Juan Luis Cano condujo la gala final del Concurso Nacional de Arte Flamenco 2025, en la que actuaron los cuatro ganadores.

Córdoba ha despedido hasta dentro de tres años al Concurso Nacional de Arte Flamenco. Lo ha hecho una gala final celebrada en el Gran Teatro que ha intentado mezclar humor, magia y actuaciones flamencas, pero que, al final, se ha hecho un tanto larga y menos dinámica de lo deseado.

Frente a las galas de años atrás, mucho más sobrias, este año se ha puesto al volante de la gala a Juan Luis Cano, figura muy querida y miembro del dúo Gomaespuma, que ha intentado ponerle una dosis de humor blanco a la ceremonia. Además, ha estado acompañado por el mago Javi Martín. Ambos han hecho lo que han podido para intentar mantener el interés de la ceremonia.

Cano, siempre cómplice con el público, ha destacado la enorme calidad de los participantes de este año, subrayando que el concurso sigue manteniendo un poder de convocatoria excepcional y continúa despertando el interés de artistas jóvenes y consagrados. Su intervención ha estado acompañada por dos piezas audiovisuales que han provocado tímidas risas: un vídeo humorístico grabado en el Corral de la Morería de Madrid y otro clip protagonizado por el cantaor (y ganador en 2007) David Palomar, que ha aportado un toque irónico al universo flamenco.

La gala ha continuado con una original puesta en escena: jurado, finalistas y ganadores han ido apareciendo uno a uno desde un coche situado en pleno escenario del Gran Teatro. Esta entrada, inesperada y festiva, ha marcado el tono de una noche concebida como colofón a tres semanas de concurso.

Un recorrido por las cuatro disciplinas del certamen

Así, uno a uno, los ganadores (y algunos de los finalistas) han ido pasando por el escenario del Gran Teatro, para después ofrecer un número musical. El bloque artístico ha arrancado con la modalidad de Instrumentista, donde Juanfe Pérez, en solitario, ha ofrecido al público su taranta Plaza del Potro. Con una sensibilidad depurada y un sonido muy personal al bajo eléctrico, el músico ha presentado una propuesta contemporánea que ha conectado con fuerza con el público.

En Guitarra, Ángel Flores ha interpretado Memorias (a Córdoba), una soleá de autoría propia que ha nacido como homenaje íntimo a la ciudad a la que llegó hace nueve años a estudiar flamenco, y en la que se ha coronado este año.

El turno del Cante ha llegado con la voz de Sara Denez, que ha interpretado soleá cantiñas de raíz popular en una versión adaptada por ella. Respaldada por Currito a la guitarra y las palmas de Richard Gutiérrez y Alberto Parraguilla, ha ofrecido una actuación intensa. Antes de cantar, se ha saltado el protocolo para tomar la palabra y dirigirse a todos los concursantes y finalistas, trasladándole su cariño y agradecimiento.

La modalidad de Baile ha tenido como protagonista a Cristina Soler, que ha presentado una guajira de coreografía propia. Acompañada por la guitarra de Juan Campallo y el cante de Jonathan Reyes y Manuel de la Nina, ha desplegado su estilo elegante y lleno de fuerza expresiva.

Hubo también foto final de los cuatro ganadores, el primer póker de este concurso, que ha abierto este año la categoría de instrumentista. Ellos han sido finalmente el rostro de esta edición, que se ha cerrado con unas palabras en recuerdo al cantaor Fosforito, fallecido la semana pasada, en plena competición. Lo ha recordado el alcalde de Córdoba, José María Bellido, quien -citando una entrevista con el maestro- se ha comprometido a seguir apoyando el “concurso de concursos” y al arte jondo.

En el final de Himno vertical, Rocío Márquez entona como un mantra: “no importa que el dictado no lo comprenda nadie”. Lo repite una y otra vez, casi como si quisiera dejar grabada en la retina y los oídos del espectador la clave de esta nueva aventura artística: no es necesario comprender para acercarse. Basta con disponerse a mirar. O, mejor dicho, a dejarse mirar desde otro lugar.

Márquez vuelve a mutar —como hace en cada paso que da— y en esa metamorfosis sigue generando adhesiones y rechazos, pero nunca indiferencia. Con capacidad sobrada para sostener cualquier repertorio tradicional, hace tiempo que decidió que su norte está en otra parte. Himno vertical, estrenado en el Teatro Góngora en el marco del Concurso Nacional de Arte Flamenco, es una nueva prueba de ese empeño por adentrarse en territorios que aún no tienen fronteras definidas.

Un comienzo a oscuras

Unos acordes cristalinos del guitarrista Pedro Rojas Ogáyar -cocreador del disco- rompen la oscuridad inicial. Un fogonazo ilumina su figura en un escenario todavía en penumbra. Entre esas sombras aparece Márquez, emitiendo sonidos guturales, amplificados por efectos de sonido -el delay fue omnipresente tanto para él como para ella- reclamando luz, pidiendo existir en un espacio que se va construyendo a medida que avanza la música, y que, en conjunto, traslada la idea de concierto onírico (ácido y psicodélico, si prefieren) que proponen sus autores.

Los primeros diez minutos —hasta que concluye Arde— son ininterrumpidos. La cantaora lanza entonces un “se me acaba la pena” que inevitablemente convoca el eco de Morente, aquel que defendía la propiedad de su pena frente al mundo. Y desde ahí el espectáculo ya no frena: su carácter absorbente desorienta incluso al público, que no encuentra dónde ubicar los aplausos, no por falta de voluntad sino por un continuo que reclama el silencio.

La luz como respiración

La iluminación de Benito Jiménez se convierte en un personaje más. A ratos, en un guía. En otros, en un enigma. La luz colocada en el mástil de la guitarra de Rojas Ogáyar va señalando distintas partes del escenario, como si tocara también lo invisible. En otro momento, se revela una gran lámpara vertical de tentáculos LED que abraza a Márquez, o quizás es ella quien se deja abrazar por la luz. O deja que penetre en ella, como cuando el teatro se queda a oscuras y su boca se ilumina con una luz roja y tenebrosa.

La cantaora reza ante una cruz verde, se transforma en escena a través de tres cambios de vestuario y va atravesando todo un catálogo de imágenes que dialogan con lo ritual, lo plástico y lo íntimo. El primer “olé” del público no llega hasta pasados cuarenta y cinco minutos, prueba de la concentración que el dispositivo escénico exige.

La explosión final

La propuesta alcanza su máxima plasticidad cuando entra la luz definitiva. Márquez arranca la cortina y un baño lumínico se extiende por todo el escenario… salvo por ellos dos. Ella desaparece bajo la tela, canta desde el suelo, luego se la enrolla a la cintura y termina envolviendo al guitarrista, en una coreografía casi doméstica, casi anfibia, casi secreta.

Ambos cantan sentados, luego se sitúan delante de la cortina, componiendo un lienzo de resonancias románticas que ella ya ha roto desde el principio embutida en cuero negro, como si reivindicara el derecho a quebrar cualquier estética previamente instalada.

