El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía y ubicado en Córdoba, presentará el próximo viernes día 27 de noviembre los proyectos de su programa de residencias artísticas 2026 con una nueva jornada de 'Estudios Abiertos'.

Según informa el C3A en su web, consultada por Europa Press, de este modo, el público podrá conocer, a partir de las 19,00 horas y de la mano de los artistas, los proyectos desarrollados durante los últimos meses en el centro de creación cordobés.

La muestra reúne los trabajos del segundo grupo de creadores seleccionados dentro de la convocatoria de subvenciones de 2025 en régimen de concurrencia, compuesto por Ana Belén Amado Pazos, Guillermo Cárdenas Gutiérrez, Laura González Cabrera, Raúl Hilario Montes Aguilar y Guillermo Rodríguez Tenorio.

Este programa de residencias ofrece a los artistas seleccionados la cesión de estudios de trabajo y el acceso a recursos técnicos y herramientas digitales y analógicas, proporcionando un entorno adecuado para el desarrollo de sus procesos creativos. Concebido como un espacio de experimentación y acompañamiento, el programa fomenta el intercambio de conocimientos, la investigación artística y el diálogo entre diferentes prácticas contemporáneas.

El programa reafirma así el compromiso del C3A con el apoyo a los procesos de creación contemporánea, facilitando a los artistas el tiempo, el espacio y los recursos necesarios para el desarrollo de sus proyectos y consolidando el centro como un espacio de referencia para la producción artística actual.

En este contexto, 'Estudios Abiertos' permite conocer los procesos de investigación, experimentación y producción desarrollados en el marco del programa de residencias artísticas, a través de la visita a los espacios de trabajo del C3A.

El C3A se inauguró en diciembre de 2016 con intención de convertirse en un centro de referencia para la creación y producción artística. Adscrito al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y sede en Córdoba del CAAC desde ese momento, ha llevado a cabo en estos años una completa programación conformada por exposiciones, actividades, cursos, talleres, performances, conciertos y residencias artísticas de producción, que han posibilitado que se vaya forjando como lugar de encuentro y desarrollo de las distintas disciplinas artísticas.

A diferencia de otros museos o centros de arte contemporáneo, el C3A se dedica fundamentalmente en la producción, creación y experimentación, siendo una de sus características diferenciadoras el poner el acento no solo en las obras acabadas, sino también en el proceso creativo, para posteriormente acercar su resultado al público. Por ello tienen gran relevancia en su programación las residencias artísticas y las artes en vivo.

La Diputación de Córdoba, a través de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, pone en marcha la segunda edición del Concurso de Dibujo y Pintura 'Mi cuadro favorito', una iniciativa dirigida al alumnado de los centros educativos de Córdoba y provincia que tiene como objetivo favorecer el acercamiento de niños y jóvenes a las artes plásticas, estimular su creatividad y fomentar el conocimiento de artistas y obras pictóricas de todas las épocas.

Según la información facilitada por la institución provincial a Europa Press, el delegado de Cultura, Gabriel Duque, ha resaltado que “gracias a la buena acogida de la primera convocatoria, celebrada en 2025 con motivo del décimo aniversario de la apertura del Centro de Arte Rafael Botí, la fundación ha decidido dar continuidad a esta propuesta invitando al alumnado a realizar su propia interpretación de su cuadro favorito y trasladar a través del dibujo o la pintura su particular visión de la obra elegida”.

“Con este concurso queremos despertar desde edades tempranas la curiosidad por el arte y ofrecer a nuestros niños y jóvenes la posibilidad de conocer a los grandes creadores y, al mismo tiempo, desarrollar su propia capacidad artística y creativa”, ha recalcado Duque.

La convocatoria está abierta al alumnado de Educación Primaria, Aulas Especiales y Educación Secundaria y establece cinco categorías en función de los ciclos educativos y la edad. Las tres primeras corresponden a Primaria --de 1º a 6º-- y las categorías D y E a Secundaria --de 1º a 4º--. El alumnado de Aulas Especiales podrá participar en cualquiera de ellas en función de su nivel cognitivo y siguiendo las indicaciones del centro educativo.

Cada centro podrá presentar un máximo de un trabajo por categoría, previamente seleccionado. Para el alumnado de Primaria la modalidad será dibujo, mientras que en Secundaria será pintura. La técnica será libre y se podrán utilizar lápices, ceras, carbón, témperas, acuarelas, pastel, acrílicos u óleo, entre otras posibilidades, además de técnicas mixtas como el collage. Las obras deberán ser originales e inéditas.

La convocatoria cuenta con un presupuesto máximo de 9.790 euros, de los cuales 2.650 euros se destinan al material correspondiente a los 15 premios y 7.140 euros a los premios destinados a las Ampas de los centros cuyo alumnado resulte galardonado.

Premios

El certamen establece tres premios en cada una de las cinco categorías, lo que supone un total de 15 galardones. En las categorías de Primaria, los premios consistirán en vales para la adquisición de material de artes plásticas por valor de 200, 150 y 100 euros para el primer, segundo y tercer clasificado, respectivamente. En las dos categorías de Secundaria, las cuantías serán de 300, 200 y 150 euros. Todos ellos estarán acompañados de un diploma.

Además, las Ampas de los centros educativos cuyo alumnado resulte premiado recibirán 476 euros, como reconocimiento a su papel en el apoyo y fomento de la participación escolar en actividades artísticas y culturales. Por su parte, los centros educativos con alumnado galardonado recibirán una colección de publicaciones seleccionadas del fondo editorial de la Fundación Rafael Botí para incorporarlas a sus bibliotecas. Todo el alumnado participante recibirá también un diploma acreditativo.

En este sentido, el responsable del área ha explicado que “queremos implicar no sólo al alumnado, sino también a toda la comunidad educativa, porque los centros y las familias desempeñan un papel fundamental a la hora de fomentar la sensibilidad artística y cultural de nuestros jóvenes”.

Presentación hasta el 22 de noviembre

La participación se canalizará a través de los propios centros educativos, que serán los mediadores con la organización y deberán designar a una persona responsable de la actividad. Las solicitudes y los trabajos seleccionados se presentarán exclusivamente por medios telemáticos, acompañando una solicitud por centro y el archivo de cada obra en formato PDF. El plazo permanecerá abierto hasta el 22 de noviembre de 2026.

“El jurado valorará especialmente la creatividad, calidad y originalidad, así como la composición y presentación de las obras. Los trabajos premiados quedarán en poder de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, que podrá publicarlos o difundirlos haciendo constar la autoría”, ha recalcado el delegado de Cultura.

La entrega de los premios tendrá lugar posteriormente en un acto público organizado por la Fundación Rafael Botí y la Diputación de Córdoba, cuya fecha, hora y lugar se comunicarán con suficiente antelación.

Flora, el Festival Internacional de las Flores de Córdoba ha hecho balance de su novena edición, que se clausuró el pasado jueves 22 de octubre con una gran acogida por parte del público local, nacional e internacional, sumando unas 200.000 visitas a sus cinco instalaciones.

“El balance que hacemos del festival es muy positivo. Estamos satisfechos con los resultados de las cinco instalaciones y el desarrollo del festival en general, así como con la buena acogida que ha tenido entre el público. Como siempre, hemos llenado aforos, no solo en las instalaciones sino en el resto de las actividades de la programación. Ha sido una novena edición redonda, con un montón de contenidos diferentes dirigidos a todo tipo de públicos. Esperamos que, un año más, Flora haya dejado ‘un poso’ en la ciudad y que todo el que se haya acercado al festival haya podido disfrutar del arte floral y la botánica contemporáneas a través de la singular mirada de cada uno de los creadores que han pasado por Córdoba estos días”, ha explicado María Van den Eynde, directora general de este evento. 

La novena edición de FLORA repite los buenos datos del festival con más de 200.000 visitas en seis días de exhibición, en los que las instalaciones han estado al máximo de su capacidad. También ha habido una gran acogida del programa de actividades, con aforos completos en casi todas las citas del festival.

Más allá de las grandes cifras que, un año más, presenta el festival, desde la organización se ha querido resaltar la calidad frente a la cantidad. Flora es un evento cultural de máximo nivel artístico, con una programación muy cuidada en la que casi todas las actividades son creadas de forma site-specific para el festival. Artistas y pensadores de gran prestigio internacional presentan creaciones y actividades específicamente ideadas para Flora, y que solo se pueden disfrutar en Córdoba durante el festival. Todo un reto artístico que hace que cada edición sea una experiencia cultural irrepetible.

