En una de las paredes de la sala de exposiciones de la Escuela de Arte y Superior Diseño Mateo Inurria de Córdoba apenas cuelgan cinco proyectos finales. Cinco trabajos. Siete alumnos. Esa cifra resume el estado actual de los estudios de Fotografía en este centro histórico, que durante años llegó a reunir promociones de más de treinta estudiantes y que hoy observa cómo sus matrículas se reducen de forma lenta mientras crecen la incertidumbre y los recortes.

“Me he visto con el problema de que había muy poquito trabajo”, explica a Cordópolis Luis Magariño, profesor de Fotografía, mientras nos pasea por la exposición de fin de curso que suele hacerse siempre en mayo con los trabajos de la promoción que abandonó el centro el curso anterior. La de este ejercicio tiene truco: para llenar la sala han tenido que completar el espacio con ejercicios de alumnos actuales, todavía en proceso. “Antes tenía dos grupos de más de quince alumnos cada uno. Una treintena por curso. Poco a poco se ha ido reduciendo hasta esto que ves”, dice mientras señala los trabajos.

La caída, asegura, comenzó tras la pandemia, pero se agravó después por las decisiones administrativas. “La pandemia hizo un estrago horroroso”, recuerda. Las restricciones en laboratorios y estudios fotográficos alejaron alumnado. Después llegaron los recortes: primero desapareció el desdoble de segundo curso; al año siguiente, el de primero. En apenas dos años, la especialidad pasó de cuatro grupos a dos.

Hoy, la situación está muy lejos de aquellas cifras. Para el próximo curso, el pasado 19 de mayo, apenas había cinco preinscripciones registradas en Fotografía. El primer plazo expiró días después.

“La educación artística no se considera rentable”

No es algo que le cueste un dolor de cabeza solo a Luis. Es un sentimiento que se percibe en entre el claustro. Y los docentes consultados coinciden en el diagnóstico: la enseñanza artística pública atraviesa un proceso de desgaste lento pero continuado. “El valor de los estudios artísticos aquí no tiene mucha importancia”, lamenta Magariño. “Se prioriza otro tipo de conocimiento. Lo artístico es casi anecdótico, no algo que se considere rentable”.

La paradoja, añade, es evidente: la imagen atraviesa prácticamente todos los sectores profesionales contemporáneos. “¿Qué ámbito no contempla una imagen fotográfica? Universidad, sanidad, publicidad, empresa… todos dependen de la imagen. Apostar por fotografía y vídeo es fundamental”. Sin embargo, según denuncian los profesores, esa importancia social no se traduce en apoyo institucional.

Beatriz Chaves es profesora de dibujo artístico. Baja por unas escaleras al fondo de las cuales se ve el rostro de Hisae Yanae, una ceramista, pintora y escultora japonesa que se afincó en Córdoba hasta su muerte. Cuando se le pregunta qué cree que está ocurriendo, Chaves habla de una “mezcla de desgaste paulatino y recortes” que afecta tanto a la planificación docente como a las condiciones materiales del centro.

“Nosotros vamos tapando agujeros hasta que llega un momento en que ya no se puede más”, explica mientras nos enseña las instalaciones de este histórico espacio, que hoy presenta vegetación poco cuidada, pero que es uno de los más bonitos del Casco Histórico de Córdoba. Un patio que está en el extremo contrario de otro más pequeño donde solía haber una cafetería que ya hace tiempo que cerró.

Pequeños detalles que dibujan un cuadro completo en el que las reclamaciones más problemáticas son múltiples: desdobles que desaparecen, profesorado que llega tarde al inicio del curso, procesos administrativos que se reducen o se retrasan y una planificación que, según denuncian, no responde a la demanda real. “Pedimos que escuchen las peticiones del centro, que haya diálogo y que se mantenga la oferta educativa. Aquí hay un grupo de profesionales muy cualificados y con muchas ganas de hacer creatividad y arte, pero nos estamos dedicando a solucionar problemas estructurales”, resume Chaves.

Talleres sin recursos y profesores que compran materiales

La falta de financiación aparece constantemente en las conversaciones. José Rodríguez, profesor de artesanía y técnicas escultóricas en piel, describe una situación límite en algunos talleres. “Hay especialidades que necesitan un desembolso muy grande en materiales”, explica. “Fotografía necesita focos; cuero necesita pieles y herrajes; talla necesita madera. Muchas veces me veo obligado a comprar cosas yo mismo para llegar a los contenidos”.

El presupuesto asignado ronda los 34 euros por alumno al año, una cifra que consideran claramente insuficiente para enseñanzas prácticas y artísticas. “Los materiales han subido muchísimo y es que no llegamos”, insiste Rodríguez, que cuenta que es habitual que los profesores acaben comprando materiales con su propio dinero.

Los docentes comparan además esta situación con otros itinerarios formativos privados o concertados que sí reciben financiación más amplia, incluyendo fondos europeos (unos fondos que ellos desconocen por qué no llegan a lo público). Así, consideran que las enseñanzas artísticas quedan sistemáticamente fuera de esas prioridades.

El deterioro también se ve en el edificio

El alumnado percibe el desgaste. Los profesores aseguran que muchos estudiantes detectan rápidamente las carencias del centro: espacios deteriorados, talleres insuficientes, retrasos en la llegada de profesorado o grupos masificados. “Ellos ven el estado del edificio y ven claramente cuando un profesor llega en octubre en vez de en septiembre”, explica Chaves, quien añade que, con ello, “la atención personalizada tampoco puede ser la misma”.

En algunos talleres, añaden, los grupos superan la capacidad física de las aulas tras la eliminación de desdobles (“Literalmente, no caben, no hay sillas suficientes”). Pese a todo, la escuela sigue reuniendo varios cientos de alumnos entre bachillerato artístico, ciclos formativos y enseñanzas superiores. Eso sí, durante años llegó a superar ampliamente los quinientos estudiantes y mantuvo una intensa vida cultural dentro de la ciudad.

Unos datos que contrastan con los que deja el primer plazo de matriculación, con fecha 19 de mayo: un total de 61 pre-inscripciones para el próximo curso, repartidas de la siguiente manera: Ciclos Formativos de Grado Superior en Fotografía (5), en Gráfica Publicitaria (5), en Ilustración (18), en Animación (11), en Arquitectura Efímera (4), en Mobiliario (1), en Proyectos de Obra y Decoración (10), en Madera (0) y en Piel (3), Estudios Superiores de Diseño Gráfico (22).

El avance de la privada

Mientras la escuela pública pierde alumnado, las privadas ganan terreno. Magariño señala que muchos estudiantes de fotografía optan por centros privados buscando mejores redes profesionales y visibilidad. Pone un ejemplo: “La EFTI de Madrid tiene contactos, promoción y autores vinculados al centro que aquí no podemos ofrecer”.

El problema, advierten, es que esa deriva convierte nuevamente la formación artística en un privilegio económico. “La gente que no puede pagar la privada se queda fuera”, señala uno de los docentes. Los tres coinciden con la idea de que el mundo del arte está siendo otra vez copado por quien se lo puede permitir, algo que no es nuevo, pero que intuyen que se está intensificando. De hecho, José recuerda incluso cómo centros privados han acudido a las puertas de la propia escuela pública para captar alumnado durante los periodos de matriculación.

Es José también el que pone el foco de preocupación en el traslado progresivo de disciplinas artísticas y artesanales hacia itinerarios de Formación Profesional vinculados al ahora llamado “arte sacro”. Habla de algunos oficios históricos de las escuelas de arte —talla, metalistería o bordado— que están siendo absorbidos por programas ajenos al ámbito artístico tradicional. “Le han quitado la palabra arte y han puesto oficio”, critican. “Pero esos profesionales se han formado históricamente aquí”. La discusión no es solo terminológica. Para el profesorado, existe el riesgo de reducir enseñanzas complejas a cursos de especialización rápidos desconectados de la formación artística integral.

Cinco proyectos por curso

Volviendo al inicio del recorrido, la pared de la sala de exposiciones ofrece un pequeño balón de oxígeno: pese al contexto, la exposición de los alumnos de la promoción 2024-2025 demuestra que el nivel creativo continúa muy vivo entre los alumnos que pasan por el Mateo Inurria.

Entre los trabajos expuestos se encuentra Ecos del duende, un proyecto sobre flamenco realizado por Daniel Romero y Estefanía Pino que ha obtenido un reconocimiento de la Diputación y aspira a competir en los Premios Mestre de escuelas de arte. Otro proyecto revisita fotografías históricas de Santaella comparando los paisajes de los años cuarenta y cincuenta con la actualidad. Una alumna utilizó el autorretrato como proceso terapéutico tras una ruptura emocional. Dos estudiantes trabajaron con ancianos de residencias imaginando cartas dirigidas a sus propios “yo” adolescentes. Otro alumno documentó la trastienda invisible de la Feria de Córdoba: los montajes, la convivencia y el trabajo oculto tras la imagen festiva.

“Son trabajos con mucho nivel artístico”, afirma Magariño mientras pasa las páginas de los libros de autor elaborados por el alumnado. Quizá ahí reside precisamente la contradicción principal: mientras las administraciones reducen recursos, los docentes siguen defendiendo que estas enseñanzas no son un lujo cultural, sino una formación plenamente profesional y contemporánea.

“La creatividad y las artes deberían formar parte de lo que se considera necesario para la sociedad”, reclama Magariño. “No algo puntual o decorativo”. En las paredes de la exposición solo hay cinco proyectos finales. Pero detrás de ellos aparece una pregunta mucho más amplia: qué lugar quiere ocupar el arte en la educación pública andaluza.

La artista Paula López ha sido la ganadora del Gran Premio Rector del VIII Certamen de Creación 'Artistas Emergentes', organizado por la Universidad Loyola Andalucía en colaboración con la Fundación Valentín de Madariaga y Oya, con la obra 'La nuit de cristal', mientras que la artista cordobesa Ana López ha logrado el Premio Especial Fundación Botí del concurso.

