Night Room TV nació, como la mayoría de las ideas que se llevan a cabo en Córdoba, como un sueño con pocas posibilidades de concretarse. Sin embargo, aquel sueño que tuvo el productor y dj Manu Bermejo cumple once años y lo celebra este sábado 7 de noviembre en el Centro de Creación de Andalucía (C3A) con una fiesta que reúne al alemán Aera, referente del techno y el house melódico internacional, y al malagueño Miguel Payda.

Lo del sábado, más que una fiesta -que lo es-, será casi un nuevo homenaje a un proyecto cultural nacido en Córdoba como plataforma de música en directo grabada en espacios del patrimonio histórico de la ciudad, y que logró ir más allá del público local: sus streamings llegaron a registrar cientos de miles de visualizaciones, con público pendiente de lo que se hacía en la ciudad, desde Colombia, Alemania o Estados Unidos, tres países en los que, según Bermejo, hubo un sorprendente interés en aquella especie de Boiler Room cordobés, que se distinguía del resto en el decorado: en vez de clubs y público alrededor del dj, plantaban al artista en castillos y monumentos.

Su promotor y director repasa en esta conversación una década larga de producciones con un equipo de personas apasionadas capaces de suplir los presupuestos mínimos, un sonido e iluminación de alta calidad como premisa “innegociable” y un futuro que pasa por volver a los orígenes y, quizá, por un festival propio.

De plataforma de contenido a evento con público

Entre esas personas “apasionadas”, cita a Alberto del Sar, hoy director de Comunicación del proyecto, y figura clave en la expansión internacional de Night Room TV cuando apostó en sus primeros años por el streaming y por colaboraciones de crossposting con plataformas de otras ciudades. “Nuestro patrimonio, nuestra música, nuestros artistas, lo proyectábamos a nivel internacional”, recuerda Bermejo. Los picos de audiencia, añade, llegaron a cientos de miles de visualizaciones.

Alberto del Sar recuerda que fueron aquellas emisiones en directo gobales gracias a la herramienta de crossposting que tenía Facebook en su momento, lo que les permitió escalar el proyecto internacionalmente. “Cuando usuarios de todo el mundo veían nuestros vídeos, agencias y artistas de primer nivel querían salir en Night Room TV, y así fue como empezamos a contar con artistas tan importantes como Audiofly, Francesca Lombardo, Alexander Kowalski o Nastia, entre muchos otros”, detalla.

Así fue como surgió “la otra pata”: un evento con público en directo que también se grababa. Y por ello Bermejo prefiere no reducirlo todo a una plataforma: “Es un proyecto cultural que no está encasillado en ningún estilo”. Se considera, además, un proyecto pionero a nivel nacional que se impulsó desde Córdoba “con los pocos recursos que siempre hemos tenido”.

Esa humildad es una constante en su relato, aunque remarca que se ha logrado que las producciones siempre parecieran de un nivel altísimo. Así, recuerda las primeras ediciones, con unos 3.000 euros para montar un evento de esas características, y subraya que jamás hubo un gran presupuesto. La financiación ha sido mayoritariamente propia, con apoyo puntual de instituciones y de unas pocas marcas, y con la colaboración, en muchos casos altruista, de un equipo de artistas y profesionales. “Los comienzos fueron sobre todo de ilusión, de esfuerzo y dedicación”, resume.

Del puente romano a las Caballerizas Reales

Para Bermejo, el punto de inflexión llegó con las sesiones en la Torre de la Calahorra, que primero acogió a Audiofly y Francesca Lombardo y, en su última edición allí, a Alexander Kowalsky. Bermejo evoca una imagen concreta: la dj italiana pinchando con el puente romano al fondo, la mesa de mezclas y todo el entorno iluminado. “Días después de ver ese contenido, esos vídeos, esa repercusión que tuvo, sentimos que teníamos que conservar ese nivel de calidad”, explica.

En esta década de actividad, el número de artistas nacionales e internacionales que han pasado por Night Room TV es difícil de abarcar. Bermejo, de hecho, prefiere hablar más de hitos y sensaciones, que de artistas concretos. Y, en ese sentido, destacas la actuación de Cristian de Moret en el Castillo de Belmez por la dificultad técnica: había que captar la luz de la puesta de sol y, si algo fallaba, se perdía la ventana de oportunidad. “Quizá no fue el mejor vídeo, pero sí de las mejores actuaciones y sensaciones”.

Y también se queda con el show de Holed Coin en Caballerizas Reales: electrónica, violonchelo y saxo junto a caballos de pura raza española. “Creo que esa combinación es la combinación perfecta de lo que la marca quiere mostrar: cultura, arraigo a la tierra, a la ciudad y al arte”, resalta Bermejo, cuya memoria guarda más anécdotas que presupuesto: la subida de altavoces, microfonía y un piano a un castillo con la ayuda de personal contratado a través del Ayuntamiento, o la polémica que rodeó al primer programa, grabado en Las Ermitas, cuando hasta el propio obispo quiso denunciarles.

También recuerda negociaciones complicadas con artistas emergentes y con instituciones, como le ocurrió cuando trajo a las hoy famosísimas Mëstiza al Alcázar de los Reyes Cristianos, antes de su explosión internacional. Y es que Bermejo insiste una y otra vez en que, detrás de los videos, los eventos y los cientos de miles de reproducciones, hay “muchísimo trabajo, presión y, sobre todo, pasión” por lograr que salga adelante un proyecto que, a su juicio, “debería ser patrimonio de la ciudad” y recibir más apoyo.

La exigencia técnica es su seña de identidad: el equipo siempre se empeña en que Night Room TV sea una marca reconocible no solo por los artistas, sino por la calidad de iluminación y sonido. “La gente cuando va sabe que va a haber buen sonido y una producción impecable. Para mí eso es fundamental. Innegociable”.

Un cartel de techno y house más orgánico

Así que eso promete para la fiesta del undécimo aniversario de este sábado 7 de noviembre en el C3A. La encabeza Aera, dj y productor alemán, propietario del sello Applied Magic, cuya agenda de 2026 incluye Balance (Tisno, Croacia), Katerholzig (Berlín), Innervision (Aguascalientes, México), Volt Club (Milán) y Buru (Macedonia). Junto a él actúa Miguel Payda, uno de los talentos malagueños más demandados del país gracias a su proyecto Metrica, con paradas recientes en Birgits Weekender (Berlín), OFF Sonar (Barcelona) y Fuse Records (Lisboa). El cartel lo completan artistas locales habituales de las cabinas cordobesas: Manu Bermejo, bajo su alias Absen, Las Virus, Carmelo y Annaïs Begon.

Bermejo explica que el cartel lo deciden él y Alberto del Sar, sin atarse a un género, y que la conexión con Metrica y con Aera pesó en la elección: “Queríamos un sonido más orgánico, como una especie de techno underground”. Reconoce que hoy le cuesta definir los estilos, pero defiende el valor de “hacer comunidad” y de traer a la ciudad artistas que no habían pasado antes por ella, junto a la cantera local.

La cita llega tras un cambio de estrategia. Bermejo señala que, aunque Córdoba es “una ciudad muy de eventos gratuitos” ellos cobrarán entrada, tanto como gesto de apoyo a la promotora, como también para que el público entienda que este tipo de trabajo conlleva una enorme inversión de tiempo y dinero. Las entradas ya están a la venta en este enlace.

Además, el día antes de la fiesta, el viernes 6 de noviembre, Night Room TV organiza De la idea al escenario, una masterclass gratuita con Aera, Miguel Payda y Absen. Forma parte del ciclo Talento Capital, preparado junto a Juventud del Ayuntamiento de Córdoba, y busca explicar las “entrañas” de la escena electrónica.

La sesión incluye un concurso en directo: cada asistente se presenta y elige una canción que suena durante 60 segundos, y después votan todos los presentes. El ganador entrará en el cartel de la fiesta y recibe 200 euros. Para participar hay que inscribirse en el siguiente email: juventud@ayuncordoba.es

Volver a los inicios y soñar con un festival propio

Tras once años, Bermejo quiere cambiar el rumbo: mantener algún festival o evento pequeño, pero recuperar “ese proyecto más auténtico” de conciertos íntimos, grabaciones y entrevistas, una especie de programa de televisión que mezcle música y conversación. Porque el proyecto se ha diversificado en este tiempo. Una de sus líneas es Crear para crear, una serie documental con participantes como Palomo Spain o Macarena Gómez, junto a jóvenes talentos de la provincia del ámbito del emprendimiento, la joyería o el deporte. “Hemos querido darle visibilidad a ese talento de la ciudad”, explica, con la intención de seguir en esa línea.

Otro objetivo es un festival anual más independiente, en el que ya trabajan, porque a menudo se sienten “muy limitados” por las normas de los espacios institucionales. Ese horizonte convive con el cansancio de sostener un proyecto así. “Siempre decimos, un poco en coña, que no sabemos si volveremos a hacer uno más, porque es muy complicado”, admite.

Su mensaje final es de ilusión: un proyecto que, defiende, aporta valor a la ciudad y que seguirá adelante “con ganas y tiempo de poder seguir haciendo lo que nos gusta”. Al final, bromea con lo de que la idea que cada fiesta puede ser la última es casi un estímulo para ellos. “Luego no se cumple y hay otra y después otra. Es como cuando pedimos la penúltima cerveza”.

La cantante y compositora Zahara trae a Córdoba su faceta más festivalera, bailable y oscura. La artista, que lleva ya años compaginando su brillante capacidad compositiva con su gusto por el espectáculo bailable, presentará ZAHARAVE:lite el próximo 6 de noviembre en la Sala 2 de Impala, una versión de club del formato con el que ha girado por festivales llevando su apuesta por la electrónica.

En esta ocasión, el espectáculo cambia de escala para adaptarse a salas de pequeño y mediano aforo, pero mantiene intacta su energía: una fiesta en la que sus canciones serán remezcladas en directo por la propia artista y por su inseparable Martí Perarnau, amén de incorporar el talento local. En el caso de Córdoba, será la dj cordobesa Isa Ruiz la acompañará a la artista con un dj set que servirá de guinda del pastel a una noche ravera

ZAHARAVE:lite se concibe, en palabras de la propia Zahara, como una fiesta-concierto de más de tres horas de duración. El formato combina un directo con las canciones de Zahara y la energía de la rave “centrifugada”, con música que Martí pinchará en directo y que se irá mezclando con la de la cantante para mantener todo en continuo movimiento. Habrá también música inédita y “mucho baile, mucha cercanía, mucho sudor”.