En palabras de Emilio Ruiz Mateo, director artístico del festival: “Estamos muy contentos y orgullosos con las propuestas de los cinco artistas y sus instalaciones, con sus respectivas miradas y preocupaciones sobre la naturaleza y lo efímero. Respecto a las actividades, sentimos que su crecimiento no es solo numérico sino, más aún, cualitativo. El público que asiste a ellas va en busca de formas diferentes de acercarse a lo botánico, lo que a veces me hace sentir que es precisamente ese público el que conecta más profundamente con lo que proponemos, desde un niño que aprende a crear arte con plantas hasta una persona que descubre el patrimonio natural de su ciudad o el poder terapéutico de cuidar un jardín.”

Esta edición también pone de manifiesto el fuerte vínculo del festival con la ciudad de Córdoba, así como su complicidad con la ciudadanía, instituciones y empresas locales, que han apoyado el evento y colaborado con Flora desde diferentes ámbitos. Asimismo, destaca el potente atractivo turístico-cultural que supone el festival para la ciudad, con visitas de un público diverso llegado de distintos lugares de dentro y fuera de España.

En el cierre de esta novena edición también se ha anunciado la creación de la Fundación Flora Futura, creada por Juan Ceña, socio fundador de Zizai Cultura e impulsor de FLORA. “Hemos creado la Fundación Flora Futura con sede en Córdoba con el objetivo de organizar, aparte de Flora, otras propuestas relacionadas con el arte contemporáneo, el territorio y la inteligencia vegetal. Próximamente presentaremos la Fundación y sus primeros proyectos que esperamos que os gusten.”, ha comentado Juan Ceña.

El alcalde de Córdoba, José María Bellido, ha definido Flora como “un evento que sitúa a Córdoba como máximo exponente del arte floral efímero, que atrae a nuestra ciudad a los creadores de más nivel y a los mayores expertos en botánica”. En este sentido, el primer edil de la ciudad ha señalado que “es un motivo de orgullo colectivo que este proyecto, nacido de la colaboración público privada, alcance su madurez con el reconocimiento tanto de cordobeses como de visitantes”.

Bellido considera al festival de las flores como “una contribución imprescindible a la Marca Córdoba y a la reputación de la ciudad en el exterior”, al tiempo que ha destacado su “impacto positivo en la economía local, el turismo y la creación de arte contemporáneo”. 

En 2027 Flora celebrará su décimo aniversario, una cita muy especial en la que la organización lleva trabajando desde hace tiempo y de la que se irán conociendo novedades en los próximos meses.

Los trabajos de realización del mural en homenaje a Averroes han finalizado después de que la autora haya estado durante las últimas dos semanas ejecutando su obra, situada en la confluencia de la Ribera con la Cruz del Rastro en Córdoba.

La actuación se enmarca dentro de las acciones que rodean la celebración del 900 aniversario del nacimiento del ilustre pensador y está impulsada por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba.

El mural, que ocupa una superficie de once metros de alto por unos ocho de ancho, pretende servir de llamada de atención y reclamo para que la ciudadanía tenga presente la figura del que fue uno de los intelectuales más relevantes del Occidente islámico medieval.

La obra está firmada por la artista cordobesa Eva Vega, quien la ha realizado in situ, a mano alzada y con materiales de primera calidad. Su título es Averroes, luz del pensamiento y presenta al autor con una imponente pose.

La delegada de Cultura, Isabel Albás, ha visitado junto a la autora el lugar y ha destacado “el magnífico trabajo que ha realizado, a pesar de la gran complejidad que ha supuesto tanto por la técnica como por el espacio en sí”.

Albás ha reiterado que “este trabajo forma parte de las actuaciones puestas en marcha para poner el foco en este pensador, que fue filósofo, médico, escritor y juez, cuando se cumple el noveno centenario de su nacimiento” y ha recordado que la Universidad de Córdoba, junto al Ayuntamiento, la Diputación, la Junta de Andalucía y la Casa Árabe han diseñado un amplio programa que durante este año 2026 recorre todas las facetas del autor, situando su legado en el centro de la vida cultural de la ciudad.

Horacio Ferrer de Morgado (Córdoba, 1894-Madrid, 1978) pintó una de las obras que acompañaron al Guernica de Picasso en el Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de 1937, y sin embargo su nombre apenas dice nada fuera de los círculos especializados. Esa ausencia en la memoria colectiva es la que ha querido reparar esta tarde la Universidad de Córdoba al inaugurar, en el Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras, la cuarta edición del ciclo Córdoba en la Historia. Cordobeses Ilustres, que bajo el título ‘Un pintor entre el compromiso y la vanguardia’ rescata una figura que tuvo un periplo vital tan apasionante como lo fueron sus obras.

Esa última vertiente es la que resalta la directora de la Cátedra Córdoba, Ciudad Mundo, Paula Revenga Domínguez, quien ha remarcado que, en la búsqueda de cordobeses ilustres, el nombre de Ferrer de Morgado apareció como una figura tan atractiva por su obra, como por su propia vida, que se inició en Córdoba, pero que lo llevó a países como Francia e Italia.

Discípulo del escultor Mateo Inurria y del pintor Julio Romero de Torres, Ferrer de Morgado se trasladó en 1915 a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, amplió estudios en París y viajó becado a Italia para profundizar en la técnica del fresco. Su pintura, de raíz simbolista y naturalista, evolucionó hacia un realismo social comprometido con la República y con la denuncia de las desigualdades y de las consecuencias de la Guerra Civil. De esa etapa proceden ‘Niños tocando música’, ‘Madre Tierra’, ‘Éxodo’ y ‘Aviones negros’, hoy en el Museo Reina Sofía.

Tras la contienda, su lealtad republicana condicionó su carrera: nunca abandonó la pintura, pero orientó buena parte de su actividad a la decoración, los encargos religiosos y la restauración del patrimonio, con trabajos en las Descalzas Reales y en los palacios de La Granja y Riofrío. Su figura quedó así relegada a un segundo plano en la historia del arte español del siglo XX, “en tierra de nadie”, como lo definió la cobertura del documental que le dedicó el Museo de Bellas Artes de València: ni lo bastante clásico ni lo bastante moderno para los grandes relatos del arte español.

Su hijo, Horacio Ferrer, recordaba este jueves que su padre estuvo pintando hasta el último de sus días. Incluso con más de 70 años aceptaba encargos. Uno de los más curiosos, tal y como relataba su hijo, fue volver a pintar la bóveda del Teatro Gayarre de Pamplona. Lo hizo dos veces, la primera, en los años 50. La segunda, ya con 74 años, a en el año 69, cuando reunió sus bocetos y volvió a pintar en la cúpula su Apolo junto a las musas.

Las jornadas que recuperan su figura en la ciudad que lo vio nacer se han inaugurado hoy y se alargarán hasta este viernes. Es una iniciativa de la Cátedra ‘Córdoba, Ciudad Mundo’, con el patrocinio del Ayuntamiento, que se ha inaugurado con las intervenciones del vicerrector de Salud, Cultura y Bienestar, Manuel Rich Ruiz; del decano de la Facultad de Filosofía y Letras, Javier Martín Párraga; y de la directora de la Cátedra, Paula Revenga Domínguez.

Entre los asistentes figuraban su hijo Horacio y su nieto, también Horacio, ambos implicados en la recuperación y difusión de su legado, que en los últimos años ha comenzado a ser reivindicado desde distintos ámbitos, a los que se suma ahora la UCO, con la participación de especialistas de la propia universidad, de la Complutense de Madrid, de la Universidad de Sevilla y del Museo Reina Sofía.

La primera jornada prosiguió con tres conferencias. Miguel Carlos Clementson Lope, de la Escuela de Arte y Superior de Diseño Mateo Inurria, abordó la etapa formativa y de ampliación de estudios en Francia e Italia. Francisco Javier Pérez Segura, de la Universidad Complutense, habló de Ferrer como un artista todavía por descubrir y Raúl Martínez Arranz, del Museo Reina Sofía, repasó la colección del museo dedicada al pintor.

