Dick, pero sin salir de Córdoba -a excepción de alguna toma “robada” de Londres- y con un billete de vuelta demasiado rápida que sabe a poco.

“Solo los seres al margen del sistema pueden modificarlo”

Entre unos paisajes digitalizados y un decorado artesanal pero que haría las delicias de cualquier estudio, las cortas tramas se deslizan entre claroscuros y RGB's magnetizados por la música de Marc Jovani en una sociedad dónde el control total, y absoluto, lo tiene Dawn Salinger por medio de la red -muy a colación por cierto con el reciente lanzamiento de META -, el quijotesco Beep -Carlos de Austria- hace de nexo de unión entre otros personajes para derrocar al magnate y para ello tiene que tejer una trama de personajes como Gael -Nazario Díaz-, un ser reconfigurado totalmente para crear un “ordenador con patas” o una eficiente Pawn -Laura Perea-.

Parte de este enjambre de conexiones está la trama de Alix -Pablo Fernández-. Un personaje que fácilmente podría pasar por autista y que es capaz realmente de llevar a cabo tareas impresionantes y como vecina a una traumada Liliam -Marta Belmonte- que necesita la música como bálsamo. 

En la serie también podemos destacar la presencia del tristemente desaparecido Juan Antonio Díaz, de Ken Appledorn que en 2020 estrenó con Woody Allen, Romee Mangani y Alejandro Bueno. 

La factura en dirección fotográfica es sencillamente exquisita y nos sumerge en este futuro que bien haría las delicias de Orwell o Huxley. Las canciones de grupos cordobeses como Same Fire o Ramen! caen como un guante dentro de las imágenes de este universo Cyberpunk cordobés.  

En definitiva un equipo que podría haber dado mucho que hablar si, en su momento, hubieran tenido el apoyo suficiente para llevar a cabo este ambicioso, y necesario, proyecto. 

La historia puede llegar a ser injusta. Un hombre que ha salvado a occidente puede ser víctima de réprobo por sus conductas sexuales. Este es el punto motor de la obra que vimos anoche en el Gran Teatro de Benoit Solès, titulada La máquina de Turing, y que se inspira a su vez en la obra del matemático Andrew Hodges, un relato presto y envolvente sobre las sombras de uno de los padres de las Ciencias de Computación, Alan Turing.

La obra transcurre con constantes saltos en el tiempo, que nos introducen en el mundo de un genio recluido de la sociedad. Personaje adusto pero no falto de sensibilidad, alberga una mente prodigiosa que logró descifrar los mensajes encriptados de los nazis y así adelantar varios años el fin de la guerra. Pero al poco tiempo es sentenciado al cometer actos “indecentes” tras ser descubierto con otro chico. 

Para darle vida Daniel Grao (HIT, Perdida) hace una correcta creación del personaje, aunque por momentos está más cerca de la parodia que del matemático que nos ayudó contra la brutalidad nazi. Por su parte Carlos Serrano (El secreto de Puente Viejo) en un gran esfuerzo trata de dar vida a varios personajes que confluyeron en la vida de Turing, pero que sin dudas se queda en apenas varios bocetos desdibujados y sin mucha gracia. 

En definitiva la propuesta del director, Claudio Tolcachir, no llega a cumplir la expectativas ya que cae en redundantes clichés interpretativos, archiconocidos elementos melodramáticos que no enganchan y que pierde la oportunidad de contar una gran historia para caer de nuevo en una obra más cercana a una película palomitera de Netflix que a lo que una obra de teatro se deba exigir.

En este ámbito, cabe resaltar que la curva dramática está pasada por una raspada melosidad y no ahonda en el auténtico sufrimiento de Alan Turing, pasando por sus conflictos internos, ya no de puntillas sino, de forma intrascendente.  

Y aunque el Gran Teatro, se puso en pié al acabar la función se sentían ciertamente huecos muchos aplausos. 

Bienvenidas y bienvenidos a esta pista de circo abarracado, figuras en movimiento, texto al ritmo de swing y juego de espejos para invocar a un Anfitrión de Molière a traves de esta propuesta de Juan Carlos Rubio.

Antes de comenzar ya empiezan las filigranas con la autoría, ya que Molière le “robó” el texto al comediógrafo de la antigua Roma, Plauto. Cosas que no pasarían hoy día -o si- pero que no obstante recaló profundamente en la cultura francesa. 

“Todos los desastres de la historia podrían haberse resuelto si los gobernantes supieran bailar"

Cien son los minutos de comedia, bailes, piruetas lingüísticas de equívocos y cabriolas cabareteras para no dejar respirar al espectador; que tanto lo necesita: reir y reir en comunidad.

A excepción de un solo musical que restaba más que sumaba, esta adaptación de suerte de caprichos de los dioses brilla sobre el diseño escenográfico del genial Curt Allen.