La propia artista explica que ha montado esta fiesta para bailar con su público y “ser por fin dueña de mi propia pista de baile”, convirtiéndola en un espacio de encuentro, libertad y reivindicación.

“La nueva propuesta de Zahara no es solo un concierto, es la experiencia más visceral y cercana en la que poder disfrutar de una artista en constante búsqueda y experimentación”, explica sobre un evento, cuyas entradas ya están a la venta en la red y en puntos de venta habituales.

La promotora y plataforma de streaming Night Room TV celebra su undécimo aniversario con un cartel que une a una de las voces más reconocidas del house melódico internacional, el alemán Aera, con uno de los talentos malagueños más destacados de los últimos años, Miguel Payda.

La plataforma ha presentado en redes los artistas que protagonizarán la fiesta, que tendrá lugar el próximo 7 de noviembre en el Centro de Creación de Andalucía (C3A). El principal protagonista será Aera, dj y productor alemán, propietario del sello Applied Magic y artista de referencia del house más vanguardista. Con años de trayectoria en el circuito electrónico internacional, su agenda de 2026 incluye paradas como Balance en Tisno (Croacia), Studio Club (Málaga), Katerholzig (Berlín), Innervision en Aguascalientes (México), Volt Club (Milán) y Buru (Macedonia).

Junto a él actuará Miguel Payda, dj y productor destacado de la escena house española y uno de los mayores talentos surgidos en Málaga en los últimos años. Su trabajo al frente del proyecto Metrica lo ha consolidado como uno de los djs más demandados del país. Entre sus últimas actuaciones figuran Birgits Weekender (Berlín), Volt Club (Milán), Brunch Electronik Festival (Málaga), OFF Sonar (Barcelona) y Fuse Records (Lisboa).

El cartel se completa con Manu Bermejo, bajo su alias Absen, además de Las Virus, Carmelo y Annaïs Begon, todos ellos artistas locales habituales de las cabinas de la ciudad.

Las entradas ya están a la venta en este enlace.

Cervatana aterriza este sábado 24 de octubre en Córdoba con un universo sonoro que mira hacia el futuro, pero que tiene los pies bien asentados en el sur. El grupo actuará en la segunda edición del festival Ultraligero, que regresa a la Sala Impala con una programación dedicada a la experimentación electrónica y la escena independiente, y que reúne también a la compositora y productora Ylia y a la dj italiana Laurine.

Al frente de Cervatana está Miguelito García, también conocido como Dandy Piranha y cantante de Derby Motoreta's Burrito Kachimba. Junto a Fran el Punky y José Ugía, ha puesto en marcha un proyecto que combina krautrock, techno, ambient y big beat en un disco conceptual que narra la historia de un ser híbrido, mitad humano y mitad máquina, en un mundo devastado. Una distopía construida a través de capítulos que conectan la experimentación electrónica con una voz que bebe de las tradiciones musicales del sur peninsular.

Pero Cervatana no se queda en el retrato de un futuro desolador. La historia que propone el grupo desemboca en una reivindicación de los sentimientos, el contacto humano y el amor como respuesta a una sociedad cada vez más aislada detrás de las pantallas. De todo ello habla el cantante en una charla previa a la primera visita de Cervatana a Córdoba capital.

Tenemos que dejar de comunicarnos a través de pantallas y de odiar al de fuera

“El mensaje fundamental de Cervatana es que la humanidad tiene que volver a sentir, a humanizarse, a tocarse, a estar cerca y hablarse cara a cara, a mirarse por la calle y no a través de una pantalla”. Miguelito García resume así la idea que sostiene el proyecto, una propuesta que, paradójicamente, utiliza sintetizadores y ritmos electrónicos para reivindicar precisamente aquello que la tecnología parece poner en peligro.

En su disco, el protagonista es un ser híbrido entre humano y robot que habita un universo distópico. Pero el relato no se detiene en el pesimismo. Su desenlace apunta hacia una solución tan sencilla como difícil de poner en práctica: recuperar los vínculos con los demás. “Si hasta el híbrido humano con una inteligencia artificial insertada en su cerebro lo salva el amor, imagínate lo que nos hace falta a nosotros ahora mismo”, afirma el cantante, que apunta como asignatura pendiente (y urgente), recuperar lo comunitario: “El vecino es el que, si necesitamos algo, nos va a echar una mano. Tenemos que dejar de comunicarnos a través de pantallas y de odiar al de fuera. Lo que tenemos que hacer es volver a volcarnos en nuestras emociones, que es lo que nos hace humanos de verdad”.

Ese mensaje se desarrolla a través de un disco conceptual, una estructura narrativa que contrasta con el consumo rápido de canciones. Cervatana propone escuchar las composiciones como partes de una historia, con un personaje y un universo propios. El marco conceptual bebe, entre otras referencias, de la saga literaria Dune, en la que García asegura haberse inspirado “muchísimo” para construir el imaginario de un trabajo que, todo apunta, acabará coronando varias listas de los mejores Lps del año.

Eso sí, el reto era trasladar ese mundo al escenario. Para ello, el grupo ha diseñado un directo en el que conviven instrumentos propios del rock con sintetizadores y una batería orgánica. “Queríamos que hubiera un buen batería pegando palos y que se viera ese espectáculo de una base rítmica potente”, explica el cantante, que destaca el papel de Santi Marín, bajando a tierra una propuesta en la que la electrónica no funciona, por tanto, como un simple revestimiento sonoro, sino como parte de un conjunto que necesita la energía física de la interpretación.

“Hoy en día, la electrónica es un género absolutamente inabarcable, igual que el flamenco, y se puede entender de mil maneras”, apunta al respecto el cantante, antes de recordar que otra parte crucial del show es la incorporación de Elena Gog, bailarina de danza contemporánea, que, en sus palabras, “expresa con el cuerpo lo que nosotros decimos con la música y con las canciones”.

Cervatana ofrece, por tanto, una mezcla de rave, performance y rock and roll, con una sucesión de momentos que aspiran a reflejar los distintos estados de ánimo de la vida. “Va a haber polvo, va a haber momentos íntimos de sonido bonito, va a haber momentos de agresividad, va a haber momentos eróticos... Va a haber un poco de todo. La vida misma”, resume el cantante, que pone la voz, con su característica forma de entonar, no necesariamente flamenca, aunque desde luego sí, totalmente sureña.

En ello abunda un poco: “Hay una armonía natural a la que nosotros estamos acostumbrados a escuchar. Esa armonía está en las canciones de Los Delinqüentes, en Mediterráneo, de Serrat, y en lo que nosotros respiramos en las canciones populares de Extremadura y Andalucía”, afirma.

Esa conexión entre ambos territorios forma parte de su identidad musical. “Para mí, Extremadura y Andalucía son lo mismo desde que tengo uso de razón”, dice García, que entiende la voz como un instrumento que debe adaptarse a las necesidades de cada composición: “A la hora de cantar, tanto con Derby Motoreta's como cuando hago una colaboración con otro artista o, en este caso, con Cervatana, pongo mi voz, mi conocimiento y mis sentimientos al servicio de la canción”.

Los sentimientos, de nuevo, al frente de la nave. Ese es el mantra de Cervatana.

Vuelve Ultraligero. La segunda edición del festival aterriza en Córdoba el próximo sábado 24 de octubre. La Sala Impala acogerá una nueva cita de este evento impulsado por la promotora andaluza Oh, Salvaje, con un cartel comisariado por Juani Cash y que reúne a los directos del grupo Cervatana y la compositora Ylia, y una sesión exclusiva de la artista italiana Laurine, miembro del colectivo Slow life.

Bajo el lema “Novelería colectiva contra la homogeneización y el ruido”, Ultraligero propone otra manera de acercarse a la música actual. Un espacio para la curiosidad, los descubrimientos inesperados y esas propuestas que no siempre encuentran su sitio en los circuitos más convencionales. El proyecto nace también como respuesta a un contexto en el que las grandes estructuras culturales tienden a uniformar las programaciones y a reducir el espacio de las escenas independientes. Frente a esa tendencia, Ultraligero reivindica la personalidad de cada territorio y el trabajo de quienes sostienen su actividad cultural: salas, promotoras, artistas, colectivos y profesionales que llevan años construyendo escenas propias.

Con vocación itinerante -la primera edición tuvo lugar en 2025 en La Axerquía, y ahora aterriza en Impala-, Ultraligero se construye a partir de distintos comisariados, invitando a personas vinculadas a la música y a la cultura de cada ciudad a participar en la selección artística. Una manera de conectar generaciones, recuperar historias musicales y descubrir qué está sucediendo ahora y qué puede venir después.

En este contexto, Sala Impala representa el impulso de una nueva etapa para la música en directo en Córdoba, sumándose a los espacios que están fortaleciendo y ampliando el circuito de salas de la ciudad. Una apuesta por la programación independiente y la diversidad musical que conecta directamente con la filosofía de Ultraligero. Las entradas están disponibles online en el siguiente enlace: https://ohsalvaje.janto.es/evento/ultraligero--cordoba/ultraligero-cor

La programación de esta edición lleva la firma de Juani Cash, periodista, DJ, productor y promotor cultural con una extensa trayectoria vinculada a la música independiente. Actualmente coordina el área de Cultura de Cordópolis y colabora con elDiario.es. Coleccionista de discos y agitador cultural, desde 2015 dirige Jukebox Jam!, además de haber desarrollado su actividad como DJ residente y programador en espacios como The Cave (Madrid), Sonora Beach (Estepona) y Gran Baba (Cádiz).

Su conocimiento de las escenas musicales, dentro y fuera de Córdoba, conecta directamente con la filosofía de Ultraligero: confiar la programación a quienes conocen, viven y contribuyen a construir la cultura musical desde dentro. Para esta cita, Juani Cash reúne tres propuestas que transitan entre la electrónica, la experimentación y la cultura de club.

Tres propuestas para estimular la curiosidad

Cervatana han venido para iluminar a la humanidad. Un dardo cósmico que cruza krautrock, techno, ambient y big beat desde algún lugar entre Extremadura y Andalucía. Electrónica, experimentación y ciencia ficción para construir un universo propio donde sonido, imagen y escena forman parte de la misma historia.

Ylia llega desde Barcelona para presentar por primera vez en Córdoba su directo, una propuesta que abre una puerta entre la electrónica experimental, los pulsos de club y las texturas en constante transformación. Pianista, compositora, productora y dj (esta última faceta desde los años de Mundo Evassion en Andalucía), la trayectoria de Ylia ha dado un salto cualitativo por su implicación en el mundo del cine, donde ha puesto banda sonora a películas como Segundo Premio o el documental Jaleos.

