El Museo de Bellas Artes de Córdoba, organismo dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, presenta una nueva propuesta expositiva del programa 'Dobles Miradas' que, en esta ocasión, establece un diálogo entre la pintura de Antonio del Castillo y el patrimonio arqueológico romano de la ciudad.

La iniciativa, que puede visitarse en la Sala IV del museo hasta el próximo 18 de octubre, relaciona el lienzo de 'San Fernando presentando a San Pablo la fundación del convento de dominicos de Córdoba', realizado hacia 1655, con un capitel romano de grandes dimensiones procedente del yacimiento de Los Marmolejos.

La obra de Antonio del Castillo incorpora en su composición distintos elementos del entorno del antiguo convento de dominicos, conocido en aquella época como Los Marmolejos por la abundancia de restos arqueológicos que afloraron en la zona. El pintor representa parte de la muralla romana y hace referencia a la mazmorra donde, según la tradición vinculada a los mártires de Córdoba, estuvieron presos Acisclo y Victoria.

En la escena aparece también un capitel corintio similar al que se incorpora ahora a la propuesta expositiva. La pieza arqueológica procede de la actual calle Claudio Marcelo y permite establecer una conexión entre la representación realizada por Antonio del Castillo en el siglo XVII y los vestigios de la Córdoba romana.

La iniciativa, que ha sido presentada por el delegado territorial de Cultura, Eduardo Lucena; el director del Bellas Artes, José María Domenech, y la directora del Arqueológico, Irene Maclino, se enmarca en el programa 'Dobles Miradas', puesto en marcha en 2022 como una colaboración entre el Museo de Bellas Artes y el Museo Arqueológico de Córdoba para establecer conexiones entre los fondos de ambos centros y ofrecer al visitante una visión conjunta del patrimonio.

El programa busca superar la tradicional división entre disciplinas museísticas y propiciar nuevas lecturas a partir del diálogo entre las piezas de las dos colecciones. De este modo, las distintas propuestas permiten descubrir relaciones entre obras de arte y bienes arqueológicos vinculados con la historia de Córdoba. La nueva propuesta expositiva puede visitarse en la Sala IV del Museo de Bellas Artes de Córdoba hasta el 18 de octubre.

El festival NXT ha dado a conocer la programación de talleres de creación digital y audiovisual que se desarrollará en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) de Córdoba dentro de las jornadas NXT PRO. La actividad, organizada por el Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales junto a Rocknrolla Producciones y Eventos Culturales y Fundación WOCA, reunirá el sábado 17 de octubre a profesionales y técnicos del sector audiovisual, artistas digitales y personas interesadas en las nuevas tecnologías.

Los talleres serán gratuitos y tendrán plazas limitadas, por lo que el acceso se realizará por orden de inscripción. La programación propone un recorrido por distintas herramientas y procesos vinculados a la creación audiovisual contemporánea, desde la inteligencia artificial generativa y la programación creativa hasta el live cinema, el diseño sonoro y las herramientas para la creación visual en directo.

La primera franja de talleres será de 11:00 a 13:00. En la Sala de Formación, Pepe Díaz (Geometrik) impartirá Resolume Live. Creación de arte AV en directo y su integración en espacios escénicos, una introducción práctica a Resolume como herramienta para crear y ejecutar contenidos audiovisuales en directo, con especial atención a sus aplicaciones en conciertos, festivales y artes escénicas.

A la misma hora, en la Sala de Educación de la mediateca alta, Iván Garriga (Caapsai) ofrecerá IA generativa aplicada a la creación AV, centrado en las posibilidades de la inteligencia artificial generativa dentro de los procesos de creación audiovisual. El taller abordará herramientas, metodologías y nuevos flujos de trabajo aplicados a la experimentación y producción artística.

La programación continuará de 14:30 a 16:30 con dos nuevas propuestas. En la Sala de Formación, Los Voluble impartirán Remezcla visual: nuevas narrativas culturales a través del AVRMX, un taller sobre cultura remix y creación audiovisual a partir de la apropiación, manipulación y resignificación de imágenes y archivos. El dúo trasladará al aula su experiencia en AVRMX, live cinema y creación audiovisual en tiempo real.

Por su parte, Elena Córdoba Carrión (Novia Pagana) dirigirá en la Sala de Educación de la mediateca alta Creación de BSO con medios electrónicos, un recorrido por el proceso de creación musical y diseño sonoro para cine, documental y artes escénicas. La sesión abordará las herramientas y decisiones creativas y la relación del compositor con los distintos perfiles que intervienen en una producción, y concluirá con una demostración práctica de creación de ambientes y atmósferas sonoras.

La última franja de talleres será de 16:45 a 18:45. En la Sala de Formación, Azael Ferrer impartirá TouchDesigner: nuevas herramientas AV en la creación artística, una aproximación a este software y a las posibilidades de las herramientas digitales para desarrollar procesos de creación visual, generativa e inmersiva.

En paralelo, en la Sala de Educación de la mediateca alta, Alba G. Corral ofrecerá Processing Live! Nuevas narrativas AV, una introducción a la programación creativa y al arte generativo mediante Processing. El taller plantea el código como un lenguaje artístico para desarrollar imágenes, sistemas visuales y nuevas formas de expresión audiovisual.

La jornada forma parte de la programación profesional de NXT y tendrá como escenario el C3A, en la calle Carmen Olmedo Checa de Córdoba. La participación en los talleres es gratuita y requiere inscripción previa.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, retoma en septiembre su programación del ciclo ‘Exploratorio’ con ‘Yampo’, una propuesta del escritor y poeta Alejandro Simón Partal que tendrá lugar el viernes 25 de septiembre, a las 20.00 horas, en la Caja Negra del centro. La propuesta forma parte del segundo ciclo del ‘Exploratorio’, comisariado en 2026 por Marisa Lull bajo el nombre ‘Existe un río’. 

‘Yampo’ toma el nombre de un concepto que, en Estepona, localidad natal de Alejandro Simón Partal, significa relámpago. A partir de esta idea, el poeta realizará un recital de poesía que propone un espacio íntimo, convulso y sonoro, que recorre los extremos de la condición humana. ‘El yampo rompe la oscuridad y el silencio para acabar subrayándose en todo. Es efímero, inefable e incompleto, como la alegría, como nuestra propia vida. El yampo también puede ser una respuesta contra los males de nuestro tiempo’, señala el artista. La propuesta contará con el acompañamiento de Sergio Portales, guitarrista y compositor, que ha trabajado en diferentes estilos y ha acompañado, entre otros, al Niño de Elche, a la colomo irlandesa Katie James o a los neo-floklóricos castellanos Dulzaro y Lemus. 

Alejandro Simón Partal (Estepona, 1983) es doctor en Filología Hispánica y ha sido profesor en universidades de Francia, República Checa y España. Es autor de ensayos, obras teatrales y cinco poemarios, con los que ha obtenido, entre otros, los premios internacionales ‘Arcipreste de Hita’ y ‘Hermanos Argensola’. Su obra poética ha sido compilada en ‘Ese de anoche’ (Aguilar, 2023). En narrativa, obtuvo el Premio Cálamo ‘Otra mirada’ con ‘La parcela’ (Caballo de Troya, 2021). Su último libro es ‘La planta baja. Diario de rodaje’ (Plaza & Janés, 2024). 

