La artista cordobesa Eva Llamas ha inaugurado en el Colegio de la Abogacía de Córdoba la exposición Mujer, raíz y vuelo, un proyecto que reúne más de una treintena de obras entre escultura mural, exenta y pintura matérica.

La muestra supone una evolución natural del proyecto Desde mi interior, presentado en 2024 en el Palacio de Viana, en el que la artista abordaba el mundo emocional, el amor y la condición humana desde una mirada introspectiva. En esta nueva propuesta, Llamas amplía ese territorio hacia los distintos ciclos de transformación que atraviesan la vida, entendidos no como una línea de inicio y final, sino como estados de cambio, aprendizaje y autoconocimiento.

El proyecto se articula como un recorrido simbólico que parte del origen y la raíz, entendido como aquello que nos sostiene y nos constituye, y avanza hacia procesos de tránsito, adaptación y expansión vital. La exposición plantea así una reflexión sobre cómo las experiencias, los vínculos y las circunstancias van configurando la identidad a lo largo del tiempo.

Eva Llamas viene desarrollando una línea de trabajo centrada en la exploración del cuerpo, la materia y el símbolo. Se expresa a través de técnicas mixtas en un lenguaje predominantemente escultórico desde un enfoque contemporáneo y experimental. Su obra ha sido reconocida en distintos ámbitos del arte actual.

En cuanto a su trayectoria y muestras individuales más recientes destaca su presencia en el Museo de Arte Contemporáneo Mayte Spínola, así como en el Castillo de Cañete de las Torres en el marco del Festival Calles en Flor 2025, donde ha mostrado parte de su producción en el marco de proyectos vinculados al arte contemporáneo. Asimismo, cabe destacar su implicación en la organización multidisciplinar de la exposición colectiva Mujer, Arte y Alma, celebrada el pasado mes de febrero en el Palacio de Viana desde la Asociación Mujer y Poder.

Ha sido reconocida recientemente con el tercer premio de escultura de la asociación andaluza cREA, y con el Premio Artes Plásticas 2025 en el marco de los IV Premios a la Cultura Memorial José María Toro Sánchez, consolidando así una trayectoria en expansión dentro del panorama artístico actual.

El anuncio del Ayuntamiento de Córdoba de ceder parte de las Caballerizas Reales a la Fundació de les Arts i els Artistes, una empresa privada que gestiona el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, ha abierto una enorme grieta en el ecosistema cultural local de la ciudad. Lo que el gobierno municipal ha querido presentar como una oportunidad estratégica —convertir a la ciudad en la única subsede española de este museo centrado en el arte figurativo— ha sido recibido por la plana mayor del sector artístico de la ciudad como una decisión opaca que compromete el futuro de la política cultural, especialmente en materia de arte contemporáneo.

El protocolo aprobado el pasado lunes por la Junta de Gobierno Local contempla la cesión del nivel cero y el nivel uno del ala este de Caballerizas, miles de metros cuadrados en un edificio único en el mundo, donde se habilitarán dos salas expositivas, espacios de recepción y servicios asociados. La sala principal, dividida en dos áreas, se convertiría en el núcleo museístico de esta futura subsede dedicada al arte figurativo contemporáneo, pero vinculada a una entidad de la capital catalana.

El anuncio del lunes, esta vez, ha provocado una reacción inmediata y ciertamente ruidosa para una ciudad que, en lo relativo a las políticas culturales, suele hablar más en corrillo que de manera pública. Así, en poco más de 24 horas, cerca de medio millar de artistas, comisarios y gestores culturales se han adherido a una carta abierta que cuestiona tanto el fondo como la forma de la operación. El documento plantea una pregunta central: por qué el Ayuntamiento opta por “hipotecar” su política cultural cediendo la gestión de un espacio clave a una entidad privada sin concurso público ni informes que justifiquen la decisión.

En realidad, la documentación aportada, sí que justifica la cesión. En el borrador del protocolo se defiende, por un lado, que el MEAM es “un referente mundial del arte figurativo, con más de 200.000 seguidores en sus diferentes redes sociales”, y que cuenta con el concurso Figurativas, al que califican como “el más importante de escultura y pintura del mundo”; y, por otro, que la relación entre el museo catalán y Córdoba “es profunda y bidireccional”, citando exposiciones pasadas y el hecho de que “son numerosos los artistas de Córdoba que mantienen una relación activa con el MEAM”. Por último, también mencionan que “Córdoba es una de las ciudades de referencia en el arte figurativo español contemporáneo, con creadores de referencia en la pintura y la escultura desde Julio Romero de Torres y Mateo Inurria”. “Este arraigo artístico justifica plenamente que Córdoba sea la ciudad elegida para albergar su primera gran subsede”, concluye el protocolo.

Un proyecto gestado durante años

Más allá de los calificativos sin contrastar que se otorgan al museo barcelonés, lo cierto es que la polémica actual no surge de la nada. El origen de este proyecto se remonta a enero de 2021, cuando el Ayuntamiento escenificó un acuerdo institucional para transformar Caballerizas en un Centro Internacional del Caballo, bajo la gestión de Córdoba Ecuestre. En aquella reunión participaron representantes institucionales y económicos, pero también dos figuras del ámbito artístico: el escultor José María Belmonte y el comisario Félix Ruiz Cardador.

Su presencia no fue casual. Ya entonces se anticipaba que la planta superior albergaría un museo de arte contemporáneo y la presencia en la foto de estos dos miembros del grupo Córdoba Contemporánea sorprendió al sector cultural, que comenzó a trasladar en privado dudas sobre la cuestión. Las disipó el alcalde, un día después. En un acto público, José María Bellido respaldó públicamente el papel de Belmonte como posible figura clave en la definición de contenidos de la futura sala.

Aunque el proyecto no se explicitó en aquel momento, con el tiempo se fue revelando la conexión con el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, un espacio centrado en el arte figurativo que, en Córdoba, estaba vinculado al grupo Córdoba Contemporánea, formado por Francisco Arroyo Ceballos, José Manuel Belmonte, Manuel Castillero, Rafael Cervantes, Francisco Escalera, José Luis Muñoz, María José Ruiz, Félix Ruiz Cardador, Pepe Puntas, José María Serrano y Francisco Vera Muñoz.

El grupo había protagonizado por esas fechas Islas al mediodía, una exposición que sumó 14.000 visitas en la Sala Vimcorsa -fue la más exitosa hasta ese momento-. Y dos años después, el MEAM aportó numerosas obras para El renacer de la figuración, otra muestra comisariada por Ruiz Cardador, y que también se celebró en Vimcorsa, tras ser visitada por 11.000 personas, según datos de la organización. Fue una especie de globo sonda de lo que se ha aprobado este lunes.

De la expectativa local a la cesión externa

Sin embargo, el proyecto pasó a una especie de segundo plano cultural minetras el alcalde se implicaba personalmente en la llegada y la continuidad de TBA21 (Thyssen-Bornemisza Academy) al Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), aportando fondos municipales para un espacio que era titularidad de la Junta de Andalucia, y con el que, a su vez, cristalizaba su idea de la cultura franquiciada al estilo Málaga.

Aquella aventura, la de TBA21, acabó en sonado divorcio cuando el alcalde, por un lado, y la ya exdirectora del C3A, Jimena Blázquez, por otro, anunciaron que no se renovaría el acuerdo con Thyssen sin que en el gigante del arte contemporáneo tuvieran todavía comunicación oficial. Aquello se supo en septiembre de 2024.

Dos meses después, en noviembre de 2024, se aprobó la innovación urbanística para habilitar la planta superior de Caballerizas Reales como sala de creación artística, aunque sin definir todavía el tipo de arte que acogería ni quién se haría cargo de su programación. En julio de 2025, en una rueda de prensa en Caballerizas, el alcalde confirmó que seguía en pie la propuesta, aunque lo prioritario era entonces la cesión del edificio a Córdoba Ecuestre.

Dicha cesión se protocolizó en abril de este año (aún está pendiente de alegaciones), en un acto en el que no se entró a hablar concretamente de la parte del edificio destinada a la sala museística. Ha sido finalmente este pasado lunes cuando la Junta de Gobierno Local aprobó el protocolo de cesión de la que será la sala cultural municipal más grande de la ciudad a una entidad con sede en Barcelona.