Según ha informado la Universidad Loyola en una nota, el jurado de 'Artistas Emergentes' ha valorado especialmente “el esfuerzo de los artistas, el récord de presentación de propuestas y el salto cualitativo respecto al pasado curso”.

La obra ganadora, 'La nuit de cristal', es un óleo sobre tabla de madera (120 por 84 centímetros) y según ha explicado su autora “frente a la poderosa inercia de mostrarlo todo, se señala la necesidad de resistencia, de ubicarse en lo incierto como única manera de habitar lo íntimo. Parece que los objetos están en lo fronterizo, entre mostrarse y sustraerse a la mirada, en ese intersticio entre la luz y las tinieblas, entre lo mostrado y lo velado, entre lo tolerado y lo reprimido, entre el ser y el no ser”.

Gracias a este trabajo, la artista emergente ha obtenido el galardón principal del concurso, dotado con 1.200 euros de premio. La obra, además, junto a las otras propuestas ganadoras, pasará a formar parte de la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad Loyola.

Premio especial Fundación Botí

Además, se ha concedido el Premio Especial Fundación Botí a la artista cordobesa finalista Ana López por su obra 'Me despertaré cuando alguien me despierte'. Se trata de una fotografía de doble exposición (130 por 77 centímetros), que según su autora “habla del mundo actual”, el cual es “un escaparate continuo e hiperconectado a otras realidades”.

En dichas realidades “siempre hay alguien como nosotras, pero también mejor que nosotras, donde todo es posible, pero a la vez todo está hecho, donde todo está al alcance de nuestra mano, pero ya no hay nada que tengamos ganas de hacer, donde quien queremos ser está latente en nosotras, pero nos da miedo atrevernos a despertarlo”.

Además, el jurado del certamen ha elegido también a los ganadores de las tres categorías a concurso, otorgando el Premio de Pintura, dotado con 600 euros, a la obra 'Anhelo' de Rafael Herrera; el Premio de Escultura, dotado con 600 euros, a 'Limpias el toldo pensando en el verano', de Lola Goyanes, y el Premio de Fotografía, dotado con 600 euros, a 'Huecos vacíos y sombras de narración', de Miriam Cánovas.

Se han concedido, igualmente, dos Premios Accésit, uno, en la categoría de Escultura, para 'Torres consumidas por el mercado', de Esperanza Gallardo, y otro, en la categoría de Pintura, para 'Ocaso', de Marina Reina.

Jurado

El jurado del certamen ha estado formado por los artistas Abraham Parrón, María Ortega Estepa, Adriana Torres y Paco Pérez Valencia, el historiador Manuel Jesús Roldán, así como los coleccionistas Valentín y Ángela de Madariaga.

En esta octava edición, el jurado ha valorado el esfuerzo de los artistas y la calidad de las propuestas, lo que ha supuesto dificultad para seleccionar las ganadoras que han optado a los premios. Reconocen el salto cualitativo de todos los trabajos presentados respecto a la anterior edición y subrayan récord de obras presentadas.

Además, han destacado que las obras reflejan emociones íntimas, recuerdos, anhelos o reivindicaciones y se caracterizan, además de por su calidad, por la diversidad de estilos, técnicas, referentes e intenciones.

El presidente de la Fundación, Valentín de Madariaga Parias, ha afirmado que “la apuesta por el talento joven, por la formación y por generar oportunidades reales, da lugar a un proyecto que no solo muestra obras, sino que impulsa trayectorias y eso, hoy, tiene un valor especial”.

“Desde la Fundación Valentín de Madariaga y Oya --ha proseguido-- entendemos este tipo de iniciativas como parte esencial de nuestro compromiso con la ciudad. Sevilla necesita espacios donde detenerse, donde pensar y donde se generen diálogos que vayan más allá de lo inmediato. Espacios abiertos, accesibles, en los que distintas miradas puedan encontrarse”.

Por su parte, el rector de la Universidad Loyola, Fabio Gómez Estern, ha dicho que “con esta octava edición Loyola renueva su compromiso con el arte y la cultura y la amplia respuesta a la convocatoria de este certamen evidencia la consolidación de esta cita en el circuito de concursos artísticos de nuestro país”.

Además, ha asegurado que “la apuesta de la Universidad Loyola por el arte tiene un trasfondo que va más allá de la proyección social, pretende movilizar el talento de creadores emergentes que buscan darse a conocer y reivindica el valor de la creación humana por encima de cualquier artefacto generado por IA, conscientes del valor de las artes como instrumento para trabajar por la justicia social”.

Finalmente, la directora del Servicio de Actividades Culturales de Loyola y principal organizadora del certamen y la exposición, Emma Camarero, ha señalado que “esta octava edición de Artistas Emergentes es la consolidación de un Certamen que cada año crece en número de propuestas y en calidad”.

En la Universidad Loyola, según ha resaltado, creen que “el talento y la creatividad de los jóvenes son herramientas esenciales para construir un sociedad más justa y mejor. Abrir espacios donde puedan expresarse libremente y premiar sus creaciones es la forma en la que queremos apoyarles desde Loyola”.

Exposición abierta

La exposición podrá visitarse hasta el 28 de junio en la Fundación Valentín de Madariaga, en la avenida de María Luisa, s/n de Sevilla, en horario de lunes a viernes de 10,00 a 15,00 y de 17,30 a 20,00 horas, y los sábados de 10,00 a 14,00 horas.

En cuanto a las obras seleccionadas expuestas, en fotografía son: 'La frontera del mar', 'Huecos vacíos y sombras de narración', 'La velocidad del olvido', 'Turbio, muy turbio', 'Cahuita vs campoamor', Monstruos Migrantes', 'Alquilado' y 'Me despertaré cuando alguien se despierte'.

En pintura, por su parte, las obras seleccionadas y expuestas son: 'Ocaso', 'Volcán, principio y...', 'El descanso', 'La californie', 'Encuentro', 'Umbral', 'No estamos aquí', 'Tea time', 'La nuit de cristal' y 'Anhelo'. Mientras que, en escultura, las obras que se pueden visitar en la exposición son: 'Exploding toys', 'Torres consumidas por el mercado', 'Entre muros', 'Limpias el toldo pensando en el verano', y 'Refugio frente al siglo XXI'.

El Rey de España, Felipe VI ha elogiado este miércoles a los galardonados con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2024, asegurando que son “la prueba de que la cultura permanece viva en su capacidad de renovarse y de encontrar nuevas formas de expresión”.

Durante su intervención en el acto de entrega de las Medallas, celebrado en el Teatro de Rojas de Toledo, y en el que han participado el ministro de Cultura, Ernest Urtasun; el presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, y el alcalde de Toledo, entre otras autoridades institucionales, su majestad ha apuntado a la “conversación entre legado e innovación” y a la “diversidad de voces, lenguajes y miradas” como germen de la creación artística de los reconocidos.

“Estas Medallas no sólo reconocen vuestra aportación a las artes, sino también al espacio común de nuestra convivencia”, ha afirmado. Entre los premiados, el cordobés Segundo Castro Olmo --miembro fundador de la Escuela Experimental--, el artista jerezano José Mercé, el grupo de rock granadino Los Planetas, la escritora gaditana Elvira Lindo y la diseñadora cordobesa Juana Martín.

Felipe VI ha apuntado a la amplia cantidad de disciplinas contempladas por los premios de bellas artes, como “la palabra y la imagen; la poesía y la narrativa; el cine, la fotografía y las nuevas formas visuales; la arquitectura y el patrimonio; la danza, la lírica y el circo; la creación musical en registros tan distintos como el flamenco, la ópera, el rock, el rap o aquellas melodías que terminan formando parte de la memoria sentimental de varias generaciones”.

Continuando en esta línea, ha señalado “el humor, la experimentación, la moda, la cultura infantil, los derechos culturales y esos espacios colectivos que hacen posible que la creación llegue a los demás”.

“Recibid nuestra enhorabuena, de la Reina y mía, de todos los aquí reunidos; y también, por qué no, de todos los que en España o fuera de España, en donde sea, se han sentido identificados con vosotros”, ha apuntado Felipe VI.

Recordando que la primera convocatoria del evento fue aplazada a causa del accidente ferroviario de Adamuz, Felipe VI ha trasladado un “recuerdo emocionado” para las víctimas mortales, así como a “sus familias y a los que aún luchan por recuperarse”.

Por otra parte, ha celebrado el lugar escogido para la entrega de las Medallas este año, subrayando el 40 aniversario de la declaración de Toledo como ciudad Patrimonio de la Humanidad, así como el VIII centenario de su Catedral Primada.

“Toledo nos enseña que la mejor creación artística jamás es pura, sino al revés: que está imbuida de tradición y de referentes, más o menos explícitos”, ha asegurado Felipe VI, poniendo como ejemplo a El Greco, que “pasados cuatro siglos, seguía siendo para las vanguardias un referente absoluto de modernidad”.

“Os necesitamos a nuestro lado”

El ministro de Cultura ha comenzado su discurso haciendo alusión a la “fulgurante juventud” de la Edad de Plata de la cultura española para apuntar que la Comisión Nacional creada por el Ministerio está preparando ya la celebración del centenario de la Generación del 27, “efeméride que aspira a ser un gran proyecto de Estado en torno al arte, el saber y la literatura”.

A ello ha unido que el “afán de transformar un país desde la cultura, alimenta la raíz de lo que hoy estamos aquí reconociendo”. “Ese entusiasmo transformador es el verdadero oro de estas medallas, y por eso los galardones que vais a recibir no son otra cosa que el espejo de nuestra gratitud”, ha dicho.

“Nadie podría separar hoy vuestro trabajo artístico de la vida de la gente, de la ciudadanía o del público. Como caballos de Troya, se nos han ido colando en el corazón vuestras películas y canciones, los poemas, los cuadros, las fotografías, los diseños o los conciertos”, ha argumentado.

Aunque pueda resultar “extemporáneo hablar de esperanza en este mundo actual presidido por la crueldad, por el odio, la guerra y la ley del más fuerte”, el ministro ha dicho a los premiados que esa es la razón por la que “os necesitamos a nuestro lado: Para seguir hablando de esperanza frente a esta realidad”.