Más de una hora después, Himno vertical concluye. El público se levanta sin dudarlo. Y todavía queda un último regalo: Márquez despide la noche a capela, con el fandanguillo de Carbonerillo que proclama:“Que no siento pena ninguna porque el mundo me critique. Yo soy águila imperial y mientras tenga una pluma no dejaré de volar”.

Un cierre que resume el espíritu de la propuesta: libre, indómita, y siempre dispuesta a seguir volando aunque —o precisamente porque— no todos comprendan su dictado.

Cuatro teléfonos sonando al alba, cada uno de ellos en una punta del país. Cuatro alegrías antes del café. Cuatro flamencos jóvenes asimilando un título nacional antes de poder digerir casi el primer bocado del día. Cuatro artistas. Cuatro eran este año en el que, en su 24 edición, el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba abrió una categoría nueva y reclamada.

Así, este jueves se ha dado un hecho inédito: un póker de ganadores jóvenes, solventes y rotundos que llegan no solo para recoger un premio, sino para reclamar un espacio propio dentro del mapa actual del flamenco. Instrumentos, cante, guitarra y baile —las cuatro vértebras del certamen desde ahora— han encontrado este año voces nuevas con un discurso claro y una relación íntima con el arte jondo, cada una desde su propio vértice.

Juanfe Pérez, Sara Dénez, Ángel Flores y Cristina Soler representan trayectorias distintas que coinciden en un mismo punto: el de un relevo generacional que no se impone por ruptura, sino por vínculo a la raíz, por convicción y por una forma de entender el oficio que hoy está más pendiente de brillar en las redes y algoritmos que ante el jurado de los concursos, por muy prestigioso que éste sea. Sus testimonios, recogidos horas después de conocer el fallo, dibujan el retrato coral de una edición que, por novedosa, ya ha hecho historia.

Sara Dénez: “Lo he estudiado todo desde las antologías del cante flamenco”

“Hace meses había presentado una rumba, una canción nueva, y sentí que no había pasado nada. Aquello me llevó a pensar y reflexionar hacia dónde quería ir”, recuerda Sara Dénez. Ella, que lleva 25 años cantando flamenco en los conservatorios, pero que también ha prestado su voz a guitarristas como Manolo Sanlúcar o cantaores como Miguel Poveda, llevaba tiempo sintiendo que estaba impulsando una “música vinculada al flamenco, pero no en el flamenco”. Este jueves, todo se ha puesto en su sitio.

“He dado más vueltas esta mañana en mi casa que cuando hice el año pasado el Camino de Santiago”, decía rotuna esta joven pero veterana cantaora de Cañete de las Torres, que ha reconocido que se planteó optar al Nacional como primera parada de otro camino de vuelta al flamenco. Ese regreso lo emprendió junto al guitarrista José Tomás. La idea inicial —interpretar por cantiñas y acompañarse ella misma— evolucionó.

“Cuando el trabajo se hace entre dos personas, el resultado cambia”, explicaba Dénez, probablemente la gran sorpresa de esta edición. Juntos acabaron configurando un programa con soleá de Córdoba, malagueña -autoacompañada por ella misma a la guitarra- y una serrana que, al principio, parecía un obstáculo por el tono. “Se nos quedó la serrana porque era aguda para mí y la guitarra tenía que transportar sí o sí. Buscándole su sitio, al final fue un palo que nos sorprendió”.

Para prepararlo todo se sumergió en las grandes fuentes: “Siempre hay que escuchar las enciclopedias y antologías del cante flamenco. Lo he estudiado todo desde ahí para ir a un nacional”. Y el trabajo dio fruto. Tras el premio, apenas ha tenido tiempo de asimilarlo. “Llevo una hora intentando vestirme”, contaba entre risas. Pero tiene claro el siguiente paso en el camino: “Plantear un disco de flamenco puro, que siempre quise hacerlo y nunca lo hice. Y sobre todo no dejar de estudiar, no dejar de estudiar y no dejar de estudiar”.

Ángel Flores: “Esto era y es un sueño para mí”

La llamada llegó cinco minutos antes de que comenzara la emisión en directo al móvil de Ángel Flores, un tocaor que tiene a tiro presentar, en los próximos meses, el nuevo disco de toda una leyenda como Mayte Martín. “Cuando he visto ‘Lola del concurso’ en el móvil no me quería ni acercar. Me daba la sensación de que era para comunicármelo”, cuenta Ángel, aún incrédulo.

Ganar este premio era un sueño, pero hacerlo por unanimidad del jurado y, además, tras seis años con el premio de guitarra desierto, tiene otro peso. Él mismo reconoce el vértigo del desafío. “En guitarra este concurso da fobia. Tienes que defender todas las disciplinas: solista, acompañamiento al cante y al baile. Son mundos distintos y cada guitarrista tiene sus facilidades”. Por eso, dice, el premio “es doblemente satisfactorio”.

Curiosamente, no hubo una preparación específica. “Yo este concurso lo tengo idealizado desde que llegué a Córdoba hace nueve años. Siempre pensé que me presentaría cuando me sintiera preparado. Y ha sido este año”. Seguía estudiando y trabajando mucho, y esa naturalidad ha sido su fuerza: “He ido con lo puesto, de manera espontánea”.

Aunque es madrileño (de Torrejón de Ardoz), Córdoba es una ciudad que le marcó. “Esa magia no la siento en ningún sitio. Pasear por las calles del conservatorio, por la Mezquita… me trae recuerdos preciosos”. Ahora su nombre se suma a la lista de grandes guitarristas premiados en el certamen, algo que no termina de creerse.

Sobre el futuro, mantiene el equilibrio entre la ambición y el presente: “Tengo en mente grabar un disco, sí. Pero no quiero dejar el acompañamiento: me encanta el tablao, el baile, el cante. Y tengo la suerte de trabajar con artistas de primera”. Eso sí, sabe que el galardón le abre una puerta: actuar como solista en el Festival de la Guitarra. “Aumentar el tiempo que dedique a mi música es algo que me gustaría”.

Cristina Soler: “He tenido la suerte de llevar a la gente que yo quería que me acompañara”

La granadina Cristina Soler recibió la noticia temprano, casi como un “levántate y baila” ese cuerpo, aún cansado -ella actuó este miércoles por la tarde en la final-. Fue también la última en hablar con este periódico, casi al filo del mediodía. Todavía estaba muy emocionada, asimilándolo. Sin haber leído siquiera la letra pequeña de un concurso que comenzó a prepararse mucho antes de que se publicaran las bases: “Como el Nacional es cada tres años, desde principio de año lo tenía en mente. Cuando salió la convocatoria lo tuve claro”.