Y en medio de esta ensalada de licencias dramáticas, lucecitas de verbena y parodias circenses se nos presenta un noble y “arlequinado” Pepón Nieto -en el papel de Sosia- que enganchó al público cordobés desde el inicio. Porque Sosia sería ese personaje que todo el mundo tendría en su coqueta; achuchable y picaresco.

Señalar a un gran Fele Martínez -en las botas de Anfitrión-, que en un gran monólogo, de alta calidad actoral, levantó el aplauso del respetable al finalizar dicho soliloquio, descomponiendo un personaje abatido y agobiado por los caprichos divinos.

Por su parte con naturalidad  Toni Acosta le dió empaque, fuerza y mucha dulzura a su Alcmena -su tono de voz es tan peculiar que hace que te encuentres ante una actriz diferente, especial- para empoderar, en esta versión, a la mujer que, en el texto original, tan poco poder tiene.

En este remolino, de efectos escénicos, el reparto se comporta como una máquina bien engrasada por nuestro paisano Juan Carlos Rubio, que ha sabido captar, y sobre todo adaptar, la esencia del comediante francés para proyectarnos esos caracteres que ahondan en el patetismo de los que idealizan cara a la galería de las apariencias, o lo que es lo mismo; del que tenga redes sociales.

Tarde noche entretenida ayer en el Gran Teatro lleno hasta el Paraiso, que aplaudió felizmente, tras un colofón muy espectacular y que junto con la noche del “veroño” cordobés invitaba a dar un paseo por el centro y celebrar la vida ante el capricho de un velador libre. 

REPARTO

Pepón Nieto

Toni Acosta

Fele Martínez

José Troncoso

Dani Muriel

María Ordóñez

EQUIPO ARTÍSTICO TÉCNICO

Movimiento escénico: Chevi Muraday

Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

Música: Julio Awad

Diseño de vestuario: Paola Torres

Diseño de escenografía: Curt Allen Wilmer (aapee),

Leticia Gañan y Emilio Valenzuela.

Versión y dirección: Juan Carlos Rubio

Ante un escenario gris, un pedazo de Nueva York y unas notas de jazz el Gran Teatro de Córdoba se llenaba hasta la bandera -primer gran lleno de la nueva normalidad- para recibir esta versión de la obra de Arthur Miller, Muerte de un viajante protagonizada por Imanol Arias y bajo la dirección del bonaerense, Ruben Szuchmacher.

Un sonido de vientos abre paso en la noche de La Gran Manzana, nuestro Willy Loman -Imanol Arias- aparece cansado, con dos grandes maletas, y encorvado hacia la tierra por el peso de la vida de este viajante. Primera imagen que simboliza el discurso que nos propone Miller, que no es otro que la reducción de lo humano por el poder de la sociedad de consumo. 

Viaje al gris de la sociedad consumista

El actor leonés, en un ejercicio comedido, huyendo de las excentricidades que, sobre el papel, pudiera proponer el personaje de Miller, lleva el peso de la obra en un vodevil de personajes que entran y salen del escenario, ahora de su mente, ahora del pasado, ahora del presente, y desfilan de escena en escena hacía su desdichado final.

A ritmo lento, pero sin pausa, el director nos sumerge en la desesperación de una generación en la cual la amabilidad y la cortesía eran baluarte y que ahora es absorbida por los nuevos cachorros neoliberales que solo valoran lo humano por su capacidad de venta. 

A la vez observamos como el modelo de familia comienza a resquebrajarse -la obra es de mediados del XX- y a ponerse en cuestión las relaciones paterno/filiales sin dejar de hacernos observar la soledad de una madre Linda Loman -Cristina de Inza- que se desvive por los cuidados de la familia, ya no solo por cubrir las necesidades básicas, sino por sostener la salud mental de sus hijos y marido.

En este mar de voces norteamericanas que se ahogan ante la neurosis fantasiosas del mundo que construye Loman y que destruye, ya no solo su vida, sino la de su familia, se erigen unas buenas interpretaciones actorales que complementan el reparto, pero que a mi entender no llegan a dar el empaque dramático que propone Arthur Miller y que hacen emulsionar los conflictos de forma que nos lleguen al centro del vientre.  

Cuando el teatro es reflejo de lo que nos devora

Una obra que no pasa de moda. Es más, gana con el tiempo, en este nuestro presente donde el discurso de Willy Loman, de “da igual lo que valgas, lo importante es caer bien y dar buena imagen”, pareciera que ha triunfado. Y que bien podría servir de respuesta a muchas enfermedades mentales que no han hecho más que crecer desde aquel estreno de la obra allá por febrero de 1949.