Sobre el escenario, construye paisajes hipnóticos que llevan el sonido de la introspección al cuerpo, y en el que se cruza el folclore, la composición neoclásica y la rave futurista, una mezcolanza que la ha hecho fija, año tras año, en el Festival Sonar.

Desde Italia, vía Berlín, aterriza en Córdoba la dj y productora Laurine, vinculada al proyecto Slow Life, una comunidad de djs, músicos y selectores que ha conquistado el mundo pinchando en vinilo joya de house, electro y breaks. Laurine es una de las selectoras más influyentes de la escena underground europea e internacional, y una creadora capaz de contar historias nuevas a partir de discos viejos.

Córdoba estrenará el próximo viernes 16 de octubre un nuevo festival dedicado a la música electrónica. NXT Festival, que suma dos ediciones en Sevilla, celebrará su primera edición en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) con un cartel encabezado por el dj y productor alemán Steve Bug, una de las figuras de referencia de la escena house y techno europea de las últimas tres décadas.

La presencia de Steve Bug sitúa el festival en la órbita de la electrónica de club vinculada al house y el techno de raíz underground. El artista alemán comenzó su trayectoria en los años noventa, coincidiendo con el auge del techno y el acid house en su país, aunque pronto se alejó de las tendencias más duras de la época para desarrollar un sonido híbrido en el que conviven el deep house, el acid y las formas más minimalistas del techno y la música electrónica.

Desde 1994, Bug ha desarrollado una carrera como dj, productor y responsable de Poker Flat Recordings, sello que fundó y que se ha convertido en una referencia para distintas generaciones de productores de house y techno. A través de esta plataforma ha ejercido también como descubridor y valedor de nuevos artistas y sonidos dentro de la escena electrónica. En los últimos años, Bug ha ampliado esta labor con Sublease Music, un subsello de Poker Flat centrado en producciones de deep house y electrónica orientada al club.

NXT Festival plantea con esta primera edición una jornada centrada en la música electrónica contemporánea en un espacio dedicado habitualmente a la creación y las artes visuales. El cartel, encabezado por Steve Bug, se completará con las sesiones de Juani Cash, Paula Kasbaeh, Isa Ruiz y un showcase del colectivo Sabotaje (Rojas Dj y Seko La Cuba).

La parte musical del festival se celebrará el viernes 16 de octubre desde las 17.00 en el C3A, y el acceso será gratuito. Al día siguiente, NXT Festival ofertará talleres de creación digital y audiovisual en el mismo emplazamiento, y también de carácter gratuito.

Cuando el exalcalde de Córdoba y exlíder de IU Julio Anguita dejó la primera línea política a principios de siglo, pasó a vivir en un anonimato que solo rompía cuando publicaba alguno de sus libros, y que se desquebrajó completamente cuando una generación joven, la del 15M, vio en él el molde moral con el que debían ser esculpidos todos los nuevos políticos de este país. Ese último Anguita, el que deambulaba de manera anónima por la ciudad de Córdoba, no llevaba una vida muy distinta a la de Vini Reilly, líder de Durutti Column, un músico que durante gran parte de su trayectoria ha vivido de espaldas al gran público, siendo idolatrado por una ferviente minoría, antes de que, en los últimos años, una nueva generación joven lo haya redescubierto gracias a artistas como Blood Orange o Harry Styles.

Lo curioso es que estos dos personajes, tan distintos y a la vez tan mitificados, llegaron a darse la mano. Anguita le sacaba doce años a Reilly cuando se conocieron, en Manchester, en junio de 1985. Vistas desde el presente, las fotografías de aquel encuentro tienen algo de insólito. Anguita, con su porte andalusí y su presencia recia, parece por momentos una suerte de hermano mayor del músico, cabizbajo, enjuto y ensimismado. Y ahí está, además, el gesto que vuelve la escena todavía más extraña y fascinante: Anguita le entrega una guitarra española a Reilly, que, aunque la recibe con una expresión casi de desconcierto, como si tampoco él terminara de entender del todo a qué viene aquel regalo, es capaz de esbozar una sonrisa que parece sincera.

Aquella guitarra era una pieza única. Había sido construida y reconstruida por un artesano cordobés. Y acabó en manos de uno de los músicos más singulares de Manchester gracias a algo tan protocolario como un hermanamiento entre dos ciudades de dos países distintos.

Aquel instrumento, sin embargo, ha marcado la trayectoria de Durutti Column desde mediados de los años 80 hasta la actualidad. El reciente lanzamiento de Renascent, el primer disco de Vini Reilly en 15 años, recupera acordes y fraseos hechos con una guitarra flamenca, algo que Reilly ha venido incorporando a su universo sonoro y visual prácticamente desde que aquel alcalde comunista español puso en sus manos aquel trozo de madera hecho por el artesano Juan Montero.

El factor Tony Wilson

Al final de la película 24 Hour Party People (Michael Winterbottom), Tony Wilson recibe la visita de Dios, que le recuerda que Vini Reilly merece desde hace tiempo un homenaje y le sugiere que quizá debería plantearse publicar un Greatest Hits de The Durutti Column. “Es buena música para relajarse”, le dice Dios todopoderoso en una bella licencia ficticia que, por otra parte, funciona como un reconocimiento simbólico a uno de los miembros más antiguos y menos reconocidos de la familia Factory (The Durutti Column fue el primer grupo que Wilson contrató para actuar en la primera noche del club Factory, celebrada en 1978, y Reilly se convirtió además en el primer artista en firmar un contrato con Factory Records, con la que lanzó New Order, Joy Division o Happy Mondays).

Algo similar debieron pensar en Córdoba unos 20 años antes de Winterbottom tres cabezas pensantes: la del periodista Julián Estrada, y la de los músicos Álvaro Tarik y Cisco Casado (entonces parte del grupo Yacentes). Ellos fueron los que, aprovechando la Semana de Córdoba en Manchester, que se iba a celebrar entre el 22 y el 30 de junio de 1985, tuvieron la idea de llevar una guitarra española para regalársela a algún grupo de aquella ciudad. Y ellos fueron quienes acabaron eligiendo a The Durutti Column por encima de todos los grupos de la Factory Records de Tony Wilson que ya entonces estaban casi más interesados en los cables de los sintetizadores que en las cuerdas de las guitarras.

Álvaro Tarik recuerda a Cordópolis que el nombre de Vini Reilly apareció casi de inmediato y que solo The Smiths podían hacerle sombra como banda guitarrera mancuniana de ese momento. Reilly, que de hecho tocó y grabó con el grupo de Morrisey, era el guitarrista de The Durutti Column, y su música transitaba por un territorio propio, entre el pop, la experimentación, la electrónica y una delicada concepción de la guitarra. Para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que seguía con atención lo que ocurría en Manchester, era el candidato natural.

Su grupo, además, había tomado el nombre de un famoso guerrillero anarquista, y el alcalde de Córdoba pasaba por ser el primer alcalde comunista de una capital española desde la muerte de Franco. Todo rimaba, así que solo hacía falta la guitarra. Y resultó que el instrumento, por su lado, también tenía su propia y fascinante historia.

La guitarra rota en una reyerta

Todo esto aparece en el documental Una guitarra para Durutti (2008), dirigido y producido por Evaristo Vinuesa y Juan Carlos Merino, y también lo recuerda desde el presente Julián Estrada: la guitarra la había construido Juan Montero Aguilera, un artesano cordobés ya fallecido, y había pertenecido a un guitarrista flamenco, que la había usado en sus recitales hasta que resultó dañada durante una trifulca en un tablao. El guitarrista entonces pidió al luthier que la reparase y el artesano optó por darle una nueva, y acabó quedándose con ella, restaurándola con cuidado.

Esa fue la guitarra que el 20 de junio de 1985 salió de Córdoba rumbo al Reino Unido, primero en un autocar desde la capital hacia el Aeropuerto de Málaga, después en la bodega de un avión de Iberia que aterrizó en Londres, y finalmente en otro autobús de dos plantas que llevó a la comitiva cordobesa desde la metrópolis británica hasta la ciudad de Manchester. Una vez allí, Julián Estrada charlará con Bruce Mitchell, batería de la banda, en los días previos a la entrega, que tendrá lugar en el Ayuntamiento de Manchester, el día 22. Mitchell, según recogen las publicaciones municipales de la época, ya advierte de que Reilly es una persona particular y, de hecho, deja caer que es posible que ni siquiera acuda al acto.

Pero acude. Con su novia. Puntuales los dos (los tres, contando a Mitchell). El que tarda es Anguita, que no encuentra taxi. Así que, mientras llega el alcalde, aprovechan para contarle a Reilly la historia de la guitarra, y le pasan el manuscrito del luthier, que se despide: “Ahora que me desprendo de esta guitarra, quisiera hacer llegar a la persona que va a disfrutarla que la trate con mucho cariño y la conserve para siempre como una joya artesanal cordobesa”. Estrada recuerda que el músico recibió toda la información con cara de sorpresa, como si no entendiera por qué lo merecía. “Why me?”, apenas acertó a articular, antes de acomodarse el instrumento y comenzar a tocarlo.

Anguita, en la línea que siempre caracterizó su etapa política, aprovechó el momento para cargar un buen discurso: cita a Buenaventura Durruti y apunta que, con el mapa de Andalucía en la mano, allí donde en la República había anarquismo de la CNT, en 1985 hay comunismo fuerte. A Reilly probablemente esto le importa un pimiento, mira el suelo mientras el político habla y, cuando termina, asiente y le da la mano.

Parte de su universo

Aquella noche, comenzará a trastear la guitarra. Y no tardará en incorporarla a su trabajo. Dos años después publica The Guitar And Other Machines, y en 1989 usa la española tanto para abrir su LP Vini Reilly, como para una colaboración con el grupo Swing Out Sister. Ya por entonces había confesado su amor por la sonoridad única de este tipo de acústica: “Mi guitarra preferida española, tocada acústicamente en una habitación pequeña. Pero he visto que, cuando está en escena, no puedes utilizar este tipo de guitarra por las dificultades de amplificación (…) Yo procuro producir un sonido claro, nítido que se parece mucho a una guitarra acústica”, contaba Reilly en una entrevista con la delegación española, recogida en la prensa de la época.

En el año 1991, además, se dio el milagro de que Reilly pudiera tocar en Córdoba. The Durutti Column actuó en el teatro de La Axerquía en octubre de aquel año, en un concierto que quienes estuvieron allí todavía recuerdan con especial intensidad. Álvaro Tarik lo describe como un acontecimiento para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que llevaba años siguiendo a Reilly: escuchar en directo a uno de aquellos músicos que parecían pertenecer a un mundo lejano tenía algo de excepcional.