La reacción, ahora a viva voz y con nombres y apellidos, no ha tardado en llegar. Más de medio millar de artistas, creadores y comisarios culturales de la ciudad de Córdoba, entre ellos nombres de mucho peso, han cuestionado la cesión directa, sin concurso público ni participación del tejido local.

La tensión, lejos de disiparse, parece destinada a crecer. La publicación de la carta abierta ha dado visibilidad a un malestar que llevaba cinco años gestándose y que ahora se expresa, por primera vez, de forma pública y notoria. Algunos teléfonos, de hecho, han comenzado a sonar, algunos mensajes ya muestran el enfado por una decisión que ha causado sorpresa en ciertos sectores, a pesar de que lleva cinco años fraguándose lentamente a la vista de todo el mundo.

La comunidad artística de Córdoba ha expresado sus dudas tras el anuncio del Ayuntamiento de la firma de un protocolo para ceder la gestión de las futuras salas expositivas de las Caballerizas Reales al Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), una entidad privada con sede en Barcelona, centrada en el arte figurativo español del siglo XXI.

Tras la noticia, más de dos centenares de artistas, comisarios y gestores culturales (la plana mayor del mundo del arte en Córdoba, si se mira la nómina de adhesiones) se han sumado a las reflexiones hechas en una carta abierta que se pregunta el por qué de esta cesión. “Resulta, por tanto, inevitable preguntarse por qué el Ayuntamiento opta por comprometer, por hipotecar su política cultural en el ámbito de las artes plásticas, cediendo la gestión de una infraestructura tan necesaria a una entidad concreta, sin que medie un proceso de concurrencia pública ni se hayan hecho públicos informes o estudios que justifiquen una decisión de tal alcance”, plantean.

Recuerdan además que, actualmente, el Ayuntamiento de Córdoba dispone únicamente de dos espacios expositivos: la sala Vimcorsa y la Casa Góngora, ambos considerados insuficientes para cubrir las necesidades culturales de la ciudad, y que la adecuación de las Caballerizas Reales se planteaba como una oportunidad para ampliar esta oferta, si bien el modelo elegido ha generado dudas sobre su idoneidad.

A su juicio, el debate trasciende el ámbito administrativo y se centra en el modelo cultural que necesita la ciudad. Los impulsores (y el casi centenar de personas adheridas al manifiesto) advierten de que la implantación de una propuesta privada y especializada podría derivar en “una suerte de franquicia museística de carácter excluyente”, en vez de apostar por “una programación propia, rigurosa, abierta y diversa, capaz de acoger todas las manifestaciones del arte contemporáneo, con independencia de su adscripción estética o grado de realismo”.

“La implantación de este modelo —de carácter privado, restrictivo y eminentemente orientado al turismo— podría impedir que, en unas salas rehabilitadas con fondos públicos, encuentren espacio artistas cordobeses de reconocida trayectoria por el mero hecho de estar vinculados con lenguajes no figurativos”, abunda la carta, que cita nombres como el colectivo Equipo 57, distinguido con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Antonio Povedano, Pepe Espaliú, Hisae Yanase o Rita Rutkowsky.

Asimismo, los firmantes recuerdan precedentes recientes como el del CAC Málaga, cuya gestión ha sido revertida al ámbito público por el Ayuntamiento de Málaga tras cuestionarse el modelo de externalización. Es -a su juicio- “un modelo caduco que aquí, inexplicablemente, el Ayuntamiento de Córdoba pretende imponer y que, por excluyente, sin duda resultará una losa para el enriquecimiento artístico y cultural de la ciudad”.

El colectivo concluye reclamando mayor transparencia y rigor en la toma de decisiones, así como la apuesta por un espacio expositivo municipal propio, con una programación abierta y diversa que refleje la pluralidad del arte contemporáneo.

Entre los firmantes están artistas y profesionales de reconocido prestigio como Juan Cuenca, Joaquín Fayos, Jesús Alcaide, Miguel Ángel Moreno Carretero, Miguel Gómez Losada, Álvaro Rodríguez Fominaya, Diego Ruiz Alcubilla, Hâshim Cabrera, Tete Álvarez, Pablo Rabasco, Mariano Navarro, Regina Pérez Castillo, Juan Francisco Rueda, Marisa Vadillo o José María Palencia, junto a comisarios, críticos de arte, investigadores, arquitectos, gestores culturales, docentes y ciudadanos vinculados al ámbito cultural.

La residencia artística para mujeres 'Arte Viva' inicia su tercera edición con el objetivo de seguir dando espacio, impulso y visibilidad a creadoras que quieran desarrollar su trabajo en un contexto de convivencia, formación, acompañamiento profesional y creación compartida. La convocatoria permanecerá abierta hasta el 30 de junio de 2026 y seleccionará a 14 mujeres artistas, que participarán en la residencia del 26 de agosto al 2 de septiembre en Los Blázquez.

En rueda de prensa, la delegada de Igualdad de la Diputación de Córdoba, Auxiliadora Moreno, que promueve este proyecto, ha señalado que “tras el recorrido de la pasada edición, 'Arte Viva' se consolida como una propuesta cultural con identidad propia dentro del territorio cordobés”.

Así ha señalado que “participaron 14 artistas de distintas disciplinas y se recibieron 42 solicitudes, confirmando el interés creciente por un proyecto que no plantea solo una estancia artística, sino un espacio real para avanzar en una obra, compartir el proceso y generar vínculos duraderos entre creadoras”.

Por su parte, la alcaldesa de Los Blázquez, Zulima Perea, ha mostrado su satisfacción por “la buena aceptación que está teniendo este proyecto en el pueblo, creando experiencias de interacción de nuestros vecinos con las artistas participantes”.

La tercera convocatoria está dirigida a mujeres mayores de 18 años, sin límite de edad, nacidas o residentes en la provincia de Córdoba. Además, esta edición volverá a reservar dos plazas para mujeres que no hayan nacido o residido en la provincia, abriendo el programa a otros perfiles y favoreciendo el intercambio de trayectorias, procedencias y lenguajes artísticos. Podrán presentarse creadoras de ámbitos como artes plásticas, música, teatro, danza, literatura, cine, fotografía y otras formas de expresión contemporánea.

Cada participante deberá presentar un proyecto artístico propio para desarrollar durante la residencia. Las propuestas podrán encontrarse en cualquier fase, desde la idea inicial hasta una fase avanzada o de finalización. La organización cubrirá alojamiento, alimentación, acceso a formadores y asesorías individuales, además del espacio de trabajo y del acompañamiento profesional necesario para el desarrollo de la estancia.

Para participar será necesario presentar un formulario de inscripción, porfolio, carta de motivación, biografía y propuesta de proyecto. La selección valorará la calidad artística, la creatividad, el impacto potencial del programa en la trayectoria de cada candidata y la diversidad de experiencias y disciplinas, con el fin de conformar un grupo plural y enriquecedor. El fallo se comunicará por correo electrónico una semana después del cierre de la convocatoria.

'Arte Viva' se plantea como algo más que una residencia artística, es una oportunidad concreta para que mujeres creadoras encuentren tiempo, contexto y acompañamiento para hacer avanzar su práctica en diálogo con otras artistas. Un espacio donde la creación no se separa de la convivencia, el aprendizaje y la posibilidad de proyectar el trabajo propio en un entorno de apoyo mutuo.

La frontera entre la justicia y la creación artística se difumina, una vez más, desde la mente de Mercedes Daza, jueza en la Audiencia Provincial de Córdoba y autora de la exposición 'Los pasos del pecado', donde las fronteras se eliminan y la imaginación transita sin límites entre la razón y la emoción, entre la letra de la ley y el trazo libre del pincel. El Centro UCOCultura inauguró este lunes una muestra que reúne once obras en las que la artista plantea un recorrido introspectivo por los límites morales contemporáneos.

Bajo un título cargado de resonancias simbólicas, Daza propone una revisión contemporánea de los pecados capitales, alejándose de la tradicional carga de culpa para situarlos en un escenario donde predominan la luz y el color. El mensaje es claro desde su prisma vital y artístico, en fondo y forma: en la sociedad actual, la pena se suspende. Es por ello que ha querido transformar ese imaginario clásico en una experiencia visual donde las formas -especialmente las piernas femeninas fragmentadas- irrumpen como elemento narrativo y disruptivo. La exposición invita así al espectador a interpretar, más que a juzgar, en un diálogo abierto entre lo ético y lo estético.