Y es que esta pieza bien le pudo valer al autor el estar incluido en aquella famosa Caza de Brujas al hacer un ataque frontal a los valores de América del Norte, que en esa época de posguerra lideraba el estilo de vida del que en la actualidad somos hijos y nietos. 

En definitiva una propuesta sobria y sencilla, que ni quita ni aporta nada al texto del que fuera marido de Marilyn Monroe pero que el público cordobés disfrutó, y que a mi en ocasiones me hizo replantearme ciertas cuestiones como ¿por qué el respetable carcajeaba cuando Loman mandaba callar a su mujer de forma violenta? En fin, tal vez les recordase aquel Te calles Merche. 

Igualmente el público le dedicó un largo y cálido aplauso, en pie, a esta única función en el Gran Teatro de Córdoba. 

Esta versión de Antígona de Sófocles y con adaptación de David Gaitán, sirvió de prueba piloto para personas con visión y audición reducida, al poner a su disposición diferentes mecanismos tecnológicos para espectadores con ceguera y/o sordera para hacer así un Teatro Accesible, además era la primera función al 100% del aforo, en esta, nuestra esperada “nueva normalidad”. 

Pero la accesibilidad no solo queda reducida a personas con ciertas diferencias sensitivas, también está abierta a un público joven y actual. A través de un juego “democrático” Gaitan propone que el juicio de Antígona sea abierto, invitando al público -como pueblo tebano- a acudir a este debate, a saber: cuales son los límites de la moral y la ética. ¿Honrar a la familia o pasar por encima de la ley de la Polis?

Este es el desafío al que se enfrenta Antígona -Irene Arcos-, ya que su hermano Polinices ha sido vilipendiado por el tirano Creonte -Fernando Cayo- al no ser enterrado con honores y expuesto su cadáver a modo aleccionador.

La adaptación no solo propone este conflicto ya que también plantea. a la vez, la conflagración entre hombres y mujeres, entre la vejez y la juventud, entre la sociedad y el individuo, entre los seres humanos y la divinidad y la familia. 

La propuesta de Gaitán, como él mismo declara, está muy influenciada en la “desaparición de los 43” en México, su país de origen, y que causó gran conmoción a nivel nacional. Así que partiendo de esta premisa, introduce a dos nuevos personajes; Sabiduría -encarando por una estupenda Clara Sanchís- y el Guardián -Elias González – para dinamizar un espacio de debate que jamás hubo en aquel momento en México. 

En el discurrir de la obra, observamos las tretas de Creonte -con un Cayo inconmensurable- para manipular al espectador y sus contrincantes dialécticos, y querer llevarnos a un fin muy relativista, de tod@s-tenemos-nuestras-sombras-y-luces, que poco se corresponde con el discurso de la época de Sófocles.

En definitiva es una pieza hecha para un público más juvenil, el cual es cada vez más frágil para digerir la información, en esta, era tecnológica y que el mismo Gaitán a través de la obra pide crear espacios para el debate y propiciar así un pensamiento crítico.

Esta noche volverá a las 20h00 en el Gran Teatro, esta vez sin la accesibilidad para personas de diversidad sensitiva.

Un espectáculo que integra al otro se vuelve mágico y trasciende cualquier barrera creada por los miedos. Y de eso habla, canta y taconea, el espectáculo creado por el joven Manuel Jiménez (Córdoba, 1997) en el que además se lanza a mezclar diferentes “palos” étnicos de América, África y España que llenan de color, y vida, su  Negro, Blanco Flamenco. 

La danza sana, la danza nos hace comprender y nos otorga de una empatía especial para con el otro, así es como empieza este viaje de dos jóvenes que entre lo purista del flamenco y la apertura del contemporáneo nos adentran en lo ancestral de la música y, por ende, del movimiento que dan vida, Miguel del Pino y Miriam Montes (cante), Niño Seve y Juan José León (guitarra), Igmar Alderete (violín), Cristóbal Agramonte (saxofón y flauta travesera) y José `El Caja´ y Alexis Mendoza (percusión).

Además a este viaje, al centro del latido humano se suman, viajeros de lujo como es el caso de El Pele (Córdoba, 1954) o la actriz Marisol Membrillo (Córdoba, 1966) para arropar la dirección artística y coreográfica del joven Manuel. 

Dos líneas de varón se dibujan sobre el ciclorama, ¿es una lucha? ¿son gestos de comprensión? Pues son ambos. A través de diferentes cuadros-estados la dramaturgía de Manuel nos presenta su oda contra el racismo y la esclavitud, contra un mundo que grita “niega al diferente” y que con el amor del arte elimina barreras para comprendernos.