Pasaron unos días en la ciudad y se movieron por los bares y tabernas. Hace unos años, en una entrevista en The Guardian, Reilly se reía cuando le llamaban virtuoso: “Pásate por cualquier bar de Córdoba, en España, y los tipos que encuentres tocando me harán parecer un estúpido”, dijo al periodista un músico, esquivo y propenso al mito, que pese a los altibajos, ha mantenido a pulso una carrera hecha disco a disco, a partir de devaneos entre el ambient, el rock instrumental, la música clásica y el toque flamenco.

Una subasta

Nadie sonaba como él y, sin embargo, ser único no lo hizo ser lo que se dice un músico exitoso. Más bien lo contrario. Es probable que Reilly no estuviera de acuerdo con romper el pacto con el luthier que le fabricó y restauró su guitarra española. Pero a punto estuvo de hacerlo. En 2011, una página vinculada a Phil Kooky Cleaver (que, a principios de los 2000 comenzó a reeditar parte del catálogo de Reilly) publicó un anuncio con un título inequívoco: Vini Reilly's Juan Montero guitar for sale. La guitarra que Anguita le regaló a Reilly salía a la venta.

El contexto hacía comprensible aquella decisión. Reilly había atravesado graves problemas de salud y una situación económica complicada. La guitarra aparecía así vinculada a una posible operación destinada a conseguir fondos para ayudarlo a levantarse. La pregunta, entonces, es: ¿se vendió realmente aquella guitarra? Este periódico ha contactado con Phil Kooky Cleaver para interesarse por el resultado de aquella subasta y tratar de despejar la incógnita, pero no ha obtenido respuesta.

Todo apunta, sin embargo, a que la guitarra no llegó a venderse. Hay dos datos especialmente significativos: el primero, que ese mismo año se reeditó Vini Reilly con dos nuevos temas (bocetos, eso sí) que llevan por título Juan Montero. El segundo, la aparición de nuevos acordes de guitarra española en Renascent, su nuevo disco, publicado hace unas semanas. Este hecho, conociendo bien al personaje y la historia de aquella guitarra, alimenta la hipótesis de que Reilly no incumplió su promesa.

Porque hay otro elemento importante en la historia de este nuevo disco, el primero de The Durutti Column en 15 años. El material de Renascent no responde a un proceso de composición y grabación desarrollado ahora. Buena parte de estas piezas procede de un periodo amplio, que se remonta a la década pasada y llega hasta la actualidad. Reilly ha ido trabajando y registrando este material después de una etapa especialmente dura de su vida.

El músico ha sufrido dos ictus y ha atravesado además una severa depresión. Su regreso a la grabación ha sido posible en buena medida gracias al apoyo de sus amigos y colaboradores Bruce Mitchell y Keir Stewart. De ahí que la publicación de un nuevo trabajo tenga un significado que va más allá de la propia discografía de The Durutti Column: significa que Reilly ha vuelto a hacer música y que aquella manera tan personal de entender la guitarra sigue viva.

Y que, ahora, al igual que hace 40 años, Reilly sigue buscándose a sí mismo en el sonido evocador de una guitarra española que le regaló un alcalde comunista y que había sido restaurada para él, tras ser destrozada en una pelea en una taberna cordobesa. La historia es tan bonita, que hasta Tony Wilson la querría para su revival de ese genio de la música contemporánea que es Vini Reilly.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) de Córdoba será una de las sedes de NXT Festival 2026, una nueva iniciativa dedicada a la creación audiovisual, el videoarte y las nuevas prácticas artísticas vinculadas a la tecnología. El festival, que también tendrá presencia en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla, celebrará su primera edición en Córdoba durante el próximo mes de octubre.

En este marco, NXT ha abierto una convocatoria dirigida a artistas emergentes de entre 18 y 35 años para seleccionar proyectos de creación contemporánea relacionados con el videoarte. La convocatoria está abierta tanto a participantes nacionales como internacionales y pretende impulsar nuevos lenguajes creativos y generar espacios de exhibición y diálogo entre arte contemporáneo, tecnología y cultura digital.

La organización busca propuestas que exploren formatos como la animación experimental, el live cinema, los visuales generativos, las obras audiovisuales realizadas con inteligencia artificial, los documentales experimentales o, en general, las prácticas audiovisuales contemporáneas.

La convocatoria plantea como eje conceptual “Arte, tecnología y nuevos futuros culturales” y prestará especial atención a trabajos relacionados con la cultura de internet, los cuerpos y la tecnología, las ecologías contemporáneas, la memoria y el archivo, la sostenibilidad, los algoritmos y la vigilancia, las periferias culturales, las nuevas comunidades digitales y la relación entre los espacios físicos y virtuales.

NXT seleccionará dos obras ganadoras que pasarán a formar parte de la programación expositiva oficial del festival y que podrán verse tanto en Sevilla como en Córdoba, en el CAAC y el C3A, respectivamente. Cada una recibirá además una dotación económica de 500 euros destinada a cubrir gastos relacionados con el transporte, seguro, instalación y exposición.

Las obras seleccionadas contarán asimismo con difusión dentro de la comunicación oficial del festival y serán incluidas en el catálogo y los materiales curatoriales de NXT. La organización contempla también la posibilidad de proporcionar apoyo técnico y acompañamiento curatorial para adaptar las propuestas a los espacios expositivos.

El certamen no limitará necesariamente la presencia en el festival a las dos obras premiadas. Según establecen las bases, todas las propuestas presentadas podrán ser exhibidas durante las fechas de NXT en Sevilla y Córdoba, independientemente de que hayan resultado ganadoras, siempre que la organización considere viable su incorporación a la programación.

La convocatoria está abierta a artistas visuales, creadores audiovisuales, colectivos, estudiantes, investigadores, diseñadores y perfiles multidisciplinares emergentes. Entre los criterios de valoración figuran la calidad artística y conceptual, la innovación y experimentación formal, la coherencia con la línea curatorial del festival, la viabilidad técnica y expositiva, la capacidad de diálogo con el contexto contemporáneo y la originalidad.

El comité de selección contará con representación del CAAC, el Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales, Rocknrolla Producciones y la Fundación WOCA, además de otros perfiles curatoriales, académicos o profesionales que puedan incorporarse al jurado.

Las propuestas podrán enviarse hasta el 20 de septiembre a la dirección comunicacion@rocknrollaproducciones.com, con el asunto “Open Call NXT Festival 2026”. Los participantes deberán aportar una biografía breve, portfolio artístico, memoria conceptual, necesidades técnicas e imágenes, renders o enlaces para visualizar la obra.

La resolución de la convocatoria está prevista para el 25 de septiembre, mientras que la exhibición pública de los proyectos tendrá lugar en octubre. NXT Festival 2026 está organizado por Rocknrolla Producciones y Eventos Culturales y Fundación WOCA, con la colaboración del CAAC, el C3A, el Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales y la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía.

La Sala M100 de Córdoba acogerá el próximo 5 de septiembre una de las citas más iconoclastas de la temporada para los amantes de la música urbana y la cultura underground. The Hot Crew celebrará su 40 aniversario con un cartel encabezado por Space Surimi y Dr. Fli, al que se sumarán Ussuru Sound y Battle Front Sound.

La organización ha preparado una velada que reunirá distintas propuestas musicales con el objetivo de conmemorar cuatro décadas de trayectoria de los miembros del colectivo, apostando por una combinación de rap, electrónica, mashups y sonidos de club.

El dúo Space Surimi, formado por el MC Eddie Coopermen y el productor Carlboro, llegará a Córdoba con una propuesta caracterizada por la mezcla de referencias a la cultura de internet, los videojuegos y el consumismo digital con un sonido que bebe del rap, el electro, el techno, el G-funk, la música disco y el Miami Bass. Con más de diez años de trayectoria, el grupo, nacido en Jerez de la Frontera, ha pasado por festivales como Warm Up, Cabo de Plata, Primavera Trompetera o el Monkey Week, además de actuar en salas emblemáticas como Razzmatazz, Café Berlín, Sala X, Siroco o La Copera.

Junto a ellos actuará Dr. Fli, un artista afincado en Granada que ha convertido sus sesiones en un espectáculo en directo alejado del formato tradicional de dj. En lugar de limitarse a mezclar discos, construye ritmos y mashups en tiempo real, combinando géneros y artistas muy diversos para ofrecer actuaciones en constante evolución. Entre sus mezclas es habitual encontrar fusiones tan sorprendentes como Camarón con Notorious B.I.G., Los Chichos con 2Pac o Tego Calderón, acompañadas de guitarras, samplers, bombos y palmas.

El cartel se completa con las actuaciones de Ussuru Sound y Battle Front Sound, que pondrán el broche a una noche diseñada para celebrar la trayectoria de The Hot Crew y reunir a distintas generaciones de seguidores de la música urbana. El evento se celebrará en la Sala M100 entre las 20.00 y las 03.00 horas. Las entradas anticipadas tienen un precio de 15 euros más gastos de gestión, mientras que en taquilla costarán 20 euros.

Son tres cordobeses, aunque su música es un puente entre Hispanoamérica, Bristol y Andalucía. Se hacen llamar Sonido Andalusón, y acaban de publicar su primer LP, titulado La santa cuadrilla.

Lo han hecho tras ir desvelando algunos singles por el camino que ya daban una idea de los derroteros por los que discurre el proyecto: una mezcla de música cofrade, dub, cumbia y breakbeat. Un mix con una identidad muy curiosa y que se suma a otros proyectos que, desde hace ya casi una década, se han atrevido a agrandar las fronteras del folclore andaluz.

Detrás del proyecto están tres cordobeses: Roberto Lavoe, Varillas y Dubo, todos ellos con proyectos paralelos, y que han cuadrado en el estudio su interés común por deconstruir el folclore hispano sobre la base de la música electrónica a raíz anglojamaicana.

Que eso incluya marchas de Semana Santa (como hizo Delaygurrud a principios de los 2000, y más recientemente Califato 3/4), le da un toque mucho más bizarro a la propuesta, que también incluye ritmos y melodías orientales y árabes (la presencia de flautas y laúdes es la base en temas como Abderramán III).

La santa cuadrilla llegó a la plataforma Bandcamp a finales de junio, a tiempo para la temporada estival. Lo hizo después de que el proyecto haya actuado en ciudades como Sevilla, Granada y Córdoba.

Hay imágenes que pertenecen tanto a una ciudad que cuesta imaginar que puedan aparecer fuera de ella. El Cristo de los Faroles de Córdoba, envuelto cada noche en el resplandor íntimo de la plaza de Capuchinos, es una de ellas. Está profundamente ligada al imaginario popular de los cordobeses, conscientes igualmente de su atractivo estético para los extranjeros que visitan la ciudad.