“Yo he entendido que, lo que era un escenario oscuro, ahora se ha convertido en todo lo contrario, en luz, en color”, subraya Mercedes Daza, quien hace hincapié en que ha querido dejar su sello “transfigurándome en piernas femeninas, que se insinúan, se entrelazan, se derriten, se disparan y, desde ahí, ir narrando los distintos pecados y una misma historia”. En definitiva, la autora afirma que los que visiten la exposición se van a encontrar “muchas ganas de pecar”.

La trayectoria de Daza refuerza el carácter singular de esta propuesta. Su carrera no solo se desarrolla en los tribunales, sino también en el ámbito literario y artístico, donde acumula más de un centenar de reconocimientos en certámenes nacionales e internacionales. Obras como Llueve o Cuentos de cama y despedida evidencian una voz narrativa consolidada, mientras que su producción pictórica se inscribe en un lenguaje conceptual donde la abstracción y la simplicidad formal funcionan como vehículos de reflexión.

Esa dualidad —la de quien aplica la ley y, al mismo tiempo, la cuestiona desde el arte— atraviesa toda su obra. Pasear por estas once muestras invita a dar rienda suelta a la imaginación. A dejarse llevar, desde un punto de visto imaginativo y onírico, hacia un mundo en el que el pecado deja de ser algo prohibitivo y goza de una atracción singular, incluso, en cierto modo, afectiva y carnal.

No hay duda que 'Los pasos del pecado' sigue una línea definida, aunque desde una mirada más ambigua y abierta. Un fondo común, pero al que se puede llegar desde diferentes prismas o puntos de vista. Todo depende del ojo desde el que se mire. No hay condena explícita, sino una invitación a reconsiderar los conceptos heredados. La artista parece situarse en un terreno intermedio, donde el juicio se suspende y el espectador debe completar el sentido de la obra. Esa ambigüedad, lejos de restar fuerza, potencia el impacto de una propuesta que interpela directamente a la conciencia.

La puesta en marcha de la exposición, que se podrá visitar hasta el próximo 6 de junio de lunes a viernes de 10:00 a 18:00 y sábados, domingos y festivos de 11:00 a 18:00, contó a su vez con la presencia del rector de la UCO, Manuel Torralbo; el presidente de la Audiencia, Miguel Ángel Pareja Vallejo; y el abogado y profesor asociado del Departamento de Derecho del Trabajo de la UCO, Federico Medina.

Torralbo puntualizó que la artista busca “nuevas formas de trasladar el arte”, además de reiterar que “la Universidad tiene que ser la casa de la cultura y, aunque nuestra sede es pequeñita, tiene un corazón grande y siempre está llena de actividades de artistas que quizá no tienen oportunidades de exponer en otros espacios”.

Mercedes Daza es una creadora poliédrica que habita en la frontera donde la palabra y el lienzo se funden. Artista plástica, escritora, doctora en Derecho y jueza en ejercicio en la provincia de Córdoba. Su trayectoria le permite diseccionar la realidad con una agudeza que trasciende el rigor de la norma para reconstruirla bajo el prisma de la ficción y el color.

En su obra, la narrativa visual y el peso del concepto se entrelazan en una voz inconfundible que no solo cautiva la percepción, sino que sacude la conciencia, dejando un rastro indeleble donde la observación analítica y la expansión creativa convergen en un mismo horizonte de libertad.

El Festival Internacional de las Flores (Flora) lanza la sexta edición de Patio Talento, una convocatoria dirigida a artistas y colectivos noveles para darles la oportunidad de participar en el que es el mayor evento de arte floral contemporáneo y botánica del mundo. La novena edición de esta gran cita cultural se celebrará en octubre de 2026 en diferentes localizaciones de Córdoba.

Con esta convocatoria, según informa la organización, Flora busca ofrecer a artistas o colectivos que nunca han realizado una gran instalación floral la posibilidad de crear una obra que se presente a competición junto con las otras cuatro instalaciones del festival, que serán desarrolladas por prestigiosos creadores de arte contemporáneo y/o vegetales reconocidos a nivel internacional.

Este año ya se ha anunciado la participación de Flover, uno de los estudios de arte floral más relevantes y transgresores de Estados Unidos, y Taller Banegas, estudio fundado por Alejandro Fernández Banegas, nombre destacado de la escena nacional emergente.

Los artistas o colectivos noveles interesados podrán presentar sus solicitudes hasta el día 25 de mayo. El ganador de Patio Talento será comunicado a través de las redes sociales y la web de Flora a partir de la tercera semana del mes de julio de 2026.

Como cada año, los cinco artistas participantes en el certamen podrán optar a uno de los premios en metálico de Flora: un primer premio de 25.000 euros y un segundo premio de 10.000 euros. Estos galardones superan a los de cualquier otro evento floral del mundo.

La convocatoria para artistas noveles nació en la edición de Flora 2021 con el fin de abrir el festival al arte emergente, así como expandir el arte floral contemporáneo y fomentar la generación de talento en torno a esta disciplina, uno de los objetivos del festival desde sus inicios.

Ganadores de ediciones pasadas

En la primera convocatoria, la ganadora fue Terabitia (proyecto floral de la artista Carolina Estévez) con la instalación Desideratum, que obtuvo el Premio del Público 2021. El siguiente año, Kokon (María Eugenia Diego) fue seleccionada para Patio Talento y se convirtió en la ganadora del festival con su instalación Ovidio. Por primera vez en el festival, una artista emergente se alzaba con el primer premio, marcando un antes y un después en la historia de Flora.

En 2023 el colectivo Flowgardenz, seleccionado para Patio Talento ese año, conseguía el segundo premio del festival gracias a su instalación Célula. Por segundo año consecutivo un artista de la convocatoria de Patio Talento ocupaba un puesto en el palmarés en el festival; clara muestra del creciente interés por el arte botánico de los artistas emergentes, así como de la calidad de la convocatoria, que cada año recibe propuestas de mayor nivel artístico enviadas desde todas partes del mundo.

En la cuarta convocatoria de Patio Talento la ganadora fue la artista alemana Carolin Ruggaber con su obra Fusion, y, el año pasado, ganó la quinta convocatoria el artista español Ikefrana con su obra Semillas nómadas.

¿Cómo participar?

Los candidatos interesados en participar en Patio Talento deberán mandar un correo electrónico a 'info@festivalflora.com' adjuntando el compromiso de confidencialidad --a descargar en la web de Flora-- firmado. Una vez recibido y conforme, la organización enviará al solicitante la documentación técnica relacionada con el patio a intervenir.

Como novedad, para facilitar la inscripción de candidaturas, este año la organización ha establecido una primera fase en la que solo se requerirá la propuesta artística y la motivación de las candidaturas. Una vez cerrada esta primera fase la organización seleccionará un máximo de cinco propuestas que deberán ser desarrolladas a nivel técnico y presupuestario. Las bases, compromiso de confidencialidad y el resto de los documentos relativos a la convocatoria están disponibles en la web 'www.festivalflora.com'.

En las ocho ediciones realizadas han pasado por Flora 47 artistas de 20 países, con nombres como Alfie Lin (China), Emily Thompson (Estados Unidos), herman de vries (Holanda), Hideyuki Niwa (Japón), Inés Urquijo y Nuria Mora (España), Loose Leaf (Australia), Mark Colle (Bélgica), Mary Lennox (Australia), PHKA (Tailandia), Putnam Flowers (USA), Shane Connolly (Reino Unido), Soledad Sevilla (España), Tadao Cern (Lituania), Tableau (Dinamarca), Thierry Boutemy (Francia), This Humid House (Singapur), Tomas de Bruyne (Bélgica), Waterlilly Pond (Estados Unidos) o Yuji Kobayashi (Japón), entre otros.

La ciudad de Córdoba recuperará a partir de este miércoles la figura del pintor Rafael Pineda (1931–2009). Lo hará con una propuesta expositiva que combina arte, patrimonio y tecnología: una ruta por el casco histórico con doce paradas y un total de 49 obras que, hasta ahora, permanecían guardadas en un almacén familiar, sin haber sido expuestas al público.