En especial cuadros como en el que Manuel a un lado de una suerte de cuadrilátero y su partenaire, amigo y compañero Gabriel Matías, al otro lado, luchan, convergen y finalmente, se entienden para acabar caminando juntos, bajo la atenta mirada de los dos guitarristas y cantaores que ocupan las aristas de dicho cuadrado. O el momento en el que El Pele acompaña en movimiento los estilizados movimientos de Manuel. 

En definitiva un recorrido que nace en Córdoba, gira por el mundo desde la visión de Manuel y se estrena en nuestra ciudad en una tarde-noche mágica. Con un espectáculo que aparte de tener una técnica depurada y exquisita, hace vibrar esa parte ancestral que poseemos, Porque yo no soy sin ti, porque tu no eres sin mi, porque nuestro padre y nuestra madre dejan de ser duales y se convierten en uno: El Arte Flamenco.

Reseñar también las emotivas dedicatorias de Manuel al acabar el espectáculo, en un Gran Teatro lleno hasta la bandera y que aplaudió a rabiar durante varios minutos. Larga vida a Negro, Blanco Flamenco. 

Este sábado se cumplían 123 años del nacimiento de Lorca y para ello el IMAE estrenaba en el Teatro Góngora, ¡Oh, ciudad de negros!, propuesta que firmaban Juan Carlos Limia y Bernardo Ríos.

Con una propuesta magistral escenográfica, y mapping, de Miguel Ángel Ramos, nos zambulle al espectador en el alma y trasiegos del poeta granadino en su época de estudiante en Columbia University de Nueva York.

Encauzando el cante jondo con las miserias de una población negra mísera y arribada a guetos, Bernardo Ríos en la figura de Lorca busca, y adquiere, lo trascendental de los pobres de la tierra, mientras que, Pirámida ponía el contrapunto contemporáneo con su música electrónica en las transiciones. 

Detrás de una gasa, como si de la voz más profunda de Federico se tratara y con elementos naturales proyectados, vislumbramos un cuarteto conformado por David Pino -al cante-, Gabriel Expósito -Guitarra-, Patricio Cámara -percusión- y Cristóbal Agramonte -saxo-, este último nos invitaba a las calles azules del Harlem, a través del metálico viento de su instrumento. 

Curioso espectáculo para homenajear el, también, curioso dato de la fecha del nacimiento de Lorca, que desgarró en sus páginas, con la metáfora más universal y personal, las desigualdades del país norteamericano en su Poeta en Nueva York.

Los móviles se han convertido en el tótem total y absoluto de nuestra privacidad. Un pequeño rectángulo que alberga secretos, que incluso nuestra memoria, puede dejar escapar. ¿Te atreverías a compartir mensajes y llamadas en una velada con tu círculo de amistades?

Esta es la premisa de la que parte la adaptación de Daniel Guzmán (Madrid, 1973), que además dirige, de la obra de Paolo Genovese (Roma,1966) Perfectos Desconocidos que se desenvuelve con ritmo apabullante en escena. Ese ritmo con el que intercambiamos fotos, audios, textos y demás artillería secreta que pudieran poner nuestra vida patas arriba, si cayera en manos impropias.

Como les ocurre a los protagonistas, a estas tres parejas y un amigo soltero, el cual quiere desvelar, precisamente, un secreto a sus amigos pero que el mismo juego, paradójicamente, se lo impide. 

Y es que esta pieza es una comedia hecha más para hacer reír que para la reflexión, discurre entre algunos tópicos de la pareja actual y deja al descubierto las miserias contemporáneas a golpe de WhatsApp.

Un juego endiablado que irá desvelando las máscaras de este grupo de amigos y amigas hasta llegar al fondo de sus hipocresías que sostienen por no tener el valor de aceptar que sus vidas nadan entre la rutina aburrida y la anodina existencia.

Teatro de consumo que te lleva, a través de carcajadas, a las sombras de la clase media occidental, dentro de esta suerte de obra de teatrorrealidad que encarnan caras conocidas y una interpretación en la cual destaca la actuación grupal sin excepciones.

Silvia de Marta, con su escenografía, nos abre el apartamento de los anfitriones, para dar pie a escenas bajo cuerda otorgando al espectador el poder informativo que otros personajes desconocen creando así la comedia situacional que desenvuelve al autor italiano.

Paolo Genovese se alzó con el premio Donatello al mejor guión y en el Festival de Tribenca dentro de la misma categoría. Por otro lado en España, el director Álex de la Iglesia la llevó a la gran pantalla alcanzando buenas cifras en taquilla. 

El público cordobés disfrutó a lo grande, una comedia fresquita -aunque acabó muy caliente- para una tarde del adelantado veranito cordobés, con comentarios desde el patio butacas incluidos como si del salón de su casa se tratara. Finalmente, el público lo agradeció puesto en pie aplaudiendo. No a l@s espectadores comentaristas, sino al elenco al completo. 