Lo que resultaba difícil imaginar es que esa imagen pudiera colarse en el artwork de uno de los discos más esperados del 2026 a nivel internacional. La sorpresa saltaba hace unas semanas entre aficionados a la música electrónica de la propia Córdoba: la imagen central del CD y el vinilo de Inferno, el nuevo álbum de Boards of Canada, guarda un parecido prácticamente exacto con el célebre Cristo cordobés.

La teoría comenzó a circular en redes sociales a partir de las publicaciones del productor y realizador audiovisual Juan López López, quien firma música bajo el nombre de Juan. Según explica el artista a este periódico, fue una amiga —también seguidora del dúo escocés y compradora del disco— quien le avisó de la coincidencia tras chequear las imágenes de la edición física del álbum. A López López le bastó una primera mirada para sospechar que aquello no era casual.

Así que consultó con otros seguidores del grupo y decidió desplazarse hasta la plaza de Capuchinos para comprobarlo por sí mismo. Allí, con una cámara, reprodujo el mismo encuadre de la imagen del disco y aplicó efectos visuales de degradado similares. El resultado era contundente: el parecido roza la copia exacta. Los dos faroles centrales, el cartel de INRI, el sudario, los remates en pico de la cruz que levantó el escultor cordobés Juan Navarro León, e incluso el característico acabado superior de los faroles —esa especie de sombrerete en forma de seta tan reconocible— coinciden de forma mimética con la imagen utilizada en el libreto de Inferno.

La cuestión, sin embargo, difícilmente tendrá confirmación oficial. Porque si algo ha definido a Boards of Canada desde los años noventa es precisamente el misterio. Mike Sandison y Marcus Eoin han construido una de las carreras más influyentes y herméticas de la música contemporánea: no tienen un email al que escribirles, conceden muy pocas entrevistas, actúan en directo de forma excepcional (este año lo hacen) y convierten cada lanzamiento en una especie de juego de pistas para sus seguidores.

No sería extraño, por tanto, que la referencia al Cristo de los Faroles quedara deliberadamente sin explicación, alimentando una mitología que el grupo lleva décadas cultivando desde Warp Records, el sello británico que convirtió al dúo en referencia absoluta del ambient experimental y la electrónica de culto a mediados de los 90.

Un regreso envuelto en señales y cintas VHS

Inferno supone el regreso discográfico de Boards of Canada trece años después de Tomorrow’s Harvest, publicado en 2013. El nuevo álbum, desvelado finalmente este pasado viernes 29 de mayo y publicado como siempre por la legendaria casa Warp Records. Incluye 18 cortes y llega precedido de una campaña promocional tan opaca como minuciosamente diseñada que arrancó en marzo, cuando varios seguidores recibieron cintas VHS con fragmentos documentales y ruido estático. Aquellas misteriosas grabaciones activaron las primeras especulaciones sobre el regreso del dúo. Después aparecieron carteles en distintas ciudades y, finalmente, la publicación de Tape 05, la primera música nueva del grupo en más de una década.

Evidentemente, nada en Boards of Canada suele ser obvio y directo. Todo aparece filtrado por capas de nostalgia, símbolos ambiguos y referencias escondidas. Una vez escuchado el disco, aunque sin haber podido recibir el libreto de 20 páginas para comprobar nuevas referencias, el único rastro de que la elección de una imagen tan concreta como la del Cristo de los Faroles responda a una lógica estética y emocional afín al universo del grupo está vinculado con el mismo título: Inferno. ¿Para qué sino colocar una imagen católica justo en la parte más visible del CD y vinilo?

No obstante, con una cierta distancia respecto al presente, la imagen nocturna y melancólica del Cristo de los Faroles encaja de forma sorprendente con el imaginario visual de un grupo que, desde mediados de los noventa, se han convertido en una de las formaciones más influyentes de la electrónica contemporánea. Su sonido, construido a partir de sintetizadores analógicos, cintas deterioradas y muestras de viejos documentales educativos, ha sido descrito a menudo como una máquina de evocación de recuerdos.

A veces de recuerdos futuros. Porque los hermanos Sandison son dueños de un lenguaje sonoro propio: melodías cálidas pero inquietantes, texturas envejecidas y paisajes que parecen extraídos de una cinta doméstica olvidada en un cajón. Su música suele relacionarse con la llamada hauntología, una corriente estética obsesionada con los fantasmas culturales del pasado y las memorias borrosas de la infancia.

Del cante y la copla al rock contemporáneo

La presencia del Cristo de los Faroles en la cultura popular no es nueva. Su estampa ha inspirado durante décadas canciones de Semana Santa, coplas, pasodobles, saetas y letras flamencas. Lo llamativo es cómo, en los últimos años, también ha comenzado a aparecer en coordenadas musicales mucho más alternativas.

Por ejemplo, el músico McEnroe (Ricardo Lezón) publicó en 2016 una canción titulada Cristo de los Faroles en su disco conjunto con The New Raemon. Y, más recientemente, la banda cordobesa Viva Belgrado incluyó otro tema con el mismo nombre en su último disco Cancionero de los cielos, reforzando la conexión entre el monumento y una sensibilidad contemporánea marcada por la melancolía y la carga simbólica. De hecho, el cantante de la propia banda llegó incluso a citarse en la plaza de Capuchinos para una entrevista con este periódico hace algunos años.

Ahora, si las sospechas de los seguidores se confirman (algo más que dudoso), el Cristo de los Faroles habría dado un salto inesperado: de icono local y emocional a pieza secreta dentro del universo visual de uno de los grupos más influyentes y enigmáticos de la electrónica mundial. Quizá nunca haya explicación oficial. Pero precisamente ahí reside parte del encanto. En Boards of Canada, como en las viejas cintas deterioradas o en ciertas fotografías nocturnas, el misterio siempre forma parte de la obra.

Nita, la cantante y compositora cordobesa Cristina Manjón, tiene nueva música. Un nuevo single que rompe el silencio discográfico que siguió a la separación de Fuel Fandango (que se confirmó en junio de 2024) y en el que también han pesado cuestiones personales.

La espera de estos dos años ha conducido a Milagro 18:08, un nuevo single distribuido por Warner Music, en el que la cantante se vuelve a poner en manos del productor andaluz Bronquio, con el que sorprendió hace cinco años con el lanzamiento de La retama.

El nuevo single, que llega acompañado de un potente videoclip, recupera a la Nita más bailable (la base juguetea con los ritmos rotos, el techno y la bass music británica), manteniendo, eso sí, las señas poéticas que convirtieron a esta cantante cordobesa en una de las voces clave de la fusión de electrónica y folclore en España.

Milagro 18:08 es el primer adelanto de Magma, su primer LP en solitario, un trabajo que Nita ha definido como “el más personal de mi carrera”, así como “un disco de música electrónica que nace de mis raíces andaluzas y de todo lo que llevo dentro”.

Nacida en el seno de una familia de músicos y bailarinas en Córdoba -su abuelo Manuel Manjón Campos fue clarinetista y saxofonista-, Nita se subió siendo niña a los escenarios y desde entonces no se ha bajado. Tras ser corista de proyectos como Chambao, Nita se unió a Ale Acosta para formar Fuel Fandango, un grupo clave en la fusión de música electrónica y folclore, y en el que ejerció como cantante, letrista y coproductora.

Aquel proyecto grabó cinco discos, para los que reclutaron a voces como Estrella Morente, Vicente Amigo, Mala Rodríguez, Iván Ferreiro, Macaco o Amadou & Mariam. Una vez amortizado el viaje, Nita comenzó a preparar el que va a ser su primer disco, Magma, que verá la luz a lo largo de 2026.

El productor francés Michel Amato, figura clave de la electrónica europea y conocido artísticamente como The Hacker, firma una nueva remezcla del legado del productor y cantante cordobés Gabi Delgado, pionero de la música electrónica y cofundador del influyente proyecto DAF.

El remix supone un cruce simbólico entre dos generaciones unidas por el electroclash: Delgado, cuya obra sentó las bases del género cuatro décadas atrás, y Amato, considerado uno de sus principales arquitectos a finales de los años noventa y principios de los 2000.

Nacido en Grenoble, Amato construyó una carrera difícil de encasillar, alimentada por influencias que van desde Kraftwerk hasta Depeche Mode o New Order. Su sonido evolucionó entre techno, EBM, electro y new wave, aunque alcanzó notoriedad global como uno de los padres del electroclash, especialmente gracias a su colaboración con Miss Kittin. Juntos firmaron himnos como Champagne y Frank Sinatra, publicados por el sello de DJ Hell, convirtiéndose en un dúo icónico de la electrónica contemporánea.

El remix de Delgado llega como primera remezcla oficial de Neue Weltumfassende Resistance, un álbum póstumo que recoge grabaciones realizadas en Córdoba hace más de una década. El disco, editado en vinilo el año pasado por el sello neoyorquino Play Loud! Productions, documenta el proyecto homónimo que Delgado desarrolló junto al artista francés Marc Hurtado, miembro del influyente dúo experimental Étant Donnés.

La figura de Delgado (1958-2020) sigue siendo central para entender la evolución de la electrónica. Su capacidad para fusionar minimalismo, actitud punk y ritmos industriales influyó directamente en artistas como Ellen Allien, el propio DJ Hell o Miss Kittin, y fue determinante en la gestación del electroclash, un género que, dos años después de su pico de popularidad, vuelve a estar de moda en la escena clubbing.

De hecho, este lanzamiento no es el único homenaje reciente desde Francia a Delgado, ya que, a comienzos de año, el productor Terence Fixmer —admirador confeso de DAF— publicó dos remezclas del tema ‘El Que’, reinterpretando el material original con un enfoque contemporáneo. Ahora, la reinterpretación de The Hacker confirma la vigencia de una estética que sigue influyendo en nuevas generaciones de la electrónica global.

Un digger, en el argot de los discófilos, es una persona que busca discos raros que incorporar a su colección. En un buen número de casos, estos diggers son, a su vez, disc jockeys y buscan, por tanto, sorprender al público precisamente haciéndoles bailar temas o canciones sobre las que tienen poca o nula información.

Y algunos de estos diggers han encontrado su hábitat natural en Europa, en ciudades como Berlín -donde la música electrónica es Patrimonio Inmaterial de la Humanidad- o Londres, donde las fiestas se cuentan por decenas cada fin de semana. Sorprender en un ecosistema tan competitivo no es tarea fácil, quizá por ello, desde hace un tiempo, en toda Europa se vive un genuino interés por repescar música dance hecha en España en los años 90.