La iniciativa, producida por La Inaudita -que ya el año pasado organizó una pequeña muestra de inéditos-, se inaugurará este miércoles 15 de abril y se prolongará hasta el 30 de mayo, articulándose en torno a tres espacios principales —Casa 12PB, Palacio de Viana y La Inaudita— junto a nueve restaurantes y tabernas donde parte de la obra del artista ha convivido durante décadas de forma integrada.

Lejos de una exposición convencional, el proyecto propone al visitante un recorrido urbano en el que las piezas dialogan con la propia ciudad. “No es un artista redescubierto, sino alguien que nunca necesitó ser descubierto”, subrayan los organizadores sobre Pineda, nacido en el barrio de Capuchinos y fallecido en 2009 tras una vida dedicada silenciosamente a la pintura.

El itinerario permite contemplar por primera vez una parte significativa de su producción, compuesta por obras que han permanecido ocultas durante años. A ellas se suman otras piezas ya presentes en distintos establecimientos del casco histórico, configurando una exposición distribuida que invita a redescubrir Córdoba a través de la mirada del artista.

Como elemento diferencial, la ruta incorpora una aplicación web progresiva que guía al visitante sin necesidad de descarga ni registro. Mediante códigos QR situados en cada parada, el sistema ofrece contenidos literarios, orienta el recorrido y registra las obras visitadas, incluso sin conexión a internet. Disponible en seis idiomas, la herramienta recompensa a quienes completen el itinerario con un incentivo canjeable.

La inauguración tendrá lugar a las 20:00 horas en Casa 12PB, con un concierto en directo del guitarrista Chapi Pineda, hijo del pintor, en un acto que unirá música y pintura como homenaje intergeneracional. Comisariada por Juan Luis Piqueras Merino, la propuesta cuenta con la colaboración del Palacio de Viana y Casa 12PB, así como la participación de diversos establecimientos históricos de la ciudad.

El Primavera Science Festival, de la mano de las investigadoras Esther Vega, Cristina García y Azahara Arévalo, ha abordado la “fórmula científica” del bullying y el poder transformador del arte, destacando que la ciencia y el arte tienen “mucho más en común de lo que se piensa”, pues ambos son procesos creativos que parten de la curiosidad y buscan respuestas a las preguntas que se hace la sociedad.

Según ha informado la Universidad de Córdoba (UCO) en una nota, con esa premisa, el Primavera Science Festival ha vuelto al bar Limbo para crear un espacio donde se crucen los talentos investigadores y creativos del personal científico de la Universidad de Córdoba. Este pasado miércoles se ha inaugurado la tercera edición de esta cita con una sesión dedicada a un tema que sigue preocupando a la sociedad: el acoso escolar.

Esther Vega y Cristina García, del Laboratorio de Estudios sobre Convivencia y Prevención de la Violencia (Laecovi), investigan las dinámicas del bullying y la violencia escolar y juvenil, así como las vías para la construcción de vínculos sociales basados en el reconocimiento de las otras personas como iguales.

Ellas han sido las encargadas de acercar al público la realidad del acoso escolar y cómo se produce el acercamiento a este fenómeno a través de las ciencias sociales, mediante una metodología científica basada en el estudio del comportamiento humano a través de la observación, las entrevistas o el análisis. A lo largo de su charla, han explicado que el acoso escolar “sigue incluso una fórmula científica en la que participan tres componentes: la repetición, la intención y el desequilibrio”.

En el Departamento de Educación de la Universidad de Córdoba, además, se investigan metodologías docentes innovadoras, como la basada en la educación musical. La profesora del Departamento de Educación de la UCO y maestra de Educación Musical Azahara Arévalo, acompañada de sus alumnas Clara y Nuria, han completado la primera sesión del Primavera Science Festival apelando al poder transformador de la música y de la poesía, con un recital de piano y flauta travesera al que, después, se sumó la lectura de varios poemas sobre el bullying y la convivencia escolar.

El Primavera Science Festival tendrá su segunda sesión el próximo miércoles, 15 de abril con, el recital poético-musical de Susana Díez de la Cortina Montemayor, del Departamento de Estudios Filológicos y Literarios, y la charla 'La luz (casi) nunca los falla: secretos y desafíos de la red eléctrica del siglo XXI', a cargo del catedrático de Ingeniería Eléctrica y de Computadores Antonio Moreno Muñoz. Será en el bar Limbo a las 19,00 horas, con entrada libre.

Primavera Science Festival recoge el testigo del evento Ciencia en el bar, y busca llevar la divulgación, la ciencia y el arte, disciplinas a menudo interconectadas y más compatibles de lo que pueda parecer a simple vista, a espacios cercanos a la ciudadanía.

Es una acción contemplada en el XII Plan Anual de Divulgación Científica de la Universidad de Córdoba, diseñado por su Unidad de Cultura Científica y de la Innovación, aprobado por Consejo de Gobierno y cofinanciado por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (Fecyt) del Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades.

El insólito periplo de una obra atribuida inicialmente al círculo de Julio Romero de Torres ha dado un nuevo giro inesperado. El cuadro, subastado en noviembre de 2025 en Londres bajo sospecha de no ser del pintor, sino de su círculo, finalmente se compró por un precio de cientos de miles de euros cuando algunos pujadores dudaron de esa calificación. Ahora, ha terminado regresando a España y formando parte de la colección del empresario y coleccionista pozalbense Blas García.

El viaje de la obra hoy conocida como Los celos no solo ha estado marcado por una subasta sorprendente en Londres, sino también por una larga historia de dudas, errores de atribución y revisiones que se remonta, al menos, a 2005. Aquel año, el cuadro —entonces titulado La Cordobesa— iba a ser subastado por Sotheby’s dentro de una importante venta de pintura española celebrada en Londres. La obra incluso llegó a exhibirse en Sevilla, junto a piezas de grandes nombres como Sorolla, Ramón Casas o Sunyer, con una estimación de salida de entre 104.000 y 149.000 euros.

Todo apuntaba a que superaría ampliamente los 200.000 euros. Sin embargo, la operación se detuvo en seco: antes de la subasta, comenzaron a surgir dudas sobre la autenticidad de la obra. Lo recuerda, en una conversación telefónica, la experta Mercedes Valverde, que en 2005 era directora de los Museos Municipales de Córdoba y fue contactada para certificar su autenticidad. Así, tras recibir inicialmente unas fotografías del cuadro sumamente oscuras, Valverde detectó dudas y solicitó examinar la obra en persona (algo que no pudo hacer).

“Cuando me llamaron en 2005, el cuadro tenía un dedo de un producto graso que me impidió ver cómo era la obra. Y no pude ir a Londres, así que expresé mis dudas porque, si no podía verlo, no podía certificarlo”, explica ahora Valverde, que también recuerda que había otra cuestión que le generaba intranquilidad: el hecho de que “el cuadro se vendió después de morirse Julio”. Además, Sotheby´s no dio entonces la medida correcta del cuadro y tampoco existía en 2005 ninguna fotografía de La cordobesa (posteriormente, apareció un daguerrotipo que sí demostraba que Julio la había fotografiado y era suya). Tampoco pudo entonces Valverde ver la firma que había en la parte trasera. Así que, finalmente, indicó que no podía autentificar la obra.

De “falso” a fenómeno en Londres

Con ese dictamen prudente, la casa de subastas optó por retirar la obra, que volvió a desaparecer del circuito público durante años. Concretamente, dos décadas después, la pintura reapareció en una subasta en Londres, en la casa Roseberys, esta vez atribuida al “Círculo de Julio Romero de Torres”, una catalogación habitual para obras de autoría dudosa.

El precio de salida, de apenas 400 libras, contrastaba con las cifras que había manejado Sotheby’s en 2005. Lo que ocurrió después fue un giro inesperado: la puja se disparó hasta las 95.000 libras, alcanzando más de 124.000 con comisiones, cerca de 140.000 euros. Una revalorización extraordinaria para una obra que, sobre el papel, no era auténtica. Expertos consultados calificaron entonces el episodio como “un disparate”, subrayando que rara vez se produce un incremento de tal magnitud en piezas catalogadas como no auténticas.

El desenlace ha sido aún más inesperado. El comprador que ganó la subasta nunca llegó a pagar la obra, lo que permitió que fuera ofrecida al segundo mejor postor: el coleccionista pozalbense Blas García, que posee varias obras de Romero de Torres. Lo cuenta a Cordópolis: “Por avatares de la vida, el cuadro de Londres famoso por ser catalogado como ‘falso’, ha acabado en mi colección finalmente y es una de las mejores obras de Julio”.

