El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte y ubicado en Córdoba, acoge en la exposición 'Peones del ya ya', de la artista sevillana Carla Martín. Se trata de una muestra que forma parte de los proyectos seleccionados en la convocatoria 2025 del programa Iniciarte, de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, y se presenta como una de las propuestas de creación emergente en el ámbito de las artes visuales en Andalucía. Se podrá visitar hasta el próximo 20 de septiembre.

Según ha informado la Junta de Andalucía en una nota, la iniciativa se desarrolla en colaboración con el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y se enmarca en las acciones de apoyo a la creación emergente andaluza impulsadas por la Agencia a través del Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Iaapv).

Carla Martín plantea con 'Peones del ya ya' una investigación artística en torno al fenómeno de los denominados 'biblically accurate angels' y su reinterpretación en comunidades digitales desde comienzos de la década de 2010. A partir de las ambigüedades presentes en las descripciones de los ángeles en el Antiguo Testamento, la artista propone un proceso de deconstrucción --un 'despiece'-- que se materializa en una serie de objetos escultóricos que desbordan sus propios límites formales.

El proyecto se articula en dos líneas de trabajo complementarias. Por un lado, una investigación material centrada en el procesado de la imagen, el uso de software gráfico y la traducción como herramienta escultórica. Por otro, una aproximación conceptual orientada a la construcción de sistemas de sentido propios, donde la acumulación de decisiones formales genera objetos saturados de significado en un ejercicio de 'worldbuilding'.

La práctica de Carla Martín se caracteriza por una lectura transversal de la historia visual contemporánea, en la que conviven referencias simbólicas y arquetípicas con lenguajes asociados a la cultura popular, como el fanart, el diseño de personajes, el anime o el 'cartoon'. Estos recursos se incorporan como parte de una sintomatología visual propia del presente. Como complemento a la exposición se ha editado un catálogo que incluye textos de Vera Martín Zelich, para acompañar y contextualizar el proyecto.

La última obra que ve la espectadora al final de la última sala de la exposición monográfica dedicada a Rita Rutkowski, en la sala Vimcorsa, tiene formato pequeño y se titula Lo que queda (2023). En ella, desde un campo de color rojo emerge una figura geométrica cuyo significado, como ocurre casi siempre ante las obras de la pintora, lo tiene que descifrar el ojo de quien lo mira. Inevitablemente el cerebro conectado a esa mirada piensa en la dificultad de los grandes formatos para una artista de más de 90 años. Pero también, en que tal vez algo de los ciclos de la vida esconde esa imagen.

La exposición, A train of thoughts (Un hilo de pensamiento), que reúne un total de 135 obras, entre pinturas, dibujos y bocetos de la pintora neoyorquina-cordobesa, a punto estuvo de titularse como ese pequeño cuadro: Lo que queda. Una verdad rotunda sobre su legado tras cinco décadas de trayectoria artística. Sin embargo, la decisión final acabó en un título más vital para una pintora cuya mente sigue funcionando como un tren en marcha, y donde el arte es una herramienta de exploración continua.

Nacida en Londres en 1932, de familia polaca, pero criada en Nueva York -su ciudad-, Rita aterrizó en la década de los 50 en Europa gracias a una beca Fulbright. Si conseguir esa beca sigue siendo hoy igual que escalar el Everest del talento, hay que ponerse en el contexto de una mujer en los años 50 para darle a la hazaña el enorme valor que posee. Aquel viaje europeo la trajo hasta Córdoba, ciudad de la que se quedó enganchada y donde acabó viviendo desde 1959. Otra hazaña.

Ella supuso un contraste radical aquí. De hecho, a veces aún lo sigue suponiendo. “Una figura exótica”, tal y como la define durante el recorrido el crítico de arte Ángel Luis Pérez Villén. Una mujer formada en la metrópoli cultural del mundo aterrizando en una Córdoba que, aunque fascinante para ella por su riqueza cultural, era un lugar socialmente cerrado y miserable en términos de libertad profesional para las mujeres. La propia artista confiesa que durante años se sintió tratada como un “bicho raro escapado del zoológico” o “un fantasma”. Aunque una vez instalada, Rita siguió pintando sin importarle nada.

Trajo consigo el bagaje de la Cooper Union, una institución deudora de la Bauhaus y en un entorno artístico mucho más tradicional, ella representó la irrupción de la Escuela de Nueva York, inoculada por el surrealismo y el expresionismo abstracto de figuras como De Kooning o Arshile Gorky. Su obra dialogaba con las vanguardias históricas (Picabia, Duchamp, De Chirico) en un momento en que Córdoba apenas comenzaba a abrirse a la modernidad.

Se asomó a la pequeña puerta por la que se colaban esos ecos de otros mundos en la ciudad, a través de las exposiciones de arte contemporáneo en el Círculo de la Amistad, el lugar más moderno de aquella Córdoba a diferencia de lo que es hoy; de los cineclubes en este mismo espacio y de figuras como Carlos Castilla del Pino, quien no solo fue un amigo cercano, sino el intérprete que ayudó a que la sociedad de la época comprendiera la profundidad y la dureza de la propuesta estética de Rutkowski.

El psiquiatra definió su obra como “animista”. Según su visión, Rita tenía la capacidad de insuflar vida a cualquier objeto que tocaba, ya fuera inerte, metálico o vegetal; bajo su pincel, las cosas que no tenían vida adquirían de pronto una existencia orgánica o humana. La estrecha relación entre ambos, sumada al apellido extranjero de Rita y su costumbre de vestir de negro siguiendo la estética existencialista, alimentó rumores en la Córdoba de de la época que sugerían que ella era una espía rusa vinculada al entorno del psiquiatra comunista.

Pasear y reflexionar al fresco de esta exposición será posible hasta el próximo 5 de julio para poder, tal y como reza la frase de la pintora que cruza una de las salas, “entender el mundo que nos toca vivir. Comprender mejor la condición humana. Una búsqueda interior para poder profundizar al máximo en esa aventura que es el arte, que te lleva cada vez más a lo desconocido”.

Y si todo esto fuera poco sugerente, aquí van algunas claves a través de una selección de sus obras, ante las que se detuvo la comitiva ciudadana en la visita guiada por los expertos. Un paseo bajo la atenta mirada de una silenciosa espectadora llamada Rita Rutokoswki.

Imágenes en la calle (1958-1959)

Esta es una de las piezas fundamentales de la etapa inicial de Rita Rutkowski. Ubicada en la «sala negra» de la exposición, este espacio reúne obras iniciadas en Nueva York y finalizadas en Córdoba tras su llegada en 1959. Visualmente, la obra presenta una estructura abstracta que simula una torre envuelta en colores plomizos, los cuales Rita identifica como “el color de Córdoba”. 

La pintura es una síntesis de su transición vital: mezcla un fondo neoyorquino con elementos puramente locales, como unas ventanas negras que parecen “ojos negros” y que, según la interpretación de la autora, son elementos que simbolizan las miradas de las mujeres que observan constantemente desde el interior de las casas o en las calles de la ciudad, tal y como contó en esta entrevista de 2014.

La obra, que actualmente forma parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Córdoba, es considerada “una pieza bisagra”, un paisaje reinterpretado bajo la óptica personal y el ánimo de la artista en aquel momento de cambio, influida por el expresionismo, el surrealismo y el existencialismo.

La persistencia de cierta imagen (1976)

Las “criaturas de tormento” y el malestar existencial aparecen en sus obras de los años 70. Un expresionismo figurativo cargado de una profunda dimensión ética y existencial para centrarse en la condición humana.

Estas representaciones son la iconografía del dolor. No buscan la verosimilitud física, sino proyectar estados de sufrimiento, angustia y desolación a través de cuerpos deformados, rostros desdibujados y figuras en escorzos violentos que recuerdan a la tradición de Francis Bacon.

Una pintura que no es ajena a la realidad política. Obras como Homenaje a Chile denuncian explícitamente el golpe de estado y la violencia, mientras que El nuevo sol alude de forma crítica al régimen franquista. La pintura de la imagen bien podría representar la muerte del Che Guevara, asesinado en 1967.

En la calle (serie The Crash, 1986)

La poeta Juana Castro dio la clave para entender esta serie, una de las más potentes y reconocibles de Rutkowski, centrada en la representación de accidentes automovilísticos. Su amiga poeta habló del “lirismo de la violencia”. A pesar de la dureza de los temas (sangre, huesos, accidentes), se impone su capacidad para usar el color (azules, malvas) para dar una dimensión poética al dramatismo de la escena.

Tras las imágenes, las huellas de J. G. Ballard y la sospecha de que tal vez David Cronenberg vio algunas de estas pinturas antes de rodar Crash una década después. Para la artista, estas obras no son solo una representación de chatarra, sino que simbolizan el “fin de una historia”. El choque representa un punto final en el que se captura un momento de crisis absoluta.

Lo orgánico y lo metálico se relacionan aquí abajo un tormento que parece no acabarse. El metal accidentado es tratado con la misma intensidad dramática que la de los cuerpos sufrientes de la etapa anterior, enfrentados en esta sala.

Un gran ejemplo del dominio de Rita para insuflar vida (el animismo mencionado por Castilla del Pino) a objetos inertes, convirtiendo un siniestro vial en una reflexión profunda sobre la existencia y su vulnerabilidad.

Doble imagen (1988)

Esta figura y su correspondiente reflejo profundiza en la dualidad entre la realidad y su representación. La pintura aquí sirve como vehículo para explorar la dualidad filosófica entre el ser y el parecer.

¿Y cuál de las dos figuras es más real? ¿la humana o su reflejo monstruoso? Puede que ambas proporcionen información valiosa sobre el sujeto. Una pintura que evidencia el expresionismo larvado que siempre está presente en la producción de Rita, incluso en sus piezas de apariencia más sosegada.

Doble imagen funciona como una investigación sobre la disolución del «yo» contundente, sugiriendo que la identidad se compone tanto de lo que somos como de lo que aparentamos o reflejamos ante los demás.

Salto mortal (1987)

Dos obras que funcionan como una sola explorando la resolución del tiempo y el espacio en un mismo plano. Tras pasar por las turbulencias dramáticas de los cuerpos atormentados y los coches accidentados, aquí cambia la paleta cromática para ofrecer belleza, elegancia, simpleza y magnificencia absoluta.

Una obra que parece simbolizar el riesgo de quien se juega la vida en el aire, pero también el riesgo artístico de una pintora heterogénea que no teme explorar extremos emocionales y estéticos opuestos.

Axis Mundi (de 1984 a 2013)

Este retablo Rutkowskiano lo componen 24 piezas que el comisario y sus asesores han titulado Axis Mundi (Eje del Mundo). Se trata de un montaje no convencional en esta exposición antológica, un riesgo que no acaba de convencer a la pintora, ya que sus obras podían “perder dignidad” al no ser vistas de forma individual y aislada.

La idea conceptual se basa en las teoría de las religiones de un eje axial que conecta tres planos: el inframundo (el interior de la Tierra), el mundo terrenal y la cosmogonía o los cuerpos celestes. Aquí se crea una estructura vertical de obras para representar este eje con imágenes de huecos en la tierra en la base, en un montaje que asciende a través de paisajes que se vuelven más espirituales y menos terrenales, utilizando representaciones de torres vigía, azoteas, terrazas y rascacielos.