En este marco, el dj colombiano-estadounidense Tomás Station y el pinchadiscos turco O Bee, ambos residentes en Estados Unidos pero habituales de clubs como Fabric (Londres) o Berghain (Berlín), aprovecharon una fiesta para poner un disco divertido con el que animar la sesión. Era un set al aire libre, muy festivo, así que el público se volvió loco en cuanto empezó a sonar.

Aquel disco era La danza de los 40 limones, un tema que precisamente este año cumple su 30 aniversario y que se convirtió en un enorme éxito en España (y, en menor medida en Europa e Hispanoamérica) a mediados de los 90. Fue algo tan grande para su autor, el cantautor cordobés Juan Antonio Canta, que acabó entrando en depresión incapaz de asumir el éxito. Al final, optó por suicidarse.

¿Track ID?

Antes de rebobinar el disco hasta llegar a su autor, sigamos en el presente. Station coloca el disco en el tocadiscos Technics, le pone la aguja encima con la suerte de que hay alguien con un móvil grabando la escena. La gente se vuelve loca bailando e Instagram hace su magia: La danza de los 40 limones se convierte en un disco que cazar. Desde la publicación del vídeo, hace casi un año, hasta la actualidad, un maxi que costaba menos de un euro pasa a costar 20, 30 o hasta 90 euros la copia en Discogs, el portal de compraventa de vinilos más importante del mundo y que permite trazar las ventas de un disco concreto.

Hace unos días, un perfil especializado en música de baile volvía a subir el vídeo de aquel momento y, de nuevo, genera miles de likes y decenas de usuarios preguntando por el título de esa canción que, sobre una base de eurohouse noventero -con un bajo directamente robado del clásico Rapper’s Delight- cuenta sin parar “un limón y medio limón, dos limones, medio limón…”. Otro usuarios, en su mayoría españoles, algunos de ellos cordobeses, les redirigen a la fuente original.

Juan Antonio Canta

Juan Antonio Canta es, sin lugar a dudas, una de las personalidades más relevantes de la música andaluza y una figura tremendamente avanzada a su tiempo. Antes de triunfar en solitario como cantautor de corte dadaísta a caballo entre Javier Krahe y La cabra mecánica, ya había gozado de un sorprendente éxito en Hispanoamérica con su grupo Pabellón Psiquiátrico.

Él estaba detrás de temas como G de Gilipollas (un tema que se reía de Hombres G), En el cielo no hay alcohol o Guarra foca, en los que la irreverencia del letrista casaba a la perfección con el post punk de finales de los 80. Fue un grupo que duró muy poco, pero que dejó una impronta muy duradera (de hecho, hace poco se grabó un documental en su honor).

Pero fracasó. Y, con el fracaso del grupo, Juan Antonio se enfrasca en nuevas aventuras extramusicales, aunque no tarda demasiado en reaparecer, esta vez en solitario, bajo un un nuevo alias, nacido tras un concierto en el Limbo: Juan Antonio Canta. Y Juan Antonio canta de nuevo en los bares. Y en uno de esos bares, pero en Madrid, entra una noche el periodista cordobés Pepe Navarro, y se fija en aquel tipo de aire triste de inteligencia superior a la media.

Su paso por el programa de mayor éxito de la televisión noventera -Esta noche cruzamos el Mississipi- lo convierte, de la noche a la mañana, en alguien conocido. Una especie de precursor de los frikis que, años después, lanzaria Crónicas marcianas, solo que ridiculizado precisamente por su enorme bagaje cultural. El programa también lanza al estrellato una de las canciones más engañosas de su repertorio: El rap de los 40 limones, un caramelo envenenado, una canción infantiloide poblada de referencias al cine de Peter Greenaway, a Tales de Mileto, a la Peña El Limón de Córdoba, y a la adicción a la heroína. Referencias que nadie que veía el Mississipi era capaz de pillar, centrados en la simplicidad de un estribillo chicloso que era carne de jingle promocional.

Un único disco único

Juan Antonio sale del plató con un contrato para publicar un disco en Virgin, y accede. El disco es una rareza única. Pero, mientras tanto, el single de los 40 limones se convierte en un éxito. Y se le pide, como se hacía entonces, que grabe una versión dance. De nuevo accede y aquella canción suena en toda verbena y discoteca de España en el verano de 1996, cruzando el atlántico hasta países como México, Argentina, Perú y Colombia, y publicándose incluso en países europeos como Países Bajos, donde Virgin licenció el tema para lanzarlo en formato single.

El éxito comienza a abrumar al autor de la canción, que hace todo lo que puede por superarlo. En el documental Patuchas. El hombre de los mil limones, lo deja claro: “Un día salí en la tele y me vino una avalancha encima. Me veo y me doy pena, porque soy más que el hombre de los mil limones”. La tristeza comienza a ganar peso. El éxito comienza a ser un fracaso en el momento en que se reduce a una única canción que aplasta todo el potencial que lleva años trabajando. La televisión lo arrastra a un abismo del que no sabe cómo salir. En la serie Veneno, centrada en otra malograda figura que pasó por el Mississipi, Los Javis lo convierten en un personaje clave, interpretado por el cineasta Nacho Vigalondo, que pronuncia una frase devastadora: “Ten cuidado con la tele”.

El toque Locomía

Un patrón de cuatro notas del preset de piano del sintetizador Korg M1 que se repite en bucle. Así arranca la canción que hoy se baila en afters y clubs de Europa y que es, precisamente, la versión dance, la que se acabó colando también en el LP Las increíbles aventuras de Juan Antonio Canta. Era una versión distinta a la más rockabilera que hacía al principio y cuyo estribillo presentó en la televisión.

Es un tema que, aunque respeta lo básico de la original de Juan Antonio Canta, coloca la letra sobre un sonido italohouse muy bien conseguido y que estaba muy de moda a mediados de los 90 (un sonido que también se ha rescatado en la última década desde el norte de Europa).

Detrás de la producción electrónica de aquel hit estaba Cheni Navarro, que fue uno de los miembros de Locomía (otro grupo que acabó devorado por el inesperado éxito del eurohouse en toda Europa), y que tenía experiencia convirtiendo canciones pop en éxitos de baile (estuvo detrás, un año antes, de las versiones dance del exitazo mundial Experiencia religiosa, de Enrique Iglesias).

Lo más curioso del caso es que Navarro optara por plagiar o recrear el bajo del Rapper’s delight de Sugarhill Gang para su versión bailable del Rap de los 40 limones. Y es curioso porque seis años después, otro éxito mundial hecho desde Córdoba hizo algo parecido: se llamaba Aserejé y, en vez de recrear el bajo de Sugarhill Gang, españolizaron parte de la letra.

Juan Antonio Canta habría filosofado ampliamente sobre esta coincidencia. Pero no pudo. El 22 de diciembre de 1996, días después de escribir una carta a la cantante Martirio, descubrió que se le habían quebrado las ganas.

Tenía 30 años cuando entró en el trastero de sus padres, del que nunca salió con vida.

Una noche en Bruselas

Chequead a esta chica

Jeff Mills

Fue algo fortuito y no planeado. Un gesto mínimo y accidental. Jeff Mills, una de las figuras más importantes de la historia del techno se acerca a la dj que le precede en la cabina del FUSE, en Bruselas, y le pide un favor: que le deje sus auriculares para pinchar cuando tenga que sucederla al frente del club. Ella accede, sin dudarlo, y sin darle más importancia, a pesar de quién es la persona que le está pidiendo el favor.

Mills se retira, pero, a causa de algo -una intuición, un pálpito-, en vez de marcharse al camerino, se queda un rato a escuchar a esa chica de pelo y ojos negros que está construyendo una escultura de sonido a partir de tensión continua y temas que, aunque inequívocamente contemporáneos, se acoplan uno sobre otro de una manera casi artesanal. Old school. Ni Jeff Mills ni aquella chica lo saben, pero se volverán a cruzar más adelante en otras cabinas y compartirán algo más que los auriculares.

El barrio como punto de partida

Aquella chica era y es BLANKA (Córdoba, 1996). Es la misma que el pasado 14 de marzo pinchó cuatro horas en Berghain -la discoteca cuyo nombre ha inspirado uno de los temas más celebrados del último disco de Rosalía y que pasa por ser la catedral del techno a nivel mundial-. Unos días después de ese pequeño gran hito (no era la primera vez, pero Berghain siempre es especial para cualquier dj), atiende a Cordópolis. Lo hace desde Berlín, donde lleva unos años afincada tras pasar, en orden inverso, por Barcelona, Ibiza y Milán.

Pero antes de todo eso, la chica, que atiende por videollamada y se excusa porque anda resfriada, era sencillamente una niña del barrio de Cañero, una zona obrera residencial ubicada en la parte este de la capital cordobesa. Cuando habla de su origen, no hay épica ni voluntad de mitificación. “Mi familia es muy humilde, muy normal, muy humana”, dice la dj, productora y gestora del sello Room Trax, que arranca la entrevista hablando precisamente de su ciudad natal, en la que, paradójicamente, nunca ha pinchado.

Su infancia —cuenta— fue “bonita y corriente”, marcada por la cercanía familiar y por una libertad poco ruidosa, pero decisiva. Nadie le dijo qué estudiar, qué hacer, hacia dónde dirigirse. Esa ausencia de mandato, en lugar de convertirse en vacío, funcionó como espacio de posibilidad. “Creo que en mi personalidad sí que influye mucho cómo me han criado, la verdad. Pero Córdoba ha sido importante más a nivel cultural; no diría que tanto en lo que a la música electrónica se refiere”, reflexiona, pensando en aquella joven de barrio que, con 18 años, sin tener todavía contacto alguno con la música electrónica, se marchó a Milán.

Lo hizo sin hablar el idioma y con la intención de abrirse camino como modelo. Es, en cierto modo, un movimiento clásico —la salida, la ciudad extranjera, la precariedad inicial—, pero en su caso adquiere una dimensión formativa que va más allá de lo profesional. “Fue una experiencia muy fuerte a nivel personal. A mí me encanta la moda, me sigue encantando”, recuerda. Más que un destino, Milán fue una prueba: aprender a sostenerse, a decidir sola, a medir el riesgo.

De la pasarela a la pista de baile

La música todavía no ocupa el centro, pero empieza a filtrarse. En Milán y, sobre todo, en Ibiza —donde pasa temporadas de verano— descubre la electrónica desde el lugar más primario: la pista de baile. Allí es donde está el drop personal de BLANKA: “A mí me encanta salir a bailar y a escuchar música. En aquel momento, lo mío fue amor a primera vista con el house. Y es una música que me sigue encantando, porque yo no escucho solo techno, sería todo muy aburrido si te limitas a un único estilo”, apunta, antes de citar las que fueron sus primeras influencias: Ricardo Villalobos o Jamie Jones, djs y músicos más cercanos al un estilo híbrido entre el techno y el house, y que dominaron la escena ibicenca y berlinesa entre 2010 y la pandemia.