El siguiente paso fue montar el equipo y seleccionar los palos. “He tenido la suerte de llevar a la gente que yo quería. Meterse en el estudio con Juan Campallo -pareja artística de Mercedes de Córdoba- ha sido un placer. Ha sido un proceso de compartir”. También quiso sumar miradas externas: “En la seguiriya y la guajira me apetecía que un par de compañeras tomaran partido -La Piñona y Águeda Saavedra-. Me han ayudado muchísimo”.

El baile tiene exigencias añadidas y Cristina lo sabe. Sin embargo, su preparación no se centró en aumentar el entrenamiento físico, sino en algo más difícil: dejar hueco. “Más que preparación física ha sido descanso. Quité trabajo para poder estudiar de verdad. A veces, cuando estás saturado, no rindes”. La coreografía, otro de los pilares del concurso, es un terreno que conoce: “He montado cosas para otras personas y doy clases. Al final siempre estamos en contacto con nuestro baile y sabes lo que te funciona”. Pero esta vez también quiso abrir puertas a otras visiones.

Al premio se suma la posibilidad de actuar en la Noche Blanca del Flamenco el año que viene, algo que conoció casi en directo durante la entrevista. “¿En serio? Pues ya sabes tú más que yo. Qué guay”, fue su reacción. Otra puerta que se abre en un año que ya marca un antes y un después.

Juanfe Pérez: “Era hora de que no nos consideraran otras aves: somos flamencos”

La mañana en que el músico y compositor onubense Juanfe Pérez escuchó su nombre como ganador del Concurso Nacional de Arte Flamenco fue, según dice, “un dulce despertar”. El artista, un virtuoso y curioso creador que estudió en el Conservatorio de Córdoba junto a un buen número de artistas que hoy están brillando, contaba a este periódico, casi entre bostezos, que se tomaba la noticia como un doble impulso: el del reconocimiento y el del desahogo.

“Mira, ha sido una alegría, un trago importante, pero es que, lo más bonito ha sido poderlo haber pasado frente a mi amigo Alfonso (Aroca) y (Francisco) el Roca, que son dos pedazos de músicos a los que quiero y admiro. Podríamos haber ganado cualquiera”.

Pero si algo domina en su discurso es la convicción de que el flamenco actual tiene más cuerpos sonoros que la guitarra y la voz. “Lo que más me alegra es que por fin se abra a nuevos instrumentos. Que nos dejen de considerar otras aves y nos consideren flamencos. Ya está bien, era hora de que no nos consideren intrusos”.

La preparación, confiesa, fue corta y emocionalmente intensa. “No tenía muchas ganas, pero ha sido todo facilidades porque el proceso ha sido muy incentivador. La final ha sido distinta. Pero, en tres días me puse a estudiar y es en ese momento cuando te atacan los nervios. La exposición del concurso pesa”.

La clave llegó al pisar el escenario: “Pensé que era un concierto, que es un hábitat que me resulta mucho más amable. Y ahí cambió todo”. Pérez, que acabó nominado al Latin Grammy por su primer disco Prohibido el toque, ha recibido el premio mientras ultima su segundo lanzamiento en solitario. “Ojalá este premio sirva para seguir tocando y llevando mi música, y esta música, por los escenarios”, concluía.

El jurado del 24 Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba ha dado a conocer este jueves el palmarés de una edición marcada por el alto nivel artístico y por la coincidencia unánime de sus miembros en dos de las cuatro categorías.

En la categoría de Instrumentistas, con decisión por unanimidad, el primer premio fue para el bajista Juanfe Pérez, que se llevado el premio de 12.000 euros, mientras que el los finalistas fueron Alfonso Aroca y Francisco Roca, ambos con 2.000 euros.

En Baile, decidido por mayoría, la ganadora fue Cristina Soler, seguida de El Tete y Paula Salazar, ambos finalistas.

En Guitarra, también por unanimidad, el primer premio fue para Ángel Flores, acompañado por Alfonso Linares y Álvaro Martinete, como finalistas.

En Cante, decidido por mayoría, la ganadora fue Sara Denez, mientras que Bernardo Miranda y José del Calli fueron finalistas.

David Pino, portavoz del juradom ha destacado “el respeto absoluto hacia todos los participantes” y recordó que la promoción de nuevos valores del flamenco ha cambiado en los últimos años. Según explicó, muchos artistas jóvenes “rehúyen participar en concursos” debido a los nuevos medios de difusión, pero reivindicó que este certamen sigue siendo “un lugar para exponerse” y “un escaparate para todo el mundo del flamenco”.

El jurado aseguró estar “muy satisfecho con el nivel” mostrado por los participantes en las cuatro disciplinas, destacando la calidad general de esta edición.

Los ganadores actuarán en la gala de premios del próximo sábado y, además, sus reconocimientos llevan aparejadas actuaciones futuras: el guitarrista Ángel Flores y el bajista Juanfe Pérez podrán participar en el Festival de la Guitarra, mientras que los premiados en cante y baile formarán parte de La Noche Blanca del Flamenco, prevista para el 20 de junio de 2026.

Anoche se vivió una sesión de pleno disfrute entre artistas y asistentes, con la última tirada de participantes de esta XXIV edición del CNAF. El Gran Teatro, aún más lleno y entrado en calor que en la noche anterior.

El inicio de la velada lo marcó la flauta travesera del onubense Francisco Roca, por soléa (La Luz que das) para empezar, y finalizando por seguiriya (Reniego yo). Obras de su propia autoría y que bien acompañada se vio la segunda con el ilustre sevillano Chiqui Cienfuegos al piano, los también sevillanos Jonathan Reyes y Pepe de Pura al cante y Roberto Jaén a las palmas.

Intervino por primera vez, a continuación, la bailaora granaína Cristina Soler, por taranto, y con el mismo acompañamiento que Francisco, pero sumando el brillante toque a la guitarra de Juan Campallo. El segundo pase de la bailaora fue por seguiriya, coreografiado por Lucía Álvarez La Piñona y ella misma, y caracterizado por un cambio de vestuario que enlució al quinteto en una sola energía de color negro. Esta energía se completó con su última interpretación, con una dulce güajira y cuya coreografía fue orquestada por Águeda Saavedra y ella misma, de nuevo.

En la categoría de guitarra, un espléndido Álvaro Martinete (Granada, 1995), que no titubeó y dejó un terno de toques que se recordarán por lo cómodo que parecía. Entró con A tu memoria (granaína) y enlazó con Criollo, Candela! (güajira). Para la malagueña y abandolao, al cante, el tarraconense Antonio Campos.

Las tres obras de la intervención se sucedieron sin un momento de desconexión, uno de los momentos más destacados de esta tercera noche. Tras el descanso, y para acabar por taranto, el bailaor Raimundo Benítez junto con -de nuevo- Antonio Campos al cante, y ahora José El Indio a las palmas, completaron la participación del granaíno.