De nuevo, se requirió el concurso de la mayor experta en Romero de Torres, Mercedes Valverde, que esta vez sí ha podido desplazarse a Londres para valorar la obra en persona. Esa nueva revisión ha sido determinante. A diferencia de 2005, Valverde ha podido estudiar el cuadro en profundidad, incluyendo radiografías y un proceso de limpieza que ha permitido ver la pintura en su estado original.

“En esta ocasión sí he podido verlo, se han hecho radiografías, se ha limpiado y puedo certificar que es auténtico”, afirma con rotundidad. Y así es como La cordobesa se ha convertido en Los celos: “Se ha cambiado el nombre porque en el recibo de compra lo titulaba Los celos”. La limpieza ha sido clave también para el propietario. “La obra tras la limpieza es una auténtica joya”, asegura García. “Lo mejor es que estaba pura, puesto que jamás se había limpiado, por lo que la obra estaba tal cual la pintó Julio”.

El espacio cultural Limbo (calle Juan Rufo) acoge estos días una propuesta artística que invita a mirar la realidad desde otro ángulo. Bajo el sugerente título ¿Sufres pesimismo? ENTRETENTE, la artista cordobesa MariaLin presenta su primera exposición individual, una colección de collages analógicos que apuestan por el juego visual y la reinterpretación de imágenes como vía de escape frente al desánimo.

La muestra reúne distintas piezas originales pertenecientes a una misma serie, en las que Lin explora composiciones caleidoscópicas cargadas de color, contraste y simbolismo. A través de la técnica del collage, la artista construye nuevas narrativas visuales a partir de fragmentos, generando obras que invitan al espectador a detenerse, observar y encontrar múltiples lecturas.

La inauguración tuvo lugar el pasado jueves 26 de marzo, congregando a público interesado en descubrir el universo creativo de la autora. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 10 de abril, ofreciendo una oportunidad para acercarse al trabajo de una creadora singular dentro de la escena local.

MariaLin, natural de Córdoba, da así un paso importante con esta primera muestra en solitario que, además, coincide con su participación en la retrospectiva Boronía inaudita (1988–2014), que aún puede visitarse en La Inaudita

El cuadro de Julio Romero de Torres que llevaba décadas fuera del radar de los expertos y que ha sido comprado por el Estado ya tiene destino. Según ha podido saber Cordópolis, el lienzo Samaritanas, adquirido recientemente por el Ministerio de Cultura, tendrá como destino el Museo de Bellas Artes de Valencia (MuBAV), donde será expuesto tras su incorporación a las colecciones públicas.

La obra, firmada por el pintor cordobés Julio Romero de Torres, fue comprada por el Estado el pasado 12 de febrero en una subasta celebrada en Barcelona. El lienzo, que había permanecido durante décadas en manos de un particular, salió a puja en la casa Balclis y alcanzó un precio final de 140.000 euros tras diez ofertas.

Sin embargo, el Estado ejerció el derecho de tanteo, un mecanismo legal que permite a la Administración adquirir bienes culturales en subasta igualando la puja ganadora. De este modo, el Gobierno se adjudicó la pieza por el mismo importe, al que hay que sumar la comisión habitual de la casa de subastas, en torno al 25%, según fuentes conocedoras de la operación. Se trata de un caso en el que el Ministerio de Cultura ejerció el derecho de tanteo para la Comunidad Valenciana. Tal como indica la normativa legal, las comunidades autónomas tienen derecho de adquisición preferente, pero solo en su territorio; para ejercerlo fuera de él tienen que hacerlo a través del Ministerio de Cultura. El Ministerio de Cultura ejercita este derecho cuando la comunidad autónoma lo solicita.

Así, el Ministerio de Cultura ejerció el derecho de tanteo sobre la venta de la pintura atribuida a Julio Romero de Torres en la subasta de la sala Blaclis de Barcelona, el pasado 12 de marzo, para la Generalitat Valenciana, con cargo a los presupuestos de la Generalitat, y con destino al Museo de Bellas Artes de Valencia.

La compra resulta especialmente significativa, ya que, según fuentes del sector, hacía décadas que el Estado no ejercía este derecho sobre una obra de Romero de Torres, uno de los artistas más emblemáticos del arte andaluz de comienzos del siglo XX. Quedaba por saber cuál iba a ser su destino y finalmente será el MuBav, una pinacoteca que, en 2019, acogió el primer monográfico sobre el pintor cordobés en la capita del Turia.

Una obra perdida durante décadas

Samaritanas —también conocida como Hermanas Pastor o En el pozo— fue pintada en torno a la década de 1920 o principios de los años treinta. Durante años se le perdió la pista, aunque se cree que pudo estar en Argentina antes de ser adquirida por la propia Balclis en los años 70, que posteriormente la vendió a un coleccionista privado. Este propietario la ha conservado hasta su reciente reaparición en el mercado, lo que ha permitido su recuperación para el patrimonio público.

La obra, de 111 por 121 centímetros, está realizada en óleo y temple sobre lienzo y representa a dos jóvenes junto al brocal de un pozo de estilo árabe antiguo, cada una con un recipiente para recoger agua. Según la casa de subastas, la escena podría aludir simbólicamente a las mujeres de Samaria mencionadas en la Biblia, lo que justificaría el título Samaritanas, aunque también ha sido identificada como Hermanas Pastor, probablemente en referencia a las modelos retratadas.

El lienzo reúne elementos característicos del universo de Romero de Torres: las “mujeres morenas”, la presencia de objetos como la jarra de cobre y la orza de loza, y un paisaje crepuscular y enigmático que envuelve la escena en una atmósfera silenciosa y melancólica. Esa ambientación, según los expertos, presenta incluso ecos de la pintura metafísica por su sensación de misterio y quietud.

Buen estado de conservación

El informe técnico elaborado para la subasta señala que la obra presenta barniz envejecido y la tela ligeramente destensada, aunque su estado general es bueno. El marco original, de madera dorada, conserva su estructura pese a algunas faltas.

Además, existen numerosos testimonios gráficos históricos del cuadro, como fotografías en sepia del estudio “Fotografía de Arte Moreno” fechadas entre 1925 y 1940, así como postales en blanco y negro y en color que han circulado en el ámbito del coleccionismo.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), ubicado en Córdoba y dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, prepara, con motivo del décimo aniversario de su apertura, la gran exposición 'Ciudad de quién', una muestra que se inaugurará el 12 de junio y que podrá visitarse hasta el mes de enero del próximo año 2027.

Según informa el C3A en su web, consultada por Europa Press, dicha muestra, que estará conformada por una amplia selección de obras procedentes de la colección CAAC/C3A, girará en torno a la idea de “lo urbano como una suma de capas, tanto físicas como espectrales y que conforman una visión poliédrica, a veces romantizada y otras tantas conflictiva, de lo que es habitar una ciudad”.

Así pues, la exposición buscará a través del diálogo entre obras --históricas, de otras colecciones y de nueva creación por encargo--, pensar el propio papel del C3A en Córdoba. Con todo ello el centro busca “abrirse de manera autocrítica y compartida a la ciudadanía de Córdoba y Andalucía”.

Además, la muestra estará “en constante activación”, pues está previsto que a lo largo del año se propongan “acciones, intervenciones y programas públicos que dialogarán con las piezas”, lo que permitirá que el centro se mantenga “en permanente movimiento, renovando su energía y su relación con la comunidad”.

Cabe recordar que el C3A se inauguró en diciembre de 2016 con intención de convertirse en un centro de referencia para la creación y producción artística. Adscrito al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y sede en Córdoba del CAAC desde ese momento, ha llevado a cabo en estos años una completa programación conformada por exposiciones, actividades, cursos, talleres, performances, conciertos y residencias artísticas de producción, que han posibilitado que se vaya forjando como lugar de encuentro y desarrollo de las distintas disciplinas artísticas.

A diferencia de otros museos o centros de arte contemporáneo, el C3A se dedica fundamentalmente en la producción, creación y experimentación, siendo una de sus características diferenciadoras el poner el acento no solo en las obras acabadas, sino también en el proceso creativo, para posteriormente acercar su resultado al público. Por ello tienen gran relevancia en su programación las residencias artísticas y las artes en vivo.