El montaje incluye piezas de su serie sobre la ciudad dorada (Nueva York), bloques de pisos y torres que vigilan el mar. El objetivo era mostrar cómo la mirada de Rita se eleva desde el nivel de la calle hasta el skyline. Una metáfora visual de su trayectoria : un camino que conecta sus raíces más profundas con su aspiración hacia una pintura más espiritual, etérea y madura.

El escritorio verde y Libro y copa (1999)

Preguntada al final de una visita donde la artista ha sido una espectadora más, sin enmendar la plana a los guías en ningún momento, reconoce que “en general” está contenta con la exposición monográfica que la ciudad le ha dedicado. Pero que no puede evitar ser “muy autocrítica”, ya que le cuesta ver “obras que no son redondas mezcladas con obras redondas, que son más bien obras intermedias, de puente”.

¿Y cuál es alguna de estas obras redondas? La artista responde sin dudar mirando hacia dos pequeñas pinturas que están en la sala donde nos encontramos, la parte de sus paisajes. “Estas son muy especiales”, pero no explica por qué. El escritorio verde recuerda a un archipiélago en medio de un mar caribeño, y Libro y copa es una abstracción que realmente parece pasada por un filtro etílico.

Los paisajes autorales de Rita Rutkowski jamás son copia de la realidad, sino un pretexto para contar cosas y transmitir emociones, donde una estructura abstracta puede representar el ánimo de la artista en cualquiera de sus estéticos ciclos vitales y que tiene la generosidad de permitir siempre al espectador adherir su propia lectura a una pintura que se defiende, siempre, siempre, por sí misma. 

Un paseo por la exposición de Rita Rutkovski en la sala Vimcorsa de Córdoba.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) ha inaugurado este viernes ‘Ciudad de quién’, una exposición que plantea una reflexión sobre el papel que ha desempeñado el centro desde su apertura hace diez años y sobre su relación con el territorio en el que se inserta.

La exposición parte de una pregunta abierta acerca de la función de una institución dedicada a la creación contemporánea en Córdoba, Andalucía y el contexto nacional, proponiendo una mirada simultánea al pasado, presente y futuro, tomando como referencia la ciudad de Córdoba, para reflexionar sobre la función de las instituciones culturales, la creación de espacios urbanos de convivencia y las diferentes formas de relación entre arte, ciudadanía y territorio. 

La exposición, comisariada por Gilberto González y Lola Baena, reúne cerca de un centenar de obras. Se plantea como un “museo temporal construido a partir del diálogo entre obras de la colección propia del CAAC y numerosas obras pertenecientes a diferentes prestadores cordobeses”, según señala Gilberto González. Así, además de constituir la mayor muestra de la colección del CAAC fuera de Sevilla, ha contado con la colaboración de otros centros de la propia Consejería de Cultura, como el Museo Arqueológico y el Museo de Bellas Artes de Córdoba, así como la Filmoteca de Andalucía.  

También han aportado obras centros dependientes del Ayuntamiento de Córdoba, como el Archivo Municipal, la Colección Pepe Espaliú de VIMCORSA y el Museo Taurino. Asimismo, están presentes piezas pertenecientes al Cabildo Catedral, la Colección Juan Antonio Bernier, la Colección Rafael Carrillo Maestre, la Colección Herederos de José Duarte (Equipo 57), la Colección de Joaquín Fayós, la Diputación Provincial, Nieto y Sobejano Arquitectos y el Palacio de Viana (Fundación Kutxabank). Además, creadores como Ángeles Alcántara, Juan López, Miguel Ángel Moreno Carretero y Álvaro Perdices aportan su obra en préstamo como colaboradores de este proyecto. 

A este amplio conjunto de obras se unen las nuevas producciones de Pilar Monsell y Fernando Vacas realizadas específicamente para la ocasión, que proponen una reflexión sobre la presencia del C3A, su escucha y su responsabilidad como institución cultural en el tejido de la ciudad. A ello se suma el diseño de la muestra, que juega a hibridar la idea de almacén, que se abre a la ciudadanía desjerarquizando el espacio tal y como lo concibieron los arquitectos en su momento. 

Las salas T2 y T3 están dedicadas al tejido narrativo colectivo bajo el nombre de ‘Genealogías: habitar las capas de mitos compartidos’. En ellas aparecen referencias a las construcciones simbólicas y también a realidades históricas. “Lo mítico y lo vivido se despliega en un espacio complejo donde las capas de significado se entrelazan”, señala Lola Baena. En este espacio conviven obras históricas, como el ‘Mosaico de los poetas’ o las imágenes de ‘San Rafael’, de Juan de Valdés Leal, y ‘San Rafael’ de Damián de Castro, y contemporáneas, como el ‘Marinero ahogado’ de Federico García Lorca, ‘Seated Figure’ de Francis Bacon o ‘Carrying VII’ de Pepe Espaliú.  

Además, se incluye la obra de nueva producción de la cineasta y artista visual cordobesa Pilar Monsell, resultado de más de una década de investigación en torno al Motín del Pan de 1652, donde destaca el liderazgo femenino y al protagonismo de las mujeres de las clases populares en aquel levantamiento. Figura también la instalación sonora y visual de Fernando Vacas sobre el ‘Campo de la Verdad’, un territorio “en el sur del sur, donde las voces del barrio continúan transmitiendo una manera de habitar, de cantar y de entender la comunidad, ahondando en el flamenco como vehículo de entendimiento entre generaciones”, destaca Baena.  

Por su parte, el Atrio se divide en tres temáticas. Bajo el epígrafe ‘Donde la ciudad atraviesa el tiempo: por qué el C3A’, está dedicado a la relación entre la arquitectura del edificio y el contexto urbano en el que se sitúa. En este espacio se incluyen materiales que permiten aproximarse a la construcción de la identidad del centro y a su diálogo con la ciudad, entre ellos la maqueta del edificio diseñada por Nieto y Sobejano, junto a una celosía de mármol del siglo X del Museo Arqueológico de Córdoba u obras de la colección del CAAC de artistas como Elena Asins, Ibon Aranberri, Bleda y Rosa, Ana Mendieta, o Manolo Millares, entre otros. 

En ‘Cartografías ciudadanas. Relatos visuales y sociales del territorio’ se incorporan los elementos subjetivos y sociales en las cartografías ciudadanas. En este marco, las afueras y arrabales adquieren un protagonismo central. A través de imágenes, registros y narraciones se crean mapas que no sólo buscan que el espectador construya un lugar sino que le invita a repensar la ciudad como un entramado de capas superpuestas. Destacan aquí piezas de Alegría y Piñero, Lara Almarcegui, José Duarte, Pepe Espaliú, Federico Guzmán, Irene Infante, Robert Motherwell, Alvaro Perdices o Guillermo Pérez Villalta, entre otros. 

En el Atrio 1 se realiza una reflexión sobre la ciudad entendida como escenario, “un espacio compartido inagotable, una ficción habitada”, describe Gilberto González. Así, ‘Quién: presencias/ausencias. Lo que es / lo que pudo ser’ reúne obras como varios carteles históricos de la Feria de Córdoba y piezas procedentes del Museo Arqueológico y de la Mezquita-Catedral, que dialogan con obras de Pablo Capitán del Río, Nuria Carrasco, Manuel Quejido, Allan Sekula y Wolfgang Tillmans. 

En la zona de Mediateca, la Fundación Arquitectura Contemporánea despliega un espacio en el que pensar las posibilidades de la arquitectura y el urbanismo a través de una serie de proyectos que en muchos casos rayan en la utopía. Se articula así una reflexión en torno a tres escalas de producción espacial: el cuerpo y sus vínculos, los ecosistemas humanos y no humanos y las utopías.  

La nómina de artistas participantes en la exposición está formada por Alegría y Piñero, Alfred Guesdon, Allan Sekula, Álvaro Perdices, Amadeo Ruiz Olmos, Amalia Pica, Ana Mendieta, Ángel María de Barcia Pavón, Ángeles Alcántara, Antonio Rodríguez Luna, Arenas Basabe Palacios, Burgos & Garrido, Christo, Basurama, Colectivo Assemble, Damián de Castro, Ecologistas en Acción, Ecosistema Urbano, Elena Asins, Equipo 57, Federico García Lorca, Federico Guzmán, Fernando Vacas, Francis Bacon, Guillermo Pérez Villalta, Ibon Aranberri, Jacobo Castellano, Jiří Georg Dokoupil, Johanna Billing, Jorge Yeregui, José Caballero, José Duarte, Joseph Beuys / Douglas Davis / Nam June Paik, Joseph Kosuth, Juan Bernier, Juan de Valdés Leal, Juan López López, Juan Serrano, Julio Romero de Torres, Lacol Arquitectura, Lara Almarcegui, Latz + Partners, Mae Durant (Pez Estudio), Manolo Quejido, Manolo Millares, Marta María Pérez Bravo, Martha Rosler, Miguel Ángel Moreno Carretero, Miguel Veriguier, Miralles Tagliabue – EMBT Architects, Nieto y Sobejano, Nomad Garden, Nuria Carrasco, Office for Political Innovation (Andrés Jaque), Pablo Capitán del Río, PAX Patios de la Axerquía, Pepe Espaliú, Pez Estudio, Pilar Monsell, Prada Poole, Rafael de La-Hoz, Rafael Romero Barros, Regina de Miguel, Rita Rutkowski, Robert Motherwell, Roberto Matta, Santiago Cirugeda, Sergio Belinchón, Space&Matter, Temperaturas Extremas, Tete Álvarez, Todo Por la Praxis, Wolfgang Tillmans y Zuloark.

El proyecto para instalar una sede del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) en las Caballerizas Reales de Córdoba evidenció este miércoles en el Pleno del Ayuntamiento de Córdoba que el PP, que goza de una mayoría absoluta holgada, está solo en esta iniciativa. Los populares fueron los únicos en respaldar la iniciativa durante el debate de una moción presentada por el PSOE para paralizar la firma del protocolo de intenciones suscrito esa misma mañana entre el Consistorio y la fundación catalana promotora del museo.

La propuesta socialista, que reclamaba suspender la tramitación hasta contar con una valoración de expertos y un mayor consenso con el sector cultural, fue rechazada con los votos en contra del PP. PSOE y Hacemos Córdoba votaron a favor de la iniciativa, mientras que Vox optó por la abstención, para no vincularse tampoco a este proyecto.

La concejala socialista Isabel Bernal comenzó reconociendo la disposición mostrada por sus responsables durante una reunión mantenida esta mañana a primera hora con representantes municipales. Sin embargo, cuestionó que la cesión de un espacio público a una entidad privada sea la respuesta adecuada a las necesidades culturales de la ciudad.

“No lo vamos a responder nosotros, sino más de 250 artistas que han dicho que no lo es”, afirmó, en referencia a la carta abierta suscrita por creadores, comisarios y gestores culturales contrarios al proyecto. Bernal defendió que Córdoba necesita una programación propia y diversa para las artes contemporáneas y lamentó que la ciudad no haya sido capaz de convertir el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) en el gran referente andaluz del sector.

La edil sostuvo además que el contenido de la carta remitida por el colectivo artístico debería haber llevado al Ayuntamiento a aplazar la firma del protocolo. También reclamó que las decisiones culturales de este calado estén respaldadas por un comité de expertos y se inserten dentro de una planificación estratégica para la cultura.