José del Calli entró para darnos su cante, con una selección de seguiriya, soleá, bulería y cantes de Levante, en última instancia. Su paso se enbolsilló al púbico con calidad, presencia y alma, donde hubo momentos para recordar al maestro Fosforito y enaltecer a su buena tierra, cómo no, Córdoba. El punto álgido de su actuación se dio en la bulería, con Ricardo Vázquez a la guitarra y Alberto Rodríguez Parraguilla a las palmas, dejando así una clausura redonda del concurso este año.

Los ganadores, ya se habrán conocido para cuando se publique esta crónica. La gala final será el próximo sábado y tocará esperar otros tres años para que vuelva a celebrarse el “concurso de concursos”.

Continúa la última recta del Concurso Nacional con la segunda de las tres citas, celebrada en la noche del martes, en otra sesión memorable, si cabe más emocionante que la primera, y con un público cada más más numeroso.

Para dar comienzo a la tarde, el escenario recibió al bajista y compositor onubense Juanfe Pérez, quien interpretó Plaza del Potro, una taranta de su álbum debut Prohibido El Toque (2022), nominado a un Latin Grammy para sorpresa del propio creador, que lo lanzó de forma autoeditada. A ese tema le siguió después Mientras duermes (alegrías de Córdoba), para el que entraron Kike Terrón a la percusión, Alicia Morales al cante y Alberto Rodríguez Parraguilla y Richard Gutiérrez a las palmas, completando el quinteto. Ambas obras, de autoría propia, y con especial dulzura la primera de ellas.

La malagueña Paula Salazar, como la segunda finalista de baile de esta fase, se personó entrando por seguiriyas con un auditorio ya entrado en calor. A la guitarra le acompañó Ramón Amador, al cante Manuel de Gines y Juan de la María y a las palmas Antonio Amaya El Petete. Tras un cambio de vestuario, con un vestido de rojo a la púrpura y un mantón asolado que, pareciera ella el Sagrado Corazón, siguió con una caña que cautivó a los espectadores y se extendió hasta los tangos que cerraron su participación, con otro cambio de vestuario entre el rojo y el verde. El acompañamiento fue el mismo en todo momento.

Como finalista de la categoría de guitarra salió el cordobés Alfonso Linares, con una de sus composiciones titulada Etérea (granaína) y continuando con otra de las suyas titulada Áurea (soleá), alcanzando su cénit de la noche en esta. Para su cierre en unas alegrías de Cádiz le acompañaron David Palomar al cante y Alberto Rodríguez Parraguilla y Richard Gutiérrez a las palmas. Una química notoria entre los cuatro y quizá la mejor de sus intervenciones anoche. Su segundo pase lo hizo con una farruca, acompañado de Cristina Pedrosa al cante, Eles Bellido al violín, Alberto Rodríguez Parraguilla y Richard Gutiérrez de nuevo a las palmas y una coreografía del bailaor Federico Núñez.

Esta segunda velada concluyó con el oriundo de Fernán-Núñez, el cantaor cordobés Bernardo Miranda, con una selección de serrana, soleá, bulería y malagueña y abandolao, esta última de Emilio Pozo. En la guitarra, Álvaro Mora, y en las palmas, Diego Montoya y Roberto Jaén. Un punto final a una segunda noche de fase más asistida y con el público un tanto más entregado.

La última de las veladas será esta tarde-noche de miércoles.

¿Cuántas cadenas caben en un olé que se canta y cuántas en un olé que sólo se piensa? ¿Cuántas llaves de las que uno guarda en su zaguán son capaces de abrir esas cadenas? La cantaora Rocío Márquez (Huelva, 1985) descubrió hace un tiempo que, por cada cadena que la amarraba, había una llave que la liberaba. Y se afanó en hacer su pequeño ajuar. Un ajuar construido sobre un conocimiento extenso del flamenco ortodoxo, y bordeado por la excelente pentalogía de discos que ha publicado en la última década la más morentiana de todos los artistas flamencos actuales.

De El niño (2014) a Firmamento (2017), pasando por Visto en el Jueves (2019), subiendo al Tercer Cielo (2022), junto a Bronquio, para, desde arriba, rematar este año con Himno vertical (2025), una nueva vuelca de tuerca, en este caso al alimón con el guitarrista clásico (pero vanguardista) Pedro Rojas Ogáyar. El hilo que une esas obras es la voz y el pálpito creativo de una artista que siempre es ella misma, aunque siempre esté en continuo movimiento. Una cantaora que, desde hace ya años, es letrista, compositora y productora de su música.

Y exploradora de mundos. Desde su casa en mitad del campo, rodeada de perros, atiende Márquez a Cordópolis, un par de días antes de que estrene en el Gran Teatro de Córdoba la versión escénica de su último disco. Como ocurrió con Tercer cielo, entre lo que se ve y se escucha sobre la tarima y lo que escupe el reproductor habrá cambios. Reconoce, por tanto, los nervios. Y que son tan parte de ella como las cadenas sobre las que pisa desde hace tiempo sin pincharse.

Sigo atravesada por 'Tercer cielo' y por todas esas posibilidades vocales y sonoras que descubrí

PREGUNTA (P.). ¿Qué es lo que vamos a ver este jueves en la presentación en Córdoba de Himno vertical?

RESPUESTA (R.). Pues mira, es la propuesta escénica de este repertorio musical, Himno vertical, dirigida por Fran Torres, con diseño de luces de Benito Jiménez (Los Voluble) y de sonido de Javi Mora. Estamos con muchísimas ganas, porque es que, ten en cuenta que este espectáculo lo estrenamos por primera vez en la feria de Vic, que fue superbonito. Pero eso fue en septiembre, así que, aunque realmente es la segunda vez que lo vamos a poner en pie estamos casi estrenándolo de nuevo. Tiene esa energía de las primeras veces: ganas de compartir, esos nervios bonitos… Y muy agradecida, porque está siendo un proceso muy sanador para mí y para el equipo. Teníamos muchas ganas de cantar, de contar, de tocar todo esto, y ya vemos que es una realidad. Y claro, poder estar en un marco como el del Concurso de Córdoba es algo que agradezco muchísimo. Me parece una programación muy valiente.

P. La verdad es que es un disco con muchas capas —ahora hablaremos de él—, pero sí me gustaría preguntarte cómo llegas a Himno vertical, porque venías de hacer un disco también con muchísima fuerza, Tercer cielo. ¿Te costó mucho bajarte del Tercer cielo?

R. Bueno, realmente yo creo que en Tercer cielo hemos estado todo el tiempo que ha necesitado. Y, de hecho, seguimos estando, así que no me ha costado. Esto llegó con una necesidad propia, con un carácter propio. Empezamos a juntarnos Pedro y yo, a improvisar, y me alucina la rapidez con la que llegó este trabajo frente a otros que han necesitado mucho más tiempo. Creo que esa rapidez pudo darse porque los años anteriores ya se estaba gestando de manera inconsciente: desde las letras, desde los procesos vitales… Cuando nos pusimos a hacerlo, salió a borbotones, porque ya llevábamos mucho tiempo cultivándolo y alimentándolo.