“Porque conocéis la cura contra la resignación y porque vuestro arte se opone en momentos como este a la mentira y a la mediocridad. Os necesitamos para reconstruir el significado de muchas palabras que hoy parecen haberlo perdido. Palabras como libertad, paz, justicia o igualdad. Y os necesitamos muy especialmente para restaurar el optimismo y la creencia firme en otro mundo posible”, ha aseverado.

El presidente de Castilla-La Mancha ha dado la enhorabuena a todos los galardonados y también las gracias, poniendo en valor lo que la cultura aportó “a esa época tan trascendental” que significó la transición.

“Muchos de los valores que influyeron en la sociedad y en los negociadores de ese momento histórico tienen que ver con el mundo de la cultura en sus distintas manifestaciones, trasladando valores y principios, y es un momento para seguir reclamándolos”, ha subrayado.

Así, García-Page ha dicho a todos los premiados que en tiempos “difíciles y complejos” como los actuales “os necesitamos más”. “Ante esos momentos, la sociedad a lo mejor no tiene claro lo que hacer, pero creo que sí pueden ustedes ayudar muchísimo a dejar claro lo que no hacer, que ya es mucho”.

Es por ello por lo que el presidente castellanomanchego ha afirmado a todos los galardonados que ese “es el valor de su trabajo”, un compromiso “con su arte que trasciende lo personal para ser un servicio público. ”Enhorabuena, gracias y por favor ayudad a esta sociedad. Os necesitamos“.

Un honor “público y compartido”

El actor Josep María Pou ha sido el encargado de hablar en nombre de los premiados para decir que recibir esta distinción “es un honor que obliga ante todo a la gratitud hacia quienes han considerado que un trabajo, nacido muchas veces en la soledad, en el silencio, en la duda y en la obstinación a toda costa, merecía hoy hacerse público y compartido”.

“Hablar del mérito del artista implica reconocer también el esfuerzo invisible que acompaña a todas las personas que trabajan en los márgenes de la visibilidad, sosteniendo el arte y la cultura desde lugares muchas veces precarios. Sin su labor silenciosa pero esencial, ninguna obra alcanzaría su forma final”, ha resaltado.

Josep María Pou ha recordado que el arte “no es un lujo ni un adorno, sino una necesidad. ”En estos días en los que nos exaspera la deshumanización, donde las bravuconadas, las fanfarronadas se imponen a la amabilidad y la bondad es motivo de burla, el arte más que nunca debe revolvernos contra la indignidad“.

Así, y teniendo en cuenta que este acto se celebra en Toledo, donde “convivieron sensibilidades muy distintas”, Pou ha apuntado que en un mundo donde las diferencias “se muestran de manera tan violenta”, la capital regional “nos enseña que la creación auténtica surge cuando somos capaces de escuchar al otro, cuando somos capaces de dialogar y no de gritar, broncar o bramar”.

El Ayuntamiento de Córdoba ha aprobado la convocatoria de la primera edición del Premio Internacional de Pintura Ciudad de Córdoba, un nuevo certamen artístico promovido por la Delegación de Cultura que repartirá un premio único de 30.000 euros a la obra ganadora.

La iniciativa, cuyas bases han sido aprobadas por la Junta de Gobierno Local, busca reforzar la proyección cultural de la ciudad y fomentar la creación contemporánea mediante una convocatoria abierta a artistas mayores de 18 años que presenten trabajos originales no premiados anteriormente.

El concurso permitirá a cada participante presentar un máximo de dos obras, que podrán concurrir de manera independiente o formar parte de una misma serie artística. Las creaciones deberán haber sido realizadas con posterioridad al año 2020 y podrán desarrollarse con temática y técnica libre.

Las bases contemplan el uso tanto de materiales tradicionales, entre ellos óleo, temple, tinta o lápiz, como de técnicas y soportes más contemporáneos, como acrílico, resina sintética, esmaltes o textil. El plazo para la presentación de solicitudes será de dos meses a partir del día siguiente a la publicación oficial de la convocatoria en el Boletín Oficial de la Provincia.

La comisión evaluadora estará presidida por el alcalde de Córdoba, José María Bellido, y contará también con la participación del coordinador general de Cultura, Juan Miguel Moreno Calderón, y de la delegada de Cultura y Patrimonio Histórico, Isabel Albás, además de cuatro profesionales vinculados al ámbito de la pintura y la crítica artística, aún por designar.

El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) acogerá en esta edición tres residencias artísticas con proyectos dirigidos por el contratenor Manuel Ruiz, Margarita Merino y Pepa Ortuño, y Nieves Pedraza. El Teatro de la Axerquía de Córdoba, gracias a la colaboración del IMAE con la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, albergará tres residencias entre septiembre y octubre con una duración máxima de cuatro semanas continuadas.

En concreto, los proyectos seleccionados son ‘Il Primo Uomo. El cuerpo como partitura’, del contratenor Manuel Ruiz, un recital escenificado sobre la figura de los castrati en la ópera barroca; ‘Palos y astillas’, de Margarita Merino y Pepa Ortuño, propuesta escénica híbrida que, a partir de una instalación autobiográfica, investiga la memoria y la herencia emocional mediante el diálogo entre cuerpo, voz y materia; y ‘Perro suelto’, de Nieves Pedraza, en torno a la dominación humana del mundo natural.

La Consejería de Cultura y Deporte, a través de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, ha resuelto la convocatoria de proyectos de residencias artísticas de danza, teatro, circo y música dirigidas a creadores y compañías profesionales del ámbito de las artes escénicas y la música publicada en el BOJA núm. 66 de 8 de abril 2026. El programa, diseñado para que proyectos de creación artísticas y profesionales realicen estancias creativas en los diferentes espacios propuestos, se ha resuelto con la selección de tres proyectos de música, ocho de danza, cuatro de teatro, una multidisciplinar y dos de dramaturgia.

El IMAE participa por segundo año consecutivo en la convocatoria creada por la Consejería de Cultura. Este programa se desarrolla durante el segundo semestre de 2026 con un total de 18 proyectos residentes distribuidos por las ocho provincias de la comunidad autónoma. Las propuestas de danza, teatro, música y formatos híbridos se producirán en el Estadio en Sevilla, Rey Chico en Granada, La Térmica en Málaga y La Rábida en Huelva.

Todos los proyectos seleccionados recibirán 3.000 euros más IVA, excepto los trabajos de dramaturgia, que tendrán 1.500 euros más IVA y se cubrirá la estancia y manutención. Como contraprestación, las compañías ofrecerán un taller formativo, así como una exhibición pública del trabajo realizado. La selección ha estado a cargo de una comisión de valoración presidida por la directora del Instituto Andaluz de las Artes Escénicas y la Música, Violeta Hernández, y formada por expertos en la materia.

Además de los 18 proyectos escogidos, hay nueve suplentes en caso de que alguno de los seleccionados decline su participación en el programa.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía y ubicado en Córdoba, inaugura este jueves, a las 19,00 horas, una nueva edición de 'Estudios abiertos'. Durante la jornada, el público podrá conocer los proyectos desarrollados por los artistas residentes durante los últimos meses en el centro.

Así lo ha indicado el C3A en una nota en la que ha detallado que la muestra reúne los trabajos del primer grupo de creadores seleccionados dentro de la convocatoria de subvenciones de 2025 en régimen de concurrencia, compuesto por Elena Bajo, Judit Bou Comas, Inés Cámara Leret, Juan del Junco, Natalia Domínguez, Abel Jaramillo y Karlos Martínez Bordoy, y se completa con tres acciones en vivo a cargo de Elena Bajo, Judit Bou Comas y Natalia Domínguez.

'Estudios abiertos' permite conocer los procesos de investigación, experimentación y producción desarrollados en el marco del programa de residencias artísticas, a través de la visita a los espacios de trabajo del C3A. Para la muestra se han habilitado, además de los estudios 1 al 4, la sala de vídeo y la sala 0 del centro.

Las propuestas presentadas, en esta primera fase, abordan cuestiones vinculadas a la transmisión, los rituales, la ecología, las estructuras sociales, el lenguaje y la arquitectura, que se materializan mediante instalaciones, esculturas, vídeos, textos y el sonido.

Durante el periodo de residencia, los artistas han contado con el acompañamiento del comisario independiente Jesús Alcaide, quien ha realizado un seguimiento de los procesos de investigación y producción desarrollados por los creadores en el centro.

Coincidiendo con la inauguración, a las 19,00 horas se presentará la acción 'un autre chant', de Natalia Domínguez, la performance 'cuatro - dos/cuatro-cuatro-cuatro-cuatro/cuatro/cuatro por cuatro, cuatro veces', de Judit Bou Comas y la acción 'Artemisia. La tejedora del Tiempo y los Sueños', de Elena Bajo.

Durante su periodo de residencia, la artista Elena Bajo se ha centrado en la investigación de las ha investigado las plantas como portadoras de memoria y conocimiento. 'Artemisia. La tejedora del Tiempo y los Sueños' integra cerámica, sistemas vivos y herramientas tecnológicas y explora nuevas formas de comprender el tiempo y la crisis ecológica.

Elena Bajo vive y trabaja entre Europa y Estados Unidos. Su práctica es transdisciplinar y aborda las relaciones entre cuerpo, arquitectura, ecología y sistemas sociales. Su trabajo se ha presentado internacionalmente en instituciones y centros de arte en Europa, América Latina y Estados Unidos.

Judit Bou Comas presenta 'cuatro-dos/cuatro-cuatro-cuatro-cuatro/cuatro/cuatro por cuatro, cuatro veces', un proyecto que explora cómo el pensamiento simbólico y los gestos repetitivos influyen en la percepción del espacio y en la construcción de sentido, tomando como punto de partida el trastorno obsesivo compulsivo (TOC) como respuestas a la ansiedad.

Bou Comas trabaja principalmente con fotografía y vídeo para explorar la relación entre imagen, percepción y construcción de significado. Su trabajo ha sido presentado en exposiciones y contextos vinculados al arte contemporáneo emergente en España.