Esta pieza se incluye en el ciclo 'Exploratorio', un programa del C3A dedicado a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas a la creación, la experimentación y la investigación. En su segunda edición, 'Existe un río', comisariada por Marisa Lull, el programa reúne propuestas que invitan a adentrarse en los universos planteados por los artistas. En esta recta final, la palabra poética irrumpe y, acompañada de la música, abre un espacio para explorar las tensiones del ser en la contemporaneidad, revelando nuevas formas de presencia y percepción ante la complejidad de nuestra realidad, señala la comisaria.

Ars Operandi vuelve a la escena cultural cordobesa. La revista digital especializada en arte contemporáneo, que inició su trayectoria en 2008 y mantuvo una actividad continuada durante más de una década, emprende ahora una segunda época con nuevas firmas, un nuevo dominio y una interfaz renovada. El proyecto recupera además todo el archivo generado durante su primera etapa, entre 2008 y 2020, con el propósito de preservar una parte de la memoria documental del arte contemporáneo de Córdoba y su entorno.

La publicación, impulsada por José Álvarez y Tete Álvarez, nació en un momento marcado por la crisis económica y la progresiva desaparición de espacios para la información y la crítica cultural en los medios de comunicación. Coincidió también con la expansión de la blogosfera y los primeros años de la Web 2.0. Lo que comenzó como un blog dedicado al arte contemporáneo evolucionó hacia un formato de magazine que combinaba información especializada, crítica y documentación audiovisual. Entre sus aportaciones se encuentran los repositorios Ars Operandi TXTs, alojado en Scribd, y Ars Operandi Videos, en Vimeo, que permiten recuperar entrevistas, exposiciones y otras voces vinculadas a la creación artística de comienzos del siglo XXI.

Tras varios años en los que las responsabilidades profesionales de sus integrantes obligaron a reducir el ritmo de publicación, Ars Operandi regresa en un contexto que sus responsables consideran muy diferente al de su nacimiento. En su editorial de regreso, titulado Decíamos ayer, la revista señala la desaparición de buena parte del mercado artístico local y de las galerías de Córdoba, así como el progresivo empobrecimiento de la oferta institucional. La publicación vincula esta situación a unas políticas culturales que, a su juicio, muestran un creciente recelo hacia las prácticas artísticas contemporáneas.

El regreso se produce además mientras permanece abierto el debate sobre el futuro de las salas expositivas de las Caballerizas Reales y el proyecto de implantación del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona. Ars Operandi recuerda la carta abierta que difundió contra esta iniciativa y el respaldo recibido por más de 700 personas, entre ellas numerosos integrantes del tejido cultural cordobés y profesionales del sector artístico nacional. Para la revista, su nueva etapa nace precisamente en un momento en el que considera necesario recuperar el papel de la crítica y la mediación cultural.

“El periodismo de corta y pega, sin mediación, sin contraste y, demasiadas veces, sin criterio” es uno de los fenómenos frente a los que se posiciona el editorial. La publicación reivindica así la información independiente y el análisis crítico frente a la proliferación de contenidos automatizados, textos clónicos y dinámicas de autopublicidad. Por eso, sus responsables definen este regreso no como un ejercicio de nostalgia, sino como “un acto de resistencia”.

La nueva etapa mantiene al frente de la edición a José y al equipo formado por Jesús Alcaide, Ángel Luis Pérez Villén y Óscar Fernández, al que se incorporan Reyi Pérez Castillo, Lola Molina y Rafael Sillero. El primer número de esta segunda época incluye, además del editorial Decíamos ayer, críticas firmadas por Reyi Pérez Castillo y Ángel Luis Pérez Villén sobre sendas exposiciones en el Museo Picasso de Málaga (MPM) y el MUCAC. La publicación incorpora también un artículo sobre la reciente exposición de Francisco Salido en Casa Góngora y otro de carácter histórico dedicado al Ateneo de Madrid y sus Cuadernos de Arte, con la participación de Antonio Povedano e Isabel Santaló.

El estreno se completa con una nueva incorporación al catálogo de Ars Operandi Vídeos: una pieza dedicada a documentar la exposición De ida y vuelta, de Alegría y Piñero, celebrada en el Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (C3A) en 2024. La revista mantiene accesibles los materiales de su primera época a través de sus repositorios de Vimeo y Scribd, así como documentos históricos como Ars Operandi.doc, y suma ahora un canal de YouTube y presencia en Bluesky e Instagram.

Además, sus responsables explican que todas las personas que participan actualmente lo hacen de forma voluntaria mientras no existan recursos para financiar la revista, una decisión que, subrayan, no implica considerar gratuito el trabajo cultural. El archivo histórico queda asimismo a disposición de investigadores, profesionales y usuarios mediante licencias Creative Commons. El objetivo declarado sigue siendo el mismo que en 2008: dar visibilidad, documentar y generar un espacio de reflexión sobre las prácticas artísticas del contexto más cercano.

La Diputación de Córdoba, a través de su Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí, ha presentado la candidatura de Verónica Ruth Frías al Premio Nacional de Artes Plásticas 2026, “una decisión que nace de nuestro conocimiento directo y continuado de la trayectoria de esta creadora”.

De este modo lo ha afirmado el delegado de Cultura de la institución provincial, Gabriel Duque, quien ha recordado que “la relación de Ruth Frías con la Fundación Rafael Botí se remonta a los primeros años de su carrera artística y se ha prolongado a lo largo de cerca de dos décadas”.

Según Duque, “esta vinculación nos ha permitido asistir a la evolución de una artista que ha construido un lenguaje propio desde la performance y las artes visuales y cuya trayectoria ha alcanzado progresivamente una dimensión nacional e internacional, culminando en la exposición individual ‘I Am a Performer Woman’, comisariada por Margarita Aizpuru y presentada en nuestro Centro de Arte durante 2025”.

“Su presencia en museos, centros de arte, universidades, ferias y festivales dentro y fuera de España; la circulación de sus performances; su capacidad para desplazarse entre acción, fotografía, vídeo, instalación, danza y objeto; y la consolidación de un universo visual inequívocamente propio configuran uno de los momentos más significativos de su trayectoria”, ha apostillado Duque.

El también presidente de la Fundación Botí ha insistido en que “no es la acumulación de proyectos lo que fundamenta esta candidatura, sino la coherencia y la persistencia de una voz artística. Una artista que durante más de veinte años ha regresado insistentemente sobre algunas de las preguntas fundamentales de nuestro presente como quién representa a las mujeres, qué modelos se construyen sobre sus cuerpos, quién determina su valor, quién reconoce sus méritos, quién escribe la historia o quién tiene derecho a ocupar sus espacios”.

Duque ha hecho hincapié, además, en que “su obra ha circulado internacionalmente y ha sido presentada en contextos de Europa, Estados Unidos, México, Cuba o Egipto, pero ha mantenido una extraordinaria coherencia conceptual, utilizando el cuerpo y la imagen para hacer visible aquello que durante demasiado tiempo permaneció fuera del relato”.