Más o menos por aquella época conoce a Alexis (conocido artísticamente con Angioma), con quien ha mantenido una relación personal y profesional que todavía sigue viva con el sello Room Trax, que ambos capitanean. Es con Angioma con quien se muda a Barcelona, una ciudad que también introduce un cambio de escala, puesto que es justo allí donde, en los años previos a la pandemia, aprende a pinchar, estudia producción, se familiariza con las herramientas y, sobre todo, empieza a entender la música no solo como consumo, sino como construcción de una personalidad propia.

Y todo ello, partiendo de una negación que hoy es difícil de sostener: “Yo nunca dije que quería ser dj, simplemente pasó”. Y eso pasó en Barcelona. “Allí se me abrieron un montón de puertas. Lo que pasa es que yo creo que, en España, a veces tienes que salir fuera para que te respeten”, cuenta la dj y productora, que, además de en su propio sello, ha publicado en otros del prestigio del histórico Soma Records, de Slam. Así que se muda de nuevo. Esta vez a dónde suele ir quién ambiciona hacer carrera en la música electrónica.

Berlín: año cero

El traslado a Berlín supone un nuevo desplazamiento, esta vez hacia el núcleo duro de la electrónica europea. Allí, donde el techno funciona casi como un idioma oficial, BLANKA encuentra un contexto más exigente y, al mismo tiempo, más permeable a trayectorias no convencionales. Aunque BLANKA insiste en que su camino hacia el lugar que ocupa ahora mismo depende de muchos factores que van más allá de la ecuación de talento + trabajo: “En esta industria, depende de la suerte que tengas, de a quién conozcas, de cómo te muevas. O sea, yo creo que he tenido mucha suerte al venir a Berlín y conocer a la gente que he conocido. Y en cómo me he movido, en cómo es mi personalidad. Yo creo que eso ha hecho mucho. He sabido decir que no y eso, al final, me ha reforzado”.

La traducción de esa suerte puede impresionar a quien conozca un poco el circuito: en apenas unos años ha pasado de pinchar en Barcelona por 150 euros y a hacerlo en instituciones globales como Berghain y Tresor en Berlín, Fabrik en Madrid, Elysia Basel, Radion, Bret y Lofi en Ámsterdam, KHIDI Tbilisi, Fuse Bruselas, FOLD London y el Garbicz Festival, entre muchos otros, además de grabar un Boiler Room, publicado en febrero de este año, y con el que sorprendió a propios y extraños apostando por un sonido algo diferente al que venía mostrando, aunque marcado por su principal seña de identidad: la capacidad de generar una tensión constante que atraviesa todos sus sets.

A veces, todo va tan rápido que no tienes tiempo ni para procesarlo

Esa idea de adaptación recorre todo su discurso. Para BLANKA, el dj no es un ejecutor de dogmas sonoros, sino un lector de situaciones. “No puedes pinchar lo mismo en Berghain que en un festival. Quien no se adapta, no sé, no me parece un buen dj”, afirma.

PREGUNTA. ¿Prefieres pinchar en el club o en el festival?

RESPUESTA. Me encantan las dos cosas. Me encanta un festival porque puede ser algo más alegre, divertido, más playful, como menos serio y algo como más atrevido, diría. Y me encanta porque puedes pinchar temas que jamás pincharía en un club. Porque el club puede ser algo súper íntimo, más deep, más suave, más propenso a poder contar una historia, que es algo que a mí me encanta. Y sí creo que, cuando hago eso, es cuando más me siento yo misma. Me encantan las dos cosas, la verdad. Creo que es precioso conectar con el público de forma íntima, pero también es súper divertido pinchar delante de 10.000 personas.

P. ¿Se te pasaba por la cabeza algo así cuando empezabas?

R. Nunca lo hubiese pensado. Ni pinchar en un festival así, ni pinchar en Berghain. Vamos, que me lo llegas a decir, cuando yo venía aquí de turista y parece de broma. Pero es que, a veces, es una escena en la que va tan rápido todo que no tienes tiempo ni para procesarlo. Cuando pasa una semana, veo alguna historia o video y todavía me sorprendo. No sé, es una cosa muy rara. Es un fin de semana, otro, otro y otro. Y obviamente hay mucha competencia también.

P. ¿Cómo has vivido esa explosión en tan poco tiempo?

R. Es una... O sea, siento que esta es una escena cañera. Tienes que estar ahí. O lo tomas o lo dejas. Tienes que adaptarte a cómo va este mundo o esta escena y te puedo asegurar que va rápido, y que siento que, si te quedas estancado, te quedas atrás. Así que, si de verdad quieres formar parte de ello, tienes que adaptarte a como va. Todo avanza, todo cambia en la vida, en la música, en la escena... O te adaptas o te quejas.

De Room Trax a Liquid Room: un puente intergeneracional

Tú le preguntas a gente joven quién es Jeff Mills y muchos no lo conocen

La vida de BLANKA se mueve, por tanto, a 145 beats por minuto, que es más o menos el rango de velocidad a la que pincha. Techno rápido, duro y profundo, y una forma de mezclar muy ortodoxa, casi noventera, aunque su instrumento sean los reproductores digitales y no los Technics y los vinilos. Eso es lo que le gustó a Jeff Mills cuando la vio aquella noche en el Fuse de Bruselas. Aunque la dj cordobesa no se enteró de la importancia de aquel encuentro hasta tiempo después.

Fue por esa red informal en la que se mueve la escena. Fue la propia agente de Mills quien, tiempo después, le trasladó el comentario que le había dicho el productor de Detroit aquella noche en Bruselas. “Me dijo: que sepas que esa vez, cuando tú pinchaste por primera vez con Jeff, me comentó: 'Chequea esta chica, me ha encantado todo lo que hace. Va a llegar lejos'”. Para BLANKA, ese momento no fue una consagración inmediata; casi lo acogió con extrañeza. Fue la constatación de que alguien situado en otro plano —un artista casi mítico dentro del techno— había reparado en su trabajo.

“Es verdad que no me lo podía creer”, cuenta la dj y productora sobre el que luego se ha convertido en una especie de padrino para ella, colocándola en un lugar muy interesante: un puente entre generaciones. Lo explica de la siguiente manera: “Yo tengo la suerte de que me respete gente mayor, como puede ser Jeff, y también la gente joven. Y digo suerte porque siento que hay dos escenas que me apoyan. Pero, por ejemplo, tú le preguntas a la gente joven quién es Jeff Mills y muchos no lo conocen. Porque hay mucha gente que solo conoce el hard techno o los djs grandes. Pero vaya, que con Jeff, a veces no entiendo este hombre cómo me quiere tanto”.

Tanto como para que una figura tan esquiva, reservada y exigente la haya escogido precisamente a ella para acompañarle en varias fechas de la gira de celebración del 30 aniversario de su legendario set en el club Liquid Room de Tokyo en 1995. Era un regalo envenenado y, de hecho, inicialmente BLANKA rehusó la propuesta para, finalmente, aceptar involucrarse en ella como un tremendo reto personal y profesional. “Ha sido de lo más estresante, pero también de lo que más orgullosa, me ha hecho sentir”, especifica la artista, que reconoce que, en estos años, ha tenido que empezar a convivir con una enorme presión en un entorno que ha cambiado radicalmente -y no precisamente a mejor- desde la pandemia.

Redes sociales, hipersexualización y juicios constantes

BLANKA se queja de que hoy es más sencillo triunfar a partir de un vídeo en Tik Tok que teniendo un discurso trabajadísimo. Y que eso, además, tiene un reverso oscuro: la exposición en redes sociales y la necesidad de estár constantemente generando contenido. “Siento que se ha perdido un poco el interés en indagar. Ahora todo el mundo se llama a sí mismo dj, cuando esto no es una etiqueta, sino un trabajo en el que tienes que ganar desde la experiencia. Yo desde luego todavía sigo aprendiendo musicalmente, pinchando, haciendo música. Y desde luego, siento que me lo he currado para llegar a donde he llegado”, indica.

El reconocimiento que ha logrado, de hecho, no disuelve las tensiones. Al contrario, las hace más visibles. La velocidad a la que se mueve la escena electrónica contemporánea —marcada por la hiperexposición, los viajes constantes y la presión de las redes sociales— deja poco espacio para la pausa. BLANKA, que desde hace tiempo ha abrazado la sobriedad, cuenta que, en más de una ocasión, se ve obligada a borrar Instagram del móvil para poder desconectar. Pero que nunca dura demasiado, pues tiene que estar allí por temas laborales, aunque eso implique estar expuesta a juicios constantes sobre su valía.

La artista reconoce que existe una paradoja: hoy, artistas como Peggy Gou, Nina Kraviz, Helena Hauff o Avalon Emerson han logrado llegar hasta la zona más brillante de los carteles de clubs y festivales -algo que, hasta hace una década no era nada común- y, al mismo tiempo, el hate contra ellas se ha intensificado al máximo: “A las mujeres se nos juzga por todo en esta industria. Tú ves mis redes sociales y me juzgan constantemente. Y me han juzgado porque soy mona, porque visto bien... Te juzgan por todo: cómo vistes, cómo bailas, cómo tocas el vinilo, me han dicho que los temas me los hace mi novio... Me han llegado a criticar porque tenía abdominales, que ahí llegué a responderle: ¿Eso se lo dirías a un hombre?”.

¿Tienes que ser fea y vestir mal para que te respeten?

Con esos casos que ha vivido, expone la realidad que hay detrás de una etapa muy bonita, en la que muchas mujeres han llegado a lo más alto en un mundo tradicionalmente masculinizado como ha sido el de la música electrónica, pero en el que, a su juicio, la igualdad plena ni se ha alcanzado ni está cerca. Y pone como ejemplo a Nina Kraviz: “A Nina la han sexualizado y tiene muchos haters. Y es una artista increíble, con un conocimiento enorme de música, su propio sello, pincha lo que le da la gana... Y aun así la juzgan porque es guapa y sexy. ¿Qué pasa, que no puedes hacerlo todo? ¿Tienes que ser fea y vestir mal para que te respeten? ¿Por qué?”.

La pregunta se queda flotando y al final es ella la que la responde: “Al final tienes que demostrar más siendo mujer. A un hombre se le permite mucho más”.