Mañana, viernes, las jornadas arrancarán a las 16:30 con la presentación de la exposición virtual permanente ‘Realismo social y compromiso: la producción artística de Horacio Ferrer’, que en esta edición incorpora realidad aumentada y estará accesible al público desde el 24 de octubre en la web de la Cátedra. Seguirán las intervenciones de María Auxiliadora Guisado Domínguez (Universidad de Córdoba) e Isabel García García (Universidad Complutense).

Después, Pablo Prieto Hames (Universidad de Sevilla) analizará el documental Horacio Ferrer de Morgado. Más allá de las miradas, producido en 2025 por Adarve Producciones para el Museo de Bellas Artes de València, que recorre la vida del pintor con el testimonio de sus hijos y recupera su memoria, marcada por el compromiso con la República y por el desplazamiento de su figura durante el franquismo. Otra mesa redonda, moderada por David Cejas Rivas y Elena Díaz Navarro, pondrá el broche final a las 19:30.

El espacio Objeto Dardo de Córdoba presenta En otro orden de cosas, un proyecto multidisciplinar de la artista Nieves Galiot que plantea una profunda revisión crítica y poética sobre la invisibilización de los saberes del hogar y los lenguajes con los que clasificamos la realidad.  

Desde las primeras enciclopedias de la Ilustración hasta las estadísticas contemporáneas, las estructuras oficiales del saber han catalogado la ciencia, la naturaleza y la técnica, dejando al margen la arquitectura invisible que sostiene la vida diaria. En otro orden de cosas subvierte esa omisión cuestionando los propios mecanismos de representación de la información: ¿quién decide qué datos son relevantes y bajo qué formas visuales se otorga legitimidad a un conocimiento?

El proyecto toma como base una investigación sociológica desarrollada en Córdoba, que combina el análisis cuantitativo sobre la distribución del tiempo social por género con el estudio cualitativo de cuatro grupos de discusión. Lejos de presentar las estadísticas como frías cifras abstractas, Nieves Galiot transforma las métricas de datos (diagramas aluviales, vectores de flujo y gráficos de araña) en una cartografía afectiva del cuidado. Una herramienta para visibilizar la continuidad del trabajo doméstico, la carga mental y las líneas invisibles de transmisión entre generaciones.  

En otro línea del proyecto, reinterpreta ilustraciones de enciclopedias domésticas (1930-1975) para honrar la sabiduría de las madres y su capacidad de “hacer mucho con poco” demostrando que el espacio del cuidado y el espacio de la creación artística pueden compartir una misma raíz. Galiot convierte así la enciclopedia en un dispositivo crítico reflexionando sobre los lenguajes con los que construimos la verdad. Sostener la vida nunca fue un oficio menor, sino el legado sobre el que descansa todo lo demás.

La muestra en Objeto Dardo se articula en torno a tres grandes ejes:  

Representar el dato no es un gesto neutro. Superponer la métrica social sobre la fragilidad del nido nos permite demostrar que el hogar no es una inercia pasiva, sino un espacio de creación y un conocimiento legítimo sobre el que se sostiene todo lo demás, explica la creadora sobre un proyecto que cuenta con el apoyo del Instituto de las Mujeres del Ministerio de Igualdad y de la Fundación Rafael Botí de Córdoba. 

La inauguración es el próximo viernes 23 de octubre a las 20:00. A partir de ese día, se podrá ver del 23 de octubre al 27 de noviembre en el siguiente horario: miércoles, jueves y viernes de 11:00 a 13:00 y de 19:00 a 21:00, y sábados de 11:00 a 13:30.

El Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ) organiza la tercera edición del Festival Córdoba Crea para promocionar la creación y el talento de los jóvenes que, en esta ocasión, se celebrará del 10 al 12 de diciembre con jornadas de emprendimiento artístico, formación y talleres de teatro.

Para su tercera edición, el Festival Córdoba Crea apostará por el emprendimiento artístico mediante jornadas y convivencias con formación especializada, así como por la interpretación escénica mediante talleres intensivos de teatro. Todas las actividades se dirigen a personas jóvenes entre 18 y 35 años y estarán abiertas al público previa inscripción y tendrán carácter gratuito.

El IAJ ha sacado a licitación el contrato del servicio de organización, gestión y difusión del festival, donde se recoge que Córdoba Crea 2026 consistirá en jornadas de convivencia en el albergue de Cerro Muriano durante tres días para un grupo de jóvenes interesados en emprender en el campo de arte, con formación y mentoring para startups.

A ello se sumará una jornada de emprendimiento artístico con mesas redondas sobre emprendimiento y exposición de arte en la Diputación de Córdoba, así como en una estancia en el mismo albergue durante tres días para otro grupo de jóvenes, con el desarrollo de talleres intensivos de teatro, para la posterior representación de la obra ensayada en la calle.

El pliego de condiciones técnicas que establece el contenido del festival -consultado por este periódico- destaca que se trata de un evento para promocionar la creación y talento de los jóvenes, y se contrata el servicio de organización con un presupuesto base de licitación sin impuestos de 38.556 euros.

El Instituto Andaluz de la Juventud establece requisitos que las empresas licitadoras deben tener, como que el coordinador principal del evento tenga al menos tres años de experiencia acreditada en organización de eventos de emprendimiento, para la correcta realización de la prestación de este servicio.

Además, la empresa deberá proporcionar para la convivencia de emprendimiento artístico de tres días en el albergue de un máximo de 60 personas al menos tres formadores/mentores para las startups, que cuenten con experiencia mínima acreditada en esta materia de tres formaciones/mentorías en distintos eventos.

La jornada de emprendimiento tendrá dinamización de al menos seis mesas redondas y coloquio de al menos un ponente de reconocido prestigio en el campo de emprendimiento artístico. Tanto los dinamizadores como el ponente tienen que contar con experiencia previa acreditada en esta materia en al menos tres eventos. Para la convivencia de 20 jóvenes con talleres intensivos de teatro en el albergue habrá una entidad con experiencia acreditada en desarrollo de al menos tres talleres de teatro y representación de obras.

También se incluirá el transporte para la jornada de emprendimiento desde los distintos puntos de la provincia, así como desde Córdoba capital hacía el albergue de Cerro Muriano para las actividades de convivencia, y bolsas de pícnic para los participantes en la jornada de emprendimiento.

Sobre todo ello, desde el mes de noviembre hasta la celebración del evento, se realizarán acciones de promoción y difusión de las distintas actividades del festival para captar los jóvenes interesados en participar en ellas.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), con sede en Córdoba y dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, acogerá este miércoles 14 de octubre a las 19,30 horas la acción performativa 'Patios', de la artista Maider López, una propuesta que forma parte del ciclo 'Exploratorio' del C3A, comisariado por Marisa Lull bajo el nombre de 'Existe un río' y que se enmarca en la programación que el Festival Flora desarrollada en distintos puntos de Córdoba.

Según ha informado la Junta en una nota, tal y como ha señalado la consejera de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, Patricia del Pozo, “Flora es un festival único en el mundo, que sitúa a Córdoba en el epicentro de la creación contemporánea, explorando las fronteras entre el arte y su conexión con el patrimonio, el paisaje y el medio ambiente”. En este sentido, Del Pozo ha destacado que el C3A, un espacio dedicado a la creación y la reflexión en torno a los debates del mundo contemporáneo, “es el lugar idóneo para abrazar a Flora y contribuir con propuestas creadas para la ocasión, centradas en temas de actualidad e imbricadas con el tejido asociativo, cultural y creativo de la propia ciudad”.

Así, la acción 'Patios' está inspirada en los patios que configuran la ciudad y propone un retrato colectivo de Córdoba a través de sus plantas, las personas y sus movimientos. La propuesta invita a observar la ciudad, y el uso de la vegetación que se crea en los patios, conectando lo urbano y lo natural, lo público y lo doméstico, lo individual y lo colectivo. La acción cuenta con la participación de los estudiantes de la Escuela de Arte Dramático de Córdoba (ESAD) y se llevará a cabo en la Caja Negra del C3A con entrada libre hasta completar aforo.

Maider López es una artista visual que desarrolla su trabajo interviniendo en el espacio público y la arquitectura. Sus intervenciones intentan romper con el estatismo de los objetos y los lugares, abriendo el territorio de la negociación e invitando a buscar nuevos modos de ver y de relacionarse.