Para las primeras, el centro cordobés cuenta con más de 1.000 m2 de talleres para la creación visual y laboratorios para el audiovisual. Esto permite desarrollar proyectos en el ámbito de la pintura, la escultura en metal y madera o el trabajo con cerámica, así como otros que requieren tecnología digital, como la fotografía y el vídeo. Además, cuenta con equipamiento 'medialab' como impresora y escáner en tres dimensiones. Desde su creación, y con vocación de convertirse en el centro de referencia en este ámbito dentro de Andalucía, las residencias artísticas de producción son uno de sus ejes fundamentales de actuación del C3A.

A ello se suma la Caja Negra, un lugar para la confluencia con otras disciplinas como la performance y la música experimental, con una programación propia anual. Además, se inició en 2018 una línea de conciertos en el exterior con vocación de continuidad.

También tiene especial relevancia la formación artística, para lo que se desarrollan talleres y cursos para todos los públicos o para públicos específicos, además de un amplio programa educativo. Las propuestas educativas de talleres y cursos a distintos niveles de públicos han tenido un incremento significativo a lo largo de la vida del C3A.

Finalmente, el C3A cuenta con un programa anual de exposiciones temporales en el que se incluyen propuestas nacionales e internacionales que acerquen a la ciudad de Córdoba las últimas tendencias del arte contemporáneo, además de centrar otra línea de su programación en artistas andaluces y en la muestra de los trabajos resultantes de los programas de producción.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba, ha informado de la apertura del plazo de presentación de proyectos artísticos de DMencia 2026, Muestra de Arte Contemporáneo de Doña Mencía que está encuadrada en Periféricos, programa anual de la Fundación que apoya iniciativas municipales que fomentan el arte contemporáneo y la creación propia en la provincia.

Se podrán presentar a esta vigésimo octava edición tanto proyectos artísticos como intervenciones realizadas en espacios exteriores, tanto del medio urbano y patrimonial de la localidad como en sus entornos naturales. La convocatoria está abierta, por tanto, a exposiciones en la Casa de la Cultura Juan Valera y a las intervenciones al aire libre.

La temática será libre, al igual que los medios y disciplinas escogidos por cada artista o colectivo. Podrán optar por pintura, escultura, performance, fotografía, vídeo, arte sonoro, landart o cualquier manifestación plástica o visual desarrollada bajo criterios de contemporaneidad.

Podrán participar en la convocatoria tanto artistas individuales como colectivos, sin limitación de nacionalidad, residencia o edad. Podrán presentar un único proyecto por edición y estarán excluidas de la convocatoria galerías de arte o intermediarios. Los proyectos deben guardar relación con los lenguajes creativos actuales e incluir parámetros como contemporaneidad, originalidad, singularidad, profesionalidad, interdisciplinariedad y multiculturalidad.

Además, en su vigésimo octava edición DMencia recoge una serie de criterios específicos que refuerzan el carácter social de la muestra y son valorados positivamente. Se trata del compromiso con la sostenibilidad medioambiental, la consecución de la igualdad de género y la participación de la ciudadanía en los procesos creativos.

La inscripción y la documentación necesaria para participar se aportará en la web www.dmencia.art/inscripcion. El plazo de inscripción finalizará el 7 de mayo y el 1 de junio se publicarán los proyectos seleccionados en la página www.dmencia.art. 

La organización seleccionará un mínimo de dos proyectos y un máximo de cuatro. No obstante, se podrá dejar desierta la selección si los proyectos concurridos no cumplen con los criterios exigidos. Los proyectos seleccionados se realizarán antes de finalizar 2026.

El Área de Cultura del Ayuntamiento de Villa del Río informa del acto de donación de una talla anónima de Cristo crucificado del siglo XV, incorporada al patrimonio municipal y considerada desde este momento la imagen escultórica de imaginería más antigua conservada actualmente en la localidad, con más de quinientos años de antigüedad.

El acto ha contado con la intervención del alcalde de Villa del Río y responsable del Área de Cultura, Jesús Morales Molina; del comisario cultural villarrense Antonio Lara Quero, donante de la obra, y del escultor e imaginero villarrense Sebastián Montes Carpio, responsable del proceso de restauración.

La llegada de esta pieza a Villa del Río ha sido posible gracias a la mediación de Antonio Lara Quero, quien, en el ejercicio de su labor como comisario cultural, fue contactado hace aproximadamente un año por la viuda del escultor José Ramón Poblador, vinculado a la galería madrileña Alfama.

Durante su visita al estudio del artista en Madrid, la viuda ofreció la posibilidad de que esta imagen del Crucificado pudiera incorporarse al patrimonio de Villa del Río, propuesta que fue aceptada con el objetivo de enriquecer el conjunto escultórico del municipio. Esta donación se suma además a otras obras escultóricas procedentes del mismo legado artístico que próximamente serán también entregadas a la localidad.

Tras su llegada, la obra fue examinada por el imaginero Sebastián Montes Carpio, quien identificó desde el primer momento la relevancia histórica y artística de la talla, confirmándose durante el proceso de intervención que se trata de una pieza original gótica con más de quinientos años de antigüedad.

La imagen, realizada en madera de pino, conserva aproximadamente el 99 % de su policromía original, oculta bajo sucesivas capas de barnices oxidados aplicados con posterioridad. El principal deterioro que presentaba era consecuencia del ataque de insectos xilófagos, con numerosas perforaciones que han requerido tratamientos de desinsectación, consolidación interna de la madera e inyecciones específicas para su estabilización.

Asimismo, se han reintegrado lagunas de estuco y policromía, recuperando la lectura original de la obra. La restauración ha permitido devolver a la talla su apariencia primitiva, ya que nunca había sido repintada, sino únicamente barnizada reiteradamente, lo que había oscurecido completamente su superficie.

Desde el punto de vista material, se ha constatado que son originales de época la imagen del Cristo, la corona de espinas y los clavos, mientras que la cruz, la peana y el INRI son de nueva ejecución, realizados siguiendo criterios históricos acordes con la estética gótica. La cruz presenta tonalidad verdosa, en consonancia con la simbología medieval del árbol de la vida, entendida no como instrumento de suplicio sino como signo de salvación y esperanza.

La talla responde plenamente a la iconografía del Cristo gótico, caracterizada por la curvatura sinuosa del cuerpo en forma de “S”, la humanización de la expresión, la cabeza inclinada, los ojos cerrados, la presencia de corona de espinas, el perizoma más corto y naturalista, los pies cruzados y la sujeción mediante tres clavos.

Esta donación supone una incorporación de extraordinario valor al patrimonio histórico-artístico de Villa del Río, reforzando especialmente el ámbito de la imaginería religiosa, uno de los pilares de la tradición cultural andaluza.

El Ayuntamiento de Villa del Río agradece públicamente la generosidad de D. Antonio Lara Quero, por la donación de la obra, y de D. Sebastián Montes Carpio, por su intervención restauradora, que ha permitido recuperar y conservar una pieza de excepcional relevancia para el patrimonio común de todos los vecinos y vecinas.

El Segundo Encuentro de Jóvenes Artistas Crazy World, celebrado en La Casa Azul – Centro de Creación y Producción Cultural, ha superado las cifras de participación de la primera edición, consolidándose como cita para el talento emergente del sector artístico-cultural cordobés. La organización ha cifrado en más de 70 los jóvenes artistas y creadores que se dieron cita en un espacio concebido para el intercambio, la visibilización y la construcción colectiva.  

El evento, organizado por la Comisión de Cultura de la Asociación de Jóvenes Empresarios de Córdoba (AJE), integrada por emprendedores, emprendedoras y jóvenes empresarios del sector artístico-cultural, se enmarca en el trabajo conjunto desarrollado junto a La Casa Azul, entidad que desde hace años viene desempeñando un papel en la dinamización cultural y social de la ciudad, generando espacios de creación, formación, exhibición y encuentro para artistas y ciudadanía.  

Uno de los ejes fundamentales del encuentro fue el networking, que facilitó el intercambio de experiencias, contactos y posibles líneas de colaboración entre artistas de disciplinas muy diversas, desde las artes plásticas hasta la danza contemporánea o la música electrónica.  