Por ello, ha continuado, “reconocer hoy la trayectoria de Verónica Ruth Frías supone también reconocer una práctica feminista sostenida en el tiempo, desarrollada mucho antes de que determinadas cuestiones alcanzaran la centralidad que hoy poseen en el debate cultural. Una práctica construida desde la experiencia, el humor, la ironía, la vulnerabilidad y la resistencia, que ha contribuido a generar nuevas imágenes desde las que pensar qué significa ser mujer en nuestro tiempo”.

“Desde la Diputación de Córdoba, consideramos especialmente relevante que esa trayectoria haya sido construida reivindicando simultáneamente el derecho a ser mujer, madre y artista, sin aceptar que estas dimensiones deban excluirse entre sí, convirtiendo precisamente esa complejidad y esa pluralidad en materia de creación”, ha insistido Duque.

El delegado de Cultura ha remarcado que “por todo ello, consideramos que la trayectoria de Ruth Frías y, de manera especialmente significativa, la calidad, intensidad y alcance de su producción durante 2025, responden plenamente a los criterios establecidos para el Premio Nacional de Artes Plásticas: la calidad de las obras y actividades realizadas y su significación como aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural y artística española”.

La Galería Espacio Gala de la Fundación Antonio Gala ha inaugurado este 16 de septiembre La escritura dibujada, la primera exposición en España del artista marfileño Frédéric Bruly Bouabré. La muestra acerca al público cordobés la obra de una de las figuras más destacadas del arte africano contemporáneo.

En el acto intervinieron el presidente de la Fundación Antonio Gala, Francisco Moreno; la directora de Espacio Gala, María José Ruiz; el comisario de la exposición, Bruno Leitão; y el delegado de Cultura de la Diputación de Córdoba, Gabriel Duque, que estuvieron acompañados de Carlos Manzano en representación de Círculo África y Pilar Gracia, gerente de la Fundación Botí.

Organizada por la Fundación Antonio Gala en el marco de su convenio con Círculo África, la exposición reúne más de 150 dibujos de la Colección Pi Fernandino, realizados entre 1979 y 2009. El recorrido se completa con fotografías del artista, un vídeo documental y la edición facsímil «Knowledge of the World», integrada por 190 pictogramas.

Nacido en Costa de Marfil en 1923 y fallecido en 2014, Bouabré desarrolló una obra profundamente vinculada a las tradiciones de su pueblo. Entre los principales hitos de la trayectoria de Frédéric Bruly Bouabré destacan la presentación de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, su nombramiento como Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres de Francia y la concesión de los premios de la Bienal de Dakar, Kora All Africa y de la Fundación Ford.

La escritura dibujada podrá visitarse hasta el 29 de octubre de 2026 en la Fundación Antonio Gala, situada en el número 20 de la calle Ambrosio de Morales, en Córdoba.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí de la Diputación de Córdoba ha abierto el plazo para solicitar subvenciones para la realización de proyectos, actividades y actuaciones en el ámbito de las artes plásticas y visuales que tengan como fin la cualificación artística y técnica, el perfeccionamiento en la formación o la producción de trabajos creativos tanto de personas físicas como de colectivos.

Según ha detallado el delegado de Cultura de la Diputación y presidente de la Fundación Botí, Gabriel Duque, las ayudas, que cuentan con un presupuesto total de 70.000 euros, podrán ir dirigidas a iniciativas como la producción de obras artísticas, movilidad e intercambio de artistas, y organización de jornadas o talleres.

También están previstas para respaldar la participación en cursos, realización de proyectos expositivos, participación en ferias de arte contemporáneo, estancias en residencias de artistas, publicaciones o gestión de espacios o proyectos para la difusión del arte contemporáneo, quedando excluidas las actividades de carácter docente y la adquisición de equipamientos.

Podrán solicitar las subvenciones las personas físicas, gestores culturales, asociaciones y entidades culturales privadas dotadas de personalidad jurídica que estén legalmente constituidas y siempre que los proyectos que presenten estén relacionados con las artes plásticas y visuales de los ámbitos especificados. Los solicitantes deberán ser naturales de la provincia de Córdoba o residentes en la misma.

Entre los criterios de valoración para la concesión de las ayudas está que sean iniciativas que se desarrollen dentro de un criterio de contemporaneidad, innovación y experimentación creativa, el grado de calidad artística o formativa, la aportación al panorama de la cultura contemporánea en la provincia, la participación de los propios solicitantes con financiación o de otras instituciones y entidades y el hecho de haber recibido o no ayudas de la Fundación Botí los tres últimos años.

Cada solicitante que concurra a la convocatoria, ya sea de modo individual o colectivo, podrá presentar un solo proyecto para el desarrollo de una actividad. Las personas físicas podrán presentar sus solicitudes a través del Registro Electrónico de la Fundación Botí, si disponen de certificado digital.

También lo podrán hacer cumplimentando el modelo de solicitud que figura en la página web de la Sede Electrónica y presentándolo en el registro físico de la Fundación, sito en la calle Imágenes 15, o en cualquier oficina de registro. En el caso de las personas jurídicas, sólo podrán presentar la solicitud en el Registro Electrónico de la Fundación Botí.

El plazo de presentación de solicitudes está abierto desde este jueves 27 de agosto hasta el día 28 del próximo septiembre. La solicitud se acompañará de la documentación exigida en las bases, el proyecto completo y detallado de la actividad, el presupuesto desglosado de gastos e ingresos, la declaración responsable de que se reúnen los requisitos de la convocatoria, etcétera.

Las bases completas de la convocatoria se pueden consultar en el Boletín Oficial de la Provincia (BOP) del miércoles 26 de agosto.

La residencia artística para mujeres 'Arte Viva', proyecto impulsado por la Delegación de Igualdad de la Diputación de Córdoba, ha iniciado ya en Los Blázquez (Córdoba) su tercera edición con el fin de que “14 mujeres del ámbito de la creación de distintas disciplinas, procedencias y generaciones puedan trabajar en sus proyectos artísticos al tiempo que conviven, intercambian experiencias y se forman”.

Así lo ha destacado la responsable de Igualdad en la institución provincial, Auxiliadora Moreno, quien ha participado en el acto de inicio de la residencia para trasladar a las participantes el apoyo de la Diputación.

A este respecto, ha manifestado que, “conscientes del éxito de la pasada edición, volvemos a respaldar esta iniciativa porque es una propuesta cultural con identidad propia, que va mucho más allá de una estancia artística”, pues “es un espacio donde avanzar en una obra, compartir el proceso y generar vínculos duraderos entre creadoras y también con el territorio”.

Moreno ha señalado que “las artes plásticas, la literatura, la música, el teatro, la danza, la escultura, el diseño y la creación multidisciplinar estarán presentes en esta tercera edición, que vuelve a convertir el Albergue Municipal de Los Blázquez en un espacio de creación”.

En cuanto a las características del grupo, ha indicado que “reúne perfiles emergentes y creadoras con trayectorias consolidadas, contando con artistas nacidas o residentes en la provincia de Córdoba y con dos creadoras de otros territorios”.