P. El título del disco es Himno vertical, pero su contenido, al menos para mí, es más bien circular.

R. Qué bonito eso. Sí, totalmente. Lo de “vertical” es un guiño a Roberto Juarroz y su Poesía vertical, que nos acompañó en los primeros encuentros y en las primeras improvisaciones. Luego fue mutando, pero queríamos honrar ese origen. Y lo circular está muy presente. Esas líneas verticales también se entienden como visiones espirituales, y todo tiene que ver con lo circular: no hay vida sin contemplar la muerte, y para que algo muera antes tiene que estar vivo. Ese círculo es eterno, por eso tiene sentido unir lo circular y lo vertical. En lo sonoro, todo este tema de los bucles también viene porque, aunque tenga vida propia, yo sigo atravesada por la experiencia de Tercer cielo. Todas esas posibilidades vocales y sonoras que descubrí con Santi reaparecen y vuelven; han cogido fuerza y siguen buscando camino.

P. Lo ancestral, en el fondo, era muy loopero.

R. Totalmente: todo el rollo mantra, lo popular, lo repetitivo… Incluso las canciones infantiles, fíjate. Son muy repetitivas.

P. Es un disco en el que la muerte tiene un peso esencial, ¿no? En su propia génesis. ¿Por una cuestión personal?

R. Sí. Cuando Pedro Rojas Ogáyar —mi compañero maravilloso— y yo empezamos a juntarnos para improvisar, estábamos atravesando el duelo de dos personas muy queridas: yo de mi prima Nuri, que era como una hermana, y él de su padre. Eso estaba latente y surgía sin pensarlo. Teníamos varias líneas que queríamos investigar, pero lo interesante fue que, cuando nos pusimos a hacerlo, esto fue lo que vino. Por eso también me planteo el tema de la autoría: quién hace realmente la obra, cuando a veces ni siquiera tú habías intentado dirigirla hacia ahí, pero es lo que sale porque es lo que tienes que cantar o tocar.

Me he permitido que viniera lo que tuviera que venir, sin pensar si puede generar rechazo

P. Una de las cosas que más me gusta es esa idea de “la palabra que fecunda”. ¿Somos esclavos de nuestros pensamientos o de en lo que se convierten cuando los hacemos palabra?

R. Yo creo que la esclavitud empieza siempre en el pensamiento. Hemos equivocado el sentido de la palabra libertad: creemos que está fuera, cuando tiene que empezar dentro. Y para eso hay que desidentificarse de los pensamientos y de las emociones, y eso es difícil. Se trata de ir poniendo conciencia poquito a poco.

P. Aquí también te lanzas de nuevo a escribir tus letras. A veces tomas versos prestados, a veces son tuyos, a veces surge lo que surge, como decías. ¿Podemos decir que la renovación de las letras es ya una marca personal?

R. Es una necesidad personal. Y tengo la suerte enorme de estar rodeada de gente como mi amiga Carmen Camacho, que es maravillosa. Contar con su mirada, con su corrección, me da seguridad y me quita limitaciones o miedos que tenía antes, ese “a ver si no va a estar a la altura”… Eso se me va desvaneciendo. La escritura es una forma más de expresión. Aunque sea cantaora, me interesa el arte en todas sus facetas, y estoy intentando permitirme todas las que puedan darse.

P. O sea que podemos decir que el arte realmente sí es fecundo.

R. Por lo menos intentarlo. También creo que hay una parte que está por encima de nosotras. Esto que está tan de moda de decir que “somos canal”: yo con este trabajo lo he experimentado muy fuerte. A nivel literario y musical. Encontrarte haciendo recursos que ni sabes cómo los estás haciendo. Esa experiencia ha sido muy potente.

P. Otra de las claves del disco es cómo exploras todas las posibilidades de tu voz. Aunque sea un sello personal, sorprende del rango vocal y la exploración que haces con tu instrumento, llegando quizá todo lo lejos que puedes hasta este momento.

R. La clave, quizá es eso que has dicho, eso de “hasta este momento”: estas son mis capacidades ahora. No sé en otro momento. Me he permitido que viniera lo que tuviera que venir, sin pensar si esto es tal o cual, si puede generar rechazo porque no es lo más digerible. Pero todo eso me conecta con el permiso y el cuidado hacia mí. Y también con la necesidad del arte de incomodar a veces. Es algo que intento recordarme: estar conectada conmigo misma y ser honesta.

P. Vivimos en una época donde todo está sobreproducido. Este tipo de discurso y de riesgos son llamativos y pueden generar rechazo, pero no todo tiene que ser blanco y blando.

R. Totalmente. Ahí creo que compartimos visión de arte. Hay propuestas más suaves, y es maravilloso cuando salen del alma. Pero también es maravilloso permitirnos otras cosas cuando vienen otras cosas. Para mí también es un trabajo no limitarme por mis gustos. Si voy a ver a alguien que está en parámetros alejados de mí, intentar disfrutar su propuesta. Cada proceso y cada ser humano es maravilloso cuando hay honestidad. Me chirría cuando veo que no hay esa conexión.

P. Una última pregunta: ¿una es tan buena como la gente con la que escoge trabajar?

R. Guau, esa es buena. Yo creo que eso no es solo en la música, es en la vida. Hay una teoría que dice que las cinco personas con las que más tiempo pasamos acaban condicionando nuestra forma de pensar y sentir. Creo que todo funciona por vibración. Nos juntamos con gente que ve la peli o siente parecido a una. Si no, poco a poco te vas alejando. Y, para un proyecto, con el tiempo y energía que requiere, tiene que haber una vibración parecida. Si no, acaba saltando por los aires.

Hay propuestas más suaves, y es maravilloso cuando salen del alma, pero me chirría cuando no ves esa conexión

El XXIV Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF) de Córdoba entra en su recta final este martes con la segunda de las tres galas en las que actuarán los artistas finalistas de esta edición. El público podrá seguir la sesión en directo a través del siguiente enlace oficial del certamen:

El Gran Teatro de Córdoba acogió en la tarde-noche de ayer el inicio del último tramo del XXIV Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba con la primera tríada de finalistas, uno por modalidad: al baile, a la guitarra y al cante y a la instrumentación (la nueva categoría, que arranca este año).

De hecho, la velada dio inicio con el pianista cordobés Alfonso Aroca, que interpretó Soleá 2.0 (soleá), una de sus últimas obras y la primera del que se anunció como su próximo proyecto, IMPULSO; y Faro al viejo mundo (farruca), de su primer trabajo publicado, Orilla del mundo (2014). Acompañándole a la percusión, el cartagenero Javier Rabadán, y a las palmas y nudillos, el gaditano Roberto Jaén y el catalán Matías López “El Mati”, este último protagonizando también el cante.