Además, el encuentro incorporó un espacio de trabajo colaborativo y reflexión, centrado en identificar las principales dificultades a las que se enfrentan los y las jóvenes artistas y gestores culturales al iniciar y consolidar sus trayectorias profesionales. Este análisis se integra en la línea de trabajo que la Comisión de Cultura desarrolla para evaluar el estado del sector artístico-cultural en Córdoba y Andalucía.  

La Comisión de Cultura —impulsada en el seno de AJE Córdoba— representa un paso especialmente relevante al articular una red estructurada de jóvenes profesionales del sector artístico-cultural, conectando talento emergente con agentes consolidados y cubriendo de forma integral toda la cadena de valor del sector cultural.  

En este marco, la Comisión reúne a profesionales de distintos ámbitos que participaron activamente en el encuentro, poniendo su experiencia al servicio de los jóvenes asistentes. Entre ellos destacan:  

Todos ellos ofrecerán acompañamiento y mentorización en el proceso de desarrollo artístico y profesional de los participantes.  

Uno de los principales resultados del encuentro es la puesta en marcha de un festival joven, que será diseñado y organizado íntegramente por los propios participantes. Este proceso contará con el acompañamiento de la Comisión de Cultura y se enmarca en su estrategia de impulso al emprendimiento artístico cultural.  

Asimismo, los artistas participantes tendrán la oportunidad de presentar sus propuestas en el marco de una Semana Cultural prevista para octubre de 2026, gracias a la colaboración con entidades como el Festival Crazy World y la Feria Andaluza de Arte y Cultura.  

Durante el encuentro, se invitó a los asistentes a integrarse en la sección juvenil de la Comisión de Cultura, que mantiene una vocación abierta a la incorporación de profesionales y entidades públicas y privadas comprometidas con el desarrollo cultural.  Esta iniciativa forma parte de la línea de trabajo impulsada por el convenio “Con Mucho AJE”, firmado el 17 de febrero de 2022 entre La Casa Azul y la Asociación de Jóvenes Empresarios de Córdoba, y que ha permitido consolidar un modelo de colaboración pionero entre el tejido empresarial y el ecosistema cultural local.  

El encuentro contó con la presencia de representantes institucionales como Isabel Albás, delegada de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Córdoba, y Ángel Ortiz, concejal del PSOE, así como de reconocidos profesionales del sector, entre ellos el escultor José María Serrano, que respaldaron con su asistencia esta iniciativa.

La Audiencia Provincial de A Coruña ha condenado a seis meses de prisión a un hombre, a través de una sentencia de conformidad, por un delito de hurto cometido tras sustraer una importante colección de arte del piso en el que residía. Entre las 16 piezas desaparecidas destaca una obra con sello andaluz: un bodegón con jarra y frutas cuya autoría se atribuye a un “pintor cordobés desconocido”, y que a día de hoy sigue sin haber sido localizado.

Según la sentencia a la que ha accedido este periódico, los hechos se remontan al periodo comprendido entre octubre de 2020 y marzo de 2021. Debido a las restricciones de la pandemia, la propietaria de la vivienda y su se trasladaron a una casa en Neda, permitiendo que el acusado se instalara en su vivienda de la calle de la Iglesia, en Ferrol. El acuerdo, basado en la amistad que el hombre mantenía con el hijo de la dueña, fue un arrendamiento verbal por una pequeña cantidad económica.

Sin embargo, al recuperar la posesión del piso en marzo de 2021, la familia descubrió que las paredes estaban vacías: 16 cuadros de diversos autores y un pasador de corbata de oro habían desaparecido. Dentro del catálogo de obras sustraídas -que incluía firmas de reconocidos pintores gallegos como Antonio García Patiño o José González Collado- se encontraba un bodegón de origen cordobés. A diferencia de otras obras tasadas en su conjunto en 8.200 euros, el perito no pudo determinar inicialmente el valor de mercado de esta pintura porque aún no ha sido localizada. Por ello, la sentencia establece que, además de la pena de cárcel, el condenado deberá indemnizar a la propietaria por el valor que se determine para este cuadro cordobés durante la fase de ejecución de la sentencia.

Durante el juicio, el procesado reconoció haber vendido un pasador de oro de la familia por 45 euros apenas unos días después de entrar a vivir. Sobre los cuadros, ofreció explicaciones que el tribunal calificó como “vaguedades”, alegando que por el piso “pasaba mucha gente” para grabar vídeos, que realizó una “limpieza exhaustiva” tirando objetos que creía sin valor, o que tomó “malas decisiones” por una “situación desesperada de necesidad”.

La investigación policial solo logró recuperar una de las 16 obras: un retrato del fallecido esposo de la propietaria. El cuadro fue localizado en una tienda de objetos de segunda mano regentada por un hombre, quien también fue procesado por un delito de receptación. Finalmente, el tribunal ha decidido absolverlo al considerar que existía una “duda razonable” sobre si conocía el origen ilícito de las obras. De hecho, el propio anticuario llegó a ofrecer el retrato al hijo de la dueña al reconocer la identidad del retratado, un gesto que el tribunal consideró incompatible con el ánimo de ocultar un robo.

A día de hoy, el bodegón del pintor cordobés y las otras 14 obras siguen en paradero desconocido.

La artista cordobesa LaLola ha publicado Mírame, un nuevo videoclip que reinterpreta el universo del pintor Julio Romero de Torres para poner el foco en la historia silenciada, en torno al cuadro. El trabajo, estrenado el 8 de marzo, propone una mirada contemporánea sobre la figura femenina representada en el imaginario del artista, cuestionando el silencio que rodea a muchas de esas mujeres convertidas en iconos.

La pieza audiovisual, creada por LaLola junto a Marla Grem, se inspira en el cuadro Mírala que bonita era y plantea una reconstrucción simbólica de su intrahistoria: qué ocurrió antes, qué condujo a su trágico destino y por qué su voz nunca fue escuchada. A través de la música y de un potente lenguaje visual, el videoclip imagina esa verdad oculta y propone mirar de frente a quien fue reducida únicamente a su belleza.

El lienzo de Romero de Torres que sirve de punto de partida presenta una escena fúnebre cargada de dramatismo: una joven yace muerta en su ataúd mientras familiares y allegados la rodean y lloran a su alrededor. La iluminación de la estancia entra por una ventana situada a la izquierda, desde la que un muchacho observa la escena desde el exterior. Junto al féretro, dos velas custodian el cuerpo de la joven y parecen a punto de apagarse por el viento que se cuela por la ventana, reforzando la atmósfera de fragilidad y despedida que impregna la composición.

Partiendo de esa imagen, el videoclip Mírame propone ir más allá del instante final representado en el cuadro y preguntarse por la historia previa: quién fue realmente esa mujer, qué ocurrió antes y por qué su versión nunca fue escuchada. “Durante años le dieron la espalda. Hoy, le devolvemos la mirada”, resume el concepto de una obra que invita a ir más allá de la contemplación estética para acompañar el dolor y la humanidad de la protagonista.

La dirección, colorimetría y montaje del videoclip corren a cargo de Marla Grem, mientras que la producción musical ha sido realizada por La colmena G. Art Estudios. La parte musical corresponde a Lola Jiménez, artista multidisciplinar originaria de Bedmar y afincada en Córdoba, y su grupo Las de Atrás, formado por Lara López (guitarra, electrónica y coros) e Isabel Santofimia (teclado y coros).

El Ministerio de Cultura ha adquirido en una subasta celebrada este jueves en Barcelona una obra del pintor cordobés Julio Romero de Torres que llevaba décadas fuera del radar de los expertos. El cuadro, titulado Samaritanas —también conocido como Hermanas Pastor o En el pozo— salió a puja en la casa de subastas Balclis y alcanzó un precio final de 140.000 euros tras diez pujas.

Sin embargo, el Estado ejerció el derecho de tanteo, un mecanismo legal que permite a la Administración adquirir bienes culturales en subasta igualando la puja ganadora previamente autorizada. De este modo, una vez cayó el martillo, el Gobierno se adjudicó la pieza por la misma cantidad ofrecida por el mayor pujador (140.000 euros). A ese precio hay que sumar además la comisión habitual de la casa de subastas, que ronda habitualmente el 25%, según fuentes conocedoras de la operación.