Vox no quiere vincular su voto al proyecto y Hacemos critica las formas

Desde Vox, Marta León reconoció que la propuesta le parece “interesante”, aunque reprochó al gobierno local haber vuelto a actuar “a golpe de maza” gracias a su mayoría absoluta. Su grupo justificó la abstención al considerar que las Caballerizas Reales deberían destinarse exclusivamente al mundo del caballo y aludiendo a informes técnicos que alertan de deficiencias en el inmueble.

Más contundente fue el portavoz de Hacemos Córdoba, Juan Hidalgo, quien acusó al PP de convertir un bien público en una sucesión de concesiones administrativas. “No contento con darle la mayoría del edificio a Córdoba Ecuestre, ahora la sala de arte para una entidad de Barcelona”, criticó. Hidalgo cuestionó que el proyecto se haya impulsado sin informes de expertos ni consultas previas a la ciudadanía, gestores culturales o profesionales del sector. A su juicio, la operación responde a una visión de la cultura vinculada al turismo y al rendimiento económico. También cargó contra la reunión convocada por el Ayuntamiento horas antes de la firma del protocolo. “Nos sientan y a los diez minutos han firmado el protocolo. Eso son lentejas”, afirmó.

Tras este reproche, el alcalde ha llegado a intervenir diciendo: “No se preocupe, no les convocaremos más a este tipo de reuniones”. El comentario parecía haber pasado desapercibido hasta que Antonio Hurtado ha tomado la palabra y ha criticado la actitud poco democrática del alcalde.

No obstante, el intercambio más tenso se produjo entre Hidalgo y el portavoz popular, Miguel Ángel Torrico. El dirigente del PP reprochó a Hacemos Córdoba su gestión cuando formó parte del gobierno municipal y defendió la legitimidad del actual ejecutivo para impulsar el proyecto gracias a la mayoría absoluta obtenida en las urnas.

Torrico a los críticos: “¿Sabe qué va a pasar? Que van a tener ese espacio”

Torrico reservó también parte de su intervención para responder a las críticas del colectivo artístico. Tras expresar su respeto hacia los firmantes de la carta abierta, aseguró que le sorprendía que la reivindicación de un espacio expositivo municipal se hubiera hecho visible únicamente tras conocerse la llegada del MEAM.

“Han tenido seis años y no lo han expresado”, afirmó. El portavoz popular sostuvo además que el gobierno municipal está dispuesto a atender sus demandas y avanzó que probablemente podrán disponer de un espacio propio antes incluso de que el museo abra sus puertas en Caballerizas. La referencia apuntaba al Convento Regina, inmueble que el alcalde ya había puesto sobre la mesa esta mañana como posible sede para un proyecto alternativo impulsado por los artistas críticos.

No obstante, a eso también ha contestado Antonio Hurtado, que le ha sugerido al alcalde que haga un cambio y ceda el convento Regina a la Fundación Les Arts i els Artistes y, para la sala de Caballerizas Reales, abra un proceso participativo que, esta vez, se impulse “de la forma correcta”. A ello, el regidor le ha recordado que un protocolo de intenciones no genera obligaciones jurídicas y que la futura concesión demanial será competencia de la Junta de Gobierno Local. “Nosotros las cuestiones las hacemos conforme a derecho”, aseguraba.

Todo el debate plenario se ha producido unas horas después de la firma de la declaración de intenciones entre el Ayuntamiento y la Fundación Les Arts i els Artistes, un acuerdo que abre el camino para la llegada del MEAM a Córdoba y que seguirá ahora su desarrollo administrativo y político en medio de una creciente controversia dentro del sector cultural de la ciudad.

El Ayuntamiento de Córdoba ha dado este miércoles un nuevo paso en su objetivo de implantar una sede del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) en las Caballerizas Reales con la firma de una declaración de intenciones entre el alcalde, José María Bellido, y el presidente de la Fundación Les Arts i els Artistes de Barcelona, Xavier Bassons.

El acuerdo marca el inicio de una fase de colaboración entre ambas instituciones para desarrollar el proyecto museístico en el emblemático edificio cordobés, una iniciativa que Bellido enmarcó dentro de la estrategia de la ciudad para reforzar su oferta cultural y patrimonial. “Este es un proyecto de la Córdoba del futuro”, ha afirmado el alcalde, quien destacó que la llegada del MEAM permitiría incorporar a la ciudad un museo de referencia internacional especializado en arte contemporáneo figurativo.

En este sentido, Bellido recordó que Córdoba lleva años persiguiendo la incorporación de una gran colección (ha rememorado el caso de la colección de Pilar Citoler, pero no el frustrado paso de la TBA21 Thyssen-Bornemisza Academy por el C3A) y señaló que esta propuesta podría materializar una aspiración que no llegó a fructificar en anteriores intentos. El regidor ha defendido además que el proyecto contribuirá a ampliar la oferta artística local y ha recordado el éxito de las dos exposiciones vinculadas a la nueva figuración celebradas en los últimos años en la sala Vimcorsa. “Aquí cabemos todos”, ha asegurado, rechazando que la iniciativa suponga una exclusión de otras corrientes artísticas.

No obstante, el alcalde se ha esforzado por aclarar que queda todavía mucho para que el proyecto sea una realidad. A tenor de lo firmado este miércoles, la futura implantación del museo se articulará mediante una concesión demanial directa, cuyos detalles económicos y temporales aún están pendientes de concretar. Asimismo, avanzó la creación de una comisión de seguimiento para que la fundación colabore en el diseño de los espacios expositivos que se habilitarán en Caballerizas Reales.

Bellido ha insistido en que el procedimiento se desarrollará con transparencia (este mismo día ha habido una reunión con los portavoces de los grupos políticos) y ha recordado que el proyecto ha sido diseñado con el asesoramiento de los servicios jurídicos municipales. Además, ha señalado que continuará su tramitación por los órganos de participación ciudadana, entre ellos el Consejo del Movimiento Ciudadano y el Consejo Social de la ciudad.

Córdoba, pieza clave en la expansión del MEAM

Por su parte, Xavier Bassons ha explicado que la elección de Córdoba responde al plan estratégico de expansión de la institución catalana, que busca contar con una segunda sede de relevancia similar a la de Barcelona como paso previo para impulsar su crecimiento internacional. El presidente de la fundación destacó el valor patrimonial de la ciudad, sus conexiones de transporte y la existencia de una importante tradición de artistas figurativos. “Queríamos un segundo emplazamiento tan fuerte como Barcelona para prepararnos para la expansión internacional”, señalaba.

Bassons explicó que la fundación dispone de alrededor de un millar de obras preparadas para ser expuestas y subrayó la proyección internacional de la institución, que desarrolla actividades y exposiciones en distintos países de Europa, Asia y América y que, justo en estos momentos, está en conversaciones para dar el salto a China, tras frustrarse un proyecto en Dubai por la situación del Golfo Pérsico.

Asimismo, ha defendido la figuración como una disciplina artística plenamente vigente, aunque ha rechazado cualquier confrontación con otras tendencias. “Yo no estoy en contra del arte conceptual o abstracto. Son colegas y me gustaría sentarme con ellos y hablar”, ha afirmado el presidente de la Fundación Les Arts i els Artistes, que ha insistido en que su único baremo es la calidad de los artistas.

El alcalde pone sobre la mesa Regina como espacio de arte conceptual

La firma de la declaración de intenciones llega después de que un grupo de artistas, comisarios, críticos y gestores culturales de gran relevancia hiciera pública una carta abierta en la que cuestionaban la cesión de las futuras salas de Caballerizas Reales al MEAM y reclamaban un espacio expositivo municipal abierto a todas las corrientes del arte contemporáneo. A ellos se han dirigido tanto Bassons como el alcalde.

Bassons ha indicado que le encantaría poder hablar con el sector crítico. “Les invito que se sienten conmigo y lo hablemos”, ha propuesto. Por su parte, Bellido ha asegurado que respeta la opinión crítica y ha mostrado su disposición a abrir una vía de diálogo con sus representantes. El alcalde ha planteado además la posibilidad de explorar alternativas para este sector en otros espacios municipales, citando expresamente el Convento Regina, que, según ha dicho, estará terminado mucho antes que la sala de Caballerizas.

“Les tiendo la mano para estudiar la viabilidad de desarrollar allí un proyecto que encaje con las características que demandan”, ha señalado el alcalde, que ha negado cualquier “favoritismo” y ha pedido a los cordobeses que den una oportunidad a una iniciativa que, a su juicio, permitirá aumentar la oferta museística de la ciudad. “Aquí cabemos todos”, ha concluido el alcalde.

La ciudad de Córdoba suma un nuevo espacio dedicado al arte contemporáneo con la apertura de AE Gallery, una galería privada que nace con vocación de permanencia y programación estable en el corazón de la ciudad. La inauguración oficial tendrá lugar del 18 al 21 de junio bajo el título Donde vuelve el color, una exposición colectiva que reúne a ocho artistas contemporáneos, dos de ellos cordobeses —Elena Grish y Eva Vega—, cuyas obras dialogan en torno a la transformación, la memoria, la belleza, la armonía y la esperanza.

La muestra podrá visitarse posteriormente hasta el 12 de julio con entrada libre. AE Gallery es una iniciativa impulsada por Arte Escondido, empresa y consultora especializada en la profesionalización de artistas, fundada por Gaby G. Periche y con más de once años de trayectoria. Desde su fundación, Arte Escondido ha acompañado a cientos de artistas de España y Latinoamérica a vivir de su trabajo artístico, a través de programas formativos, mentorías, eventos y acciones de difusión cultural.

A lo largo de esta década, la organización se ha consolidado como una de las referencias en habla hispana en el cruce entre emprendimiento y creación artística, habiendo trabajado con artistas de más de diez países y formado a una comunidad de miles de creadores en el ámbito digital.

Con la apertura de AE Gallery, Arte Escondido da un paso más allá del entorno digital para materializar en Córdoba un espacio físico de encuentro entre artistas, coleccionistas, instituciones y ciudadanía. “Queremos que la galería sea un lugar donde ocurran cosas. Un espacio vivo que conecte artistas, público, coleccionistas y agentes culturales, y que contribuya activamente a enriquecer la vida cultural de Córdoba”, señala Gaby G. Periche, fundadora de Arte Escondido y directora del proyecto.

“Córdoba no solo merece estar a la vanguardia del arte y la cultura en España. Está preparada para serlo. AE Gallery es el primer paso”, añade Álvaro Luque Amil, socio y director de expansión.

La exposición inaugural propone un recorrido curatorial que acompaña al visitante a través de distintas etapas emocionales y simbólicas. Las obras seleccionadas pertenecen a ocho artistas contemporáneos —Sol Llanos, Lalo Cruces, Carmen Rey, Elena Acero, Elena Grish, Antonia Fiscutean, Eva Vega y Nuria Calatayud— configurando una experiencia donde conviven la figuración, la abstracción, la geometría contemporánea y el arte conceptual.

Más que una exposición colectiva tradicional, Donde vuelve el color plantea un viaje que comienza en el silencio, atraviesa la memoria, la transformación y el deseo, para desembocar finalmente en la armonía y la esperanza, explican desde AE Gallery, que añaden que todos los artistas participantes forman parte de la comunidad de Arte Escondido.