Su obra ha sido expuesta nacional e internacionalmente y ha formado parte de las bienales de Venecia, Estambul, Sharjah y Prospect, entre otras. Entre sus proyectos en el espacio público se encuentran 'Ataskoa', 'Polder Cup' y 'Playa'. Su trabajo se ha presentado, entre otros espacios, en CAPC Museo de Arte Contemporáneo de Burdeos, Museu d'Art Modern de Tarragona, KOS Museo de Arte en espacios públicos de Dinamarca, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Matadero Madrid, Centro Pompidou-Metz, Guggenheim Bilbao y CaixaForum Barcelona.

Con esta propuesta concluye el ciclo 'Existe un río', comisariado por Marisa Lull, que ha configurado la segunda edición del programa 'Exploratorio' 2026. Este proyecto del C3A propone un lugar para la escucha y la experimentación, donde artistas y público encuentren resonancias y tensión también con las líneas de pensamiento del museo, con la intención de imaginar un espacio vivo y de diálogo.

'La flor cantada' de Martirio

Por otro lado, la Caja Negra del C3A acogerá, dentro de la programación de Flora 2026, el estreno absoluto de 'La flor cantada', de Martirio junto al pianista Jesús Lavilla, una propuesta concebida para el propio festival. La artista interpretará un repertorio de canciones en las que destaca la presencia de las flores, con temas que, en su mayoría, no han sido interpretados por ella en público hasta el momento.

El programa reúne bolero, tango y copla y recorre canciones en las que aparecen rosas, nardos, naranjos o amapolas vinculadas a historias de amor, nostalgia, recuperación o desasosiego. Durante el concierto, Martirio comentará los temas elegidos, sus motivos e interpretaciones. La actuación tendrá lugar el próximo sábado 17 de octubre a las 20:30 en la Caja Negra del C3A.

El creador multidisciplinar cordobés Francisco Arroyo Ceballos ha recibido el prestigioso Global Distinguished Leadership Award, por su trayectoria y contribución a la paz a través del arte, en un acto celebrado en el Manhattan Neighborhood Network (MNN) en la ciudad de Nueva York durante el 81º período de sesiones de la Asamblea General de la ONU (UNGA 81) en el marco de la conferencia Global de Paz, Unidad y Desarrollo Sostenible.

Según destaca el artista, “dicho galardón ha sido una auténtica sorpresa”, dado que su candidatura fue presentada por el Fundador del movimiento Piramidismo Cromático, Gonzalo Tayo Silva Gotasi, sin comunicárselo previamente.

Dicho movimiento artístico lleva años promoviendo la obra del autor cordobés en Estados Unidos, como son el Consulado General de Ecuador en Nueva York, el Union City Museum de New Jersey, la Fraser Mansion-Scientology National Affairs Office en Washington, el Essex County College de Newark, el Newark City Hall y el Plainfield Performing Arts de New Jersey.

Recientemente, en un acto celebrado en la ONU (Nueva York) por el 25 Aniversario de los derechos humanos y su difusión a través del Arte (20 congreso), Arroyo Ceballos fue destacado por su labor artística de tantos años y proyectos a favor de la paz, sobre todo desarrollados en Colombia con la organización 'Arte sin Fronteras por la Paz' y en Nueva York con el Piramidismo Cromático.

En el caso del Global Distinguished Leadership Award, ha recibido el galardón en su nombre la exembajadora de Ecuador en Estados Unidos y candidata oficial a la Secretaría General de las Naciones Unidas ONU, Ivonne A-Baki. Dicho galardón es presentado por Cojep International --Organización acreditada ante la Organización de las Naciones Unidas-- y Embajadores de la Paz de la ONU, liderados por Hugues Sanon.

Entre los galardonados se encuentran personalidades como Karina Alomar (magistrada de la Corte Suprema, Queens County), Alix Desulme (alcalde de North Miami), Diego F. Muñoz (presidente de la Cámara de Comercio Ecuatoriano-americana de New Jersey), E Rana Mashhood Ahmad Khan (presidente del programa de Juventud del primer Ministro, Gobierno de Pakistán), y Carmen R. Velasquez (juez de la Corte Suprema de nueva York).

Cabe destacar que al propio Francisco Arroyo Ceballos le han entregado este mes el Primer Premio Internacional Gabriele Galloni en Artes (Montigoso, Italia).

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, celebra entre octubre y diciembre una nueva edición de la Escuela Nocturna, su programa de creación artística para personas adultas. Se trata de un espacio de aprendizaje, experimentación y pensamiento compartido que invita a acercarse a la creación contemporánea desde la práctica y la reflexión, sin necesidad de experiencia previa.

Según informa el C3A en su web, consultada por Europa Press, en esta edición, el programa propone diferentes formas de aproximarse a la creación contemporánea a través de la práctica, la experimentación y la investigación. Los talleres abordan distintos lenguajes, procesos y metodologías, generando espacios para la exploración, el intercambio y el desarrollo de las propias inquietudes e intereses.

Esta Escuela Nocturna ofrece herramientas y estrategias que fomentan una posición activa y autónoma en los participantes, acompañando el desarrollo de sus propias preguntas, intereses y formas de hacer. El programa entiende el aprendizaje como un proceso abierto y colectivo, en el que compartir experiencias y conocimientos forma parte de la práctica creativa.

Las actividades se desarrollan en el contexto del C3A, un espacio dedicado a la creación contemporánea y abierto a la experimentación, el pensamiento y el encuentro. Todas las sesiones serán de 18,00 a 20,00 horas.

Así las cosas, Pilar Monsell imparte el 'Taller de creación audiovisual: Escribir con imágenes de archivo'. Se trata de un taller de edición cinematográfica mediante la escritura colectiva con imágenes analógicas que se propone revisar los imaginarios de la ciudad de Córdoba para reescribirlos y actualizarlos.

A través de la reordenación y remontaje de materiales de archivo familiares y otras imágenes de la ciudad a menudo invisibilizadas, el grupo de participantes creará una pieza performativa colectiva que será mostrada al final del taller. Las sesiones son los días 28 de octubre; 4, 11, 18 y 25 de noviembre y 2, 9 y 16 de diciembre. El horario será de 18,00 a 20,00 horas.

El 'Taller de dinujo expandido' estará a cargo de Rafael Jimenez. El curso explora diferentes materiales y prácticas en torno al dibujo como medio expresivo y estrategia artística desde el campo de lo expandido, explorando posibilidades fuera de los formatos y técnicas tradicionales partiendo desde ellas.

La experimentación, el juego y la acción serán el eje principal de trabajo en cada sesión a través de prácticas individuales y colectivas. La programación del taller está dirigida tanto a personas sin un contacto previo con las artes plásticas como a profesionales que quieran indagar en otros lenguajes discursivos a través del dibujo y sus elementos básicos, materiales experimentales y relación con el ahora. Se llevará a cabo los días 29 de octubre; 5, 12, 19 y 26 de noviembre y 3, 10 y 17 de diciembre.

El 'Taller de investigación sonora', con Isabel Do Diego, propone experimentar con el sonido como materia viva de diálogo y transformación en relación con el espacio y la percepción. A través de la escucha, la voz y el cuerpo, se explorará cómo el sonido puede crear atmósferas, generar estados y activar experiencias colectivas. No se trata solo de producir música, sino de investigar el sonido en sus diferentes formas y posibilidades.

Durante las sesiones se realizarán ejercicios prácticos de experimentación sonora y acciones colectivas, entendiendo el cuerpo como un espacio sensible en el que se inscriben experiencias. No se necesita formación musical ni experiencia previa. El taller está abierto a todas las personas interesadas en explorar el sonido desde la práctica, la escucha y la experimentación. Se desarrollará los días 27 de octubre; 3, 10, 17 y 24 de noviembre y 1 y 15 de diciembre.

Por otro lado, el 'Taller de danza contemporánea, de la mano de Helena Martos, propone un espacio de investigación práctica en torno al movimiento y la danza contemporánea. El trabajo se desarrollará a través de prácticas de consciencia corporal, exploraciones anatómicas y experiencias cinético-perceptivas concretas con el objetivo de afinar la percepción sensorial, la intención y la creatividad del cuerpo en movimiento.

Desde la experiencia individual hacia lo colectivo, se investigarán factores como el peso, la mirada y la relación con el espacio, dialogando en ocasiones con la arquitectura del C3a. A través de estas prácticas se buscará crear un contexto de experimentación que proporcione recursos para la activación de un cuerpo más sensible y disponible.