Por otro lado, Inés Cámara Leret presenta 'Cuando la zarracatapla tapla', un proyecto que investiga las relaciones entre las aves migratorias y los vertederos como hábitats, a partir de instalaciones, esculturas y vídeo. Cámara Leret trabaja en torno a los mitos heredados y a los detalles que componen un paisaje. La artista ha expuesto en contextos nacionales e internacionales, tanto en espacios públicos, de plazas a montes, como en galerías, museos y festivales.

Entretanto, Juan del Junco presenta un proyecto centrado en la observación de aves y en la experiencia de remontar el río como acción conceptual en sí misma. El trabajo presenta un nuevo capítulo de 'Conceptual Andalusia' un bloque de proyectos que de manera transdisciplinar ha desarrollado en los últimos diez años.

El proyecto trata profundamente los complejos procesos que viven los seres humanos y como el artista encuentra en la naturaleza la esperanza. Su trabajo ha sido expuesto en numerosas ocasiones y forma parte de la colección de museos como el CAC de Málaga, el MUSAC, el Patio Herreriano y el CAAC, entre otros.

Por su parte, Natalia Domínguez presenta una investigación sobre el imaginario automovilístico y su relación con prácticas performativas predominantemente arraigadas al imaginario masculino. Ha investigado diferentes fluidos, gases y olores propios del automóvil, a partir de los cuales ha desarrollado una serie de artefactos que relacionan tecnología, cuerpo y ecosistema. Ha desarrollado proyectos en contextos artísticos y performativos a nivel nacional e internacional.

Transmisión intergeneracional de saberes

En su caso, Abel Jaramillo investiga la transmisión intergeneracional de saberes vinculados al hacer manual, explorando la relación entre memoria familiar, lenguaje y materialidad mediante escultura e instalación. Su trabajo investiga la construcción de la memoria, el lenguaje y los sistemas de transmisión cultural. Ha participado en exposiciones y proyectos en instituciones artísticas y contextos independientes nacionales e internacionales.

Por último, Karlos Martínez Bordoy presenta 'Proceso', una investigación escultórica en torno a la celosía y otras estructuras de mediación como caparazones, armaduras, pieles y sistemas de protección. Su práctica escultórica investiga las relaciones entre materia, espacio y percepción. Ha desarrollado proyectos en el ámbito del arte contemporáneo vinculados a la escultura y la instalación.

Acciones en vivo

Además de la apertura de los estudios, la jornada incluye tres acciones en vivo a cargo de Natalia Domínguez, Judit Bou Comas y Elena Bajo, cuyas propuestas amplían las líneas de investigación desarrolladas durante sus residencias y refuerzan el carácter multidisciplinar del programa.

El objetivo del proyecto de residencias artísticas en el C3A es el fomento, la promoción y el desarrollo de trabajos de carácter creativo, investigador e innovador en cualquier área vinculada con la creación y el arte contemporáneo. Tras esta primera fase de residencia, durante el mes de septiembre se incorporarán los cinco creadores restantes que fueron seleccionados en la convocatoria de subvenciones 2025, Ana Belén Amado Pazos, Guillermo Cárdenas Gutiérrez, Laura González Cabrera, Raúl Hilario Montes Aguilar y Guillermo Rodríguez Tenorio.

Las residencias tienen una duración de tres meses, coincidiendo con el ejercicio 2026, y se llevarán a cabo en el C3A, que proporcionará el espacio de trabajo y herramientas. Posteriormente, los artistas abrirán sus estudios para presentar, ante la prensa y el público, los proyectos realizados.

El Colegio de la Abogacía de Córdoba acoge hasta el día 29 de mayo la exposición 'Mujer, raíz y vuelo', de la artista cordobesa Eva Llamas, un proyecto artístico que reúne más de una treintena de obras entre escultura mural, escultura exenta y pintura matérica.

Según destacan desde el Colegio, la muestra propone un recorrido simbólico y emocional por los procesos de transformación, identidad y autoconocimiento, tomando como punto de partida conceptos como la raíz, el tránsito, la memoria, la expansión o el cambio. El proyecto supone además una evolución natural de 'Desde mi interior', trabajo presentado por la artista en 2024 en el Palacio de Viana.

Uno de los elementos más singulares de la muestra es el diálogo directo entre las obras y el propio espacio que las acoge. La propuesta ha sido concebida específicamente para la sala de exposiciones del Colegio de la Abogacía, integrando en el discurso artístico los restos arqueológicos presentes en el edificio como símbolo de memoria, origen y permanencia.

En este sentido, la muestra se plantea como una conversación entre tiempos: el pasado material del lugar y el presente emocional de las obras. Esta interacción amplifica el sentido de la raíz como elemento común entre lo histórico y lo personal. La artista señala que este proyecto nace de “una continuidad vital y creativa” con su trabajo anterior.

Aunque el discurso parte de la experiencia femenina, la propuesta se plantea desde una perspectiva abierta y universal. Los procesos de transformación, búsqueda, impulso o repliegue forman parte de la experiencia humana en su conjunto, más allá del género.

La obra de Eva Llamas se caracteriza por una mirada íntima y simbólica sobre el cuerpo, la emoción y la experiencia humana. A través de técnicas mixtas y un lenguaje contemporáneo de marcado carácter experimental, la artista combina elementos escultóricos, pintura, cerámica y materiales orgánicos, construyendo piezas donde la naturaleza, las flores y la materia viva se convierten en parte esencial de su identidad creativa.

Su trayectoria reciente incluye exposiciones individuales en el Palacio de Viana o la Sala Placituela de Frigiliana, así como participación en muestras y festivales en Córdoba, Málaga, Madrid y París. Asimismo, ha sido reconocida recientemente con el Premio Artes Plásticas 2025 de los IV Premios a la Cultura Memorial José María Toro Sánchez y con el tercer premio de escultura de la asociación andaluza cREA.

La exposición incorpora intervenciones florales de la artista invitada Ana Ruiz ('@a_petalada'), que prolongan algunas de las piezas pictóricas hacia lo orgánico y establecen un guiño a la tradición floral cordobesa del mes de mayo.

Con 'Mujer, raíz y vuelo', Eva Llamas presenta una propuesta que combina experiencia vital, investigación plástica y reflexión simbólica, invitando al espectador a recorrer un espacio donde la identidad se entiende como proceso continuo de transformación.

En concreto, la exposición podrá visitarse hasta el día 29 de mayo, de lunes a jueves, de 09,00 a 14,00 horas y de 17,00 a 19,30 horas, y los viernes de 09,00 a 14,00 horas.

La obra YoTú, de la creadora italiana Cinzia Farina, ha sido distinguida con el VII Premio de Poesía Visual “Paqui Jiménez Yepes”, un certamen convocado en memoria de la poeta cordobesa fallecida en 2018 y que en esta edición ha vuelto a registrar una destacada participación internacional, con un total de 73 obras procedentes de 14 países de Europa y América.

La lectura del fallo tuvo lugar en la Sala María Moliner de la Biblioteca Central de Córdoba, en un acto organizado por El Paraíso Experimentación Visual, entidad promotora del premio, que subrayó la singularidad de este certamen, cuyo proceso creativo parte cada año de un fragmento distinto de la obra poética de Paqui Jiménez Yepes, convertido en elemento inspirador de las piezas que concurren al concurso.

El jurado, integrado por los poetas visuales Raquel Bullón Acebes y Pepe Lara, acordó por unanimidad conceder el galardón a YoTú, cuya autoría se conoció tras la apertura de la plica y correspondió a Cinzia Farina. El premio consiste en un diploma y una pieza artística creada por Sara Moyano. El acto contó también con la presencia del finalista Alejandro Díaz de Losada, desplazado hasta Córdoba desde San Lorenzo de El Escorial.

La obra ganadora, junto a otras once seleccionadas por el jurado, integra una exposición inaugurada en la sala superior de la Biblioteca Central, donde permanecerá abierta al público hasta el próximo 29 de mayo.

Natural de la ciudad italiana de Enna, donde reside, Cinzia Farina ha colaborado en publicaciones especializadas y participado en numerosas muestras internacionales colectivas de poesía visual y libros de artista. Su última exposición individual se celebró el pasado año en el Centro d’Arte e Cultura Piero Montana. Farina concibe la poesía visual como una forma de encuentro entre imagen y palabra, orientada a estimular más que a decir, desde la convicción de que la obra artística alcanza su plenitud en el diálogo creativo entre un “yo” y un “tú”, espacio compartido de reflexión y disfrute estético.

Como cierre del acto, los asistentes recibieron un catálogo de bolsillo con las obras que integran la exposición y el fallo del jurado.

La comunidad educativa de la Escuela Superior de Arte y Diseño Mateo Inurria se ha movilizado este viernes para denunciar “recortes” en las enseñanzas artísticas, la falta de reconocimiento de sus estudios como cualificaciones profesionales y el desvío de grados vinculados al arte a ciclos en la Formación profesional (FP). Con ello, señalan, se está dando un “deterioro progresivo de sus estudios debido a los recortes presupuestarios”, que también amenaza el estado del propio edificio de la escuela.

Con pancartas, dibujos artísticos creados por los alumnos y silbatos, tanto profesores como alumnos se han manifestado ante la Delegación de Educación de la Junta de Andalucía, donde han hecho oír sus reivindicaciones. “No somos un gasto, somos el patrimonio de mañana”, “Por un aula que no parezca una lata”, “El arte es cultura”, “Sin escuela de arte no pintamos nada o ”No más recortes“, han sido algunos de los lemas que se podían leer en sus mensajes.

En nombre del profesorado, el maestro de taller de la Escuela Francisco Rodríguez ha denunciado cómo “cada vez estamos más descuidados” por la administración y ha apuntado a la “instrucción” de la Junta para que enseñanzas artísticas pasen de los grados de las escuelas a ciclos de Formación Profesional, donde se eliminaría su vinculación artística para ser oficios.

Sobre el deterioro del edificio ha señalado la aparición de “ratas, ratones” o el “desprendimiento de cornisas”, con carencias “desde hace muchos años ya”. Asimismo, ha reclamado que se tramiten “las cualificaciones profesionales que aún no tenemos” en la mayoría de las enseñanzas artísticas, por lo que no pueden ser homologadas en otros países.