La inauguración oficial será el viernes 19 de junio en el espacio, ubicado en el número 1 del Bulevar Hernán Ruiz (junto a la Estación Córdoba Julio Anguita). Ese mismo día habrá música en directo. Los dos días siguientes habrá también performance, poesía y música para estimular la apertura de la galería.

El debate sobre el futuro uso cultural de las Caballerizas Reales y su gestión por parte de una entidad con sede en Barcelona vuelve a estar de actualidad. Y doblemente, ya que, por una carambola del calendario, sus representantes visitarán el Círculo de la Amistad el mismo día en que esta cuestión se debatirá en el Pleno del Ayuntamiento de Córdoba.

Allí lleva el Grupo Municipal Socialista una moción en la que rechaza el protocolo anunciado por el equipo de gobierno para la cesión de las futuras salas expositivas al Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM). La iniciativa, firmada por el portavoz socialista Antonio Hurtado Zurera, cuestiona que la gestión de este nuevo espacio cultural —actualmente en fase de planificación— pueda quedar en manos de una entidad privada sin un proceso de concurrencia pública ni informes previos conocidos.

El texto sostiene que la ciudad necesita reforzar su dotación museística con un modelo “propio, abierto y diverso”, que permita acoger distintas corrientes del arte contemporáneo sin restricciones estéticas. En este sentido, el PSOE reclama la creación de un comité de expertos con participación institucional y del sector cultural para evaluar alternativas de gestión y gobernanza del futuro espacio.

Entre los argumentos de la moción, se subraya la carencia de espacios expositivos municipales de gran formato en la ciudad y advierte de que la externalización podría limitar la presencia de artistas locales de trayectorias consolidadas si no se ajustan al criterio artístico del proyecto propuesto.

La propuesta llega acompañada del respaldo de una carta abierta firmada por más de 500 artistas, comisarios, críticos y gestores culturales, que expresan su preocupación por el modelo planteado y reclaman mayor transparencia y participación en la definición del proyecto.

Un debate que llega al Círculo de la Amistad

Unas horas después de que los grupos políticos se hayan posicionado, a unos metros del Ayuntamiento, en el Real Real Círculo de la Amistad de Córdoba, tendrá lugar una conferencia dentro del ciclo Otras miradas. Las Artes Plásticas en el Real Círculo de la Amistad, titulada Córdoba y el MEAM: un nuevo diálogo entre patrimonio y arte contemporáneo. El encuentro contará con la intervención de Xavier Bassons, director del museo barcelonés, quien abordará la relación entre patrimonio histórico y arte contemporáneo, así como la apuesta del MEAM por la figuración actual como lenguaje artístico central.

La conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, propone una reflexión sobre la convivencia entre memoria patrimonial y creación contemporánea, en un contexto marcado por el debate político y cultural abierto en torno al futuro de las Caballerizas Reales.

Flora acaba de confirmar la presencia del tercer y cuarto artista que participarán en su próxima edición: la iraní-estadounidense Tulipina (Kiana Underwood) y el inglés Hamish Powell. Ambos desplegarán su creatividad en Córdoba del 12 al 22 de octubre de 2026, en un evento que todos los años convierte a la ciudad andaluza en el gran epicentro mundial del arte floral y la botánica contemporáneas.

Tulipina mostrará su instalación en la Mezquita-Catedral de Córdoba, patrocinada por el Cabildo Catedral de Córdoba; y Hamish Powell en el Palacio de Viana, patrocinada por la Fundación Kutxabank-Palacio de Viana. El anuncio de los artistas coincide con su visita preliminar a Córdoba: estos días estarán en la ciudad para conocer el patio en el que mostrarán su trabajo el próximo mes de octubre. 

Kiana Underwood (Teherán, 1975) es la fundadora y directora creativa de Tulipina, el estudio de diseño floral de renombre mundial que creó en 2011. La artista es una de las creadoras fundamentales en la historia del movimiento floral moderno. Conocida por su uso audaz del color, las texturas y combinaciones florales inesperadas, Kiana tiene un estilo característico que fusiona el arte con la belleza de la naturaleza. 

Kiana, cuya obra aparece de manera frecuente en publicaciones de primer nivel, trabaja en eventos para grandes marcas y bodas alrededor de todo el mundo. Como conferenciante y docente, comparte sus conocimientos a través de talleres y colaboraciones, inspirando a miles de diseñadores florales de todo el mundo. A través de su trabajo en Tulipina, Kiana busca crear experiencias florales inolvidables, inspirándose en su herencia persa, la música y el arte clásicos, sus frecuentes viajes y su profundo aprecio por la belleza natural.

Hamish Powell (Harare, Zimbabwe, 1998) es un artista floral multidisciplinar afincado en Londres. A los 23 años fundó su laboratorio creativo, Hamish Powell Studio, donde, junto con un equipo de floristas, estilistas culinarios y escenógrafos, crea instalaciones botánicas envolventes y obras florales esculturales que exploran nuestra relación emocional con el mundo natural, utilizando las flores como inspiración y como medio. 

La obra de Hamish combina la sensibilidad arquitectónica con un proceso intuitivo guiado por las emociones, a caballo entre la naturaleza, la escultura y el diseño contemporáneo. A menudo explora temas como la fugacidad, la memoria, el ritual o la percepción, y cuestiona con sutileza las ideas tradicionales sobre lo que las flores pueden llegar a ser en un contexto contemporáneo. 

Desde campañas con Tom Ford hasta residencias artísticas en Singapur, la trayectoria de Hamish abarca diversas disciplinas y entornos. Su trabajo ha aparecido en publicaciones como Vogue, Financial Times, Grazia o The Observer, y fue incluido en la lista “30 Under 30 Europe” de Forbes por su contribución al arte y la cultura a través de las flores. 

Tulipina y Hamish Powell se suman así a los artistas ya confirmados para la novena edición de Flora, que también contará con Flover (Estados Unidos) y Taller Banegas (España). Solo queda por saber quién será él/la artista ganador/a de la convocatoria Patio Talento, cuyo nombre se anunciará próximamente.

Convocatorias activas 

Este mes FLORA tiene activas dos convocatorias. Por un lado, la convocatoria para ser asistente artístico del festival, abierta hasta el 14 de junio, que supone una oportunidad única para trabajar con algunos de los creadores contemporáneos más prestigiosos a nivel internacional. Por otro, la convocatoria para participar en el Programa Off del festival, abierta hasta el 21 de junio.

Esta última convocatoria es una iniciativa muy especial que busca expandir el festival a través de nuevas propuestas y formatos, así como dar respuesta al interés de la sociedad cordobesa en colaborar con el festival y fomentar la participación de ciudadanos, comercios y organizaciones locales de toda índole. Como novedad, el Programa Off de esta edición ofrecerá ayudas de entre 600 y 300 euros a las propuestas seleccionadas. Todas las convocatorias se pueden consultar en www.festivalflora.com.

En una de las paredes de la sala de exposiciones de la Escuela de Arte y Superior Diseño Mateo Inurria de Córdoba apenas cuelgan cinco proyectos finales. Cinco trabajos. Siete alumnos. Esa cifra resume el estado actual de los estudios de Fotografía en este centro histórico, que durante años llegó a reunir promociones de más de treinta estudiantes y que hoy observa cómo sus matrículas se reducen de forma lenta mientras crecen la incertidumbre y los recortes.

“Me he visto con el problema de que había muy poquito trabajo”, explica a Cordópolis Luis Magariño, profesor de Fotografía, mientras nos pasea por la exposición de fin de curso que suele hacerse siempre en mayo con los trabajos de la promoción que abandonó el centro el curso anterior. La de este ejercicio tiene truco: para llenar la sala han tenido que completar el espacio con ejercicios de alumnos actuales, todavía en proceso. “Antes tenía dos grupos de más de quince alumnos cada uno. Una treintena por curso. Poco a poco se ha ido reduciendo hasta esto que ves”, dice mientras señala los trabajos.

La caída, asegura, comenzó tras la pandemia, pero se agravó después por las decisiones administrativas. “La pandemia hizo un estrago horroroso”, recuerda. Las restricciones en laboratorios y estudios fotográficos alejaron alumnado. Después llegaron los recortes: primero desapareció el desdoble de segundo curso; al año siguiente, el de primero. En apenas dos años, la especialidad pasó de cuatro grupos a dos.

Hoy, la situación está muy lejos de aquellas cifras. Para el próximo curso, el pasado 19 de mayo, apenas había cinco preinscripciones registradas en Fotografía. El primer plazo expiró días después.

“La educación artística no se considera rentable”

No es algo que le cueste un dolor de cabeza solo a Luis. Es un sentimiento que se percibe en entre el claustro. Y los docentes consultados coinciden en el diagnóstico: la enseñanza artística pública atraviesa un proceso de desgaste lento pero continuado. “El valor de los estudios artísticos aquí no tiene mucha importancia”, lamenta Magariño. “Se prioriza otro tipo de conocimiento. Lo artístico es casi anecdótico, no algo que se considere rentable”.

La paradoja, añade, es evidente: la imagen atraviesa prácticamente todos los sectores profesionales contemporáneos. “¿Qué ámbito no contempla una imagen fotográfica? Universidad, sanidad, publicidad, empresa… todos dependen de la imagen. Apostar por fotografía y vídeo es fundamental”. Sin embargo, según denuncian los profesores, esa importancia social no se traduce en apoyo institucional.

Beatriz Martín es profesora de dibujo artístico. Baja por unas escaleras al fondo de las cuales se ve el rostro de Hisae Yanae, una ceramista, pintora y escultora japonesa que se afincó en Córdoba hasta su muerte. Cuando se le pregunta qué cree que está ocurriendo, habla de una “mezcla de desgaste paulatino y recortes” que afecta tanto a la planificación docente como a las condiciones materiales del centro.

“Nosotros vamos tapando agujeros hasta que llega un momento en que ya no se puede más”, explica mientras nos enseña las instalaciones de este histórico espacio, que hoy presenta vegetación poco cuidada, pero que es uno de los más bonitos del Casco Histórico de Córdoba. Un patio que está en el extremo contrario de otro más pequeño donde solía haber una cafetería que ya hace tiempo que cerró.

Pequeños detalles que dibujan un cuadro completo en el que las reclamaciones más problemáticas son múltiples: desdobles que desaparecen, profesorado que llega tarde al inicio del curso, procesos administrativos que se reducen o se retrasan y una planificación que, según denuncian, no responde a la demanda real. “Pedimos que escuchen las peticiones del centro, que haya diálogo y que se mantenga la oferta educativa. Aquí hay un grupo de profesionales muy cualificados y con muchas ganas de hacer creatividad y arte, pero nos estamos dedicando a solucionar problemas estructurales”, resume.

Talleres sin recursos y profesores que compran materiales

La falta de financiación aparece constantemente en las conversaciones. Francisco Rodríguez, profesor de artesanía y técnicas escultóricas en piel, describe una situación límite en algunos talleres. “Hay especialidades que necesitan un desembolso muy grande en materiales”, explica. “Fotografía necesita focos; cuero necesita pieles y herrajes; talla necesita madera. Muchas veces me veo obligado a comprar cosas yo mismo para llegar a los contenidos”.

El presupuesto asignado, según detalla, ronda los 34 euros por alumno, una cifra que consideran claramente insuficiente para enseñanzas prácticas y artísticas. “Los materiales han subido muchísimo y es que no llegamos”, insiste Rodríguez, que cuenta que es habitual que los profesores acaben comprando materiales con su propio dinero.