El taller será fundamentalmente práctico y combinará sesiones de investigación del movimiento con metodologías de improvisación, escritura y composición colectiva. Está dirigido a personas interesadas en las prácticas artísticas del movimiento, con o sin experiencia previa. Las sesiones serán 29 de octubre; 5, 12, 19 y 26 de noviembre y 3, 10 y 17 de diciembre.

Entretanto, Manu Zarvaje imparte el 'Taller de creación cerámica', un proyecto que dialoga con la muestra vigente 'Ciudad de quién' y que parte de una experiencia personal para acercarse a la memoria colectiva de un espacio. Cada persona vive y recuerda un lugar de una manera diferente, pero hay elementos que compartimos: el paisaje, los materiales, las huellas, los usos del espacio o las historias que han ocurrido allí.

La idea es preguntarse qué queda de un lugar en nuestra memoria y cómo una experiencia personal puede formar parte de una memoria más amplia. La cerámica será el medio para transformar esa experiencia en una huella material, conectando lo personal con el territorio.

En el taller se trabajará con barros y recursos de la zona, experimentando con la formulación y superposición de esmaltes, las tensiones fotográficas y gráficas y la reproducción mediante moldes. Estos procesos servirán para explorar la huella, la repetición, la transformación y el registro, buscando que las piezas funcionen como pequeños testimonios de una experiencia y de una memoria compartida. Se lleva a cabo los días 27 de octubre; 3, 10, 17 y 24 de noviembre y 1 y 15 de diciembre.

La Delegación de Juventud del Ayuntamiento de Córdoba celebra los días 10 y 11 de octubre, el Wild Style Festival, una nueva propuesta cultural y de ocio alternativo y saludable que se enmarca dentro de los Festivales Planneo, en colaboración con el Imdeco y Cecosam, así como con la participación activa de la Asociación de Vecinos de Cañero y de jóvenes del propio distrito y de otros puntos de la ciudad.

El festival se está desarrollando en el 'skatepark' de Cañero, en la calle Abén Cuzman, y y tiene como eje central la realización de distintos murales de arte urbano, que serán ejecutados por una decena de grafiteros profesionales, entre los que destaca Javi Sujah, 'Ese notas', reconocido grafitero y artista urbano cordobés.

Los asistentes han podido contemplar de primera mano el proceso creativo y la transformación del espacio a través de estas intervenciones artísticas, que contribuirán a poner en valor el 'skatepark'. La programación se ha completado con música y actuaciones de baile, con la participación de varios DJ, entre ellos Raúl Barbassound y Beni, además de la actuación de la escuela de baile local Boombap Dance.

La Delegación de Juventud del Ayuntamiento de Córdoba celebrará el próximo fin de semana, los días 10 y 11 de octubre, el Wild Style Festival, una nueva propuesta cultural y de ocio alternativo y saludable que se enmarca dentro de los Festivales Planneo, en colaboración con el Imdeco y Cecosam, así como con la participación activa de la Asociación de Vecinos de Cañero y de jóvenes del propio distrito y de otros puntos de la ciudad.

Según ha detallado el Consistorio, el festival se desarrollará en el 'skatepark' de Cañero, en la calle Abén Cuzman, y tendrá como eje central la realización de distintos murales de arte urbano, que serán ejecutados por una decena de grafiteros profesionales, entre los que destaca Javi Sujah, 'Ese notas', reconocido grafitero y artista urbano cordobés.

Los asistentes podrán contemplar de primera mano el proceso creativo y la transformación del espacio a través de estas intervenciones artísticas, que contribuirán a poner en valor el 'skatepark'. La programación se completará con música y actuaciones de baile, con la participación de varios DJ, entre ellos Raúl Barbassound y Beni, además de la actuación de la escuela de baile local Boombap Dance.

El festival pretende llevar actividades culturales y de ocio a los distintos barrios de la ciudad, generando espacios de encuentro y participación para los jóvenes y combinando la puesta en valor y mejora del patrimonio urbano con una programación abierta, descentralizada y que dé respuesta a las demandas de los propios jóvenes.

Los grafitis se realizarán a lo largo de las dos jornadas, siempre con animación musical, y el resto de actividades están programadas el sábado, a las 10:30, con desayuno molinero; a las 11:00, sesión de DJ, y a las 1:,00, Boompaber's Sessions/VOL21, y el domingo, a las 11:00, sesión de DJ, y de 13:30 a 17:30, sesión de DJ.

Villarrubia ha vivido una jornada diferente en torno a los árboles, el arte y la convivencia con la celebración de EnArbolArte, un taller llevado a cabo por la asociación EnArbolando Córdoba, que ha reunido a casi cuarenta niñas y niños de la barriada para llenar de color y creatividad los tocones de árboles que permanecen en sus calles.

Según informa la asociación en una nota, la actividad ha sido organizada conjuntamente con la participación y colaboración del Consejo de Distrito de Villarrubia, la Asociación Cañada Real Soriana, la Asociación por la Entidad Local Autónoma de Villarrubia e Izquierda Unida de Villarrubia, entidades que han hecho posible que esta propuesta de sensibilización y participación ciudadana se que se ha desarrollado en un ambiente de convivencia y entusiasmo.

La jornada comenzó en el patio del CEIP Azahara de Villarrubia, donde Rafael Arenas González, miembro de EnArbolando Córdoba, ofreció una charla a las niñas y niños participantes. A través de preguntas y ejemplos cercanos, se les invitó a reflexionar sobre la importancia de los árboles y sobre los numerosos beneficios que aportan a nuestras ciudades y barrios: sombra, reducción de las temperaturas, mejora de la calidad del aire, refugio para la biodiversidad o espacios más agradables para vivir.

Tras la charla llegó el momento de poner manos a la obra. El primer lienzo fue un gran tocón situado en el propio patio del colegio, resto de un árbol que ya no está, que fue transformado por los participantes con motivos llenos de color e imaginación. Cada artista pudo aportar su propia creación, convirtiendo el tocón en un elemento artístico y recordando, al mismo tiempo, la presencia que tuvo aquel árbol en el espacio escolar.

Llenar de arte los tocones

Posteriormente, las niñas y niños se dividieron en dos grupos para recorrer la barriada y llenar de arte otros tocones de Villarrubia. La actividad contó también con la participación espontánea de sus familiares, madres, padres y abuelos, que se sumaron al taller y contribuyeron a crear un ambiente intergeneracional especialmente bonito.

«Queremos que las nuevas generaciones entiendan que los árboles forman parte de nuestras vidas y que, cuando un árbol desaparece, también desaparece una parte de nuestro paisaje y de nuestro patrimonio natural. Con EnArbolArte hemos querido transformar esos restos en espacios de expresión y, sobre todo, generar una reflexión sobre la importancia de conservar y cuidar el arbolado», señala EnArbolando Córdoba.

La jornada concluyó en la Vegeta del Arroyo Aljarilla, donde se plantaron seis olivos donados por Viveros La Conchuela. De esta manera, la actividad no solo recordó los árboles que ya no están, sino que terminó mirando hacia el futuro, con la plantación de nuevos ejemplares.

Además, cada niña y niño participante recibió como obsequio un bonsái de olivo, para que pudiera llevarse a casa una pequeña representación de ese vínculo con los árboles y continuar cuidándolo.

Para EnArbolando Córdoba y para todos los colectivos participantes, EnArbolArte ha sido una jornada gratificante, divertida y enriquecedora, en la que el arte se ha convertido en una herramienta para hablar de naturaleza, sensibilizar sobre la importancia del arbolado y la naturalez y, al mismo tiempo, fortalecer los vínculos entre las personas que forman parte de la barriada. Asimismo, se reivindica la necesidad de replantar los árboles que se cortan, el mantenimiento del arbolado maduro y el cuidado de la naturaleza en los entornos urbanos.

EnArbolando Córdoba entiende que hay muchas formas de aprender a cuidar los árboles y que pintando, plantando, jugando y compartiendo podemos concienciar a las nuevas generaciones en el cuidado de la naturaleza. Y porque, como demuestra EnArbolArte, la participación de niñas y niños puede ser el primer paso para construir barrios más verdes, más habitables y con más vida.

¿Cómo se hace una imagen para una película sobre Federico García Lorca sin caer en todos los tópicos asociados a Federico García Lorca? ¿Cómo se habla de su universo sin poner una luna, un toro, una paloma o el rostro o la firma del poeta? Y, sobre todo, ¿cómo se convierte una campaña publicitaria en algo que parezca algo más que una simple campaña publicitaria?