Este jueves trece de Mayo fue el elegido para presentar Godot, en CineSur el Tablero, la ópera prima del director cordobés Chico Sánchez, y que aprovechó para rendir homenaje al actor Juan Antonio Díaz, en esta, precisamente su obra póstuma. A la cita también acudió uno de los protagonistas y uno de los actores con más proyección de Córdoba, el lucentino Rafa Blanes, que expresaba sentirse emocionado de “poder verse en la misma pantalla en la cual ha visto desfilar a tantos referentes”.  

La vida del artista como metáfora del encierro del sí mismo para encontrar una explicación a su arte. Vivir en esa cadena desde Sófocles a los posdramáticos pasando, con calado y cariño, por Beckett. De Chaplin a Phoenix, el intérprete siempre anda en esa cuerda floja de sacrificar lo más valioso que tenemos, que son estos minutos de existencia que nos han regalado, al arte.  

Para desarrollar este discurso, que deviene con la existencia vital, Chico Sánchez se sirve de la estética metalingüística de found footage o cine de metraje encontrado, en su arriesgada obra fílmica en la que conjunta varios ingredientes que engarza de forma muy resuelta: un texto de la adolescencia, un elenco que sabe que meñique está moviendo su “amado-compañero” de escena, aunque no lo esté mirando, un paisaje lleno de vida en el valle de los Pedroches, una pértiga y una cámara que hace de testigo espectral de su inquietudes estéticas. Esto es, filosóficas.

Ari Aster y Beckett paseando por Cardeña

A nivel narrativo, la obra nos tiene prácticamente las dos horas expectantes, ya que en todo momento queremos saber cuales son las intenciones de este siniestro ser que secuestra a este grupo de intérpretes para montar la pieza beckettiana de El Grito. 

Aun con lo experimental de la cinta, la obra no decae, llegando a una resolución del conflicto que merece algo más, ya que nos descoloca al romper el ambiente creado de claustrofobia, por paradójico que parezca en la amplitud de los campos de la dehesa de los Pedroches, llevándote a cintas tan inquietantes de los últimos años como pudiera ser Midsommar. 

La película es el debut en el mundo del largometraje de Chico Sánchez tras un amplio y curtido recorrido haciendo cortometrajes como Tras la puerta, Intrusos, Podemos Empezar, Sí o No o La prueba. Consiguió el primer premio categoría ficción certamen Suroscopia 2012 con Zombie y Premio del público en el festival de cine instantáneo Eutopía con No Signal. Además es fundador de la escuela de Cine y Teatro Actúa Córdoba, que está funcionando como gran cantera, en el cine sobre todo, para nuestra ciudad. 

Un elenco en estado de gracia

Con un tristemente recién desaparecido Juan Antonio Diaz en su último papel, pareciera que anticipase su adiós diciendo a estos actores que hasta el último aliento que expanden deben dedicarlo a su arte. Normalmente destaco a alguien del elenco pero en esta ocasión solo puedo decir que todos están dónde tienen que estar sin diferenciaciones. Porque es ese grito conjunto, en diferentes roles, el que se apodera de la magia de este grupo de actrices y actores, formados en la ESAD de Córdoba, lo que le da la verdad e impregna la pantalla de naturalidad en todo momento. 

Godot es un canto a la libertad. A la libertad de nuestros encierros personales e impuestos. A la rebeldía del Yo frente a la barbarie de la masa. Una oda para, y contra, lo que nos constriñe. Y de fondo verde, rico en vida que acompaña al elenco con ávidas ganas de decir, de expresar, de amar al proyecto, de erigirse y, como no, de gritar en el susurro que también puede romper gargantas desde el silencio. 

Esperemos un largo recorrido de esta película por salas y festivales, y que viene a reforzar la lenta, pero progresiva, posición de Córdoba en el mundo del séptimo arte.

Se dice, se cuenta, se habla, se rumorea que Jorge Javier Vázquez venía para deconstruir la imagen que teníamos sobre él a través de un discurso en torno a nuestro filósofo más ilustre, pero nada de eso ocurrió en Desmontando a Séneca.

A través de La brevedad de la vida del filósofo, J.J. entra en puch contra el que fuera el consejero de Nerón. Combate dialéctico, que otro paisano nuestro, Juan Carlos Rubio, arbitra desde la dramaturgia y la dirección.

Tienes que ser de otro país para no conocer a uno de los personajes más mediáticos de la última década y media en España. Y no conocer sus métodos, que cómo el mismo reconoce, sorprende que no decaiga en audiencia.

¿Y cuáles son sus métodos? Pues escarbar con la ponzoña del otro y sacarla a relucir. Pero esta vez el otro se convierte en Sujeto autorreferencial a través de su propio polígrafo eso sí, trucado. Contándonos lo que supuso, en su vida, sufrir un ictus.