Los docentes comparan además esta situación con otros itinerarios formativos privados o concertados que sí reciben financiación más amplia, incluyendo fondos europeos (unos fondos que ellos, en la charla, desconocen por qué no llegan a lo público). Así, consideran que las enseñanzas artísticas quedan sistemáticamente fuera de esas prioridades.

El deterioro también se ve en el edificio

El alumnado percibe el desgaste. Los profesores aseguran que muchos estudiantes detectan rápidamente las carencias del centro: espacios deteriorados, talleres insuficientes, retrasos en la llegada de profesorado o grupos masificados. “Ellos ven el estado del edificio y ven claramente cuando un profesor llega en octubre en vez de en septiembre”, explica Martín, quien añade que, con ello, “la atención personalizada tampoco puede ser la misma”.

En algunos talleres, añaden, los grupos superan la capacidad física de las aulas tras la eliminación de desdobles (“Literalmente, no caben, no hay sillas suficientes”). Pese a todo, la escuela sigue reuniendo más de 500 alumnos entre bachillerato artístico, ciclos formativos y enseñanzas superiores.

Unos datos que contrastan con los que deja el primer plazo de matriculación, con fecha 19 de mayo: un total de 61 pre-inscripciones para el próximo curso, repartidas de la siguiente manera: Ciclos Formativos de Grado Superior en Fotografía (5), en Gráfica Publicitaria (5), en Ilustración (18), en Animación (11), en Arquitectura Efímera (4), en Mobiliario (1), en Proyectos de Obra y Decoración (10), en Madera (0) y en Piel (3), Estudios Superiores de Diseño Gráfico (22).

El avance de la privada

Mientras la escuela pública pierde alumnado, las privadas ganan terreno. Magariño señala que muchos estudiantes de fotografía optan por centros privados buscando mejores redes profesionales y visibilidad. Pone un ejemplo: “La EFTI de Madrid tiene contactos, promoción y autores vinculados al centro que aquí no podemos ofrecer”.

El problema, advierten, es que esa deriva convierte nuevamente la formación artística en un privilegio económico. “La gente que no puede pagar la privada se queda fuera”, señala uno de los docentes. Los tres coinciden con la idea de que el mundo del arte está siendo otra vez copado por quien se lo puede permitir, algo que no es nuevo, pero que intuyen que se está intensificando. De hecho, Francisco recuerda incluso cómo centros privados han acudido a las puertas de la propia escuela pública para captar alumnado durante los periodos de matriculación.

Es Francisco también el que pone el foco de preocupación en el traslado progresivo de disciplinas artísticas y artesanales hacia itinerarios de Formación Profesional vinculados al ahora llamado “arte sacro”. Habla de algunos oficios históricos de las escuelas de arte —talla, metalistería o bordado— que están siendo absorbidos por programas ajenos al ámbito artístico tradicional. “Le han quitado la palabra arte y han puesto oficio”, critican. “Pero esos profesionales se han formado históricamente aquí”. La discusión no es solo terminológica. Para el profesorado, existe el riesgo de reducir enseñanzas complejas a cursos de especialización rápidos desconectados de la formación artística integral.

Cinco proyectos por curso

Volviendo al inicio del recorrido, la pared de la sala de exposiciones ofrece un pequeño balón de oxígeno: pese al contexto, la exposición de los alumnos de la promoción 2024-2025 demuestra que el nivel creativo continúa muy vivo entre los alumnos que pasan por el Mateo Inurria.

Entre los trabajos expuestos se encuentra Ecos del duende, un proyecto sobre flamenco realizado por Daniel Romero y Estefanía Pino que ha obtenido un reconocimiento de la Diputación y aspira a competir en los Premios Mestre de escuelas de arte. Otro proyecto revisita fotografías históricas de Santaella comparando los paisajes de los años cuarenta y cincuenta con la actualidad. Una alumna utilizó el autorretrato como proceso terapéutico tras una ruptura emocional. Dos estudiantes trabajaron con ancianos de residencias imaginando cartas dirigidas a sus propios “yo” adolescentes. Otro alumno documentó la trastienda invisible de la Feria de Córdoba: los montajes, la convivencia y el trabajo oculto tras la imagen festiva.

“Son trabajos con mucho nivel artístico”, afirma Magariño mientras pasa las páginas de los libros de autor elaborados por el alumnado. Quizá ahí reside precisamente la contradicción principal: mientras las administraciones reducen recursos, los docentes siguen defendiendo que estas enseñanzas no son un lujo cultural, sino una formación plenamente profesional y contemporánea.

“La creatividad y las artes deberían formar parte de lo que se considera necesario para la sociedad”, reclama Magariño. “No algo puntual o decorativo”. En las paredes de la exposición solo hay cinco proyectos finales. Pero detrás de ellos aparece una pregunta mucho más amplia: qué lugar quiere ocupar el arte en la educación pública andaluza.

La artista Paula López ha sido la ganadora del Gran Premio Rector del VIII Certamen de Creación 'Artistas Emergentes', organizado por la Universidad Loyola Andalucía en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga y Oya, con la obra 'La nuit de cristal', mientras que la artista cordobesa Ana López ha logrado el Premio Especial Fundación Botí del concurso.

Según ha informado la Universidad Loyola en una nota, el jurado de 'Artistas Emergentes' ha valorado especialmente “el esfuerzo de los artistas, el récord de presentación de propuestas y el salto cualitativo respecto al pasado curso”.

La obra ganadora, 'La nuit de cristal', es un óleo sobre tabla de madera (120 por 84 centímetros) y según ha explicado su autora “frente a la poderosa inercia de mostrarlo todo, se señala la necesidad de resistencia, de ubicarse en lo incierto como única manera de habitar lo íntimo. Parece que los objetos están en lo fronterizo, entre mostrarse y sustraerse a la mirada, en ese intersticio entre la luz y las tinieblas, entre lo mostrado y lo velado, entre lo tolerado y lo reprimido, entre el ser y el no ser”.

Gracias a este trabajo, la artista emergente ha obtenido el galardón principal del concurso, dotado con 1.200 euros de premio. La obra, además, junto a las otras propuestas ganadoras, pasará a formar parte de la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad Loyola.

Premio especial Fundación Botí

Además, se ha concedido el Premio Especial Fundación Botí a la artista cordobesa finalista Ana López por su obra 'Me despertaré cuando alguien me despierte'. Se trata de una fotografía de doble exposición (130 por 77 centímetros), que según su autora “habla del mundo actual”, el cual es “un escaparate continuo e hiperconectado a otras realidades”.

En dichas realidades “siempre hay alguien como nosotras, pero también mejor que nosotras, donde todo es posible, pero a la vez todo está hecho, donde todo está al alcance de nuestra mano, pero ya no hay nada que tengamos ganas de hacer, donde quien queremos ser está latente en nosotras, pero nos da miedo atrevernos a despertarlo”.

Además, el jurado del certamen ha elegido también a los ganadores de las tres categorías a concurso, otorgando el Premio de Pintura, dotado con 600 euros, a la obra 'Anhelo' de Rafael Herrera; el Premio de Escultura, dotado con 600 euros, a 'Limpias el toldo pensando en el verano', de Lola Goyanes, y el Premio de Fotografía, dotado con 600 euros, a 'Huecos vacíos y sombras de narración', de Miriam Cánovas.

Se han concedido, igualmente, dos Premios Accésit, uno, en la categoría de Escultura, para 'Torres consumidas por el mercado', de Esperanza Gallardo, y otro, en la categoría de Pintura, para 'Ocaso', de Marina Reina.

Jurado

El jurado del certamen ha estado formado por los artistas Abraham Parrón, María Ortega Estepa, Adriana Torres y Paco Pérez Valencia, el historiador Manuel Jesús Roldán, así como los coleccionistas Valentín y Ángela de Madariaga.

En esta octava edición, el jurado ha valorado el esfuerzo de los artistas y la calidad de las propuestas, lo que ha supuesto dificultad para seleccionar las ganadoras que han optado a los premios. Reconocen el salto cualitativo de todos los trabajos presentados respecto a la anterior edición y subrayan récord de obras presentadas.

Además, han destacado que las obras reflejan emociones íntimas, recuerdos, anhelos o reivindicaciones y se caracterizan, además de por su calidad, por la diversidad de estilos, técnicas, referentes e intenciones.

El presidente de la Fundación, Valentín de Madariaga Parias, ha afirmado que “la apuesta por el talento joven, por la formación y por generar oportunidades reales, da lugar a un proyecto que no solo muestra obras, sino que impulsa trayectorias y eso, hoy, tiene un valor especial”.

“Desde la Fundación Valentín de Madariaga y Oya --ha proseguido-- entendemos este tipo de iniciativas como parte esencial de nuestro compromiso con la ciudad. Sevilla necesita espacios donde detenerse, donde pensar y donde se generen diálogos que vayan más allá de lo inmediato. Espacios abiertos, accesibles, en los que distintas miradas puedan encontrarse”.

Por su parte, el rector de la Universidad Loyola, Fabio Gómez Estern, ha dicho que “con esta octava edición Loyola renueva su compromiso con el arte y la cultura y la amplia respuesta a la convocatoria de este certamen evidencia la consolidación de esta cita en el circuito de concursos artísticos de nuestro país”.

Además, ha asegurado que “la apuesta de la Universidad Loyola por el arte tiene un trasfondo que va más allá de la proyección social, pretende movilizar el talento de creadores emergentes que buscan darse a conocer y reivindica el valor de la creación humana por encima de cualquier artefacto generado por IA, conscientes del valor de las artes como instrumento para trabajar por la justicia social”.

Finalmente, la directora del Servicio de Actividades Culturales de Loyola y principal organizadora del certamen y la exposición, Emma Camarero, ha señalado que “esta octava edición de Artistas Emergentes es la consolidación de un Certamen que cada año crece en número de propuestas y en calidad”.

En la Universidad Loyola, según ha resaltado, creen que “el talento y la creatividad de los jóvenes son herramientas esenciales para construir un sociedad más justa y mejor. Abrir espacios donde puedan expresarse libremente y premiar sus creaciones es la forma en la que queremos apoyarles desde Loyola”.

Exposición abierta

La exposición podrá visitarse hasta el 28 de junio en la Fundación Valentín de Madariaga, en la avenida de María Luisa, s/n de Sevilla, en horario de lunes a viernes de 10,00 a 15,00 y de 17,30 a 20,00 horas, y los sábados de 10,00 a 14,00 horas.

En cuanto a las obras seleccionadas expuestas, en fotografía son: 'La frontera del mar', 'Huecos vacíos y sombras de narración', 'La velocidad del olvido', 'Turbio, muy turbio', 'Cahuita vs campoamor', Monstruos Migrantes', 'Alquilado' y 'Me despertaré cuando alguien se despierte'.

En pintura, por su parte, las obras seleccionadas y expuestas son: 'Ocaso', 'Volcán, principio y...', 'El descanso', 'La californie', 'Encuentro', 'Umbral', 'No estamos aquí', 'Tea time', 'La nuit de cristal' y 'Anhelo'. Mientras que, en escultura, las obras que se pueden visitar en la exposición son: 'Exploding toys', 'Torres consumidas por el mercado', 'Entre muros', 'Limpias el toldo pensando en el verano', y 'Refugio frente al siglo XXI'.