En La Bola Negra, la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi que monopoliza estos días la conversación cultural en España –y fuera, con serias posibilidades de colarse en los Óscar–, la respuesta ha sido un proceso creativo de alrededor de dos años, numerosas pruebas y borradores y una colaboración entre Equipo SOPA –fundado por tres creativos cordobeses– y el artista andaluz Manuel Antonio Domínguez.

El resultado, como siempre ocurre con SOPA, no es un cartel, sino un mundo estético que acompaña a la obra audiovisual. En este caso, una colección de imágenes intervenidas en la que fotografías del pasado y del rodaje son atravesadas por flechas, manchas y pintura rosa. En realidad, una campaña que pretende hacer algo tan aparentemente contradictorio como deslorquizar una película sobre Lorca: partir de su imaginario para escapar de sus clichés.

Dos años de trabajo quitando capas

Cuenta Luis León desde las oficinas de SOPA en Madrid que la premisa base sobre la que trabajaron, cuando recibieron el encargo en el otoño de 2024, fue la de omitir lo conocido, aunque sin renunciar a ello. Así que en SOPA iniciaron una investigación sobre “el Lorca personal y el Lorca autor”, sobre Rafael Rodríguez Rapún y sobre el universo de la película, pero también sobre todo aquello que permitiera conectar ese legado con otros códigos. La intención era que las imágenes no replicaran “los clichés de la Guerra Civil y de Lorca”, sino que permitieran descubrirlo “desde otro lado”.

Cuando el Equipo SOPA se sumó al proyecto, en realidad, ya habían trabajado con Los Javis, puesto que habían desarrollado todo el bestiario de La mesías, la laureada serie que Ambrossi y Calvo desarrollaron para Movistar Plus. Y en el otoño de 2024, la película que hoy ha encandilado a la crítica era solo una idea sobre el papel. De hecho, el proyecto se llamaba inicialmente La piedra oscura, como la obra de Alberto Conejero. Sin embargo, una vez que el título pasó a ser La Bola Negra, el nombre que aparece en el manuscrito de Lorca, se abrió una vía gráfica completamente distinta.

Dice León que, para su suerte, una bola negra puede ser muchas cosas antes de ser una referencia a Lorca: un objeto, un enigma, una marca. Y esa ambigüedad era especialmente interesante para una película que habla de historias ocultas y deseos que no pudieron ser verbalizados. Pero el proceso acababa de empezar. Y fue largo. Hubo versiones que exploraban las grafías de la propia escritura de Federico, otras tipografías y diferentes composiciones en las que la bola negra ocupaba el centro. Después llegó una fase en la que la bola parecía invadirlo todo hasta desaparecer como objeto reconocible. Finalmente, se evaporó, icónicamente hablando.

La imagen que no está, el color que no tiñe la poesía

Y es que, aquella bola negra que, en el contexto de la obra, alude a una forma de votación aparentemente prosaica pero profundamente estigmatizante, podía rodar fácilmente fuera de ese imaginario e ir engordándose de significados en su devenir montaña abajo. “La idea tiene una contemporaneidad y un misterio muy chulo”, explica León. Precisamente por eso, una vez que el título fue fijado, el equipo tomó una segunda decisión: no mostrar necesariamente la bola. Si ya está en el nombre, repetirla como elemento gráfico sería demasiado obvio (y muy poco SOPA).

La misma operación se aplicó al color. El imaginario lorquiano tiene una paleta de colores inmediatamente reconocible, pero SOPA decidió buscar otro. Frente al verde, el blanco o el rojo asociados tradicionalmente a Lorca y su obra, apareció el rosa. No como un color decorativo, sino como una vía para conectar con la historia de la homosexualidad, el homoerotismo y la estigmatización.

“El rosa, muy probablemente, no está en ningún poema de Lorca”, apunta León, pero permite establecer una conexión con una tradición simbólica que va más allá de la obra del poeta. Ahí comienza a construirse el lenguaje visual de La Bola Negra: una bola negra que casi nunca vemos y un rosa que empieza a ocupar las imágenes. Pero todavía faltaba encontrar la forma concreta de intervenirlas.

Manuel Antonio Domínguez

La solución empezó a aparecer cuando entró en escena Manuel Antonio Domínguez. El artista onubense, habitual colaborador de la agencia, llevaba unos veinte años recuperando fotografías antiguas y materiales abandonados. En casas vaciadas, librerías viejas, rastros y otros lugares donde sobreviven imágenes de personas cuya historia se ha perdido, Domínguez interviene las fotografías para imaginar las identidades, relaciones, amores y conflictos que podrían esconderse detrás de ellas. Muchas de sus obras trabajan con soldados y futbolistas, dos arquetipos de masculinidad sobre los que introduce manchas y fluidos rosas.

Su trabajo ofrecía un espejo inesperado para la película. También La Bola Negra recupera un legado y se pregunta por aquello que quedó oculto. En las fotografías de Domínguez, una persona anónima del pasado puede aparecer de pronto marcada por una mancha rosa que introduce una historia que la imagen original no contaba. No se trata de descubrir qué ocurrió realmente, sino de hacer visible la posibilidad de una historia que quedó fuera del relato oficial.

SOPA tenía cerca y a mano la solución que estaba buscando. Las intervenciones del artista conectaban con la película y permitían abandonar definitivamente la idea de una campaña construida alrededor de símbolos lorquianos reconocibles. La bola negra dejaba de ser el centro. En su lugar aparecían cuerpos, manchas, flechas y fotografías. Y las flechas resultaron fundamentales.

Porque son flechas de amor, pero también de violencia. Pueden remitir a Cupido, a la Falange o a ese santo tan queer que fue San Sebastián (el personaje de Guitarricadelafuente se llama Sebastián). Pueden atravesar un cuerpo como una declaración amorosa o como una herida. Pueden señalar, marcar, vestir o matar. Esa ambivalencia permite que una misma imagen contenga deseo y dolor. El rosa, mientras tanto, deja de ser un simple color para convertirse en una acción. La mancha señala. La mancha identifica. La mancha estigmatiza. Pero también viste. En las fotografías de Domínguez puede parecer inicialmente una intervención delicada, incluso hermosa, hasta que se descubre su significado: aquello que se derrama sobre el cuerpo puede ser tanto una marca de deseo como una herida.

El concepto terminó de trasladarse a la campaña cuando las fotografías antiguas de Domínguez se encontraron con las imágenes del rodaje realizadas por Carla Oset. Para la gráfica exterior se intervinieron alrededor de quince fotografías de la película y, después de diferentes pruebas y algunas recreaciones, se seleccionaron diez para formar la colección definitiva. La intención era que funcionaran juntas.

La cabecera y los diez carteles

Por eso, La Bola Negra no tiene un póster oficial. Porque la campaña está concebida como una serie de obras plásticas cuyas historias se entrelazan y se superponen, igual que las distintas líneas temporales de la propia película. Es una decisión particularmente llamativa dentro de una industria acostumbrada a condensar una película en una sola imagen. Aquí sucede lo contrario: la imagen publicitaria se fragmenta. Cada pieza cuenta una pequeña parte y ninguna pretende resumir la película entera.

La cabecera de la película lleva esta idea al pasado: varios minutos después de empezar la película aparecen fotografías recuperadas de personajes anónimos de los años treinta, intervenidas para imaginar las vidas, relaciones y deseos que quedaron fuera de ellas. El procedimiento recupera además una técnica del cine clásico: gouache sobre transparencias, fotografiado después para poder trabajar las imágenes digitalmente sin perder la textura original.

Las letras siguen ese juego entre épocas. Las tipografías mecánicas proceden de fuentes alemanas del siglo XIX utilizadas en los años treinta, mientras que las manuscritas están pintadas a mano. Son escrituras que podrían pertenecer tanto a un cartel de la Guerra Civil como a una reivindicación del orgullo o a una declaración de amor. Ahí está la clave de la campaña: no actualizar a Lorca, sino encontrar aquello de Lorca que todavía puede hablar al presente.

El resultado: un nuevo flechazo entre el público y un poeta cuyos versos, incluso los que no pudo terminar, sobrevivieron a su muerte.

El Museo de Bellas Artes de Córdoba, organismo dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, presenta una nueva propuesta expositiva del programa 'Dobles Miradas' que, en esta ocasión, establece un diálogo entre la pintura de Antonio del Castillo y el patrimonio arqueológico romano de la ciudad.