El combate más frívolo del mundo

A un lado del cuadrilátero, el reiterativo texto de Séneca -que viene a decir que la vida son dos días y debes encontrar lo que te haga dichoso obviando vicios y cultivando virtudes- y al otro lado del ring el discurso del púgil televisivo.

Peso pesado VS peso mosca -intelecualmente hablando, claro- y que el presentador se recoge en el mismo método de su oponente, esto es, reiterar su YO que conocemos (chistes de connotación sexual obvios hasta la saciedad, chismes de su oponente, recursos facilones y mucho, mucho pachuli y neo-purpurina).

Pero claro, no deja de ser un espectáculo medido, y pensado, para que sus fans se derritan observando como su poco ataráxico ídolo, trata de desmontar al referente de Shakespeare, entre otros.

J.J. por momentos trata de mostrar su yo menos conocido pero se queda, como en sus programas, en el salseo. Y para ello se regodea en el intento de vapuleo a los Paulo' s Coelho's greco-latinos, estos son, los estoicos.

Buenos tiempos para la industria estoica

El estoicismo está de moda. Pueden remitirse a decenas de youtubers, deportistas de élite, gurús de Silicom Valley, tratando de “sufrir”, de “saber lo que es la vida” haciendo sacrificios tales como darse una ducha fría de vez en cuando, hacer ayunos intermitentes o ir andando al trabajo.

En un momento dónde la vida se ha trocado difícil, a los verdaderos estoicos, esos que malviviven con unas condiciones cada vez más hostiles o los pequeños empresarios que han cerrado sus negocios, se les está presentando una legión de literatura estoica para satisfacer esa necesidad de aguante. Reediciones de Epicteto, Marco Aurelio o Zenón de Citio boxean contra legiones de libros de autoayuda que colman las estanterías de las librerías para, venir a decirnos “que si no depende de ti ni te esfuerces en cambiar nada”. Pero poco, o nada, se nos dice que este pensamiento surgió en una época donde la esclavitud era una realidad y el estoicismo la filosofía perfecta para que perdurara.

Porque el presente es lo que cuenta. Y la vida son dos días. Y que si has perdido tu casa, tu familia, etc no las has perdido, solo la has devuelto. Son solo algunas de las máximas de los estoicos.

Por su lado, la propuesta nos señala en la trampa en la que cae Séneca -se dice, se cuenta que gustaba mucho del lujo- yendo a la contra de su discurso de desapegarse de todo lo material. Pero que, la dramaturgia, cae en la misma trampa al decir que J.J. empatiza con nosotros -pobres mortales- desde su privilegio de millonario mediático. 

En fin, una obra que entretiene a los fans pero que defrauda -por lo que en la sinopsis refería- ya que esperábamos a un Jorge Javier sincero y solo se quedó en la calcomanía -con toga romana de Palomo Spain incluida-.

Eso si, podrán tener a su ídolo mediático a muy pocos metros, improvisando directamente con ustedes. Y que en cierto modo entretiene y hará vuestras delicias como televidentes. Eso si, no falto de ritmo y con la idea clara de celebrar la vida.

Y que el público entregado disfrutó, con carcajada, vítores y comentarios desde la grada. Con gran ovación en pié al finalizar el discurso. Hoy más y sesión doble además.

La belleza de la desnudez. No siempre una desnudez tersa, pulida y evidente. Sí una desnudez que sugiere, que muestra y que esconde, que se agota y renace en cada cuadro. Que transmuta en cada movimiento. La desnudez como concepto inefable, que solo puede percibirse en la danza. 

Esto es lo que nos presentó ayer tarde en el Teatro Góngora el coreógrafo Daniel Abreu (Premio Nacional de Danza 2014).

Una figura cotidiana entra en el espacio desnudo. Observa, busca, investiga hasta que se hace la oscuridad y comienza el viaje al desabrigo del alma a través del movimiento.

Un cuerpo (de mujer) que ya estaba en escena, pero que el velo de la percepción ocultaba, aparece para abrigar el alma de Abreu y descubrirse a ella misma.

La desnudez es indigencia, es miseria, es injuria, es escasez. Pero también es necesidad de elucubrar poesía a través de la luz, el sonido y el movimiento.

Un ciclo vital del nacimiento, pasando por la fiesta, la muerte y los elementos naturales que, con una maestría exquisita, nos transitan Daniel y Dácil González, ésta última Premio Nacional de Danza 2019.

Los dos estuvieron acompañados de un tubista-voyeur, Hugo Portas, que irrumpe para (re)(des)componer con su presencia, notas, partituras y miradas, las idas y venidas del dueto en el mencionado ciclo que reclama lo dantesco.