Tras ese número, arrancó el baile con el barcelonés Ricardo Fernández Ribas “El Tete”, uno de los bailaores más destacados y prometedores de este tiempo. Así, aunque le costó arrancar en la primera de sus tres intervenciones -por alegrías, acompañado de los veteranos José Andrés Cortés a la guitarra, y Juan Manzano, Miguel de la Tolea y Juanjo de Nayeli al cante-, a partir del segundo número cogió el vuelo y clausuró de forma magistral su intervención, concluyendo con un taranto y una soleá.

A la guitarra, el carismático madrileño Ángel Flores, que salió por taranta (Odisea, Ángel Flores) para comenzar su primer pase, continuó por soleá (Memorias, Ángel Flores) y terminó por malagueña y abandolao, con un magnífico acompañamiento del ya mencionado El Mati al cante. Siguió tras el descanso, en el ecuador del espectáculo, por alegrías, acompañado de un estelar Marco Flores, bailaor gaditano, con su memorable estilo y huella personal. Al cante, igual de ejemplares, El Mati de nuevo, junto a los jerezanos Manuel de la Nina y el Quini de Jerez.

Para cerrar la velada, la cantaora y compositora cordobesa Sara Denez, interpretando de seguido y con maestría los cuatro cantes de su intervención, acompañada con su guitarra en la malagueña de Chacón, y posteriormente con el ciudadrealeño José Tomás a la suya, en el resto del recorrido (farruca, soleá y serrana), dando punto final a este lunes de flamenco, que se ha vivido casi como la cesión del testigo de una generación de artistas a otra.

El concurso se prolonga hoy martes, a partir de las 20:00 en el Gran Teatro, donde se esperan otras dos horas y media de espectáculo en esta fase final.

El regreso de Rosario La Tremendita a Córdoba iba a producirse el pasado jueves con el estreno de Matancera, el espectáculo que comparte con La Kaita y que debía presentarse en el Gran Teatro, en el marco del Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF). Sin embargo, la muerte de Fosforito, que ha teñido de luto oficial la actividad cultural de Córdoba, ha llevado a aplazar la función, que iba a ser “el broche de oro” a un ciclo creativo, antes de embarcarse en nuevas propuestas.

Eso contaba La Tremendita a este periódico. Lo hacía horas antes del momento que estaba fijado para su salida al escenario del Gran Teatro, el mismo sitio donde, hace 21 años, se había convertido en la ganadora del Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF). Este año, sin embargo, ha sido jurado. Y también le tocaba mostrar su evolución, estrenando en la capital Matancera, cuya première tuvo lugar en 2024 en la Bienal de Flamenco de Sevilla,

En Matancera, la artista sevillana explora un diálogo íntimo y arriesgado entre dos cantaoras de generaciones distintas. “Es un diálogo entre dos mujeres, con diferencias por generación, por corrientes e identidades, pero también con muchas similitudes: la visceralidad en el cante, las inquietudes…”, explica La Tremendita. La Kaita, recuerda, ya estaba en 1984 “con una guitarra eléctrica en las manos”, un gesto visionario que encarna el espíritu de búsqueda que comparten.

Un idioma común, un puente entre generaciones

Ese encuentro intergeneracional es, para La Tremendita, natural dentro del flamenco: “Es un idioma común, una forma de comunicación directa. Nos entendemos desde el minuto uno”, explicaba la artista, que apostillaba que, aunque sea conocida por su experimentación, su raíz es profundamente tradicional: “Me crie en la tradición. No hago ningún proyecto sin tener eso presente”.

En Matancera la apuesta escénica es extrema: no hay guitarrista, solo ellas dos en escena acompañadas por el batería y productor Daniel Suárez. “Cuando le dije a La Kaita que no habría guitarra, que vendría un músico de batería y electrónica y que la iba a acompañar yo con el bajo, se sorprendió. Le dio vértigo. Pero es una mujer valiente y encajó superbién”, cuenta con naturalidad una de las puntas de lanza de las nuevas formas flamencas, que mezclan beats y sintetizadores electrónicos con cantes tradicionales sin ningún rubor.

Lo puro es que lo que yo cante por la tarde sea coherente con lo que siento por la mañana

La Tremendita defiende una visión del flamenco libre de miedos y etiquetas. “Para mí, lo importante es hacer lo que te dé la gana”, afirma tajante. “En 2025 no puedes inventar como si estuvieras en los años treinta. Hay que vivir los tiempos con las herramientas de hoy. Lo esencial es tener valentía para desarrollar lo que realmente sientes”. Su definición de purismo es personal: “Para mí lo puro es que lo que yo cante por la tarde sea coherente con lo que siento por la mañana. Lo puro es lo que se siente de verdad”.

El espectáculo tiene además una marcada perspectiva femenina. Aunque la artista suele trabajar “rodeada de hombres”, en esta ocasión ha construido un equipo integrado casi en su totalidad por mujeres: desde la dirección escénica de Verónica Morales hasta los audiovisuales o la ayudantía. “Me apetecía que ese punto femenino estuviera muy presente. Ha sido un viajazo muy interesante”, destaca.

Córdoba, origen y tobogán

La relación de La Tremendita con Córdoba no es solo profesional. Es afectiva y biográfica. “Mi abuela es cordobesa, mi abuelo también. Desde pequeñita he tenido un vínculo muy fuerte con Córdoba”, recuerda. Su abuela nació en Fernán Núñez; su abuelo, aunque nacido en Melilla, llegó a Córdoba con cinco años. “Córdoba tiene mucho que ver con que yo exista y con que siga cantando”, dice.

Este año, además, ha vuelto al Concurso Nacional de Arte Flamenco como jurado, una experiencia que le ha despertado “los mismos nervios que hace veinte años”. Aquella edición en la que participó, siendo apenas una adolescente, marcó su vida artística. “Tenía 17 años, venía de dos años en Inglaterra cantando y estaba agotada. Ganar el Nacional fue un chute de energía. Me pasaron muchas cosas nuevas. Podía haber dejado el cante, pero el premio me dio la vida”, confiesa.

El flamenco instrumental, una asignatura pendiente

Rosario volverá a Córdoba la semana que viene, para la fase final. Y este año el Concurso Nacional ha abierto por primera vez una sección dedicada a instrumentistas flamencos, un cambio histórico que La Tremendita celebra. “Era necesario. El nivel instrumental ha estado increíble”, afirma. Uno de los finalistas es Juanfe Pérez, bajista que ha trabajado junto a ella en varias ocasiones, al igual que también ha colaborado con el pianista Alfonso Aroca, otro de los candidatos.

“Para mí es muy importante que el instrumento entre en el Concurso Nacional de Cante. Hay mucha gente haciendo flamenco muy bien desde el instrumento”, recalca la artista, que ha trascendido al mundo iconográfico precisamente pegada a un bajo eléctrico. En ese sentido, La Tremendita mira también hacia el ámbito académico: “Ahora solo falta que los conservatorios den el salto. Hoy es más fácil estudiar instrumentación jazz que flamenca. Pero iremos poco a poco. La evolución natural será esa”.