Tal y como ha señalado la delegada provincial, “esta diversidad generacional, geográfica y disciplinar es uno de los ejes de 'Arte Viva', que busca que la convivencia entre experiencias diferentes forme parte del propio proceso de creación”.

Semana dedicada a la creación

Durante la residencia, las participantes combinarán tiempo de creación individual con formaciones, asesorías personalizadas, espacios de intercambio y dinámicas colectivas. El objetivo es generar condiciones que son difíciles de encontrar en el día a día, con más tiempo para crear, acompañamiento profesional, contacto con otras disciplinas y una red de mujeres artistas con las que compartir procesos, dudas, herramientas y experiencias.

La residencia culminará con una muestra pública el próximo 1 de septiembre en la que las 14 participantes compartirán los trabajos y proyectos desarrollados durante su estancia en Los Blázquez. Finalmente, el próximo 2 de septiembre concluirá la residencia.

'Arte Viva, Mujeres en Acción' es una iniciativa de la Delegación de Igualdad de la Diputación, producida por Imprevisible Films con la colaboración del Ayuntamiento de Los Blázquez.

Fundación Artdecor y MUDD Architects con la colaboración de la Arquitecture Association Student of London arrancan con la intervención de cinco creaciones efímera en la ciudad. En esta edición la creación deEfímera Córdoba 2026, y siendo un proyecto internacional actuará en el casco histórico de Córdoba mostrándonos un museo efímero a escala ciudad entre el 1 y el 31 de septiembre de 2026.

El festival propone una innovadora combinación de acciones que se alían con varios espacios: por un lado tenemos la Capilla Mudéjar, el Patio del Museo de Bellas Artes y Julio Romero de Torres, el palacio de Los Angulo, el Patio de la Casa de las Tazas y espacios como es la esquina de la casa que va de la calle Toril a la plaza de la Corredera, el Patio de la Asociación de Patios de San Basilio número 44. Numerosos participantes en la convocatoria hicieron que al final el artista seleccionado fuera el chino Zhen Xiang donde su arquitectura efímera en el patrimonio histórico ha sido caracterizada por la sostenibilidad y la vegetación. La participación ciudadana en las instalaciones artísticas e intervenciones urbanas también está siendo notable y cuenta con muchos participantes.

En cuanto a los talleres internacionales han brillado por su excelencia tanto en ponencias como en calidad. Curro Crespo, James Kingman, Pedro García del Barrio, Luis Celorio, Lola Baena, Rosa Lara y Pedro Caro, Carlos García de Keyter Group, Janelle Wynnyard, J. A. Gutiérrez, Hugo Lasarte y Raquel Pascual entre otros han destacado el río como eje vertebrador de la ciudad y el agua como bien inmaterial.

En esta convocatoria del 2026 colaboradores del talla de Fundación Kutxabank, Grupo Keyter, Amaltea, UCO, Universidad de Loyola, C3A Junta de Andalucía , Filmoteca de Andalucía, Museo de Bellas Artes y Palacio de Viana se han volcado en un festival sin precedentes.

A partir del 1 de septiembre todos los cordobeses y cordobesas podrán visitar dichas intervenciones que convierten a Córdoba en una ciudad nueva y contemporánea donde el cuidado en el cambio climático es protagonista.

Una ciudad en la que según sus comisarios, Nina Chaltiel y Fernando Vacas, se llena de arquitectura Efímera, Cine y Ciudadanía y donde los artistas emergentes, profesionales y colectivos interesados desarrollan intervenciones artísticas dentro de la programación oficial de un festival único en el mundo.

Efímera Córdoba nace con la vocación de consolidarse como un referente internacional en la intervención contemporánea del patrimonio histórico, promoviendo el diálogo entre cultura, sostenibilidad, ciudadanía y creación artística.

El paisaje urbano de Nueva Carteya ha vuelto a transformarse gracias al pincel de Javier Castilla, conocido artísticamente como Sake. En esta ocasión, el artista ha intervenido en un edificio municipal de planta circular ubicado en el parque de las Casas Nuevas con un mural de gran formato que pone en valor el papel fundamental de las mujeres en el campo y en la propia historia de la localidad.

Esta nueva obra está inspirada directamente en una fotografía histórica en blanco y negro de vecinas carteyanas durante la vendimia. Al trasladar esta escena del pasado agrícola al espacio público, la obra permite que la memoria colectiva de la población no solo se conserve, sino que se reivindique. Tal y como señalan desde el ayuntamiento de este municipio que cabalga entre la campiña y las Sierras Subbética, el mural recuerda que las mujeres fueron, y siguen siendo, un pilar esencial en las labores del campo, una realidad fundamental para muchas familias de Nueva Carteya.

En el mural, realizado en apenas cuatro días -según señala Sake a este periódico-, se pueden ver a siete mujeres trabajadoras representadas con un estilo realista y cercano. Todas ellas visten las ropas tradicionales de los trabajos agrícolas, destacando las camisas azules, los sombreros de paja y pañuelos que protegían sus rostros del sol. La base del mural está integrada por una frondosa representación de viñedos en tonos verdes y violetas, conectando la figura humana con la tierra que trabajaron.

Este mural no es el primero que Sake firma en Nueva Carteya. El artista ya demostró su capacidad para convertir el arte urbano en un vehículo de memoria en 2022, cuando realizó la intervención muralística Andalucía se levanta en el municipio, centrada en sus raíces reivindicativas. Aquella obra, que también puso el foco en la identidad local y los valores del pueblo cordobés, sentó un precedente que ahora se ve reforzado con este nuevo homenaje a las mujeres trabajadoras.

Una alambrada de espino limita el perímetro del Colegio Hernán Holguín Maibee en la comuna Lo Espejo en Santiago de Chile. Está arrancando el invierno, los colores del mural que hemos ido a fotografiar encajan a la perfección en esa mañana fría.Un enorme murciélago en blanco y negro abre sus alas dejando ver un cuerpo que es en realidad un edificio de cimientos que empiezan a caer. Ocupa parte del muro nororiental del centro educativo en una comuna que sufre la violencia del narco y la desidia de un sistema que algunos soñaron derrotar en 2019. Fue ese año cuando el artista porteño Sebastián Varas Mackenzei viajó desde Valparaíso a Lo Espejo, en la Región Metropolitana de Santiago, para tomar parte de las asambleas y encuentros vecinales en los que se debatía cómo iniciar un nuevo proceso constituyente en el país dentro de un momento político conocido como “Estallido Social” en Chile.

Han pasado siete años y el mural está intacto. Nadie lo ha rayado. Varas nos lo cuenta mientras conversamos en torno al papel del arte en las sociedades contemporáneas. Nos hemos conocido al terminar de visitar el Museo Baburizza de Valparaíso, del que salgo ojiplática tras descubrir en su interior dos obras que desconocía de Julio Romero de Torres: “Carmen la desolada” y “Maruja la gaditana”. De hecho son los dos primeros cuadros del recorrido pictórico del Museo. Cruzar un océano para tocar casa. Varas reflexiona sobre el academicismo artístico y lo contrapone al muralismo que tan bien representa a la ciudad conocida como la joya del Pacífico. Su postura es clara: el arte es una forma más de intervención política.