Por parte del alumnado, Paula Santos ha incidido en que “la Formación Profesional no son estudios artísticos”, apuntando que el arte y la enseñanza a futuros creadores son el “patrimonio” del futuro. “Si se recortan gastos, si no hay desdobles y añades ciclos en competencia con mi escuela, estás atacando a mi casa”, ha dicho, para señalar que “lo sentimos como una amenaza, como un ataque directo a lo que hacemos, a lo que estudiamos gratuitamente”.

Esta ha sido la primera movilización planteada por la Escuela Superior de Arte y Diseño Mateo Inurria -con 400 alumnos y más de 70 profesores-, desde donde señalan que la situación también afecta a la Escuela Dionisio Ortiz y a todas las de la comunidad andaluza.

La artista cordobesa Eva Llamas ha inaugurado en el Colegio de la Abogacía de Córdoba la exposición Mujer, raíz y vuelo, un proyecto que reúne más de una treintena de obras entre escultura mural, exenta y pintura matérica.

La muestra supone una evolución natural del proyecto Desde mi interior, presentado en 2024 en el Palacio de Viana, en el que la artista abordaba el mundo emocional, el amor y la condición humana desde una mirada introspectiva. En esta nueva propuesta, Llamas amplía ese territorio hacia los distintos ciclos de transformación que atraviesan la vida, entendidos no como una línea de inicio y final, sino como estados de cambio, aprendizaje y autoconocimiento.

El proyecto se articula como un recorrido simbólico que parte del origen y la raíz, entendido como aquello que nos sostiene y nos constituye, y avanza hacia procesos de tránsito, adaptación y expansión vital. La exposición plantea así una reflexión sobre cómo las experiencias, los vínculos y las circunstancias van configurando la identidad a lo largo del tiempo.

Eva Llamas viene desarrollando una línea de trabajo centrada en la exploración del cuerpo, la materia y el símbolo. Se expresa a través de técnicas mixtas en un lenguaje predominantemente escultórico desde un enfoque contemporáneo y experimental. Su obra ha sido reconocida en distintos ámbitos del arte actual.

En cuanto a su trayectoria y muestras individuales más recientes destaca su presencia en el Museo de Arte Contemporáneo Mayte Spínola, así como en el Castillo de Cañete de las Torres en el marco del Festival Calles en Flor 2025, donde ha mostrado parte de su producción en el marco de proyectos vinculados al arte contemporáneo. Asimismo, cabe destacar su implicación en la organización multidisciplinar de la exposición colectiva Mujer, Arte y Alma, celebrada el pasado mes de febrero en el Palacio de Viana desde la Asociación Mujer y Poder.

Ha sido reconocida recientemente con el tercer premio de escultura de la asociación andaluza cREA, y con el Premio Artes Plásticas 2025 en el marco de los IV Premios a la Cultura Memorial José María Toro Sánchez, consolidando así una trayectoria en expansión dentro del panorama artístico actual.

El anuncio del Ayuntamiento de Córdoba de ceder parte de las Caballerizas Reales a la Fundació de les Arts i els Artistes, una empresa privada que gestiona el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, ha abierto una enorme grieta en el ecosistema cultural local de la ciudad. Lo que el gobierno municipal ha querido presentar como una oportunidad estratégica —convertir a la ciudad en la única subsede española de este museo centrado en el arte figurativo— ha sido recibido por la plana mayor del sector artístico de la ciudad como una decisión opaca que compromete el futuro de la política cultural, especialmente en materia de arte contemporáneo.

El protocolo aprobado el pasado lunes por la Junta de Gobierno Local contempla la cesión del nivel cero y el nivel uno del ala este de Caballerizas, miles de metros cuadrados en un edificio único en el mundo, donde se habilitarán dos salas expositivas, espacios de recepción y servicios asociados. La sala principal, dividida en dos áreas, se convertiría en el núcleo museístico de esta futura subsede dedicada al arte figurativo contemporáneo, pero vinculada a una entidad de la capital catalana.

El anuncio del lunes, esta vez, ha provocado una reacción inmediata y ciertamente ruidosa para una ciudad que, en lo relativo a las políticas culturales, suele hablar más en corrillo que de manera pública. Así, en poco más de 24 horas, cerca de medio millar de artistas, comisarios y gestores culturales se han adherido a una carta abierta que cuestiona tanto el fondo como la forma de la operación. El documento plantea una pregunta central: por qué el Ayuntamiento opta por “hipotecar” su política cultural cediendo la gestión de un espacio clave a una entidad privada sin concurso público ni informes que justifiquen la decisión.

En realidad, la documentación aportada, sí que justifica la cesión. En el borrador del protocolo se defiende, por un lado, que el MEAM es “un referente mundial del arte figurativo, con más de 200.000 seguidores en sus diferentes redes sociales”, y que cuenta con el concurso Figurativas, al que califican como “el más importante de escultura y pintura del mundo”; y, por otro, que la relación entre el museo catalán y Córdoba “es profunda y bidireccional”, citando exposiciones pasadas y el hecho de que “son numerosos los artistas de Córdoba que mantienen una relación activa con el MEAM”. Por último, también mencionan que “Córdoba es una de las ciudades de referencia en el arte figurativo español contemporáneo, con creadores de referencia en la pintura y la escultura desde Julio Romero de Torres y Mateo Inurria”. “Este arraigo artístico justifica plenamente que Córdoba sea la ciudad elegida para albergar su primera gran subsede”, concluye el protocolo.

Un proyecto gestado durante años

Más allá de los calificativos sin contrastar que se otorgan al museo barcelonés, lo cierto es que la polémica actual no surge de la nada. El origen de este proyecto se remonta a enero de 2021, cuando el Ayuntamiento escenificó un acuerdo institucional para transformar Caballerizas en un Centro Internacional del Caballo, bajo la gestión de Córdoba Ecuestre. En aquella reunión participaron representantes institucionales y económicos, pero también dos figuras del ámbito artístico: el escultor José María Belmonte y el comisario Félix Ruiz Cardador.

Su presencia no fue casual. Ya entonces se anticipaba que la planta superior albergaría un museo de arte contemporáneo y la presencia en la foto de estos dos miembros del grupo Córdoba Contemporánea sorprendió al sector cultural, que comenzó a trasladar en privado dudas sobre la cuestión. Las disipó el alcalde, un día después. En un acto público, José María Bellido respaldó públicamente el papel de Belmonte como posible figura clave en la definición de contenidos de la futura sala.

Aunque el proyecto no se explicitó en aquel momento, con el tiempo se fue revelando la conexión con el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, un espacio centrado en el arte figurativo que, en Córdoba, estaba vinculado al grupo Córdoba Contemporánea, formado por Francisco Arroyo Ceballos, José Manuel Belmonte, Manuel Castillero, Rafael Cervantes, Francisco Escalera, José Luis Muñoz, María José Ruiz, Félix Ruiz Cardador, Pepe Puntas, José María Serrano y Francisco Vera Muñoz.

El grupo había protagonizado por esas fechas Islas al mediodía, una exposición que sumó 14.000 visitas en la Sala Vimcorsa -fue la más exitosa hasta ese momento-. Y dos años después, el MEAM aportó numerosas obras para El renacer de la figuración, otra muestra comisariada por Ruiz Cardador, y que también se celebró en Vimcorsa, tras ser visitada por 11.000 personas, según datos de la organización. Fue una especie de globo sonda de lo que se ha aprobado este lunes.

De la expectativa local a la cesión externa

Sin embargo, el proyecto pasó a una especie de segundo plano cultural minetras el alcalde se implicaba personalmente en la llegada y la continuidad de TBA21 (Thyssen-Bornemisza Academy) al Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), aportando fondos municipales para un espacio que era titularidad de la Junta de Andalucia, y con el que, a su vez, cristalizaba su idea de la cultura franquiciada al estilo Málaga.

Aquella aventura, la de TBA21, acabó en sonado divorcio cuando el alcalde, por un lado, y la ya exdirectora del C3A, Jimena Blázquez, por otro, anunciaron que no se renovaría el acuerdo con Thyssen sin que en el gigante del arte contemporáneo tuvieran todavía comunicación oficial. Aquello se supo en septiembre de 2024.

Dos meses después, en noviembre de 2024, se aprobó la innovación urbanística para habilitar la planta superior de Caballerizas Reales como sala de creación artística, aunque sin definir todavía el tipo de arte que acogería ni quién se haría cargo de su programación. En julio de 2025, en una rueda de prensa en Caballerizas, el alcalde confirmó que seguía en pie la propuesta, aunque lo prioritario era entonces la cesión del edificio a Córdoba Ecuestre.

Dicha cesión se protocolizó en abril de este año (aún está pendiente de alegaciones), en un acto en el que no se entró a hablar concretamente de la parte del edificio destinada a la sala museística. Ha sido finalmente este pasado lunes cuando la Junta de Gobierno Local aprobó el protocolo de cesión de la que será la sala cultural municipal más grande de la ciudad a una entidad con sede en Barcelona.

La reacción, ahora a viva voz y con nombres y apellidos, no ha tardado en llegar. Más de medio millar de artistas, creadores y comisarios culturales de la ciudad de Córdoba, entre ellos nombres de mucho peso, han cuestionado la cesión directa, sin concurso público ni participación del tejido local.

La tensión, lejos de disiparse, parece destinada a crecer. La publicación de la carta abierta ha dado visibilidad a un malestar que llevaba cinco años gestándose y que ahora se expresa, por primera vez, de forma pública y notoria. Algunos teléfonos, de hecho, han comenzado a sonar, algunos mensajes ya muestran el enfado por una decisión que ha causado sorpresa en ciertos sectores, a pesar de que lleva cinco años fraguándose lentamente a la vista de todo el mundo.

La comunidad artística de Córdoba ha expresado sus dudas tras el anuncio del Ayuntamiento de la firma de un protocolo para ceder la gestión de las futuras salas expositivas de las Caballerizas Reales al Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), una entidad privada con sede en Barcelona, centrada en el arte figurativo español del siglo XXI.