El Rey de España, Felipe VI ha elogiado este miércoles a los galardonados con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2024, asegurando que son “la prueba de que la cultura permanece viva en su capacidad de renovarse y de encontrar nuevas formas de expresión”.

Durante su intervención en el acto de entrega de las Medallas, celebrado en el Teatro de Rojas de Toledo, y en el que han participado el ministro de Cultura, Ernest Urtasun; el presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, y el alcalde de Toledo, entre otras autoridades institucionales, su majestad ha apuntado a la “conversación entre legado e innovación” y a la “diversidad de voces, lenguajes y miradas” como germen de la creación artística de los reconocidos.

“Estas Medallas no sólo reconocen vuestra aportación a las artes, sino también al espacio común de nuestra convivencia”, ha afirmado. Entre los premiados, el cordobés Segundo Castro Olmo --miembro fundador de la Escuela Experimental--, el artista jerezano José Mercé, el grupo de rock granadino Los Planetas, la escritora gaditana Elvira Lindo y la diseñadora cordobesa Juana Martín.

Felipe VI ha apuntado a la amplia cantidad de disciplinas contempladas por los premios de bellas artes, como “la palabra y la imagen; la poesía y la narrativa; el cine, la fotografía y las nuevas formas visuales; la arquitectura y el patrimonio; la danza, la lírica y el circo; la creación musical en registros tan distintos como el flamenco, la ópera, el rock, el rap o aquellas melodías que terminan formando parte de la memoria sentimental de varias generaciones”.

Continuando en esta línea, ha señalado “el humor, la experimentación, la moda, la cultura infantil, los derechos culturales y esos espacios colectivos que hacen posible que la creación llegue a los demás”.

“Recibid nuestra enhorabuena, de la Reina y mía, de todos los aquí reunidos; y también, por qué no, de todos los que en España o fuera de España, en donde sea, se han sentido identificados con vosotros”, ha apuntado Felipe VI.

Recordando que la primera convocatoria del evento fue aplazada a causa del accidente ferroviario de Adamuz, Felipe VI ha trasladado un “recuerdo emocionado” para las víctimas mortales, así como a “sus familias y a los que aún luchan por recuperarse”.

Por otra parte, ha celebrado el lugar escogido para la entrega de las Medallas este año, subrayando el 40 aniversario de la declaración de Toledo como ciudad Patrimonio de la Humanidad, así como el VIII centenario de su Catedral Primada.

“Toledo nos enseña que la mejor creación artística jamás es pura, sino al revés: que está imbuida de tradición y de referentes, más o menos explícitos”, ha asegurado Felipe VI, poniendo como ejemplo a El Greco, que “pasados cuatro siglos, seguía siendo para las vanguardias un referente absoluto de modernidad”.

“Os necesitamos a nuestro lado”

El ministro de Cultura ha comenzado su discurso haciendo alusión a la “fulgurante juventud” de la Edad de Plata de la cultura española para apuntar que la Comisión Nacional creada por el Ministerio está preparando ya la celebración del centenario de la Generación del 27, “efeméride que aspira a ser un gran proyecto de Estado en torno al arte, el saber y la literatura”.

A ello ha unido que el “afán de transformar un país desde la cultura, alimenta la raíz de lo que hoy estamos aquí reconociendo”. “Ese entusiasmo transformador es el verdadero oro de estas medallas, y por eso los galardones que vais a recibir no son otra cosa que el espejo de nuestra gratitud”, ha dicho.

“Nadie podría separar hoy vuestro trabajo artístico de la vida de la gente, de la ciudadanía o del público. Como caballos de Troya, se nos han ido colando en el corazón vuestras películas y canciones, los poemas, los cuadros, las fotografías, los diseños o los conciertos”, ha argumentado.

Aunque pueda resultar “extemporáneo hablar de esperanza en este mundo actual presidido por la crueldad, por el odio, la guerra y la ley del más fuerte”, el ministro ha dicho a los premiados que esa es la razón por la que “os necesitamos a nuestro lado: Para seguir hablando de esperanza frente a esta realidad”.

“Porque conocéis la cura contra la resignación y porque vuestro arte se opone en momentos como este a la mentira y a la mediocridad. Os necesitamos para reconstruir el significado de muchas palabras que hoy parecen haberlo perdido. Palabras como libertad, paz, justicia o igualdad. Y os necesitamos muy especialmente para restaurar el optimismo y la creencia firme en otro mundo posible”, ha aseverado.

El presidente de Castilla-La Mancha ha dado la enhorabuena a todos los galardonados y también las gracias, poniendo en valor lo que la cultura aportó “a esa época tan trascendental” que significó la transición.

“Muchos de los valores que influyeron en la sociedad y en los negociadores de ese momento histórico tienen que ver con el mundo de la cultura en sus distintas manifestaciones, trasladando valores y principios, y es un momento para seguir reclamándolos”, ha subrayado.

Así, García-Page ha dicho a todos los premiados que en tiempos “difíciles y complejos” como los actuales “os necesitamos más”. “Ante esos momentos, la sociedad a lo mejor no tiene claro lo que hacer, pero creo que sí pueden ustedes ayudar muchísimo a dejar claro lo que no hacer, que ya es mucho”.

Es por ello por lo que el presidente castellanomanchego ha afirmado a todos los galardonados que ese “es el valor de su trabajo”, un compromiso “con su arte que trasciende lo personal para ser un servicio público. ”Enhorabuena, gracias y por favor ayudad a esta sociedad. Os necesitamos“.

Un honor “público y compartido”

El actor Josep María Pou ha sido el encargado de hablar en nombre de los premiados para decir que recibir esta distinción “es un honor que obliga ante todo a la gratitud hacia quienes han considerado que un trabajo, nacido muchas veces en la soledad, en el silencio, en la duda y en la obstinación a toda costa, merecía hoy hacerse público y compartido”.

“Hablar del mérito del artista implica reconocer también el esfuerzo invisible que acompaña a todas las personas que trabajan en los márgenes de la visibilidad, sosteniendo el arte y la cultura desde lugares muchas veces precarios. Sin su labor silenciosa pero esencial, ninguna obra alcanzaría su forma final”, ha resaltado.

Josep María Pou ha recordado que el arte “no es un lujo ni un adorno, sino una necesidad. ”En estos días en los que nos exaspera la deshumanización, donde las bravuconadas, las fanfarronadas se imponen a la amabilidad y la bondad es motivo de burla, el arte más que nunca debe revolvernos contra la indignidad“.

Así, y teniendo en cuenta que este acto se celebra en Toledo, donde “convivieron sensibilidades muy distintas”, Pou ha apuntado que en un mundo donde las diferencias “se muestran de manera tan violenta”, la capital regional “nos enseña que la creación auténtica surge cuando somos capaces de escuchar al otro, cuando somos capaces de dialogar y no de gritar, broncar o bramar”.

El Ayuntamiento de Córdoba ha aprobado la convocatoria de la primera edición del Premio Internacional de Pintura Ciudad de Córdoba, un nuevo certamen artístico promovido por la Delegación de Cultura que repartirá un premio único de 30.000 euros a la obra ganadora.

La iniciativa, cuyas bases han sido aprobadas por la Junta de Gobierno Local, busca reforzar la proyección cultural de la ciudad y fomentar la creación contemporánea mediante una convocatoria abierta a artistas mayores de 18 años que presenten trabajos originales no premiados anteriormente.

El concurso permitirá a cada participante presentar un máximo de dos obras, que podrán concurrir de manera independiente o formar parte de una misma serie artística. Las creaciones deberán haber sido realizadas con posterioridad al año 2020 y podrán desarrollarse con temática y técnica libre.

Las bases contemplan el uso tanto de materiales tradicionales, entre ellos óleo, temple, tinta o lápiz, como de técnicas y soportes más contemporáneos, como acrílico, resina sintética, esmaltes o textil. El plazo para la presentación de solicitudes será de dos meses a partir del día siguiente a la publicación oficial de la convocatoria en el Boletín Oficial de la Provincia.

La comisión evaluadora estará presidida por el alcalde de Córdoba, José María Bellido, y contará también con la participación del coordinador general de Cultura, Juan Miguel Moreno Calderón, y de la delegada de Cultura y Patrimonio Histórico, Isabel Albás, además de cuatro profesionales vinculados al ámbito de la pintura y la crítica artística, aún por designar.

El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) acogerá en esta edición tres residencias artísticas con proyectos dirigidos por el contratenor Manuel Ruiz, Margarita Merino y Pepa Ortuño, y Nieves Pedraza. El Teatro de la Axerquía de Córdoba, gracias a la colaboración del IMAE con la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, albergará tres residencias entre septiembre y octubre con una duración máxima de cuatro semanas continuadas.

En concreto, los proyectos seleccionados son ‘Il Primo Uomo. El cuerpo como partitura’, del contratenor Manuel Ruiz, un recital escenificado sobre la figura de los castrati en la ópera barroca; ‘Palos y astillas’, de Margarita Merino y Pepa Ortuño, propuesta escénica híbrida que, a partir de una instalación autobiográfica, investiga la memoria y la herencia emocional mediante el diálogo entre cuerpo, voz y materia; y ‘Perro suelto’, de Nieves Pedraza, en torno a la dominación humana del mundo natural.

La Consejería de Cultura y Deporte, a través de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, ha resuelto la convocatoria de proyectos de residencias artísticas de danza, teatro, circo y música dirigidas a creadores y compañías profesionales del ámbito de las artes escénicas y la música publicada en el BOJA núm. 66 de 8 de abril 2026. El programa, diseñado para que proyectos de creación artísticas y profesionales realicen estancias creativas en los diferentes espacios propuestos, se ha resuelto con la selección de tres proyectos de música, ocho de danza, cuatro de teatro, una multidisciplinar y dos de dramaturgia.

El IMAE participa por segundo año consecutivo en la convocatoria creada por la Consejería de Cultura. Este programa se desarrolla durante el segundo semestre de 2026 con un total de 18 proyectos residentes distribuidos por las ocho provincias de la comunidad autónoma. Las propuestas de danza, teatro, música y formatos híbridos se producirán en el Estadio en Sevilla, Rey Chico en Granada, La Térmica en Málaga y La Rábida en Huelva.

Todos los proyectos seleccionados recibirán 3.000 euros más IVA, excepto los trabajos de dramaturgia, que tendrán 1.500 euros más IVA y se cubrirá la estancia y manutención. Como contraprestación, las compañías ofrecerán un taller formativo, así como una exhibición pública del trabajo realizado. La selección ha estado a cargo de una comisión de valoración presidida por la directora del Instituto Andaluz de las Artes Escénicas y la Música, Violeta Hernández, y formada por expertos en la materia.

Además de los 18 proyectos escogidos, hay nueve suplentes en caso de que alguno de los seleccionados decline su participación en el programa.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía y ubicado en Córdoba, inaugura este jueves, a las 19,00 horas, una nueva edición de 'Estudios abiertos'. Durante la jornada, el público podrá conocer los proyectos desarrollados por los artistas residentes durante los últimos meses en el centro.