A miles de kilómetros de distancia, en la misma dirección hacia la que se abren las alas del murciélago de Lo Espejo, en Córdoba, Margarita Merino abraza una figura humana de tela y cerámica mientras nos cuenta en su estudio qué significa para ella el proceso creativo y el arte: “una manera de sanar”. Marga explica su trabajo desde lo íntimo. “Lo mío es una obra demasiado personal, no sé si es política…”. Nos miramos, las dos tenemos la respuesta: “lo personal es político”. Nos lo enseñó el feminismo. La figura que sostiene en su regazo es la pieza principal de su obra “Palos y astillas” y representa a su madre. Está hecha con las telas de los colchones donde nacieron Marga y sus tres hermanas, las astillas, y es una reflexión en torno a los cuidados, el trauma y las ausencias del padre.

Han pasado cuatro meses entre una conversación y otra. Cuatro meses entre el verano chileno y el español reflexionando sobre la utilidad del arte y los retos a los que se enfrenta. Un debate en el que metimos a Virginia Filardi, muralista como Mackenzie y diseñadora gráfica, para abrir el melón que todo el mundo devora últimamente: ¿cómo afecta el desarrollo de la IA a la creatividad, en general, y al arte en particular? Viajamos en coche hacia Cardeña acompañando a Virginia a la presentación de uno de sus últimos murales. No la vemos ni remotamente preocupada: “la IA es una herramienta; la creatividad es nuestra y el oficio también”, dice.

En la reivindicación de lo manual hay un regreso al mundo de las abuelas. Lo pienso mientras Virginia explica cómo crea collages colectivos en su taller dejando jugar con el arte a quienes participan. Encuentro esa misma idea cuando Marga dice que “se maneja bien con todos los materiales” y miro en su estudio cómo conviven sus cerámicas de pechos entrelazados con sus pinturas y sus murales. Entre todos los objetos de este espacio tan creativo como su dueña, una cría de mirlo aletea sin prestar demasiada atención a nuestra charla. Hace varios días que se coló en el estudio. Marga la ha bautizado como Martina.

El arte del siglo XXI tiene mucho del virtuosismo del pasado. La destreza manual, aquella que dominaba Julio Romero de Torres, es ahora trendy y obliga al artista a “regresar a los oficios”, como insiste Virginia. Y si importa tanto la técnica, la parte formal del arte ¿qué hacemos preguntando por la función social del arte? Varas, Virginia y Marga nos han dado sus razones. Podríamos haber contado esta historia solo con ellos, pero otra vez, sin buscarlo, Romero de Torres se cruza en el camino.

El Teatro Municipal de El Carpio acoge el espectáculo “Julio Romero Tableaux Vivant”, en el que un grupo de actores va recreando en vivo, al ritmo de la música y utilizando apenas unas telas y algo de escenografía, hasta 14 cuadros del cordobés. Lo hacen perfectamente sincronizados, casi sin que el público caiga en la cuenta de sus movimientos hasta que, de pronto, la imagen se compone y las obras más icónicas de Romero de Torres se revelan. En las caras y exclamaciones de asombro de los vecinos de El Carpio encontramos la respuesta: provocar el placer estético también sigue siendo tarea del arte. Es verano, vemos familias que salen al fresco tras el espectáculo y que han venido solo a echar un buen rato, no a meditar sobre la función social o la tarea política y transformadora del arte. Así ha sido siempre.

Regreso mentalmente al mural de Varas, a la alambrada de espino de Lo Espejo y a la palabras de Fabio cuando lo fotografiaba: “está igual que en 2019, nada cambió en el mural ni en Chile”.

El autor cordobés Francisco Arroyo Ceballos se alza con el Primer Premio sección de Artes en el Premio Internacional de Poesía y Artes Gabriele Galloni, en una edición especial centrada en la ciudad de Granada. Lo ha granado con su obra Ambientes de la serie del mismo título.

El jurado del certamen reunido en Italia le ha concedido dicho galardón este lunes 27 de julio, y sa lo ha comunicado este martes. En un comunicado, el El autor ha mostrado su gran satisfacción: “Hacía años que no me presentaba a ningún certamen de arte y ha sido una gran alegría cuando a primera hora de esta mañana me han llamado para comunicármelo. Nunca he sido de presentarme a certámenes y estos momentos hacen que todo merezca un poquito más la pena”.

El acto de entrega de premios en España será el sábado 12 de septiembre en Casa Museo de Federico García Lorca y hará entrega el presidente del Premio Internacional de Poesía y Artes, Joan Joseph Barceló, y la vicepresidenta Ivonne Sánchez Barea.

Arroyo Ceballos ha recordado que, recientemente, el Museo Internacional de Arte Contemporáneo Don Armando S. Reschini (Santa Fe, Argentina) ha incluido en su colección permanente una obra del artista multidisciplinar cordobés. Este artista plástico cordobés cuenta con una destacada trayectoria. Ha participado en más de 170 exposiciones y sus piezas forman parte del patrimonio de más de 30 museos e instituciones en 12 países.

El museo Julio Romero de Torres de Córdoba ha cedido en préstamo a la Fundación Unicaja la obra La Copla (1927) para que se integre en la exposición ‘Y sonó la música. Iconografía musical en el arte’, que se inaugurará este martes en Málaga. La muestra, que tiene por temática el impacto de la música en la historia del arte, incorpora otros lienzos icónicos como La Virgen de la Faja, una de las obras más valoradas de Murillo.

Para la delegada de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, Isabel Albás, “esta colaboración supone una oportunidad única para hacer todavía más fuertes los estrechos lazos que unen Córdoba y Málaga”. Con la perspectiva de “impulsar futuros proyectos culturales compartidos, nuestro museo ha decidido ceder una de sus piezas más representativas para el bloque de la exposición que se concentra en el papel de la mujer en la música”.

“La presencia de esta obra maestra permitirá proyectar la riqueza del patrimonio artístico cordobés en un marco expositivo de primer nivel andaluz y nacional”, ha insistido la teniente de alcalde. Concretamente, La Copla es una obra en óleo y temple sobre lienzo que podrá admirarse en la sede malagueña de la Fundación Unicaja hasta el próximo 2 de noviembre.

La pinacoteca cordobesa se ha encargado de supervisar el transporte de la obra hasta la capital malagueña, lo cual ha requerido del diseño de una caja ajustada a las dimensiones de la obra. De igual forma, se ha constatado que el cuadro ha llegado a su destino sin sufrir ningún tipo de alteración.

La exposición ‘Y sonó la música’ reúne más de un centenar de piezas entre pinturas, esculturas, instrumentos históricos, partituras y documentos. Y propone un recorrido para explorar la trascendencia de la música en el arte desde el Renacimiento hasta la época contemporánea, contando con firmas de la talla de Caravaggio, Picasso, Zurbarán y el propio Julio Romero de Torres.

Además, la parte expositiva se va a completar con un ciclo de conferencias académicas y una programación de conciertos que ambientarán la experiencia.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte y ubicado en Córdoba, ha abierto la convocatoria para residencias artísticas para el ejercicio 26-27, con ayudas de hasta 7.000 euros para gastos de producción.