Tras la noticia, más de dos centenares de artistas, comisarios y gestores culturales (la plana mayor del mundo del arte en Córdoba, si se mira la nómina de adhesiones) se han sumado a las reflexiones hechas en una carta abierta que se pregunta el por qué de esta cesión. “Resulta, por tanto, inevitable preguntarse por qué el Ayuntamiento opta por comprometer, por hipotecar su política cultural en el ámbito de las artes plásticas, cediendo la gestión de una infraestructura tan necesaria a una entidad concreta, sin que medie un proceso de concurrencia pública ni se hayan hecho públicos informes o estudios que justifiquen una decisión de tal alcance”, plantean.

Recuerdan además que, actualmente, el Ayuntamiento de Córdoba dispone únicamente de dos espacios expositivos: la sala Vimcorsa y la Casa Góngora, ambos considerados insuficientes para cubrir las necesidades culturales de la ciudad, y que la adecuación de las Caballerizas Reales se planteaba como una oportunidad para ampliar esta oferta, si bien el modelo elegido ha generado dudas sobre su idoneidad.

A su juicio, el debate trasciende el ámbito administrativo y se centra en el modelo cultural que necesita la ciudad. Los impulsores (y el casi centenar de personas adheridas al manifiesto) advierten de que la implantación de una propuesta privada y especializada podría derivar en “una suerte de franquicia museística de carácter excluyente”, en vez de apostar por “una programación propia, rigurosa, abierta y diversa, capaz de acoger todas las manifestaciones del arte contemporáneo, con independencia de su adscripción estética o grado de realismo”.

“La implantación de este modelo —de carácter privado, restrictivo y eminentemente orientado al turismo— podría impedir que, en unas salas rehabilitadas con fondos públicos, encuentren espacio artistas cordobeses de reconocida trayectoria por el mero hecho de estar vinculados con lenguajes no figurativos”, abunda la carta, que cita nombres como el colectivo Equipo 57, distinguido con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Antonio Povedano, Pepe Espaliú, Hisae Yanase o Rita Rutkowsky.

Asimismo, los firmantes recuerdan precedentes recientes como el del CAC Málaga, cuya gestión ha sido revertida al ámbito público por el Ayuntamiento de Málaga tras cuestionarse el modelo de externalización. Es -a su juicio- “un modelo caduco que aquí, inexplicablemente, el Ayuntamiento de Córdoba pretende imponer y que, por excluyente, sin duda resultará una losa para el enriquecimiento artístico y cultural de la ciudad”.

El colectivo concluye reclamando mayor transparencia y rigor en la toma de decisiones, así como la apuesta por un espacio expositivo municipal propio, con una programación abierta y diversa que refleje la pluralidad del arte contemporáneo.

Entre los firmantes están artistas y profesionales de reconocido prestigio como Juan Cuenca, Joaquín Fayos, Jesús Alcaide, Miguel Ángel Moreno Carretero, Miguel Gómez Losada, Álvaro Rodríguez Fominaya, Diego Ruiz Alcubilla, Hâshim Cabrera, Tete Álvarez, Pablo Rabasco, Mariano Navarro, Regina Pérez Castillo, Juan Francisco Rueda, Marisa Vadillo o José María Palencia, junto a comisarios, críticos de arte, investigadores, arquitectos, gestores culturales, docentes y ciudadanos vinculados al ámbito cultural.

La residencia artística para mujeres 'Arte Viva' inicia su tercera edición con el objetivo de seguir dando espacio, impulso y visibilidad a creadoras que quieran desarrollar su trabajo en un contexto de convivencia, formación, acompañamiento profesional y creación compartida. La convocatoria permanecerá abierta hasta el 30 de junio de 2026 y seleccionará a 14 mujeres artistas, que participarán en la residencia del 26 de agosto al 2 de septiembre en Los Blázquez.

En rueda de prensa, la delegada de Igualdad de la Diputación de Córdoba, Auxiliadora Moreno, que promueve este proyecto, ha señalado que “tras el recorrido de la pasada edición, 'Arte Viva' se consolida como una propuesta cultural con identidad propia dentro del territorio cordobés”.

Así ha señalado que “participaron 14 artistas de distintas disciplinas y se recibieron 42 solicitudes, confirmando el interés creciente por un proyecto que no plantea solo una estancia artística, sino un espacio real para avanzar en una obra, compartir el proceso y generar vínculos duraderos entre creadoras”.

Por su parte, la alcaldesa de Los Blázquez, Zulima Perea, ha mostrado su satisfacción por “la buena aceptación que está teniendo este proyecto en el pueblo, creando experiencias de interacción de nuestros vecinos con las artistas participantes”.

La tercera convocatoria está dirigida a mujeres mayores de 18 años, sin límite de edad, nacidas o residentes en la provincia de Córdoba. Además, esta edición volverá a reservar dos plazas para mujeres que no hayan nacido o residido en la provincia, abriendo el programa a otros perfiles y favoreciendo el intercambio de trayectorias, procedencias y lenguajes artísticos. Podrán presentarse creadoras de ámbitos como artes plásticas, música, teatro, danza, literatura, cine, fotografía y otras formas de expresión contemporánea.

Cada participante deberá presentar un proyecto artístico propio para desarrollar durante la residencia. Las propuestas podrán encontrarse en cualquier fase, desde la idea inicial hasta una fase avanzada o de finalización. La organización cubrirá alojamiento, alimentación, acceso a formadores y asesorías individuales, además del espacio de trabajo y del acompañamiento profesional necesario para el desarrollo de la estancia.

Para participar será necesario presentar un formulario de inscripción, porfolio, carta de motivación, biografía y propuesta de proyecto. La selección valorará la calidad artística, la creatividad, el impacto potencial del programa en la trayectoria de cada candidata y la diversidad de experiencias y disciplinas, con el fin de conformar un grupo plural y enriquecedor. El fallo se comunicará por correo electrónico una semana después del cierre de la convocatoria.

'Arte Viva' se plantea como algo más que una residencia artística, es una oportunidad concreta para que mujeres creadoras encuentren tiempo, contexto y acompañamiento para hacer avanzar su práctica en diálogo con otras artistas. Un espacio donde la creación no se separa de la convivencia, el aprendizaje y la posibilidad de proyectar el trabajo propio en un entorno de apoyo mutuo.

La frontera entre la justicia y la creación artística se difumina, una vez más, desde la mente de Mercedes Daza, jueza en la Audiencia Provincial de Córdoba y autora de la exposición 'Los pasos del pecado', donde las fronteras se eliminan y la imaginación transita sin límites entre la razón y la emoción, entre la letra de la ley y el trazo libre del pincel. El Centro UCOCultura inauguró este lunes una muestra que reúne once obras en las que la artista plantea un recorrido introspectivo por los límites morales contemporáneos.

Bajo un título cargado de resonancias simbólicas, Daza propone una revisión contemporánea de los pecados capitales, alejándose de la tradicional carga de culpa para situarlos en un escenario donde predominan la luz y el color. El mensaje es claro desde su prisma vital y artístico, en fondo y forma: en la sociedad actual, la pena se suspende. Es por ello que ha querido transformar ese imaginario clásico en una experiencia visual donde las formas -especialmente las piernas femeninas fragmentadas- irrumpen como elemento narrativo y disruptivo. La exposición invita así al espectador a interpretar, más que a juzgar, en un diálogo abierto entre lo ético y lo estético.

“Yo he entendido que, lo que era un escenario oscuro, ahora se ha convertido en todo lo contrario, en luz, en color”, subraya Mercedes Daza, quien hace hincapié en que ha querido dejar su sello “transfigurándome en piernas femeninas, que se insinúan, se entrelazan, se derriten, se disparan y, desde ahí, ir narrando los distintos pecados y una misma historia”. En definitiva, la autora afirma que los que visiten la exposición se van a encontrar “muchas ganas de pecar”.

La trayectoria de Daza refuerza el carácter singular de esta propuesta. Su carrera no solo se desarrolla en los tribunales, sino también en el ámbito literario y artístico, donde acumula más de un centenar de reconocimientos en certámenes nacionales e internacionales. Obras como Llueve o Cuentos de cama y despedida evidencian una voz narrativa consolidada, mientras que su producción pictórica se inscribe en un lenguaje conceptual donde la abstracción y la simplicidad formal funcionan como vehículos de reflexión.

Esa dualidad —la de quien aplica la ley y, al mismo tiempo, la cuestiona desde el arte— atraviesa toda su obra. Pasear por estas once muestras invita a dar rienda suelta a la imaginación. A dejarse llevar, desde un punto de visto imaginativo y onírico, hacia un mundo en el que el pecado deja de ser algo prohibitivo y goza de una atracción singular, incluso, en cierto modo, afectiva y carnal.

No hay duda que 'Los pasos del pecado' sigue una línea definida, aunque desde una mirada más ambigua y abierta. Un fondo común, pero al que se puede llegar desde diferentes prismas o puntos de vista. Todo depende del ojo desde el que se mire. No hay condena explícita, sino una invitación a reconsiderar los conceptos heredados. La artista parece situarse en un terreno intermedio, donde el juicio se suspende y el espectador debe completar el sentido de la obra. Esa ambigüedad, lejos de restar fuerza, potencia el impacto de una propuesta que interpela directamente a la conciencia.

La puesta en marcha de la exposición, que se podrá visitar hasta el próximo 6 de junio de lunes a viernes de 10:00 a 18:00 y sábados, domingos y festivos de 11:00 a 18:00, contó a su vez con la presencia del rector de la UCO, Manuel Torralbo; el presidente de la Audiencia, Miguel Ángel Pareja Vallejo; y el abogado y profesor asociado del Departamento de Derecho del Trabajo de la UCO, Federico Medina.

Torralbo puntualizó que la artista busca “nuevas formas de trasladar el arte”, además de reiterar que “la Universidad tiene que ser la casa de la cultura y, aunque nuestra sede es pequeñita, tiene un corazón grande y siempre está llena de actividades de artistas que quizá no tienen oportunidades de exponer en otros espacios”.