Así lo ha indicado el C3A en una nota en la que ha detallado que la muestra reúne los trabajos del primer grupo de creadores seleccionados dentro de la convocatoria de subvenciones de 2025 en régimen de concurrencia, compuesto por Elena Bajo, Judit Bou Comas, Inés Cámara Leret, Juan del Junco, Natalia Domínguez, Abel Jaramillo y Karlos Martínez Bordoy, y se completa con tres acciones en vivo a cargo de Elena Bajo, Judit Bou Comas y Natalia Domínguez.

'Estudios abiertos' permite conocer los procesos de investigación, experimentación y producción desarrollados en el marco del programa de residencias artísticas, a través de la visita a los espacios de trabajo del C3A. Para la muestra se han habilitado, además de los estudios 1 al 4, la sala de vídeo y la sala 0 del centro.

Las propuestas presentadas, en esta primera fase, abordan cuestiones vinculadas a la transmisión, los rituales, la ecología, las estructuras sociales, el lenguaje y la arquitectura, que se materializan mediante instalaciones, esculturas, vídeos, textos y el sonido.

Durante el periodo de residencia, los artistas han contado con el acompañamiento del comisario independiente Jesús Alcaide, quien ha realizado un seguimiento de los procesos de investigación y producción desarrollados por los creadores en el centro.

Coincidiendo con la inauguración, a las 19,00 horas se presentará la acción 'un autre chant', de Natalia Domínguez, la performance 'cuatro - dos/cuatro-cuatro-cuatro-cuatro/cuatro/cuatro por cuatro, cuatro veces', de Judit Bou Comas y la acción 'Artemisia. La tejedora del Tiempo y los Sueños', de Elena Bajo.

Durante su periodo de residencia, la artista Elena Bajo se ha centrado en la investigación de las ha investigado las plantas como portadoras de memoria y conocimiento. 'Artemisia. La tejedora del Tiempo y los Sueños' integra cerámica, sistemas vivos y herramientas tecnológicas y explora nuevas formas de comprender el tiempo y la crisis ecológica.

Elena Bajo vive y trabaja entre Europa y Estados Unidos. Su práctica es transdisciplinar y aborda las relaciones entre cuerpo, arquitectura, ecología y sistemas sociales. Su trabajo se ha presentado internacionalmente en instituciones y centros de arte en Europa, América Latina y Estados Unidos.

Judit Bou Comas presenta 'cuatro-dos/cuatro-cuatro-cuatro-cuatro/cuatro/cuatro por cuatro, cuatro veces', un proyecto que explora cómo el pensamiento simbólico y los gestos repetitivos influyen en la percepción del espacio y en la construcción de sentido, tomando como punto de partida el trastorno obsesivo compulsivo (TOC) como respuestas a la ansiedad.

Bou Comas trabaja principalmente con fotografía y vídeo para explorar la relación entre imagen, percepción y construcción de significado. Su trabajo ha sido presentado en exposiciones y contextos vinculados al arte contemporáneo emergente en España.

Por otro lado, Inés Cámara Leret presenta 'Cuando la zarracatapla tapla', un proyecto que investiga las relaciones entre las aves migratorias y los vertederos como hábitats, a partir de instalaciones, esculturas y vídeo. Cámara Leret trabaja en torno a los mitos heredados y a los detalles que componen un paisaje. La artista ha expuesto en contextos nacionales e internacionales, tanto en espacios públicos, de plazas a montes, como en galerías, museos y festivales.

Entretanto, Juan del Junco presenta un proyecto centrado en la observación de aves y en la experiencia de remontar el río como acción conceptual en sí misma. El trabajo presenta un nuevo capítulo de 'Conceptual Andalusia' un bloque de proyectos que de manera transdisciplinar ha desarrollado en los últimos diez años.

El proyecto trata profundamente los complejos procesos que viven los seres humanos y como el artista encuentra en la naturaleza la esperanza. Su trabajo ha sido expuesto en numerosas ocasiones y forma parte de la colección de museos como el CAC de Málaga, el MUSAC, el Patio Herreriano y el CAAC, entre otros.

Por su parte, Natalia Domínguez presenta una investigación sobre el imaginario automovilístico y su relación con prácticas performativas predominantemente arraigadas al imaginario masculino. Ha investigado diferentes fluidos, gases y olores propios del automóvil, a partir de los cuales ha desarrollado una serie de artefactos que relacionan tecnología, cuerpo y ecosistema. Ha desarrollado proyectos en contextos artísticos y performativos a nivel nacional e internacional.

Transmisión intergeneracional de saberes

En su caso, Abel Jaramillo investiga la transmisión intergeneracional de saberes vinculados al hacer manual, explorando la relación entre memoria familiar, lenguaje y materialidad mediante escultura e instalación. Su trabajo investiga la construcción de la memoria, el lenguaje y los sistemas de transmisión cultural. Ha participado en exposiciones y proyectos en instituciones artísticas y contextos independientes nacionales e internacionales.

Por último, Karlos Martínez Bordoy presenta 'Proceso', una investigación escultórica en torno a la celosía y otras estructuras de mediación como caparazones, armaduras, pieles y sistemas de protección. Su práctica escultórica investiga las relaciones entre materia, espacio y percepción. Ha desarrollado proyectos en el ámbito del arte contemporáneo vinculados a la escultura y la instalación.

Acciones en vivo

Además de la apertura de los estudios, la jornada incluye tres acciones en vivo a cargo de Natalia Domínguez, Judit Bou Comas y Elena Bajo, cuyas propuestas amplían las líneas de investigación desarrolladas durante sus residencias y refuerzan el carácter multidisciplinar del programa.

El objetivo del proyecto de residencias artísticas en el C3A es el fomento, la promoción y el desarrollo de trabajos de carácter creativo, investigador e innovador en cualquier área vinculada con la creación y el arte contemporáneo. Tras esta primera fase de residencia, durante el mes de septiembre se incorporarán los cinco creadores restantes que fueron seleccionados en la convocatoria de subvenciones 2025, Ana Belén Amado Pazos, Guillermo Cárdenas Gutiérrez, Laura González Cabrera, Raúl Hilario Montes Aguilar y Guillermo Rodríguez Tenorio.

Las residencias tienen una duración de tres meses, coincidiendo con el ejercicio 2026, y se llevarán a cabo en el C3A, que proporcionará el espacio de trabajo y herramientas. Posteriormente, los artistas abrirán sus estudios para presentar, ante la prensa y el público, los proyectos realizados.

El Colegio de la Abogacía de Córdoba acoge hasta el día 29 de mayo la exposición 'Mujer, raíz y vuelo', de la artista cordobesa Eva Llamas, un proyecto artístico que reúne más de una treintena de obras entre escultura mural, escultura exenta y pintura matérica.

Según destacan desde el Colegio, la muestra propone un recorrido simbólico y emocional por los procesos de transformación, identidad y autoconocimiento, tomando como punto de partida conceptos como la raíz, el tránsito, la memoria, la expansión o el cambio. El proyecto supone además una evolución natural de 'Desde mi interior', trabajo presentado por la artista en 2024 en el Palacio de Viana.

Uno de los elementos más singulares de la muestra es el diálogo directo entre las obras y el propio espacio que las acoge. La propuesta ha sido concebida específicamente para la sala de exposiciones del Colegio de la Abogacía, integrando en el discurso artístico los restos arqueológicos presentes en el edificio como símbolo de memoria, origen y permanencia.

En este sentido, la muestra se plantea como una conversación entre tiempos: el pasado material del lugar y el presente emocional de las obras. Esta interacción amplifica el sentido de la raíz como elemento común entre lo histórico y lo personal. La artista señala que este proyecto nace de “una continuidad vital y creativa” con su trabajo anterior.

Aunque el discurso parte de la experiencia femenina, la propuesta se plantea desde una perspectiva abierta y universal. Los procesos de transformación, búsqueda, impulso o repliegue forman parte de la experiencia humana en su conjunto, más allá del género.

La obra de Eva Llamas se caracteriza por una mirada íntima y simbólica sobre el cuerpo, la emoción y la experiencia humana. A través de técnicas mixtas y un lenguaje contemporáneo de marcado carácter experimental, la artista combina elementos escultóricos, pintura, cerámica y materiales orgánicos, construyendo piezas donde la naturaleza, las flores y la materia viva se convierten en parte esencial de su identidad creativa.

Su trayectoria reciente incluye exposiciones individuales en el Palacio de Viana o la Sala Placituela de Frigiliana, así como participación en muestras y festivales en Córdoba, Málaga, Madrid y París. Asimismo, ha sido reconocida recientemente con el Premio Artes Plásticas 2025 de los IV Premios a la Cultura Memorial José María Toro Sánchez y con el tercer premio de escultura de la asociación andaluza cREA.

La exposición incorpora intervenciones florales de la artista invitada Ana Ruiz ('@a_petalada'), que prolongan algunas de las piezas pictóricas hacia lo orgánico y establecen un guiño a la tradición floral cordobesa del mes de mayo.

Con 'Mujer, raíz y vuelo', Eva Llamas presenta una propuesta que combina experiencia vital, investigación plástica y reflexión simbólica, invitando al espectador a recorrer un espacio donde la identidad se entiende como proceso continuo de transformación.

En concreto, la exposición podrá visitarse hasta el día 29 de mayo, de lunes a jueves, de 09,00 a 14,00 horas y de 17,00 a 19,30 horas, y los viernes de 09,00 a 14,00 horas.

La obra YoTú, de la creadora italiana Cinzia Farina, ha sido distinguida con el VII Premio de Poesía Visual “Paqui Jiménez Yepes”, un certamen convocado en memoria de la poeta cordobesa fallecida en 2018 y que en esta edición ha vuelto a registrar una destacada participación internacional, con un total de 73 obras procedentes de 14 países de Europa y América.

La lectura del fallo tuvo lugar en la Sala María Moliner de la Biblioteca Central de Córdoba, en un acto organizado por El Paraíso Experimentación Visual, entidad promotora del premio, que subrayó la singularidad de este certamen, cuyo proceso creativo parte cada año de un fragmento distinto de la obra poética de Paqui Jiménez Yepes, convertido en elemento inspirador de las piezas que concurren al concurso.

El jurado, integrado por los poetas visuales Raquel Bullón Acebes y Pepe Lara, acordó por unanimidad conceder el galardón a YoTú, cuya autoría se conoció tras la apertura de la plica y correspondió a Cinzia Farina. El premio consiste en un diploma y una pieza artística creada por Sara Moyano. El acto contó también con la presencia del finalista Alejandro Díaz de Losada, desplazado hasta Córdoba desde San Lorenzo de El Escorial.

La obra ganadora, junto a otras once seleccionadas por el jurado, integra una exposición inaugurada en la sala superior de la Biblioteca Central, donde permanecerá abierta al público hasta el próximo 29 de mayo.

Natural de la ciudad italiana de Enna, donde reside, Cinzia Farina ha colaborado en publicaciones especializadas y participado en numerosas muestras internacionales colectivas de poesía visual y libros de artista. Su última exposición individual se celebró el pasado año en el Centro d’Arte e Cultura Piero Montana. Farina concibe la poesía visual como una forma de encuentro entre imagen y palabra, orientada a estimular más que a decir, desde la convicción de que la obra artística alcanza su plenitud en el diálogo creativo entre un “yo” y un “tú”, espacio compartido de reflexión y disfrute estético.

Como cierre del acto, los asistentes recibieron un catálogo de bolsillo con las obras que integran la exposición y el fallo del jurado.