Según ha informado la Junta de Andalucía en una nota, este programa de ayudas está dirigido a artistas andaluces, nacionales y extranjeros que tendrán la oportunidad de desarrollar sus propuestas creativas en el C3A durante un periodo de tres meses. Los seleccionados contarán con un espacio de trabajo, herramientas y una ayuda económica de hasta 7.000 euros para gastos de producción y residencia.

La publicación se ha hecho efectiva este lunes en el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía, (BOJA núm. 133, de 13 de julio de 2026). Los aspirantes tienen de plazo un mes para presentar sus propuestas, que será valoradas por un comité de expertos. Hasta la fecha, han pasado por este programa de ayudas por concurrencia competitiva un total de 36 artistas, ya que se seleccionan doce en cada una de las dos convocatorias resueltas hasta la fecha.

Los artistas interesados en esta cuarta convocatoria deben contar con una trayectoria profesional demostrable en el ámbito de la creación contemporánea, así como una propuesta de proyecto concreta y viable. Además, se valorará la capacidad para trabajar en equipo y su disposición para colaborar con otros artistas y profesionales del sector. El proceso de selección de los creadores se llevará a cabo por un comité de expertos en arte contemporáneo, que evaluará la calidad y el interés de los proyectos presentados, así como la trayectoria y el currículum de los artistas.

En las solicitudes tiene que incluirse la información personal del solicitante, así como su 'currículum vitae', una breve descripción del proyecto que se quiere desarrollar durante la residencia y una memoria descriptiva del proyecto, que detalle el objetivo, la metodología, los recursos necesarios y el calendario de trabajo previsto. También debe adjuntar una muestra del trabajo previo del artista.

El programa de residencias tendrá una duración de tres meses distribuidos en dos periodos específicos, el primero de enero a abril; y el segundo, de abril a julio de 2027. Los artistas aspirantes tendrán que indicar su preferencia en la solicitud y, en caso de seleccionar ambos, cuál de ellos priorizan. La Comisión evaluará estas preferencias según la puntuación obtenida durante el proceso de selección. Además, se exige una presencialidad mínima del 80% en las instalaciones del C3A durante el tiempo asignado.

El plazo para presentar las solicitudes está abierto desde este martes, día 14 de julio, hasta el 13 de agosto de 2026 a las 23:59.

La Fundación Antonio Gala ha culminado el proceso de selección de su XXV Convocatoria Internacional de Ayudas a la Creación con la publicación de la relación de 14 creadores que formarán parte de la XXV promoción a partir del próximo mes de octubre.

Según ha informado la fundación en una nota, en este proceso de selección, que se inició con la publicación de las bases el pasado mes de enero, han participado miembros del patronato, tutores de todas las áreas de creación y la Dirección de la fundación.

La XXV promoción de la Fundación incluirá, por tanto, creadores de los ámbitos de la narrativa y la poesía, las artes plásticas y visuales, la composición musical y el documental cinematográfico.

Esta convocatoria, además, ha incluido una beca especial, con motivo de que Córdoba ostente en 2027 la Capitalidad Mediterránea de la Cultura y el Diálogo, que ha sido concedida a la pintora italiana Ilaria Cutolo.

Artistas admitidos

Los admitidos son, en artes plásticas y visuales, Jesús Castillo, de Maracena (Granada); Ana Cruañes, de Jávea (Alicante), y María del Rocío Guerra, de Puente Genil (Córdoba), mientras que en el ámbito del cómic se ha seleccionado a Eusebio Nsue, de Niefang (Guinea Ecuatorial).

En lo referido a composición musical se ha seleccionado a Paola María Ollivier, de Xalapa, Veracruz (México), y Joan Osca, de Cúllar Vega (Granada); en lo que respecta a documental cinematográfico se ha elegido a Álvaro Guardiola, de Cieza (Murcia), y en narrativa a Diego Fernández, de Madrid; Gadea Lourido, también de Madrid; David Pungin, de Celanova (Ourense), y Uriel de Jesús Santiago, de Oaxaca (México).

Por último, en el ámbito de la poesía los residentes serán Omar Fonollosa, de San Mateo de Gállego (Zaragoza), y Lucía del Prado, de Guadarrama (Madrid), mientras que la Beca Córdoba, Capital Mediterránea de la Cultura y el Diálogo 2027 es para Ilaria Cutolo, de Nápoles (Italia).

La Fundación Artdecor y MUDD Architects anuncian la apertura de la convocatoria de becas y ayudas a la creación de Efímera Córdoba 2026, un proyecto internacional que propone convertir el casco histórico de la ciudad en un museo efímero a escala urbana entre el 21 y el 31 de agosto de 2026.

El proyecto plantea una experiencia contemporánea que combina arquitectura efímera, creación audiovisual, patrimonio histórico y participación ciudadana, a través de instalaciones artísticas, intervenciones urbanas, talleres internacionales, encuentros profesionales y actividades culturales abiertas al público.

La convocatoria incluye tres becas completas dirigidas a estudiantes locales para participar en Efímera Lab, el Taller Internacional de Arquitectura Efímera, Cine y Ciudadanía, así como dos ayudas a la producción destinadas a artistas emergentes, profesionales y colectivos interesados en desarrollar intervenciones dentro de la programación oficial del festival.

Efimera Lab contará con la participación de estudiantes locales, nacionales e internacionales, incluyendo alumnado vinculado a la Architectural Association School of Architecture (AA School) de Londres, una de las instituciones académicas más reconocidas en el ámbito de la arquitectura, según explica los organizadores.

Las solicitudes podrán presentarse del 1 al 15 de julio de 2026 mediante el envío de un currículum y una breve propuesta de participación.

El Ayuntamiento de Córdoba ha sacado a licitación la redacción del proyecto para transformar parte de las Caballerizas Reales en un nuevo espacio museístico. Se trata de la zona que el alcalde, José María Bellido, quiere destinar como subsede del Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona, con el cual ya ha firmado un protocolo, en medio de una intensa polémica.

La actuación, impulsada por la Gerencia Municipal de Urbanismo de Córdoba, contempla el proyecto de adecuación de la planta primera de los edificios norte y este con el objetivo de convertirlos en un referente cultural. El contrato para la redacción cuenta con un presupuesto de 207.571,97 euros (IVA incluido), aunque servirá de base para unas obras cuyo presupuesto de ejecución material se estima en 2.450.672,64 euros.

Uno de los aspectos más destacados de esta iniciativa es la incorporación obligatoria de la metodología BIM (Building Information Modeling), un sistema de trabajo digital que permitirá crear un modelo virtual del edificio, conocido como “gemelo digital”. Este enfoque garantizará una gestión avanzada de la información conforme a estándares internacionales, y exigirá la figura de un BIM Manager que coordine todo el proceso y asegure la correcta integración de los datos entre disciplinas.

El contrato se ha organizado en cuatro ámbitos técnicos diferenciados para garantizar la especialización de cada fase del proyecto. El primero corresponde a arquitectura y estructuras, que concentra el 45% del presupuesto y abarca el diseño arquitectónico, el refuerzo de muros portantes y la creación de nuevos forjados de madera. El segundo se centra en la restauración patrimonial, con actuaciones sobre los muros de ladrillo, el artesonado de madera y el lienzo de la muralla romana situado en el pabellón Este, uno de los elementos de mayor valor histórico del conjunto.