Mercedes Daza es una creadora poliédrica que habita en la frontera donde la palabra y el lienzo se funden. Artista plástica, escritora, doctora en Derecho y jueza en ejercicio en la provincia de Córdoba. Su trayectoria le permite diseccionar la realidad con una agudeza que trasciende el rigor de la norma para reconstruirla bajo el prisma de la ficción y el color.

En su obra, la narrativa visual y el peso del concepto se entrelazan en una voz inconfundible que no solo cautiva la percepción, sino que sacude la conciencia, dejando un rastro indeleble donde la observación analítica y la expansión creativa convergen en un mismo horizonte de libertad.

El Festival Internacional de las Flores (Flora) lanza la sexta edición de Patio Talento, una convocatoria dirigida a artistas y colectivos noveles para darles la oportunidad de participar en el que es el mayor evento de arte floral contemporáneo y botánica del mundo. La novena edición de esta gran cita cultural se celebrará en octubre de 2026 en diferentes localizaciones de Córdoba.

Con esta convocatoria, según informa la organización, Flora busca ofrecer a artistas o colectivos que nunca han realizado una gran instalación floral la posibilidad de crear una obra que se presente a competición junto con las otras cuatro instalaciones del festival, que serán desarrolladas por prestigiosos creadores de arte contemporáneo y/o vegetales reconocidos a nivel internacional.

Este año ya se ha anunciado la participación de Flover, uno de los estudios de arte floral más relevantes y transgresores de Estados Unidos, y Taller Banegas, estudio fundado por Alejandro Fernández Banegas, nombre destacado de la escena nacional emergente.

Los artistas o colectivos noveles interesados podrán presentar sus solicitudes hasta el día 25 de mayo. El ganador de Patio Talento será comunicado a través de las redes sociales y la web de Flora a partir de la tercera semana del mes de julio de 2026.

Como cada año, los cinco artistas participantes en el certamen podrán optar a uno de los premios en metálico de Flora: un primer premio de 25.000 euros y un segundo premio de 10.000 euros. Estos galardones superan a los de cualquier otro evento floral del mundo.

La convocatoria para artistas noveles nació en la edición de Flora 2021 con el fin de abrir el festival al arte emergente, así como expandir el arte floral contemporáneo y fomentar la generación de talento en torno a esta disciplina, uno de los objetivos del festival desde sus inicios.

Ganadores de ediciones pasadas

En la primera convocatoria, la ganadora fue Terabitia (proyecto floral de la artista Carolina Estévez) con la instalación Desideratum, que obtuvo el Premio del Público 2021. El siguiente año, Kokon (María Eugenia Diego) fue seleccionada para Patio Talento y se convirtió en la ganadora del festival con su instalación Ovidio. Por primera vez en el festival, una artista emergente se alzaba con el primer premio, marcando un antes y un después en la historia de Flora.

En 2023 el colectivo Flowgardenz, seleccionado para Patio Talento ese año, conseguía el segundo premio del festival gracias a su instalación Célula. Por segundo año consecutivo un artista de la convocatoria de Patio Talento ocupaba un puesto en el palmarés en el festival; clara muestra del creciente interés por el arte botánico de los artistas emergentes, así como de la calidad de la convocatoria, que cada año recibe propuestas de mayor nivel artístico enviadas desde todas partes del mundo.

En la cuarta convocatoria de Patio Talento la ganadora fue la artista alemana Carolin Ruggaber con su obra Fusion, y, el año pasado, ganó la quinta convocatoria el artista español Ikefrana con su obra Semillas nómadas.

¿Cómo participar?

Los candidatos interesados en participar en Patio Talento deberán mandar un correo electrónico a 'info@festivalflora.com' adjuntando el compromiso de confidencialidad --a descargar en la web de Flora-- firmado. Una vez recibido y conforme, la organización enviará al solicitante la documentación técnica relacionada con el patio a intervenir.

Como novedad, para facilitar la inscripción de candidaturas, este año la organización ha establecido una primera fase en la que solo se requerirá la propuesta artística y la motivación de las candidaturas. Una vez cerrada esta primera fase la organización seleccionará un máximo de cinco propuestas que deberán ser desarrolladas a nivel técnico y presupuestario. Las bases, compromiso de confidencialidad y el resto de los documentos relativos a la convocatoria están disponibles en la web 'www.festivalflora.com'.

En las ocho ediciones realizadas han pasado por Flora 47 artistas de 20 países, con nombres como Alfie Lin (China), Emily Thompson (Estados Unidos), herman de vries (Holanda), Hideyuki Niwa (Japón), Inés Urquijo y Nuria Mora (España), Loose Leaf (Australia), Mark Colle (Bélgica), Mary Lennox (Australia), PHKA (Tailandia), Putnam Flowers (USA), Shane Connolly (Reino Unido), Soledad Sevilla (España), Tadao Cern (Lituania), Tableau (Dinamarca), Thierry Boutemy (Francia), This Humid House (Singapur), Tomas de Bruyne (Bélgica), Waterlilly Pond (Estados Unidos) o Yuji Kobayashi (Japón), entre otros.

La ciudad de Córdoba recuperará a partir de este miércoles la figura del pintor Rafael Pineda (1931–2009). Lo hará con una propuesta expositiva que combina arte, patrimonio y tecnología: una ruta por el casco histórico con doce paradas y un total de 49 obras que, hasta ahora, permanecían guardadas en un almacén familiar, sin haber sido expuestas al público.

La iniciativa, producida por La Inaudita -que ya el año pasado organizó una pequeña muestra de inéditos-, se inaugurará este miércoles 15 de abril y se prolongará hasta el 30 de mayo, articulándose en torno a tres espacios principales —Casa 12PB, Palacio de Viana y La Inaudita— junto a nueve restaurantes y tabernas donde parte de la obra del artista ha convivido durante décadas de forma integrada.

Lejos de una exposición convencional, el proyecto propone al visitante un recorrido urbano en el que las piezas dialogan con la propia ciudad. “No es un artista redescubierto, sino alguien que nunca necesitó ser descubierto”, subrayan los organizadores sobre Pineda, nacido en el barrio de Capuchinos y fallecido en 2009 tras una vida dedicada silenciosamente a la pintura.

El itinerario permite contemplar por primera vez una parte significativa de su producción, compuesta por obras que han permanecido ocultas durante años. A ellas se suman otras piezas ya presentes en distintos establecimientos del casco histórico, configurando una exposición distribuida que invita a redescubrir Córdoba a través de la mirada del artista.

Como elemento diferencial, la ruta incorpora una aplicación web progresiva que guía al visitante sin necesidad de descarga ni registro. Mediante códigos QR situados en cada parada, el sistema ofrece contenidos literarios, orienta el recorrido y registra las obras visitadas, incluso sin conexión a internet. Disponible en seis idiomas, la herramienta recompensa a quienes completen el itinerario con un incentivo canjeable.

La inauguración tendrá lugar a las 20:00 horas en Casa 12PB, con un concierto en directo del guitarrista Chapi Pineda, hijo del pintor, en un acto que unirá música y pintura como homenaje intergeneracional. Comisariada por Juan Luis Piqueras Merino, la propuesta cuenta con la colaboración del Palacio de Viana y Casa 12PB, así como la participación de diversos establecimientos históricos de la ciudad.

El Primavera Science Festival, de la mano de las investigadoras Esther Vega, Cristina García y Azahara Arévalo, ha abordado la “fórmula científica” del bullying y el poder transformador del arte, destacando que la ciencia y el arte tienen “mucho más en común de lo que se piensa”, pues ambos son procesos creativos que parten de la curiosidad y buscan respuestas a las preguntas que se hace la sociedad.

Según ha informado la Universidad de Córdoba (UCO) en una nota, con esa premisa, el Primavera Science Festival ha vuelto al bar Limbo para crear un espacio donde se crucen los talentos investigadores y creativos del personal científico de la Universidad de Córdoba. Este pasado miércoles se ha inaugurado la tercera edición de esta cita con una sesión dedicada a un tema que sigue preocupando a la sociedad: el acoso escolar.

Esther Vega y Cristina García, del Laboratorio de Estudios sobre Convivencia y Prevención de la Violencia (Laecovi), investigan las dinámicas del bullying y la violencia escolar y juvenil, así como las vías para la construcción de vínculos sociales basados en el reconocimiento de las otras personas como iguales.

Ellas han sido las encargadas de acercar al público la realidad del acoso escolar y cómo se produce el acercamiento a este fenómeno a través de las ciencias sociales, mediante una metodología científica basada en el estudio del comportamiento humano a través de la observación, las entrevistas o el análisis. A lo largo de su charla, han explicado que el acoso escolar “sigue incluso una fórmula científica en la que participan tres componentes: la repetición, la intención y el desequilibrio”.

En el Departamento de Educación de la Universidad de Córdoba, además, se investigan metodologías docentes innovadoras, como la basada en la educación musical. La profesora del Departamento de Educación de la UCO y maestra de Educación Musical Azahara Arévalo, acompañada de sus alumnas Clara y Nuria, han completado la primera sesión del Primavera Science Festival apelando al poder transformador de la música y de la poesía, con un recital de piano y flauta travesera al que, después, se sumó la lectura de varios poemas sobre el bullying y la convivencia escolar.

El Primavera Science Festival tendrá su segunda sesión el próximo miércoles, 15 de abril con, el recital poético-musical de Susana Díez de la Cortina Montemayor, del Departamento de Estudios Filológicos y Literarios, y la charla 'La luz (casi) nunca los falla: secretos y desafíos de la red eléctrica del siglo XXI', a cargo del catedrático de Ingeniería Eléctrica y de Computadores Antonio Moreno Muñoz. Será en el bar Limbo a las 19,00 horas, con entrada libre.

Primavera Science Festival recoge el testigo del evento Ciencia en el bar, y busca llevar la divulgación, la ciencia y el arte, disciplinas a menudo interconectadas y más compatibles de lo que pueda parecer a simple vista, a espacios cercanos a la ciudadanía.