La comunidad educativa de la Escuela Superior de Arte y Diseño Mateo Inurria se ha movilizado este viernes para denunciar “recortes” en las enseñanzas artísticas, la falta de reconocimiento de sus estudios como cualificaciones profesionales y el desvío de grados vinculados al arte a ciclos en la Formación profesional (FP). Con ello, señalan, se está dando un “deterioro progresivo de sus estudios debido a los recortes presupuestarios”, que también amenaza el estado del propio edificio de la escuela.

Con pancartas, dibujos artísticos creados por los alumnos y silbatos, tanto profesores como alumnos se han manifestado ante la Delegación de Educación de la Junta de Andalucía, donde han hecho oír sus reivindicaciones. “No somos un gasto, somos el patrimonio de mañana”, “Por un aula que no parezca una lata”, “El arte es cultura”, “Sin escuela de arte no pintamos nada o ”No más recortes“, han sido algunos de los lemas que se podían leer en sus mensajes.

En nombre del profesorado, el maestro de taller de la Escuela Francisco Rodríguez ha denunciado cómo “cada vez estamos más descuidados” por la administración y ha apuntado a la “instrucción” de la Junta para que enseñanzas artísticas pasen de los grados de las escuelas a ciclos de Formación Profesional, donde se eliminaría su vinculación artística para ser oficios.

Sobre el deterioro del edificio ha señalado la aparición de “ratas, ratones” o el “desprendimiento de cornisas”, con carencias “desde hace muchos años ya”. Asimismo, ha reclamado que se tramiten “las cualificaciones profesionales que aún no tenemos” en la mayoría de las enseñanzas artísticas, por lo que no pueden ser homologadas en otros países.

Por parte del alumnado, Paula Santos ha incidido en que “la Formación Profesional no son estudios artísticos”, apuntando que el arte y la enseñanza a futuros creadores son el “patrimonio” del futuro. “Si se recortan gastos, si no hay desdobles y añades ciclos en competencia con mi escuela, estás atacando a mi casa”, ha dicho, para señalar que “lo sentimos como una amenaza, como un ataque directo a lo que hacemos, a lo que estudiamos gratuitamente”.

Esta ha sido la primera movilización planteada por la Escuela Superior de Arte y Diseño Mateo Inurria -con 400 alumnos y más de 70 profesores-, desde donde señalan que la situación también afecta a la Escuela Dionisio Ortiz y a todas las de la comunidad andaluza.

La artista cordobesa Eva Llamas ha inaugurado en el Colegio de la Abogacía de Córdoba la exposición Mujer, raíz y vuelo, un proyecto que reúne más de una treintena de obras entre escultura mural, exenta y pintura matérica.

La muestra supone una evolución natural del proyecto Desde mi interior, presentado en 2024 en el Palacio de Viana, en el que la artista abordaba el mundo emocional, el amor y la condición humana desde una mirada introspectiva. En esta nueva propuesta, Llamas amplía ese territorio hacia los distintos ciclos de transformación que atraviesan la vida, entendidos no como una línea de inicio y final, sino como estados de cambio, aprendizaje y autoconocimiento.

El proyecto se articula como un recorrido simbólico que parte del origen y la raíz, entendido como aquello que nos sostiene y nos constituye, y avanza hacia procesos de tránsito, adaptación y expansión vital. La exposición plantea así una reflexión sobre cómo las experiencias, los vínculos y las circunstancias van configurando la identidad a lo largo del tiempo.

Eva Llamas viene desarrollando una línea de trabajo centrada en la exploración del cuerpo, la materia y el símbolo. Se expresa a través de técnicas mixtas en un lenguaje predominantemente escultórico desde un enfoque contemporáneo y experimental. Su obra ha sido reconocida en distintos ámbitos del arte actual.

En cuanto a su trayectoria y muestras individuales más recientes destaca su presencia en el Museo de Arte Contemporáneo Mayte Spínola, así como en el Castillo de Cañete de las Torres en el marco del Festival Calles en Flor 2025, donde ha mostrado parte de su producción en el marco de proyectos vinculados al arte contemporáneo. Asimismo, cabe destacar su implicación en la organización multidisciplinar de la exposición colectiva Mujer, Arte y Alma, celebrada el pasado mes de febrero en el Palacio de Viana desde la Asociación Mujer y Poder.

Ha sido reconocida recientemente con el tercer premio de escultura de la asociación andaluza cREA, y con el Premio Artes Plásticas 2025 en el marco de los IV Premios a la Cultura Memorial José María Toro Sánchez, consolidando así una trayectoria en expansión dentro del panorama artístico actual.

El anuncio del Ayuntamiento de Córdoba de ceder parte de las Caballerizas Reales a la Fundació de les Arts i els Artistes, una empresa privada que gestiona el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, ha abierto una enorme grieta en el ecosistema cultural local de la ciudad. Lo que el gobierno municipal ha querido presentar como una oportunidad estratégica —convertir a la ciudad en la única subsede española de este museo centrado en el arte figurativo— ha sido recibido por la plana mayor del sector artístico de la ciudad como una decisión opaca que compromete el futuro de la política cultural, especialmente en materia de arte contemporáneo.

El protocolo aprobado el pasado lunes por la Junta de Gobierno Local contempla la cesión del nivel cero y el nivel uno del ala este de Caballerizas, miles de metros cuadrados en un edificio único en el mundo, donde se habilitarán dos salas expositivas, espacios de recepción y servicios asociados. La sala principal, dividida en dos áreas, se convertiría en el núcleo museístico de esta futura subsede dedicada al arte figurativo contemporáneo, pero vinculada a una entidad de la capital catalana.

El anuncio del lunes, esta vez, ha provocado una reacción inmediata y ciertamente ruidosa para una ciudad que, en lo relativo a las políticas culturales, suele hablar más en corrillo que de manera pública. Así, en poco más de 24 horas, cerca de medio millar de artistas, comisarios y gestores culturales se han adherido a una carta abierta que cuestiona tanto el fondo como la forma de la operación. El documento plantea una pregunta central: por qué el Ayuntamiento opta por “hipotecar” su política cultural cediendo la gestión de un espacio clave a una entidad privada sin concurso público ni informes que justifiquen la decisión.

En realidad, la documentación aportada, sí que justifica la cesión. En el borrador del protocolo se defiende, por un lado, que el MEAM es “un referente mundial del arte figurativo, con más de 200.000 seguidores en sus diferentes redes sociales”, y que cuenta con el concurso Figurativas, al que califican como “el más importante de escultura y pintura del mundo”; y, por otro, que la relación entre el museo catalán y Córdoba “es profunda y bidireccional”, citando exposiciones pasadas y el hecho de que “son numerosos los artistas de Córdoba que mantienen una relación activa con el MEAM”. Por último, también mencionan que “Córdoba es una de las ciudades de referencia en el arte figurativo español contemporáneo, con creadores de referencia en la pintura y la escultura desde Julio Romero de Torres y Mateo Inurria”. “Este arraigo artístico justifica plenamente que Córdoba sea la ciudad elegida para albergar su primera gran subsede”, concluye el protocolo.

Un proyecto gestado durante años

Más allá de los calificativos sin contrastar que se otorgan al museo barcelonés, lo cierto es que la polémica actual no surge de la nada. El origen de este proyecto se remonta a enero de 2021, cuando el Ayuntamiento escenificó un acuerdo institucional para transformar Caballerizas en un Centro Internacional del Caballo, bajo la gestión de Córdoba Ecuestre. En aquella reunión participaron representantes institucionales y económicos, pero también dos figuras del ámbito artístico: el escultor José María Belmonte y el comisario Félix Ruiz Cardador.

Su presencia no fue casual. Ya entonces se anticipaba que la planta superior albergaría un museo de arte contemporáneo y la presencia en la foto de estos dos miembros del grupo Córdoba Contemporánea sorprendió al sector cultural, que comenzó a trasladar en privado dudas sobre la cuestión. Las disipó el alcalde, un día después. En un acto público, José María Bellido respaldó públicamente el papel de Belmonte como posible figura clave en la definición de contenidos de la futura sala.

Aunque el proyecto no se explicitó en aquel momento, con el tiempo se fue revelando la conexión con el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, un espacio centrado en el arte figurativo que, en Córdoba, estaba vinculado al grupo Córdoba Contemporánea, formado por Francisco Arroyo Ceballos, José Manuel Belmonte, Manuel Castillero, Rafael Cervantes, Francisco Escalera, José Luis Muñoz, María José Ruiz, Félix Ruiz Cardador, Pepe Puntas, José María Serrano y Francisco Vera Muñoz.

El grupo había protagonizado por esas fechas Islas al mediodía, una exposición que sumó 14.000 visitas en la Sala Vimcorsa -fue la más exitosa hasta ese momento-. Y dos años después, el MEAM aportó numerosas obras para El renacer de la figuración, otra muestra comisariada por Ruiz Cardador, y que también se celebró en Vimcorsa, tras ser visitada por 11.000 personas, según datos de la organización. Fue una especie de globo sonda de lo que se ha aprobado este lunes.

De la expectativa local a la cesión externa

Sin embargo, el proyecto pasó a una especie de segundo plano cultural minetras el alcalde se implicaba personalmente en la llegada y la continuidad de TBA21 (Thyssen-Bornemisza Academy) al Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), aportando fondos municipales para un espacio que era titularidad de la Junta de Andalucia, y con el que, a su vez, cristalizaba su idea de la cultura franquiciada al estilo Málaga.

Aquella aventura, la de TBA21, acabó en sonado divorcio cuando el alcalde, por un lado, y la ya exdirectora del C3A, Jimena Blázquez, por otro, anunciaron que no se renovaría el acuerdo con Thyssen sin que en el gigante del arte contemporáneo tuvieran todavía comunicación oficial. Aquello se supo en septiembre de 2024.

Dos meses después, en noviembre de 2024, se aprobó la innovación urbanística para habilitar la planta superior de Caballerizas Reales como sala de creación artística, aunque sin definir todavía el tipo de arte que acogería ni quién se haría cargo de su programación. En julio de 2025, en una rueda de prensa en Caballerizas, el alcalde confirmó que seguía en pie la propuesta, aunque lo prioritario era entonces la cesión del edificio a Córdoba Ecuestre.

Dicha cesión se protocolizó en abril de este año (aún está pendiente de alegaciones), en un acto en el que no se entró a hablar concretamente de la parte del edificio destinada a la sala museística. Ha sido finalmente este pasado lunes cuando la Junta de Gobierno Local aprobó el protocolo de cesión de la que será la sala cultural municipal más grande de la ciudad a una entidad con sede en Barcelona.

La reacción, ahora a viva voz y con nombres y apellidos, no ha tardado en llegar. Más de medio millar de artistas, creadores y comisarios culturales de la ciudad de Córdoba, entre ellos nombres de mucho peso, han cuestionado la cesión directa, sin concurso público ni participación del tejido local.

La tensión, lejos de disiparse, parece destinada a crecer. La publicación de la carta abierta ha dado visibilidad a un malestar que llevaba cinco años gestándose y que ahora se expresa, por primera vez, de forma pública y notoria. Algunos teléfonos, de hecho, han comenzado a sonar, algunos mensajes ya muestran el enfado por una decisión que ha causado sorpresa en ciertos sectores, a pesar de que lleva cinco años fraguándose lentamente a la vista de todo el mundo.