La iniciativa, que puede visitarse en la Sala IV del museo hasta el próximo 18 de octubre, relaciona el lienzo de 'San Fernando presentando a San Pablo la fundación del convento de dominicos de Córdoba', realizado hacia 1655, con un capitel romano de grandes dimensiones procedente del yacimiento de Los Marmolejos.

La obra de Antonio del Castillo incorpora en su composición distintos elementos del entorno del antiguo convento de dominicos, conocido en aquella época como Los Marmolejos por la abundancia de restos arqueológicos que afloraron en la zona. El pintor representa parte de la muralla romana y hace referencia a la mazmorra donde, según la tradición vinculada a los mártires de Córdoba, estuvieron presos Acisclo y Victoria.

En la escena aparece también un capitel corintio similar al que se incorpora ahora a la propuesta expositiva. La pieza arqueológica procede de la actual calle Claudio Marcelo y permite establecer una conexión entre la representación realizada por Antonio del Castillo en el siglo XVII y los vestigios de la Córdoba romana.

La iniciativa, que ha sido presentada por el delegado territorial de Cultura, Eduardo Lucena; el director del Bellas Artes, José María Domenech, y la directora del Arqueológico, Irene Maclino, se enmarca en el programa 'Dobles Miradas', puesto en marcha en 2022 como una colaboración entre el Museo de Bellas Artes y el Museo Arqueológico de Córdoba para establecer conexiones entre los fondos de ambos centros y ofrecer al visitante una visión conjunta del patrimonio.

El programa busca superar la tradicional división entre disciplinas museísticas y propiciar nuevas lecturas a partir del diálogo entre las piezas de las dos colecciones. De este modo, las distintas propuestas permiten descubrir relaciones entre obras de arte y bienes arqueológicos vinculados con la historia de Córdoba. La nueva propuesta expositiva puede visitarse en la Sala IV del Museo de Bellas Artes de Córdoba hasta el 18 de octubre.

El festival NXT ha dado a conocer la programación de talleres de creación digital y audiovisual que se desarrollará en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) de Córdoba dentro de las jornadas NXT PRO. La actividad, organizada por el Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales junto a Rocknrolla Producciones y Eventos Culturales y Fundación WOCA, reunirá el sábado 17 de octubre a profesionales y técnicos del sector audiovisual, artistas digitales y personas interesadas en las nuevas tecnologías.

Los talleres serán gratuitos y tendrán plazas limitadas, por lo que el acceso se realizará por orden de inscripción. La programación propone un recorrido por distintas herramientas y procesos vinculados a la creación audiovisual contemporánea, desde la inteligencia artificial generativa y la programación creativa hasta el live cinema, el diseño sonoro y las herramientas para la creación visual en directo.

La primera franja de talleres será de 11:00 a 13:00. En la Sala de Formación, Pepe Díaz (Geometrik) impartirá Resolume Live. Creación de arte AV en directo y su integración en espacios escénicos, una introducción práctica a Resolume como herramienta para crear y ejecutar contenidos audiovisuales en directo, con especial atención a sus aplicaciones en conciertos, festivales y artes escénicas.

A la misma hora, en la Sala de Educación de la mediateca alta, Iván Garriga (Caapsai) ofrecerá IA generativa aplicada a la creación AV, centrado en las posibilidades de la inteligencia artificial generativa dentro de los procesos de creación audiovisual. El taller abordará herramientas, metodologías y nuevos flujos de trabajo aplicados a la experimentación y producción artística.

La programación continuará de 14:30 a 16:30 con dos nuevas propuestas. En la Sala de Formación, Los Voluble impartirán Remezcla visual: nuevas narrativas culturales a través del AVRMX, un taller sobre cultura remix y creación audiovisual a partir de la apropiación, manipulación y resignificación de imágenes y archivos. El dúo trasladará al aula su experiencia en AVRMX, live cinema y creación audiovisual en tiempo real.

Por su parte, Elena Córdoba Carrión (Novia Pagana) dirigirá en la Sala de Educación de la mediateca alta Creación de BSO con medios electrónicos, un recorrido por el proceso de creación musical y diseño sonoro para cine, documental y artes escénicas. La sesión abordará las herramientas y decisiones creativas y la relación del compositor con los distintos perfiles que intervienen en una producción, y concluirá con una demostración práctica de creación de ambientes y atmósferas sonoras.

La última franja de talleres será de 16:45 a 18:45. En la Sala de Formación, Azael Ferrer impartirá TouchDesigner: nuevas herramientas AV en la creación artística, una aproximación a este software y a las posibilidades de las herramientas digitales para desarrollar procesos de creación visual, generativa e inmersiva.

En paralelo, en la Sala de Educación de la mediateca alta, Alba G. Corral ofrecerá Processing Live! Nuevas narrativas AV, una introducción a la programación creativa y al arte generativo mediante Processing. El taller plantea el código como un lenguaje artístico para desarrollar imágenes, sistemas visuales y nuevas formas de expresión audiovisual.

La jornada forma parte de la programación profesional de NXT y tendrá como escenario el C3A, en la calle Carmen Olmedo Checa de Córdoba. La participación en los talleres es gratuita y requiere inscripción previa.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, retoma en septiembre su programación del ciclo ‘Exploratorio’ con ‘Yampo’, una propuesta del escritor y poeta Alejandro Simón Partal que tendrá lugar el viernes 25 de septiembre, a las 20.00 horas, en la Caja Negra del centro. La propuesta forma parte del segundo ciclo del ‘Exploratorio’, comisariado en 2026 por Marisa Lull bajo el nombre ‘Existe un río’. 

‘Yampo’ toma el nombre de un concepto que, en Estepona, localidad natal de Alejandro Simón Partal, significa relámpago. A partir de esta idea, el poeta realizará un recital de poesía que propone un espacio íntimo, convulso y sonoro, que recorre los extremos de la condición humana. ‘El yampo rompe la oscuridad y el silencio para acabar subrayándose en todo. Es efímero, inefable e incompleto, como la alegría, como nuestra propia vida. El yampo también puede ser una respuesta contra los males de nuestro tiempo’, señala el artista. La propuesta contará con el acompañamiento de Sergio Portales, guitarrista y compositor, que ha trabajado en diferentes estilos y ha acompañado, entre otros, al Niño de Elche, a la colomo irlandesa Katie James o a los neo-floklóricos castellanos Dulzaro y Lemus. 

Alejandro Simón Partal (Estepona, 1983) es doctor en Filología Hispánica y ha sido profesor en universidades de Francia, República Checa y España. Es autor de ensayos, obras teatrales y cinco poemarios, con los que ha obtenido, entre otros, los premios internacionales ‘Arcipreste de Hita’ y ‘Hermanos Argensola’. Su obra poética ha sido compilada en ‘Ese de anoche’ (Aguilar, 2023). En narrativa, obtuvo el Premio Cálamo ‘Otra mirada’ con ‘La parcela’ (Caballo de Troya, 2021). Su último libro es ‘La planta baja. Diario de rodaje’ (Plaza & Janés, 2024). 

Esta pieza se incluye en el ciclo 'Exploratorio', un programa del C3A dedicado a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas a la creación, la experimentación y la investigación. En su segunda edición, 'Existe un río', comisariada por Marisa Lull, el programa reúne propuestas que invitan a adentrarse en los universos planteados por los artistas. En esta recta final, la palabra poética irrumpe y, acompañada de la música, abre un espacio para explorar las tensiones del ser en la contemporaneidad, revelando nuevas formas de presencia y percepción ante la complejidad de nuestra realidad, señala la comisaria.

Ars Operandi vuelve a la escena cultural cordobesa. La revista digital especializada en arte contemporáneo, que inició su trayectoria en 2008 y mantuvo una actividad continuada durante más de una década, emprende ahora una segunda época con nuevas firmas, un nuevo dominio y una interfaz renovada. El proyecto recupera además todo el archivo generado durante su primera etapa, entre 2008 y 2020, con el propósito de preservar una parte de la memoria documental del arte contemporáneo de Córdoba y su entorno.

La publicación, impulsada por José Álvarez y Tete Álvarez, nació en un momento marcado por la crisis económica y la progresiva desaparición de espacios para la información y la crítica cultural en los medios de comunicación. Coincidió también con la expansión de la blogosfera y los primeros años de la Web 2.0. Lo que comenzó como un blog dedicado al arte contemporáneo evolucionó hacia un formato de magazine que combinaba información especializada, crítica y documentación audiovisual. Entre sus aportaciones se encuentran los repositorios Ars Operandi TXTs, alojado en Scribd, y Ars Operandi Videos, en Vimeo, que permiten recuperar entrevistas, exposiciones y otras voces vinculadas a la creación artística de comienzos del siglo XXI.