Una experiencia sublime para los sentidos, que no decae, en un viaje íntimo y abrupto hacia la misericordia de dos cuerpos entre palos de madera (a veces casa, a veces armas) una tuba, estrobos, humo que ocupa bolsas y escena, dance-music, simetrías, música sacra, electrónica, lucha, sudor, músculos, torsión y que contornea Irene Cantero entre difusores, correctores y contrastes de cálidos y fríos para llevarnos por los caminos que componen el universo de la desnudez.

Sin duda un éxtasis para todos los asistentes que pasaron por el Teatro Góngora en el Día Mundial de la Danza, y que gozaron de este ritual de vida, de lo-que-no-se-muestra pero que convive en nuestras existencias, a veces perceptible, a veces imperceptible. Y que el público agradeció durante varios minutos aplaudiendo en pie.

“Cuando llego al fondo, / vuelvo a lo alto del tobogán, / donde me detengo y me doy la vuelta, / y me subo otra vez para otro viaje.”

Así comienza Helter Skelter del extraño White Álbum, de los Beatles. Pese a lo alucinógeno de su sonido y lo surrealista de la letra, el dúo McCartney/Lennon jamás imaginaría que provocaría el “click” en la lisérgica mente de Charles Manson que causó tanto horror en ese movidito final de la década de los sesenta.

A ese tobogán de LSD, sangre, guerras, consternación social, desapego, hippismo y, descontrol, mucho descontrol fue empujada Susan Atkins, la cual acuchilló sin ningún tipo de remordimiento a Sharon Tate embarazada de ocho meses del cineasta Roman Polanski.

Pero Susan se arrepintió y cambió a su dios Manson por Jesús. Con el cual aprendió lo que es la compasión, la misma que pide ahora, para ser liberada, tras conocerse que tiene un tumor cerebral y morir así fuera de prisión.

Este es el argumento del que se vale, Chema Cardeña para reproducirnos una hipotética entrevista que pudiera tener antes de morir, en su Susan y el Diablo.

“¿Quieres o no quieres que te ame? / Estoy bajando a toda velocidad,  / pero estoy a millas por encima de ti.”

Entramos al Gran Teatro y vemos el telón alzado, unas rejas carcelarias y una mesa iluminada con un fluorescente servirán de escenario para que Susan Atkins interpretada por Maria José Goyanes, trate de convencer al periodista de la gaceta sensacionalista Black Star, un tal Paul, encarnado por Manuel Valls, de su arrepentimiento.

¿Qué es justicia y qué venganza? ¿Qué es la reinserción? ¿Qué sentido tiene la cárcel y cual es su finalidad real?

La obra pone en relieve cuestiones de hasta punto es posible la reinserción, si se debería perdonar a una persona, que se muestra totalmente integrada, o si la manipulación ha sido la culpable de dominar la voluntad personal, y si esto no es más que una venganza de la opinión pública usando a Susan como cabeza de turco ejemplificador para mantener a raya a los monstruos creados en la trastienda de la sociedad.

Por otro lado la dura funcionaria de prisiones Rosemary llevada a escena por Marisa Lahoz no se lo pondrá nada fácil al periodista, ya que en un principio es verdad que muestra su repulsa por Susan, es cierto que después de cuatro décadas ambas han creado una relación tan dura como los candados que nos protege de su monstruosidad.

También nos invita a reflexionar sobre el uso del periodismo sensacionalista que, por su parte, también manipula la mente de la opinión pública, en aras de una moral dominante, que dirige hacía aquí o allá el interés la opinión en función de los intereses del cuarto poder. 

Pero finalmente, Cardeña nos sorprende con un giro inesperado haciendo reflexionar a Paul, que al fin y al cabo no es (no somos) tan diferentes de Susan y que todos podemos llevar un asesino en potencia en nuestro interior.  

Y es que a día de hoy, ni la misma Susan, ni ningún especialista psiquiátrico ha podido decretar los “por qués” de esa masacre, a la par que los mismos, Beatles no tienen aún muy claro que querían significar con esa descontrolada Helter Skelter. 

Lo que está claro que es de muy agradecer esta propuesta llegada desde Valencia para hacernos reflexionar, ya que el teatro debería ser un lugar que nos cuestione, sobre todo preguntas no resueltas como anoche nos espetaron a los cordobeses, en el Gran Teatro y que agradecimos aplaudiendo en pie.

Córdoba esperaba esta obra, clásico de los clásicos contemporáneos, con expectación. Dato que se pudo observar al acabarse el papel varios días antes.

Jose Carlos Plaza, otro clásico de la escena nacional, firma la puesta en escena de esta versión sobria y correcta de nuestro poeta más universal: Federico García Lorca, y que algunos ensalzan como su obra cumbre La Casa de Bernarda Alba.