El tercer ámbito corresponde a las mediciones y la seguridad, donde se evaluará la viabilidad económica del proyecto y se garantizará el control de calidad, asegurando que todas las mediciones estén vinculadas y sean trazables a partir del modelo digital. El cuarto bloque se ocupa de las instalaciones, y definirá los sistemas de climatización, iluminación LED, seguridad y telecomunicaciones necesarios para el correcto funcionamiento del espacio como museo.

La intervención afecta a una superficie útil de 3.351,83 metros cuadrados (5.213,89 construidos) en un inmueble de alto valor patrimonial y que cuenta con el máximo nivel de protección patrimonial, clasificado como nivel 0 de conservación integral. Tras anteriores actuaciones de consolidación estructural y rehabilitación de cubiertas, esta parte del edificio presenta actualmente una configuración diáfana, con arquerías de medio punto que han quedado plenamente visibles.

Las empresas adjudicatarias dispondrán de un plazo de seis meses para entregar la documentación completa, que se desarrollará en tres fases: una primera de modelado y definición patrimonial, una segunda de integración de instalaciones y coordinación espacial, y una última centrada en la obtención de mediciones y la elaboración del presupuesto.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte y ubicado en Córdoba, acoge en la exposición 'Peones del ya ya', de la artista sevillana Carla Martín. Se trata de una muestra que forma parte de los proyectos seleccionados en la convocatoria 2025 del programa Iniciarte, de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, y se presenta como una de las propuestas de creación emergente en el ámbito de las artes visuales en Andalucía. Se podrá visitar hasta el próximo 20 de septiembre.

Según ha informado la Junta de Andalucía en una nota, la iniciativa se desarrolla en colaboración con el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y se enmarca en las acciones de apoyo a la creación emergente andaluza impulsadas por la Agencia a través del Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Iaapv).

Carla Martín plantea con 'Peones del ya ya' una investigación artística en torno al fenómeno de los denominados 'biblically accurate angels' y su reinterpretación en comunidades digitales desde comienzos de la década de 2010. A partir de las ambigüedades presentes en las descripciones de los ángeles en el Antiguo Testamento, la artista propone un proceso de deconstrucción --un 'despiece'-- que se materializa en una serie de objetos escultóricos que desbordan sus propios límites formales.

El proyecto se articula en dos líneas de trabajo complementarias. Por un lado, una investigación material centrada en el procesado de la imagen, el uso de software gráfico y la traducción como herramienta escultórica. Por otro, una aproximación conceptual orientada a la construcción de sistemas de sentido propios, donde la acumulación de decisiones formales genera objetos saturados de significado en un ejercicio de 'worldbuilding'.

La práctica de Carla Martín se caracteriza por una lectura transversal de la historia visual contemporánea, en la que conviven referencias simbólicas y arquetípicas con lenguajes asociados a la cultura popular, como el fanart, el diseño de personajes, el anime o el 'cartoon'. Estos recursos se incorporan como parte de una sintomatología visual propia del presente. Como complemento a la exposición se ha editado un catálogo que incluye textos de Vera Martín Zelich, para acompañar y contextualizar el proyecto.

La última obra que ve la espectadora al final de la última sala de la exposición monográfica dedicada a Rita Rutkowski, en la sala Vimcorsa, tiene formato pequeño y se titula Lo que queda (2023). En ella, desde un campo de color rojo emerge una figura geométrica cuyo significado, como ocurre casi siempre ante las obras de la pintora, lo tiene que descifrar el ojo de quien lo mira. Inevitablemente el cerebro conectado a esa mirada piensa en la dificultad de los grandes formatos para una artista de más de 90 años. Pero también, en que tal vez algo de los ciclos de la vida esconde esa imagen.

La exposición, A train of thoughts (Un hilo de pensamiento), que reúne un total de 135 obras, entre pinturas, dibujos y bocetos de la pintora neoyorquina-cordobesa, a punto estuvo de titularse como ese pequeño cuadro: Lo que queda. Una verdad rotunda sobre su legado tras cinco décadas de trayectoria artística. Sin embargo, la decisión final acabó en un título más vital para una pintora cuya mente sigue funcionando como un tren en marcha, y donde el arte es una herramienta de exploración continua.

Nacida en Londres en 1932, de familia polaca, pero criada en Nueva York -su ciudad-, Rita aterrizó en la década de los 50 en Europa gracias a una beca Fulbright. Si conseguir esa beca sigue siendo hoy igual que escalar el Everest del talento, hay que ponerse en el contexto de una mujer en los años 50 para darle a la hazaña el enorme valor que posee. Aquel viaje europeo la trajo hasta Córdoba, ciudad de la que se quedó enganchada y donde acabó viviendo desde 1959. Otra hazaña.

Ella supuso un contraste radical aquí. De hecho, a veces aún lo sigue suponiendo. “Una figura exótica”, tal y como la define durante el recorrido el crítico de arte Ángel Luis Pérez Villén. Una mujer formada en la metrópoli cultural del mundo aterrizando en una Córdoba que, aunque fascinante para ella por su riqueza cultural, era un lugar socialmente cerrado y miserable en términos de libertad profesional para las mujeres. La propia artista confiesa que durante años se sintió tratada como un “bicho raro escapado del zoológico” o “un fantasma”. Aunque una vez instalada, Rita siguió pintando sin importarle nada.

Trajo consigo el bagaje de la Cooper Union, una institución deudora de la Bauhaus y en un entorno artístico mucho más tradicional, ella representó la irrupción de la Escuela de Nueva York, inoculada por el surrealismo y el expresionismo abstracto de figuras como De Kooning o Arshile Gorky. Su obra dialogaba con las vanguardias históricas (Picabia, Duchamp, De Chirico) en un momento en que Córdoba apenas comenzaba a abrirse a la modernidad.

Se asomó a la pequeña puerta por la que se colaban esos ecos de otros mundos en la ciudad, a través de las exposiciones de arte contemporáneo en el Círculo de la Amistad, el lugar más moderno de aquella Córdoba a diferencia de lo que es hoy; de los cineclubes en este mismo espacio y de figuras como Carlos Castilla del Pino, quien no solo fue un amigo cercano, sino el intérprete que ayudó a que la sociedad de la época comprendiera la profundidad y la dureza de la propuesta estética de Rutkowski.

El psiquiatra definió su obra como “animista”. Según su visión, Rita tenía la capacidad de insuflar vida a cualquier objeto que tocaba, ya fuera inerte, metálico o vegetal; bajo su pincel, las cosas que no tenían vida adquirían de pronto una existencia orgánica o humana. La estrecha relación entre ambos, sumada al apellido extranjero de Rita y su costumbre de vestir de negro siguiendo la estética existencialista, alimentó rumores en la Córdoba de de la época que sugerían que ella era una espía rusa vinculada al entorno del psiquiatra comunista.

Pasear y reflexionar al fresco de esta exposición será posible hasta el próximo 5 de julio para poder, tal y como reza la frase de la pintora que cruza una de las salas, “entender el mundo que nos toca vivir. Comprender mejor la condición humana. Una búsqueda interior para poder profundizar al máximo en esa aventura que es el arte, que te lleva cada vez más a lo desconocido”.