Tras varios años en los que las responsabilidades profesionales de sus integrantes obligaron a reducir el ritmo de publicación, Ars Operandi regresa en un contexto que sus responsables consideran muy diferente al de su nacimiento. En su editorial de regreso, titulado Decíamos ayer, la revista señala la desaparición de buena parte del mercado artístico local y de las galerías de Córdoba, así como el progresivo empobrecimiento de la oferta institucional. La publicación vincula esta situación a unas políticas culturales que, a su juicio, muestran un creciente recelo hacia las prácticas artísticas contemporáneas.

El regreso se produce además mientras permanece abierto el debate sobre el futuro de las salas expositivas de las Caballerizas Reales y el proyecto de implantación del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona. Ars Operandi recuerda la carta abierta que difundió contra esta iniciativa y el respaldo recibido por más de 700 personas, entre ellas numerosos integrantes del tejido cultural cordobés y profesionales del sector artístico nacional. Para la revista, su nueva etapa nace precisamente en un momento en el que considera necesario recuperar el papel de la crítica y la mediación cultural.

“El periodismo de corta y pega, sin mediación, sin contraste y, demasiadas veces, sin criterio” es uno de los fenómenos frente a los que se posiciona el editorial. La publicación reivindica así la información independiente y el análisis crítico frente a la proliferación de contenidos automatizados, textos clónicos y dinámicas de autopublicidad. Por eso, sus responsables definen este regreso no como un ejercicio de nostalgia, sino como “un acto de resistencia”.

La nueva etapa mantiene al frente de la edición a José y al equipo formado por Jesús Alcaide, Ángel Luis Pérez Villén y Óscar Fernández, al que se incorporan Reyi Pérez Castillo, Lola Molina y Rafael Sillero. El primer número de esta segunda época incluye, además del editorial Decíamos ayer, críticas firmadas por Reyi Pérez Castillo y Ángel Luis Pérez Villén sobre sendas exposiciones en el Museo Picasso de Málaga (MPM) y el MUCAC. La publicación incorpora también un artículo sobre la reciente exposición de Francisco Salido en Casa Góngora y otro de carácter histórico dedicado al Ateneo de Madrid y sus Cuadernos de Arte, con la participación de Antonio Povedano e Isabel Santaló.

El estreno se completa con una nueva incorporación al catálogo de Ars Operandi Vídeos: una pieza dedicada a documentar la exposición De ida y vuelta, de Alegría y Piñero, celebrada en el Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (C3A) en 2024. La revista mantiene accesibles los materiales de su primera época a través de sus repositorios de Vimeo y Scribd, así como documentos históricos como Ars Operandi.doc, y suma ahora un canal de YouTube y presencia en Bluesky e Instagram.

Además, sus responsables explican que todas las personas que participan actualmente lo hacen de forma voluntaria mientras no existan recursos para financiar la revista, una decisión que, subrayan, no implica considerar gratuito el trabajo cultural. El archivo histórico queda asimismo a disposición de investigadores, profesionales y usuarios mediante licencias Creative Commons. El objetivo declarado sigue siendo el mismo que en 2008: dar visibilidad, documentar y generar un espacio de reflexión sobre las prácticas artísticas del contexto más cercano.

La Diputación de Córdoba, a través de su Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí, ha presentado la candidatura de Verónica Ruth Frías al Premio Nacional de Artes Plásticas 2026, “una decisión que nace de nuestro conocimiento directo y continuado de la trayectoria de esta creadora”.

De este modo lo ha afirmado el delegado de Cultura de la institución provincial, Gabriel Duque, quien ha recordado que “la relación de Ruth Frías con la Fundación Rafael Botí se remonta a los primeros años de su carrera artística y se ha prolongado a lo largo de cerca de dos décadas”.

Según Duque, “esta vinculación nos ha permitido asistir a la evolución de una artista que ha construido un lenguaje propio desde la performance y las artes visuales y cuya trayectoria ha alcanzado progresivamente una dimensión nacional e internacional, culminando en la exposición individual ‘I Am a Performer Woman’, comisariada por Margarita Aizpuru y presentada en nuestro Centro de Arte durante 2025”.

“Su presencia en museos, centros de arte, universidades, ferias y festivales dentro y fuera de España; la circulación de sus performances; su capacidad para desplazarse entre acción, fotografía, vídeo, instalación, danza y objeto; y la consolidación de un universo visual inequívocamente propio configuran uno de los momentos más significativos de su trayectoria”, ha apostillado Duque.

El también presidente de la Fundación Botí ha insistido en que “no es la acumulación de proyectos lo que fundamenta esta candidatura, sino la coherencia y la persistencia de una voz artística. Una artista que durante más de veinte años ha regresado insistentemente sobre algunas de las preguntas fundamentales de nuestro presente como quién representa a las mujeres, qué modelos se construyen sobre sus cuerpos, quién determina su valor, quién reconoce sus méritos, quién escribe la historia o quién tiene derecho a ocupar sus espacios”.

Duque ha hecho hincapié, además, en que “su obra ha circulado internacionalmente y ha sido presentada en contextos de Europa, Estados Unidos, México, Cuba o Egipto, pero ha mantenido una extraordinaria coherencia conceptual, utilizando el cuerpo y la imagen para hacer visible aquello que durante demasiado tiempo permaneció fuera del relato”.

Por ello, ha continuado, “reconocer hoy la trayectoria de Verónica Ruth Frías supone también reconocer una práctica feminista sostenida en el tiempo, desarrollada mucho antes de que determinadas cuestiones alcanzaran la centralidad que hoy poseen en el debate cultural. Una práctica construida desde la experiencia, el humor, la ironía, la vulnerabilidad y la resistencia, que ha contribuido a generar nuevas imágenes desde las que pensar qué significa ser mujer en nuestro tiempo”.

“Desde la Diputación de Córdoba, consideramos especialmente relevante que esa trayectoria haya sido construida reivindicando simultáneamente el derecho a ser mujer, madre y artista, sin aceptar que estas dimensiones deban excluirse entre sí, convirtiendo precisamente esa complejidad y esa pluralidad en materia de creación”, ha insistido Duque.

El delegado de Cultura ha remarcado que “por todo ello, consideramos que la trayectoria de Ruth Frías y, de manera especialmente significativa, la calidad, intensidad y alcance de su producción durante 2025, responden plenamente a los criterios establecidos para el Premio Nacional de Artes Plásticas: la calidad de las obras y actividades realizadas y su significación como aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural y artística española”.

La Galería Espacio Gala de la Fundación Antonio Gala ha inaugurado este 16 de septiembre La escritura dibujada, la primera exposición en España del artista marfileño Frédéric Bruly Bouabré. La muestra acerca al público cordobés la obra de una de las figuras más destacadas del arte africano contemporáneo.

En el acto intervinieron el presidente de la Fundación Antonio Gala, Francisco Moreno; la directora de Espacio Gala, María José Ruiz; el comisario de la exposición, Bruno Leitão; y el delegado de Cultura de la Diputación de Córdoba, Gabriel Duque, que estuvieron acompañados de Carlos Manzano en representación de Círculo África y Pilar Gracia, gerente de la Fundación Botí.

Organizada por la Fundación Antonio Gala en el marco de su convenio con Círculo África, la exposición reúne más de 150 dibujos de la Colección Pi Fernandino, realizados entre 1979 y 2009. El recorrido se completa con fotografías del artista, un vídeo documental y la edición facsímil «Knowledge of the World», integrada por 190 pictogramas.

Nacido en Costa de Marfil en 1923 y fallecido en 2014, Bouabré desarrolló una obra profundamente vinculada a las tradiciones de su pueblo. Entre los principales hitos de la trayectoria de Frédéric Bruly Bouabré destacan la presentación de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, su nombramiento como Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres de Francia y la concesión de los premios de la Bienal de Dakar, Kora All Africa y de la Fundación Ford.

La escritura dibujada podrá visitarse hasta el 29 de octubre de 2026 en la Fundación Antonio Gala, situada en el número 20 de la calle Ambrosio de Morales, en Córdoba.