En mayo de 1956, la ciudad de Córdoba, entonces aún levantándose de los rigores de la posguerra pero inmersa en los aires de cambio cultural que supuso la eclosión del Grupo Cántico y de los primeros pasos del Grupo Espacio (precursor de Equipo 57), apostó por darse un aire de trascendencia. Por primera vez en su historia, acogía un certamen que aspiraba a marcar un antes y un después en la historia del flamenco: el I Concurso Nacional de Cante Jondo.

El Ayuntamiento, junto a figuras como Ricardo Molina y Anselmo González Climent, había impulsado un proyecto que buscaba algo más que premiar voces: pretendía rectificar un rumbo estético que, a su juicio, se había ido torciendo. El concurso, inspirado en el histórico certamen granadino de 1922, aspiraba a depurar el arte jondo, a rescatarlo de lo que los organizadores consideraban los excesos del operismo flamenco que dominaba los teatros. Era un gesto cultural y político, una reivindicación de lo primitivo, lo sobrio y lo hondo frente a la dulzura comercial asociada a figuras como Pepe Marchena.

Lo que nadie imaginaba era que aquel escenario iba a ver nacer a una nueva primera figura del flamenco. Un joven de 23 años que se había inscrito en el certamen advirtiendo de que su profesión era la de marmolista. Un chico delgado, de pelo negro azabache tupuido y, en aquel entonces, convaleciente de una enfermedad y recién salido del servicio militar. Un tipo que, sin muchas pretensiones, estaba a punto de cambiar la historia del cante.

Ese muchacho se llamaba Antonio Fernández Díaz. Pronto, todos lo conocerían como Fosforito.

Cantaores no profesionales

La imagen de Antonio presentándose al concurso, con su oficio de marmolista declarado por escrito, es casi un símbolo de su origen humilde. Procedía de Puente Genil, de la Casa Grande, donde cuarenta familias compartían espacio, de noches en carros abandonados y amaneceres en tabernas para ganarse unas pesetas cantando. Era hijo de un encalador apodado “Fosforito”, y sobrino del célebre Niño del Genil.

Tras una larga enfermedad de estómago, que lo obligó a apartarse del cante durante más de tres años —condición indispensable para poder participar, pues el concurso excluía a profesionales—, Antonio había llegado a Córdoba cargado de determinación. Según contaba el guitarrista Pepe Morales, se había preparado durante meses escuchando obsesivamente la Antología del Cante Flamenco de Hispavox en tabernas como El cante escuchao, donde los parroquianos lo tenían por el más aplicado.

Todo esto lo cuenta Agustín Gómez en su libro, Los concursos de Córdoba, en el que escribe que la voz de Fosforito era “amarga como el vino de la tierra”. Es decir, nada que ver con la suavidad burguesa que llenaba teatros y radios. En su garganta convivían la sombra de la miseria infantil y la tradición de un linaje cantaor que él llevaba casi sin saberlo.

Unos meses antes del concurso que lo encumbró, a su pueblo había llegado un etnomusicólogo bengalí llamado Deben Bhattacharya (1921, Varanasi, India – 2001, París). Era un viajero un tanto especial, ya que solía moverse por el mundo con un magnetófono de bobina semiportátil y con el marchamo de la Unesco, una organización para la que, en toda su trayectoria, llegó a grabar decenas de discos de lo que hoy se etiqueta como world music (músicas del mundo).

Cuando llegó a Puente Genil, atraído por la idea romántica del flamenco, se convirtió, sin saberlo, en la primera persona en registrar los primeros cantes jondos de una de las voces más importantes de la historia del arte jondo: Fosforito. Y debió ver algo en él, pues aunque aquellos días grabó a varios cantaores más, fueron las pistas que registró con aquel chaval, las que, con posteriordad, más acabó colocando en los distintos recopilatorios sobre cante gitano que publicó a lo largo de su carrera.

El maestro aún recordaba, en una charla con este periódico hace solo unos meses, aquellas sesiones de grabación con un muchacho hindú que tenía un magnetófono muy grande. Aunque algunos detalles se había perdido por el camino de su prodigiosa memoria, sí acertaba a decir que ya entonces, en aquella primavera del año 1956, estaba preparándose para el concurso de Córdoba, cuyas bases se habían aprobado en febrero de ese mismo año.

Fernanda de Utrera, Niño de la Mezquita o Curro Mairena

Lo cierto es que la exigencia de aquel primer concurso nacional era tremenda: dieciséis cantes profundos, enrarecidos, complejos, que apenas unos pocos en España dominaban con solvencia. Más de cien aspirantes se inscribieron, procedentes no solo de las provincias andaluzas, sino también de Castilla, Extremadura o Cataluña. Los organizadores buscaban autenticidad, hondura, carácter.

En este contexto, aquel joven marmolista fue uno de los únicos dos concursantes que se inscribió en las cuatro secciones completas y realizó los dieciséis cantes exigidos. Aquel gesto, casi temerario para un debutante, era ya una carta de presentación. Su principal competidor directo en esta proeza era Antonio Garrido Moreno, Niño de la Mezquita, un cantaor habilidoso y de sólida formación auditiva. La prensa y el jurado subrayaron que la lucha entre ambos por el repertorio completo fue feroz. Representaban dos mundos distintos que chocaron abiertamente sobre el escenario cordobés.

El flamencólogo Anselmo González Climent, miembro del jurado, señaló con claridad la diferencia esencial: Niño de la Mezquita, afirmó, encarnaba la “actitud discográfica”, una tendencia imitativa, pulcra, pero mecánica. Fosforito, en cambio, traía un “yo” intenso, expresivo, una verdad quebrada que se alejaba del molde y, quizá por eso mismo, iluminaba el porvenir del cante. Esa identidad de la que hablaba el musicólogo Faustino Núñez al hablar sobre él tras su muerte, este jueves.

En torno a ellos competían también nombres que, con los años, serían fundamentales: Fernanda Jiménez Peña, la futura Fernanda de Utrera; José Beltrán Ortega, que acabaría siendo Niño de Vélez; Francisco Cruz García, luego Curro Mairena. Muchos juraron no ser profesionales para poder concursar, amparados por las irregularidades propias de una época donde el hambre y el arte se mezclaban sin fronteras. El jurado, por su parte, reunía a figuras de la estética, la música y el propio cante: Ricardo Molina, José Muñoz Molleda, Aurelio Sellés, González Climent y Francisco Salinas. Sellés, veterano cantaor, recordaría años más tarde que su voto lo tuvo claro desde el principio.

La España fosforizada

Cuando las deliberaciones concluyeron, el veredicto fue unánime: Fosforito merecía el Premio de Honor. No solo eso: obtuvo también el primer premio de todas las secciones en las que había competido. Y, de manera especial, conquistó la Cuarta Sección —Tonás, Livianas, Debla, Temporeras—, quizá la más dura del certamen.