Y si todo esto fuera poco sugerente, aquí van algunas claves a través de una selección de sus obras, ante las que se detuvo la comitiva ciudadana en la visita guiada por los expertos. Un paseo bajo la atenta mirada de una silenciosa espectadora llamada Rita Rutokoswki.

Imágenes en la calle (1958-1959)

Esta es una de las piezas fundamentales de la etapa inicial de Rita Rutkowski. Ubicada en la «sala negra» de la exposición, este espacio reúne obras iniciadas en Nueva York y finalizadas en Córdoba tras su llegada en 1959. Visualmente, la obra presenta una estructura abstracta que simula una torre envuelta en colores plomizos, los cuales Rita identifica como “el color de Córdoba”. 

La pintura es una síntesis de su transición vital: mezcla un fondo neoyorquino con elementos puramente locales, como unas ventanas negras que parecen “ojos negros” y que, según la interpretación de la autora, son elementos que simbolizan las miradas de las mujeres que observan constantemente desde el interior de las casas o en las calles de la ciudad, tal y como contó en esta entrevista de 2014.

La obra, que actualmente forma parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Córdoba, es considerada “una pieza bisagra”, un paisaje reinterpretado bajo la óptica personal y el ánimo de la artista en aquel momento de cambio, influida por el expresionismo, el surrealismo y el existencialismo.

La persistencia de cierta imagen (1976)

Las “criaturas de tormento” y el malestar existencial aparecen en sus obras de los años 70. Un expresionismo figurativo cargado de una profunda dimensión ética y existencial para centrarse en la condición humana.

Estas representaciones son la iconografía del dolor. No buscan la verosimilitud física, sino proyectar estados de sufrimiento, angustia y desolación a través de cuerpos deformados, rostros desdibujados y figuras en escorzos violentos que recuerdan a la tradición de Francis Bacon.

Una pintura que no es ajena a la realidad política. Obras como Homenaje a Chile denuncian explícitamente el golpe de estado y la violencia, mientras que El nuevo sol alude de forma crítica al régimen franquista. La pintura de la imagen bien podría representar la muerte del Che Guevara, asesinado en 1967.

En la calle (serie The Crash, 1986)

La poeta Juana Castro dio la clave para entender esta serie, una de las más potentes y reconocibles de Rutkowski, centrada en la representación de accidentes automovilísticos. Su amiga poeta habló del “lirismo de la violencia”. A pesar de la dureza de los temas (sangre, huesos, accidentes), se impone su capacidad para usar el color (azules, malvas) para dar una dimensión poética al dramatismo de la escena.

Tras las imágenes, las huellas de J. G. Ballard y la sospecha de que tal vez David Cronenberg vio algunas de estas pinturas antes de rodar Crash una década después. Para la artista, estas obras no son solo una representación de chatarra, sino que simbolizan el “fin de una historia”. El choque representa un punto final en el que se captura un momento de crisis absoluta.

Lo orgánico y lo metálico se relacionan aquí abajo un tormento que parece no acabarse. El metal accidentado es tratado con la misma intensidad dramática que la de los cuerpos sufrientes de la etapa anterior, enfrentados en esta sala.

Un gran ejemplo del dominio de Rita para insuflar vida (el animismo mencionado por Castilla del Pino) a objetos inertes, convirtiendo un siniestro vial en una reflexión profunda sobre la existencia y su vulnerabilidad.

Doble imagen (1988)

Esta figura y su correspondiente reflejo profundiza en la dualidad entre la realidad y su representación. La pintura aquí sirve como vehículo para explorar la dualidad filosófica entre el ser y el parecer.

¿Y cuál de las dos figuras es más real? ¿la humana o su reflejo monstruoso? Puede que ambas proporcionen información valiosa sobre el sujeto. Una pintura que evidencia el expresionismo larvado que siempre está presente en la producción de Rita, incluso en sus piezas de apariencia más sosegada.

Doble imagen funciona como una investigación sobre la disolución del «yo» contundente, sugiriendo que la identidad se compone tanto de lo que somos como de lo que aparentamos o reflejamos ante los demás.

Salto mortal (1987)

Dos obras que funcionan como una sola explorando la resolución del tiempo y el espacio en un mismo plano. Tras pasar por las turbulencias dramáticas de los cuerpos atormentados y los coches accidentados, aquí cambia la paleta cromática para ofrecer belleza, elegancia, simpleza y magnificencia absoluta.

Una obra que parece simbolizar el riesgo de quien se juega la vida en el aire, pero también el riesgo artístico de una pintora heterogénea que no teme explorar extremos emocionales y estéticos opuestos.

Axis Mundi (de 1984 a 2013)

Este retablo Rutkowskiano lo componen 24 piezas que el comisario y sus asesores han titulado Axis Mundi (Eje del Mundo). Se trata de un montaje no convencional en esta exposición antológica, un riesgo que no acaba de convencer a la pintora, ya que sus obras podían “perder dignidad” al no ser vistas de forma individual y aislada.

La idea conceptual se basa en las teoría de las religiones de un eje axial que conecta tres planos: el inframundo (el interior de la Tierra), el mundo terrenal y la cosmogonía o los cuerpos celestes. Aquí se crea una estructura vertical de obras para representar este eje con imágenes de huecos en la tierra en la base, en un montaje que asciende a través de paisajes que se vuelven más espirituales y menos terrenales, utilizando representaciones de torres vigía, azoteas, terrazas y rascacielos.

El montaje incluye piezas de su serie sobre la ciudad dorada (Nueva York), bloques de pisos y torres que vigilan el mar. El objetivo era mostrar cómo la mirada de Rita se eleva desde el nivel de la calle hasta el skyline. Una metáfora visual de su trayectoria : un camino que conecta sus raíces más profundas con su aspiración hacia una pintura más espiritual, etérea y madura.

El escritorio verde y Libro y copa (1999)

Preguntada al final de una visita donde la artista ha sido una espectadora más, sin enmendar la plana a los guías en ningún momento, reconoce que “en general” está contenta con la exposición monográfica que la ciudad le ha dedicado. Pero que no puede evitar ser “muy autocrítica”, ya que le cuesta ver “obras que no son redondas mezcladas con obras redondas, que son más bien obras intermedias, de puente”.

¿Y cuál es alguna de estas obras redondas? La artista responde sin dudar mirando hacia dos pequeñas pinturas que están en la sala donde nos encontramos, la parte de sus paisajes. “Estas son muy especiales”, pero no explica por qué. El escritorio verde recuerda a un archipiélago en medio de un mar caribeño, y Libro y copa es una abstracción que realmente parece pasada por un filtro etílico.

Los paisajes autorales de Rita Rutkowski jamás son copia de la realidad, sino un pretexto para contar cosas y transmitir emociones, donde una estructura abstracta puede representar el ánimo de la artista en cualquiera de sus estéticos ciclos vitales y que tiene la generosidad de permitir siempre al espectador adherir su propia lectura a una pintura que se defiende, siempre, siempre, por sí misma. 

Un paseo por la exposición de Rita Rutkovski en la sala Vimcorsa de Córdoba.