Es una acción contemplada en el XII Plan Anual de Divulgación Científica de la Universidad de Córdoba, diseñado por su Unidad de Cultura Científica y de la Innovación, aprobado por Consejo de Gobierno y cofinanciado por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (Fecyt) del Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades.

El insólito periplo de una obra atribuida inicialmente al círculo de Julio Romero de Torres ha dado un nuevo giro inesperado. El cuadro, subastado en noviembre de 2025 en Londres bajo sospecha de no ser del pintor, sino de su círculo, finalmente se compró por un precio de cientos de miles de euros cuando algunos pujadores dudaron de esa calificación. Ahora, ha terminado regresando a España y formando parte de la colección del empresario y coleccionista pozalbense Blas García.

El viaje de la obra hoy conocida como Los celos no solo ha estado marcado por una subasta sorprendente en Londres, sino también por una larga historia de dudas, errores de atribución y revisiones que se remonta, al menos, a 2005. Aquel año, el cuadro —entonces titulado La Cordobesa— iba a ser subastado por Sotheby’s dentro de una importante venta de pintura española celebrada en Londres. La obra incluso llegó a exhibirse en Sevilla, junto a piezas de grandes nombres como Sorolla, Ramón Casas o Sunyer, con una estimación de salida de entre 104.000 y 149.000 euros.

Todo apuntaba a que superaría ampliamente los 200.000 euros. Sin embargo, la operación se detuvo en seco: antes de la subasta, comenzaron a surgir dudas sobre la autenticidad de la obra. Lo recuerda, en una conversación telefónica, la experta Mercedes Valverde, que en 2005 era directora de los Museos Municipales de Córdoba y fue contactada para certificar su autenticidad. Así, tras recibir inicialmente unas fotografías del cuadro sumamente oscuras, Valverde detectó dudas y solicitó examinar la obra en persona (algo que no pudo hacer).

“Cuando me llamaron en 2005, el cuadro tenía un dedo de un producto graso que me impidió ver cómo era la obra. Y no pude ir a Londres, así que expresé mis dudas porque, si no podía verlo, no podía certificarlo”, explica ahora Valverde, que también recuerda que había otra cuestión que le generaba intranquilidad: el hecho de que “el cuadro se vendió después de morirse Julio”. Además, Sotheby´s no dio entonces la medida correcta del cuadro y tampoco existía en 2005 ninguna fotografía de La cordobesa (posteriormente, apareció un daguerrotipo que sí demostraba que Julio la había fotografiado y era suya). Tampoco pudo entonces Valverde ver la firma que había en la parte trasera. Así que, finalmente, indicó que no podía autentificar la obra.

De “falso” a fenómeno en Londres

Con ese dictamen prudente, la casa de subastas optó por retirar la obra, que volvió a desaparecer del circuito público durante años. Concretamente, dos décadas después, la pintura reapareció en una subasta en Londres, en la casa Roseberys, esta vez atribuida al “Círculo de Julio Romero de Torres”, una catalogación habitual para obras de autoría dudosa.

El precio de salida, de apenas 400 libras, contrastaba con las cifras que había manejado Sotheby’s en 2005. Lo que ocurrió después fue un giro inesperado: la puja se disparó hasta las 95.000 libras, alcanzando más de 124.000 con comisiones, cerca de 140.000 euros. Una revalorización extraordinaria para una obra que, sobre el papel, no era auténtica. Expertos consultados calificaron entonces el episodio como “un disparate”, subrayando que rara vez se produce un incremento de tal magnitud en piezas catalogadas como no auténticas.

El desenlace ha sido aún más inesperado. El comprador que ganó la subasta nunca llegó a pagar la obra, lo que permitió que fuera ofrecida al segundo mejor postor: el coleccionista pozalbense Blas García, que posee varias obras de Romero de Torres. Lo cuenta a Cordópolis: “Por avatares de la vida, el cuadro de Londres famoso por ser catalogado como ‘falso’, ha acabado en mi colección finalmente y es una de las mejores obras de Julio”.

De nuevo, se requirió el concurso de la mayor experta en Romero de Torres, Mercedes Valverde, que esta vez sí ha podido desplazarse a Londres para valorar la obra en persona. Esa nueva revisión ha sido determinante. A diferencia de 2005, Valverde ha podido estudiar el cuadro en profundidad, incluyendo radiografías y un proceso de limpieza que ha permitido ver la pintura en su estado original.

“En esta ocasión sí he podido verlo, se han hecho radiografías, se ha limpiado y puedo certificar que es auténtico”, afirma con rotundidad. Y así es como La cordobesa se ha convertido en Los celos: “Se ha cambiado el nombre porque en el recibo de compra lo titulaba Los celos”. La limpieza ha sido clave también para el propietario. “La obra tras la limpieza es una auténtica joya”, asegura García. “Lo mejor es que estaba pura, puesto que jamás se había limpiado, por lo que la obra estaba tal cual la pintó Julio”.

El espacio cultural Limbo (calle Juan Rufo) acoge estos días una propuesta artística que invita a mirar la realidad desde otro ángulo. Bajo el sugerente título ¿Sufres pesimismo? ENTRETENTE, la artista cordobesa MariaLin presenta su primera exposición individual, una colección de collages analógicos que apuestan por el juego visual y la reinterpretación de imágenes como vía de escape frente al desánimo.

La muestra reúne distintas piezas originales pertenecientes a una misma serie, en las que Lin explora composiciones caleidoscópicas cargadas de color, contraste y simbolismo. A través de la técnica del collage, la artista construye nuevas narrativas visuales a partir de fragmentos, generando obras que invitan al espectador a detenerse, observar y encontrar múltiples lecturas.

La inauguración tuvo lugar el pasado jueves 26 de marzo, congregando a público interesado en descubrir el universo creativo de la autora. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 10 de abril, ofreciendo una oportunidad para acercarse al trabajo de una creadora singular dentro de la escena local.

MariaLin, natural de Córdoba, da así un paso importante con esta primera muestra en solitario que, además, coincide con su participación en la retrospectiva Boronía inaudita (1988–2014), que aún puede visitarse en La Inaudita

El cuadro de Julio Romero de Torres que llevaba décadas fuera del radar de los expertos y que ha sido comprado por el Estado ya tiene destino. Según ha podido saber Cordópolis, el lienzo Samaritanas, adquirido recientemente por el Ministerio de Cultura, tendrá como destino el Museo de Bellas Artes de Valencia (MuBAV), donde será expuesto tras su incorporación a las colecciones públicas.

La obra, firmada por el pintor cordobés Julio Romero de Torres, fue comprada por el Estado el pasado 12 de febrero en una subasta celebrada en Barcelona. El lienzo, que había permanecido durante décadas en manos de un particular, salió a puja en la casa Balclis y alcanzó un precio final de 140.000 euros tras diez ofertas.

Sin embargo, el Estado ejerció el derecho de tanteo, un mecanismo legal que permite a la Administración adquirir bienes culturales en subasta igualando la puja ganadora. De este modo, el Gobierno se adjudicó la pieza por el mismo importe, al que hay que sumar la comisión habitual de la casa de subastas, en torno al 25%, según fuentes conocedoras de la operación. Se trata de un caso en el que el Ministerio de Cultura ejerció el derecho de tanteo para la Comunidad Valenciana. Tal como indica la normativa legal, las comunidades autónomas tienen derecho de adquisición preferente, pero solo en su territorio; para ejercerlo fuera de él tienen que hacerlo a través del Ministerio de Cultura. El Ministerio de Cultura ejercita este derecho cuando la comunidad autónoma lo solicita.

Así, el Ministerio de Cultura ejerció el derecho de tanteo sobre la venta de la pintura atribuida a Julio Romero de Torres en la subasta de la sala Blaclis de Barcelona, el pasado 12 de marzo, para la Generalitat Valenciana, con cargo a los presupuestos de la Generalitat, y con destino al Museo de Bellas Artes de Valencia.

La compra resulta especialmente significativa, ya que, según fuentes del sector, hacía décadas que el Estado no ejercía este derecho sobre una obra de Romero de Torres, uno de los artistas más emblemáticos del arte andaluz de comienzos del siglo XX. Quedaba por saber cuál iba a ser su destino y finalmente será el MuBav, una pinacoteca que, en 2019, acogió el primer monográfico sobre el pintor cordobés en la capita del Turia.

Una obra perdida durante décadas

Samaritanas —también conocida como Hermanas Pastor o En el pozo— fue pintada en torno a la década de 1920 o principios de los años treinta. Durante años se le perdió la pista, aunque se cree que pudo estar en Argentina antes de ser adquirida por la propia Balclis en los años 70, que posteriormente la vendió a un coleccionista privado. Este propietario la ha conservado hasta su reciente reaparición en el mercado, lo que ha permitido su recuperación para el patrimonio público.

La obra, de 111 por 121 centímetros, está realizada en óleo y temple sobre lienzo y representa a dos jóvenes junto al brocal de un pozo de estilo árabe antiguo, cada una con un recipiente para recoger agua. Según la casa de subastas, la escena podría aludir simbólicamente a las mujeres de Samaria mencionadas en la Biblia, lo que justificaría el título Samaritanas, aunque también ha sido identificada como Hermanas Pastor, probablemente en referencia a las modelos retratadas.

El lienzo reúne elementos característicos del universo de Romero de Torres: las “mujeres morenas”, la presencia de objetos como la jarra de cobre y la orza de loza, y un paisaje crepuscular y enigmático que envuelve la escena en una atmósfera silenciosa y melancólica. Esa ambientación, según los expertos, presenta incluso ecos de la pintura metafísica por su sensación de misterio y quietud.

Buen estado de conservación

El informe técnico elaborado para la subasta señala que la obra presenta barniz envejecido y la tela ligeramente destensada, aunque su estado general es bueno. El marco original, de madera dorada, conserva su estructura pese a algunas faltas.

Además, existen numerosos testimonios gráficos históricos del cuadro, como fotografías en sepia del estudio “Fotografía de Arte Moreno” fechadas entre 1925 y 1940, así como postales en blanco y negro y en color que han circulado en el ámbito del coleccionismo.