La sesión de Google Meet lanza el aviso de que se agota el tiempo. Queda lo justo para preguntarle cómo se siente en este punto exacto de su carrera. Lo medita y responde: “Ahora, con casi 30 años, confío más en mí. Cuantos más años, más poderosa te sientes. Y es por las experiencias. No es lo mismo tener 20 años que 29. Ahora llego y digo: ”Esto soy yo“. Miro a la gente. Es la vida, las experiencias personales y musicales. Y siento que, poco a poco, estoy llegando a donde estoy. Y estoy muy agradecida. Me están pasando cosas muy bonitas, estoy conociendo gente muy bonita. Estoy muy contenta con mi carrera, pero sueño lejos. Quiero llegar lejos. Todavía no he llegado a todo lo que quiero hacer”.

Un encuentro imaginario entre los compositores que revolucionaron la música europea a comienzos del siglo XX y las nuevas corrientes del jazz y la electrónica es el tronco creativo de MCM, el nuevo álbum de DJToner, el instrumentista Dani Molina y el trompetista Raynald Colom, que proponen un viaje musical inspirado en los creadores del impresionismo y el modernismo musical, figuras clave en la transición de la música clásica hacia el jazz y muchas de las corrientes contemporáneas.

Durante más de dos años de investigación y experimentación sonora, los músicos han explorado la herencia estética de aquel momento histórico en el que compositores como Claude Debussy, Erik Satie o Manuel de Falla abrieron nuevas vías para la armonía y el ritmo. El resultado es una reinterpretación contemporánea que mezcla jazz, hip hop y electrónica con una sensibilidad cercana al Lo-Fi.

El proyecto reúne a tres artistas con trayectorias distintas pero complementarias. DJToner y Dani Molina han desarrollado la idea conceptual del álbum, mientras que el trompetista Raynald Colom —figura destacada del jazz europeo— aporta una dimensión melódica elegante y expresiva al conjunto.

La obra está estructurada como una serie de capítulos musicales que reinterpretan el legado de compositores que marcaron el cambio de siglo, entre ellos Isaac Albéniz, Enrique Granados, Gabriel Fauré o Nadia Boulanger. Cada pieza dialoga con ese patrimonio sonoro desde un lenguaje contemporáneo que combina producción electrónica, improvisación y texturas atmosféricas.

Un piano histórico para un proyecto contemporáneo

Uno de los elementos más singulares del disco es el instrumento con el que fue grabado: el piano que perteneció al compositor Manuel de Falla. El instrumento ha sido cedido, junto con el archivo del músico, por la Fundación Manuel de Falla, añadiendo un vínculo simbólico entre la tradición histórica y la reinterpretación contemporánea que propone el álbum.

El primer adelanto del disco, titulado Sfogava, se lanzó el 27 de febrero en plataformas digitales, mientras que el segundo, Casa Roja, se publicó el pasado viernes 13 de marzo.

La presentación en directo tendrá lugar el 9 de abril en el Aula Magna del edificio V Centenario de la Universidad de Granada, en un espectáculo concebido como una experiencia audiovisual en formato trío. Ese mismo día se pondrá a la venta una edición especial en vinilo exclusiva para los asistentes al concierto, adelantándose a su lanzamiento oficial previsto para el 18 de abril coincidiendo con el Record Store Day.

Califato ¾ y Lole Montoya celebrarán el Día de Andalucía en Córdoba con un concierto especial el próximo 28 de febrero, en una cita musical que reunirá tradición, vanguardia e identidad andaluza. El evento, organizado por la promotora granadina Andalucía Salvaje, se celebrará en la Sala Impala, y dará comienzo a las 21:00 horas.

Detrás de él está la promotora granadina Andalucía Salvaje, que desembarca en Córdoba con una apuesta por la música andaluza contemporánea, reuniendo a artistas que reinterpretan las raíces desde lenguajes actuales y personales. El concierto propone un recorrido por sonidos que van del flamenco a la electrónica, del folclore a la experimentación, aunque con el objetivo de poner valor la cultura andaluza desde una mirada innovadora.

El cartel está encabezado por Califato 3×4, uno de los proyectos clave en el auge del andalucismo cultural de la última década. El colectivo andaluz se ha convertido en referente del llamado “folclore futurista”, una fusión audaz de flamenco y electrónica, que reinterpreta el legado popular desde una estética contemporánea. Con una fuerte carga simbólica y un discurso ligado a la identidad andaluza, la banda destaca por sus directos enérgicos y su capacidad para conectar tradición y modernidad.

Junto a ellos estará Lole Montoya, figura imprescindible de la historia del flamenco. Sevillana y voz mítica del dúo Lole y Manuel -verdaderos impulsores del llamado Nuevo Flamenco en los años 70-, Montoya ha sido una figura clave abriendo el flamenco a nuevas sensibilidades y públicos. En su trayectoria, ha sido reconocida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Completa el cartel Delasroas, proyecto emergente que combina raíces flamencas con una estética sonora y visual contemporánea, destacando por el protagonismo del coro y una puesta en escena envolvente, y Juani Cash, dj y productor del grupo Electronic Flamenco Esquejes (EFE), que combina la música electrónica de club y la instrumentación y la estética flamenca.

“Hay que gozar para olvidar el tiempo, hay que bailar para olvidar el tiempo”. Con esa consigna hedonista cantaban Gabi Delgado y Saba Komossa en El Que (Latin Mix), una canción pionera en su género publicada por DAF en 1989, aunque firmada por la pareja en un momento en el que el cordobés retomó el proyecto Deutsche Americhanische Freundschaft (DAF), aunque sin su compañero y miembro fundador Robert Görl.

Un tema elástico, repetitivo y simple, extraído del sintetizador Korg DS10, sobre el que Delgado y Komossa (principalmente ella) cantaban letras en español sin el más mínimo sentido, y que se convirtió en uno de los primeros ejercicios de acid house producidos en un Berlín aún dividido por el muro y marcado por el pulso de la Guerra Fría. Ahora, el tema wha regresado a la pista de baile de la mano del productor francés Terence Fixmer, admirador confeso de DAF desde hace décadas, y que publica este viernes dos nuevas remezclas de El Que, que combinan respeto por el original y una visión creativa contemporánea.

“Llevo años pinchando El Que en muchos de mis sets. Es una canción que amé profundamente desde la primera escucha”, afirma Fixmer en el texto de lanzamiento, en el que se muestra “muy orgulloso de haber remezclado a DAF”. “Son una de mis bandas de culto y una influencia clave en mi sonido y mi universo electrónico. Quería que la gente pensara: ‘Conozco este tema… pero espera, ¿qué versión es esta? ¡La quiero!’”, explica el productor francés.

Así, en El Que (Terence Fixmer Leather Remix), Fixmer se mantiene cerca del pulso crudo y musculoso del tema original, inyectándole una sensibilidad club actual. La versión conserva la rítmica inconfundible de DAF y suma un empuje moderno que parece una prolongación natural de su ADN. “Era como imaginar qué haría si hoy fuera miembro de DAF”, explica Fixmer al respecto.

La segunda lectura, El Que (Terence Fixmer Drive Remix), se adentra más en su propio territorio: un enfoque más oscuro, hipnótico y orientado al peak time. Con un trabajo preciso de tensión y liberación, la remezcla lleva el espíritu del original hacia un paisaje sonoro más duro y de suspense, pensado para las horas más intensas del club sin perder el alma del tema.

Los dos cortes se han planchado en un vinilo del que se han publicado solo 500 copias, y que sale oficialmente este viernes 9 de enero. También están disponibles en streaming en el perfil del sello alemán Mannequin en la plataforma Bandcamp.

El disco llega, además, en un momento de reinvindicación de la figura de este músico cordobés, fallecido en 2020, y que, a finales del año pasado, vio como el sello neoyorquino Play Loud! Productions recuperaba unas grabaciones inéditas que desarrolló en la capital cordobesa junto al músico y artista francés Marc Hurtado, integrante del influyente dúo experimental Étant Donnés.

La Fiancée Solitaire, el proyecto de la cordobesa María Guerra, despide el año con el lanzamiento de Espuma y ruido, una nueva canción publicada este 31 de diciembre que funciona como carta de presentación de su próximo EP, Orquídea Motor, previsto para 2026.

El tema supone un nuevo paso en la evolución artística del proyecto musical de esta cordobesa afincada en Madrid, que, además, abre una interesante vía de colaboración con un compositor y productor clásico de la música cordobesa. Se trata de Summer Spree, el último alias del compositor Álvaro Tarik, quien construye una base sonora envolvente a partir de sintetizadores y pads etéreos.

Sobre esta atmósfera flotante se despliega la voz profunda y llena de carácter de María Guerra, acompañada por una poesía melancólica y delicadamente decadente que refuerza la identidad del proyecto.

La Fiancée Solitaire se mueve con naturalidad entre el pop luminoso y un indie de tintes más oscuros, incorporando influencias del post punk, el synth y el noise. En su propuesta, las letras ocupan un lugar central, cargadas de imágenes poéticas y una sensibilidad introspectiva que se ha convertido en una de sus señas de identidad.

El músico franco-cordobés D’Donnier vuelve a la actualidad musical con Be Fine, un nuevo single en el que profundiza en una vertiente más rítmica y tribal de su característico folk electrónico. La canción confirma la evolución sonora del artista, capaz de mantener la elegancia y el cuidado sonoro, a partir de un estilo más moderno.

Según explica el artista, el tema se adentra en esos momentos vitales en los que todo parece desmoronarse: la saturación emocional, el ruido exterior y la sensación de caer en la oscuridad. Be Fine plantea, sin embargo, una salida luminosa, recordando que la calma y la distancia adecuada pueden disipar la desazón y permitir volver a respirar y salir a flote.

Musicalmente, la canción combina guitarras eléctricas sucias y baterías saturadas que remiten al primer Beck, integradas con sutiles guiños al highlife africano. Este cruce de referencias refuerza el carácter orgánico y a la vez contemporáneo del tema, creando un paisaje sonoro tan envolvente como dinámico.

Como es habitual en las producciones de D’Donnier, la voz principal se ve arropada por las sugerentes melodías vocales de Lovely Alex en los coros, aportando profundidad emocional y un contrapunto delicado que equilibra la intensidad rítmica de la canción.

Be Fine se presenta, en definitiva, como una pieza luminosa, rítmica y alegre, pensada para aportar calidez a los meses de invierno e invitar al movimiento suave. Este nuevo single es otra muestra del electro folk refinado que D’Donnier está desplegando como anticipo de su próximo disco, una producción independiente con potencial para encontrar su lugar en las listas musicales de los próximos meses.