Una operación (la compra de un cuadro por parte del Estado) que, aunque no es rara en el mercado del arte español, no ha sido tan habitual en lo que a Romero de Torres respecta. Según fuentes del sector, es la primera vez en décadas que el Estado ejerce el derecho de tanteo sobre una obra del artista cordobés, uno de los pintores más emblemáticos del arte andaluz de comienzos del siglo XX.

Una obra desaparecida durante décadas

El cuadro había permanecido durante años fuera del radar de algunos coleccionistas y expertos en la obra del artista cordobés. Se trata de una pieza que fue pintada, en torno a la década de 1920 o principios de los años treinta y luego se le perdió la pista. Desde Balclis indican que es probable que en esos años estuviera en Argentina, si bien, Balclis la compró en los años 70 del siglo pasado, para después venderla a un particular.

Este coleccionista la ha tenido hasta que, de nuevo, el cuadro ha salido a subasta a través de Balclis, y de ahí pasará al Ministerio de Cultura. La obra, de 111 por 121 centímetros, está realizada en óleo y temple sobre lienzo y aparece firmada por el artista. Representa a dos jóvenes situadas junto al brocal de un pozo de estilo árabe antiguo, cada una con un recipiente para recoger agua.

Según explicó Balclis en la presentación del lote, la escena podría aludir simbólicamente a las mujeres de Samaria mencionadas en la Biblia, lo que justificaría el título Samaritanas. No obstante, el cuadro también ha sido identificado como Hermanas Pastor, probablemente en referencia a las modelos retratadas.

La escena contiene además elementos característicos del universo estético de Romero de Torres: la jarra de cobre y la orza de loza, las “mujeres morenas”, protagonistas habituales de su pintura y un paisaje crepuscular y enigmático, con edificios que cierran la escena a modo de friso y generan una atmósfera silenciosa y melancólica.

Según la casa de subastas, esa ambientación oscura y solitaria recuerda incluso a ciertos rasgos de la pintura metafísica, por la sensación de misterio y quietud que transmite.

Estado de conservación

El informe técnico elaborado para la subasta señala que la obra presenta barniz envejecido y la tela ligeramente destensada, aunque se conserva en buen estado general. El marco original, de madera dorada, presenta algunas faltas.

Lo curioso es que, de esta obra, también existen varios testimonios gráficos históricos, entre ellos fotografías en el Archivo de Córdoba en sepia del estudio “Fotografía de Arte Moreno” tomadas entre 1925 y 1940, además de postales en blanco y negro y en color de la misma época, que son habituales en portales de coleccionismo.

Por el momento, el Ministerio de Cultura no ha confirmado aún su destino definitiv. Las fuentes consultadas consideran que lo más probable es que la obra termine incorporándose a las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ya que es habitual que las adquisiciones directas del ministerio para arte del siglo XX se integren en ese museo, que además tiene otras siete obras de Romero de Torres.

La Delegación de Juventud del Ayuntamiento de Córdoba ha abierto desde este viernes y hasta el 4 de octubre la convocatoria del XV Certamen de Historieta, Caricatura, Humor Gráfico e Ilustración Fanzine Trampa, una iniciativa consolidada dentro de los programas municipales de promoción del talento joven en el ámbito de la ilustración y el cómic.

Según ha informado el Consistorio, este certamen, que vuelve a contar con la colaboración de las Escuelas de Arte Mateo Inurria y Dionisio Ortiz, se ha convertido en una referencia para jóvenes ilustradores e historietistas de la ciudad.

El cartel de esta edición, 'Buceadora', es obra de Carolina Valenzuela, que obtuvo una mención de honor en la categoría de ilustración en la pasada edición.

Tras la celebración del certamen y la designacion de los premios, se publicará la revista Trampa, una publicación que recoge una amplia selección de las obra participantes y que se ha convertido en un escaparate del talento joven de la ciudad y en una herramienta de difusión del trabajo que desarrollan jóvenes creadores en el ámbito de la ilustración y el cómic.

La participación está abierta a todos los jóvenes cordobeses nacidos entre 1995 y 2012, que podrán presentar sus obras realizadas con técnica digital o tradicional, en dos categorías: Júnior (nacidos entre 2012 y 2008, ambos inclusive) y Sénior (nacidos entre 2009 y 1990, ambos inclusive).

El certamen está dotado con 2.700 euros en premios, repartidos entre los tres primeros clasificados de cada categoría. Toda la información, así como las bases completas y el formulario para el envío de obras, está disponible en la web 'www.juventud.cordoba.es'.

La teniente de alcalde y delegada de Juventud, Cintia Bustos, ha destacado que “nos enorgullece el éxito de este certamen, que se refleja en la alta participación que se mantiene estable año tras año”, al tiempo que ha subrayado que “la colaboración con las escuelas de arte es fundamental en esta iniciativa, que permite disfrutar y sigue sorprendiendo cada año con la calidad del trabajo de los jóvenes cordobeses”.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba, está dedicando el mes de marzo -en el que se ha conmemorado el Día Internacional de la Mujer- a dar visibilidad a la labor de las mujeres en el ámbito de las artes y en la apertura de sus espacios arquitectónicos a la ciudadanía.

Así, con el fin de reforzar y difundir el trabajo de las mujeres en el arte contemporáneo, la Fundación ha organizado dos propuestas; por un lado, un taller performativo a cargo de la artista Verónica Ruth Frías, que tendrá lugar este sábado 14 de marzo, y, por otro, una intervención artística de Celeste Fernández, prevista para el jueves 19 de marzo.

Tal y como ha explicado el delegado de Cultura de la Diputación y presidente de la Fundación Botí, Gabriel Duque, con estas actividades se busca poner sumar “un grano de arena en este mes tan significativo y seguir dinamizando el Centro de Arte, que el año pasado batió récord de visitas y se consolidó como espacio clave y fundamental en la vida cultural cordobesa gracias al talento de los creadores y a propuestas e iniciativas de gran creatividad”.

La primera actividad se enmarca en el ciclo 'El Patio de la Botí', iniciativa que desde 2025 integra este espacio en la programación permanente del Centro. Tiene lugar el sábado 14 de marzo y estará protagonizada por Verónica Ruth Frías, reconocida artista muy vinculada a la Fundación desde sus inicios. Frías ofrecerá un taller titulado 'Mi porción del pastel' que se desarrollará de 18,30 a 20,00 horas. En él propone un recorrido por la trayectoria de una artista que utiliza el cuerpo como objeto para cuestionar la realidad.

La actividad culminará con la representación de la performance homónima, una metáfora visual donde el reparto del pastel sirve para denunciar las desigualdades y reclamar el espacio de las mujeres en el sistema artístico actual. Verónica Ruth Frías ha exhibido su trabajo en centros de prestigio internacional como el Centro Pompidou de Málaga, el Museo Thyssen-Bornemiza y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla.

De forma paralela a esta actividad, el jueves 19 de marzo, a partir de las 19,00 horas, tendrá lugar la intervención de la artista Celeste Fernández Moncada titulada 'Diálogo con la sombra'. Esta actividad se enmarca en el programa expositivo 'Ellas visibles en la Fundación Botí', un proyecto que nació con el objetivo de destacar el papel de las artistas plásticas presentes en los fondos de este organismo provincial.

La propuesta de Fernández parte de su obra 'Handwritten Poem', obra de la colección de la fundación; en ella explora la fragilidad de la identidad en la cultura visual contemporánea mediante el uso de materiales como impresión térmica, papel comestible y cenizas.

Como parte de las actuaciones previstas, ha explicado el delegado de Cultura, “la autora desarrollará un diálogo entre una obra inédita y su pieza de colección, generando un encuentro directo con el público. El proyecto se integrará próximamente en el programa Botí Itinerante, con el que llevamos las obras y exposiciones de la Fundación a distintos municipios de la provincia para que el arte contemporáneo llegue a todos los rincones”.

El programa de la Fundación Botí se completa con la exposición colectiva 'Arde el día. Paisaje y poesía desde Rafael Botí hasta la actualidad', muestra que puede visitarse hasta el 5 de abril y que está conformada por obras de 71 artistas cordobeses. Según Duque, “esta exposición se ha convertido en una de las propuestas culturales más visitadas del invierno cordobés y una de las exposiciones con mayor repercusión en los diez años de historia del Centro de Arte”.