Federico escribió esta obra teniendo como referencia la España más profunda y oscura que se pueda imaginar. En una sociedad atrapada por la cruz y la norma, retrata el ambiente claustrofóbico del seno de un hogar que late por diversos caracteres de la mujer que, en vano, trata de establecer su propio camino.

Plaza indaga en los miedos ancestrales que sostienen el carácter de Bernarda y que extiende sobre sus cinco hijas, a base de bastón, para mantener el status quo de la tradición.

Esto lo podemos observar en la escenografía de Paco Leal que entre paredes encaladas se vislumbra, muy sutilmente, una especie de fresco que bien podría ser un baile dionisiaco, en contraste, con la oscuridad de esta casa que bien podría ser cualquier pueblo mediterráneo, cuna de la sociedad occidental.

Un reparto correcto, con una Bernarda Alba resuelta por Consuelo Trujillo, algo frágil, que va a la contra de la idea de mujer dominante que podamos tener de la matriarca lorquiana. 

Solo podría resaltar la buena labor de Ana Fernández (ganadora del Goya por Solas) en el papel de Angustias y una encomiable Luisa Gavasa que hizo las delicias del público interpretando al personaje de Josefa.

Lorca tendría muy a mano La Poética de Aristóteles al escribir esta tragedia ya que encontramos bastantes elementos de los propuestos por el filósofo para este género. Pero, con esta propuesta, nos deja con un sabor agridulce, esperando esa ansiada catarsis. La misma que Lorca nos quería ensartar para remover los cimientos de nuestra alma que se mezclan, todavía, con el espíritu más ponzoñoso de esta nuestra tierra.

Entre lo inefable y la palabra, entre la metáfora y lo concreto, entre el movimiento seguro directo y el gesto abstracto sutil. Un limbo entre lo real y lo onírico que nos confunde -a veces, dichosa duda- el camino o el ser, que se detiene para conocerse y caminar (o no) pero que se sirve de la fantasía y la imaginación para buscar quienes somos. 

Este es el mundo que Adrían Villen y Araceli Hurtado, La Meknik, exponen con su trabajo Sopor, partiendo del cuento contemporáneo Fredo y la máquina, de la sevillana Marina Perezagua. 

¿Realmente somos dueños de nuestras decisiones? ¿Y si tuviéramos que decidir por otra persona? ¿Hasta dónde somos capaces de llegar por mantenernos despiertos? ¿Y si tuviéramos que vivir en soledad?

Los elementos de los que se sirve La Mekanik, para responder a estas cuestiones son un espacio vacío, dos sillas, dos cuerpos, la danza, la palabra, un plástico y un vestuario que concreta y abstrae. Componentes que, aunque son objeto de tránsito por lugares extraños, no dejan de ser comunes, consciente o inconscientemente.  

Araceli Hurtado, formada en la ESAD de Córdoba y en el Laboratorio de la TNT de Sevilla, interpreta a Inés y ya desde el principio se presenta en una búsqueda, que funciona de leitmotiv para comprender su extraña situación en el mundo: búsqueda en la comunicación con su madre, búsqueda de ella misma y la comprensión del amor que siente por Fredo. 

Adrían Villen, bailarín, coreógrafo y actor cordobés. Además de interpretar a Fredo, dirige la pieza y, al igual que su partenaire, está en esa búsqueda de respuestas ante el mar de dudas que es la existencia humana.

Ambos, a caballo entre lo simbólico y el realismo, transitan por paisajes de su inconsciente: miedos, culpas, amor, orgullo, desesperación y encuentros se suspenden en ese marasmo al que son forzados a vivir y que la propuesta lumínica de Davide Chous D´Andrea dibuja con precisión onírica. 

Y es que Marina Perezagua, además de haber sido profesora en la New York University, es una entusiasta defensora de la imaginación y la fantasía y, partiendo de la inmovilidad total corpórea, defiende en su libro Criaturas Abisales, que la fantasía es tan real como el mundo sensible, ya que es parte de nosotros. Y muchas veces, lo único que poseemos para comunicarnos en el mundo.

Decía Romeo Catelucci que “la religión da a los fieles respuestas, el arte suspende en el aire preguntas”, una cita que comparto fervientemente. Aunque hay gran parte de la pieza que invita al espectador a cerrar “su obra”, sí que buscar una respuesta puede no corresponder a este tipo de teatro. Y, tal vez, hubiera sido más interesante explorar ese camino de lo inefable para que el público complete las respuestas que se quedan en el ambiente.

No obstante, es de agradecer a estos jóvenes -que darán que hablar- todo su trabajo, cariño y dedicación para crear esta pieza -made In Córdoba- que va más allá del teatro de texto y que es tan necesaria para el público local, que cada vez demandan más teatro de estas características.