En total, Fosforito se hizo con 26.000 pesetas (unos 10.000 euros de hoy) por ganar la totalidad del concurso. Aunque el verdadero premio llegó después, cuando la prensa nacional se volcó en elogios. El diario El Español tituló que un cantaor “con una voz que domina todos los estilos” se había convertido en el primer premio nacional de flamenco.

Su triunfo, para los entendidos, supuso el inicio de una estética flamenca nueva: sobria, estoica, clásica. Una estética que, en realidad, era profundamente cordobesa. Fosforito se convirtió, sin quererlo, en un símbolo cultural de la España de posguerra, una figura que contenía la dureza del campo y la templanza del estudio.

Y se echó al monte. Tras el concurso, se unió al espectáculo Festival de Cante Grande y recorrió España. Poco después, se instaló en Madrid, hizo televisión con Jesús Álvarez y debutó en el recién inaugurado Corral de la Morería, donde permaneció hasta 1958 antes de emprender una gira por Oriente Medio. Su voz, “dura, agrietada, tostada por los inviernos de aceitunas heladas”, como se decía entonces, tardó en ser comprendida por el gran público, pero acabó conquistándolo.

Ricardo Molina escribiría con ironía y devoción: “España está hoy fosforizada”. Y probablemente tenía razón. El triunfo de aquel cantaor no solo lanzaba a un artista imprescindible; también consolidaba los concursos trienales como un laboratorio de flamencología y un espacio de renovación estética. Un concurso que, curiosamente, está celebrando estos días su edición número 24, teñida de luto tras la muerte del primer ganador: un marmolista de Puente Genil con un quejío que era hambre y sangre a la vez.

La bailaora y coreógrafa Mercedes de Córdoba, ganadora del Premio de Baile en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de 2013, ha mostrado en el Gran Teatro su homenaje a las mujeres denominadas ‘Las sin sombrero’, las grandes artistas pertenecientes a la Generación del 27. Junto a su compañía, Mercedes de Córdoba ha creado un espacio íntimo partiendo de un encuentro imaginario con la esencia de aquellas mujeres.

El espectáculo, que se hizo con el Premio a Mejor Espectáculo Flamenco en la la undécima edición de los Premios Lorca, se ha podido ver en el marco de las actividades paralelas del Concurso Nacional de Arte Flamenco 2025.

El XXIV Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF) ha anunciado los doce finalistas que buscan convertirse en los próximos Premios Nacionales de Arte Flamenco de Córdoba. Tras intensas deliberaciones durante las sesiones de la Fase de Selección celebradas en el Teatro Góngora del 3 al 11 de noviembre, el jurado ha decidido que continúen en la Fase de Opción a Premio, que tendrá lugar del 17 al 19 de noviembre en sesión pública en el Gran Teatro de Córdoba, los siguientes artistas.

Los finalistas de la sección de baile son:

Los finalistas de la sección de cante son:

Los finalistas de la sección de guitarra son:

Por su parte, los finalistas del nuevo Premio para Instrumentistas Flamencos ya se hicieron públicos a finales de octubre, ya que, según queda recogido en las bases, estos concursantes no participan en la Fase de Selección.

Por tanto, los finalistas del Premio para Instrumentistas Flamencos son:

El jurado, conformado por profesionales con una amplia trayectoria en este arte, ha expresado —y así ha quedado recogido en acta— “su felicitación y agradecimiento a todos y cada uno de los participantes, por su dedicación, esfuerzo, valentía, compromiso, amor y respeto por el Arte Flamenco”.

Orden de actuaciones

El público que quiera disfrutar de la Fase de Opción a Premio puede adquirir las entradas en taquilla y en la web del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE).

El 17 de noviembre se subirán al escenario: Ricardo Fernández Ribas, El Tete (baile); Sara Jiménez Valverde, Sara Denez (cante); Ángel Flores Trujillo, Ángel Flores (guitarra); e Ildefonso Aroca Moreno, Alfonso Aroca (piano) (Instrumentista flamenco).

El 18 de noviembre, durante la segunda sesión, concursarán: Paula González Salazar, Paula Salazar (baile); Bernardo Miranda Luna, Bernardo Miranda (cante); Alfonso Moreno Linares, Alfonso Linares (guitarra); y Juan Fernando Pérez Feria, Juanfe Pérez (bajo eléctrico) (Instrumentista flamenco).

La tercera sesión se celebrará el 19 de noviembre con la participación de: Cristina Soler Valero, Cristina Soler (baile); José Plantón Heredia, José del Calli (cante); Álvaro Pérez Álvarez, Álvaro Martinete (guitarra); y Francisco de Asis Roca García, Francisco Roca (flauta travesera) (Instrumentista flamenco).

Según consta en las bases del Concurso, los finalistas de la sección de cante deben interpretar cuatro cantes a elegir de los incluidos en este documento. Asimismo, los finalistas de baile deben interpretar tres bailes. Por su parte, los guitarristas finalistas deben preparar dos toques de guitarra de concierto solista, un toque de acompañamiento al cante y un toque de acompañamiento al baile.

Los instrumentistas flamencos deben interpretar dos obras de libre elección, que tengan un reconocible carácter flamenco, ya sean de creación propia o arreglos propios sobre otras preexistentes.

Premios y Gala Final

Los finalistas que no resulten ganadores recibirán un diploma acreditativo y un premio de 3.000 € en las secciones de cante, baile y guitarra; y 2.000 € en el nuevo Premio para Instrumentistas Flamencos.

Tras participar en la Fase de Opción a Premio, se anunciarán los ganadores de la XXIV edición del CNAF, quienes actuarán en el Gran Teatro de Córdoba el 22 de noviembre. Las entradas para la Gala Final del Concurso Nacional están disponibles en taquilla y en la web del IMAE.

Asimismo, se realizará una retransmisión en streaming tanto de la Fase de Opción a Premio como de la Gala Final para hacer accesible el Concurso a todos los amantes del flamenco, que este año conmemora el 15 aniversario de su declaración como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

El Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF) ha cerrado este martes la fase de selección con la segunda terna de los candidatos al Premio de Baile en el Teatro Góngora. La sección de baile cuenta con 17 condendientes, que han actúado frente al jurado el 10 y 11 de noviembre. La de cante, con 37 candidatos, y guitarra, con 14, ya se celebraron la semana pasada. Por su parte, los tres finalistas en la categoría de instrumentación flamenca ya están decididos.

La Fase de Selección se ha terminado, por tanto, y ahora toca la deliberación del jurado, que emplazará a los finalistas a actuar la próxima semana en el Gran Teatro (lunes, martes y miércoles), con entradas a 10 euros cada uno de los días.

Sexta jornada de competición en el Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF), que esta semana celebra la fase de selección en la modalidad de baile. Esta sección cuenta con 17 candidatos, que actuarán frente al jurado este lunes, 10 de noviembre, y este martes, 11 de diciembre. Como ocurrió con el cante y el toque, cuya primera fase ya se celebró la semana pasada, este momento de la competición se celebra en en el Teatro Góngora, con acceso libre hasta completar aforo.