Cuando el exalcalde de Córdoba y exlíder de IU Julio Anguita dejó la primera línea política a principios de siglo, pasó a vivir en un anonimato que solo rompía cuando publicaba alguno de sus libros, y que se desquebrajó completamente cuando una generación joven, la del 15M, vio en él el molde moral con el que debían ser esculpidos todos los nuevos políticos de este país. Ese último Anguita, el que deambulaba de manera anónima por la ciudad de Córdoba, no llevaba una vida muy distinta a la de Vini Reilly, líder de Durutti Column, un músico que durante gran parte de su trayectoria ha vivido de espaldas al gran público, siendo idolatrado por una ferviente minoría, antes de que, en los últimos años, una nueva generación joven lo haya redescubierto gracias a artistas como Blood Orange o Harry Styles.

Lo curioso es que estos dos personajes, tan distintos y a la vez tan mitificados, llegaron a darse la mano. Anguita le sacaba doce años a Reilly cuando se conocieron, en Manchester, en junio de 1985. Vistas desde el presente, las fotografías de aquel encuentro tienen algo de insólito. Anguita, con su porte andalusí y su presencia recia, parece por momentos una suerte de hermano mayor del músico, cabizbajo, enjuto y ensimismado. Y ahí está, además, el gesto que vuelve la escena todavía más extraña y fascinante: Anguita le entrega una guitarra española a Reilly, que, aunque la recibe con una expresión casi de desconcierto, como si tampoco él terminara de entender del todo a qué viene aquel regalo, es capaz de esbozar una sonrisa que parece sincera.

Aquella guitarra era una pieza única. Había sido construida y reconstruida por un artesano cordobés. Y acabó en manos de uno de los músicos más singulares de Manchester gracias a algo tan protocolario como un hermanamiento entre dos ciudades de dos países distintos.

Aquel instrumento, sin embargo, ha marcado la trayectoria de Durutti Column desde mediados de los años 80 hasta la actualidad. El reciente lanzamiento de Renascent, el primer disco de Vini Reilly en 15 años, recupera acordes y fraseos hechos con una guitarra flamenca, algo que Reilly ha venido incorporando a su universo sonoro y visual prácticamente desde que aquel alcalde comunista español puso en sus manos aquel trozo de madera hecho por el artesano Juan Montero.

El factor Tony Wilson

Al final de la película 24 Hour Party People (Michael Winterbottom), Tony Wilson recibe la visita de Dios, que le recuerda que Vini Reilly merece desde hace tiempo un homenaje y le sugiere que quizá debería plantearse publicar un Greatest Hits de The Durutti Column. “Es buena música para relajarse”, le dice Dios todopoderoso en una bella licencia ficticia que, por otra parte, funciona como un reconocimiento simbólico a uno de los miembros más antiguos y menos reconocidos de la familia Factory (The Durutti Column fue el primer grupo que Wilson contrató para actuar en la primera noche del club Factory, celebrada en 1978, y Reilly se convirtió además en el primer artista en firmar un contrato con Factory Records, con la que lanzó New Order, Joy Division o Happy Mondays).

Algo similar debieron pensar en Córdoba unos 20 años antes de Winterbottom tres cabezas pensantes: la del periodista Julián Estrada, y la de los músicos Álvaro Tarik y Cisco Casado (entonces parte del grupo Yacentes). Ellos fueron los que, aprovechando la Semana de Córdoba en Manchester, que se iba a celebrar entre el 22 y el 30 de junio de 1985, tuvieron la idea de llevar una guitarra española para regalársela a algún grupo de aquella ciudad. Y ellos fueron quienes acabaron eligiendo a The Durutti Column por encima de todos los grupos de la Factory Records de Tony Wilson que ya entonces estaban casi más interesados en los cables de los sintetizadores que en las cuerdas de las guitarras.

Álvaro Tarik recuerda a Cordópolis que el nombre de Vini Reilly apareció casi de inmediato y que solo The Smiths podían hacerle sombra como banda guitarrera mancuniana de ese momento. Reilly, que de hecho tocó y grabó con el grupo de Morrisey, era el guitarrista de The Durutti Column, y su música transitaba por un territorio propio, entre el pop, la experimentación, la electrónica y una delicada concepción de la guitarra. Para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que seguía con atención lo que ocurría en Manchester, era el candidato natural.

Su grupo, además, había tomado el nombre de un famoso guerrillero anarquista, y el alcalde de Córdoba pasaba por ser el primer alcalde comunista de una capital española desde la muerte de Franco. Todo rimaba, así que solo hacía falta la guitarra. Y resultó que el instrumento, por su lado, también tenía su propia y fascinante historia.

La guitarra rota en una reyerta

Todo esto aparece en el documental Una guitarra para Durutti (2008), dirigido y producido por Evaristo Vinuesa y Juan Carlos Merino, y también lo recuerda desde el presente Julián Estrada: la guitarra la había construido Juan Montero Aguilera, un artesano cordobés ya fallecido, y había pertenecido a un guitarrista flamenco, que la había usado en sus recitales hasta que resultó dañada durante una trifulca en un tablao. El guitarrista entonces pidió al luthier que la reparase y el artesano optó por darle una nueva, y acabó quedándose con ella, restaurándola con cuidado.

Esa fue la guitarra que el 20 de junio de 1985 salió de Córdoba rumbo al Reino Unido, primero en un autocar desde la capital hacia el Aeropuerto de Málaga, después en la bodega de un avión de Iberia que aterrizó en Londres, y finalmente en otro autobús de dos plantas que llevó a la comitiva cordobesa desde la metrópolis británica hasta la ciudad de Manchester. Una vez allí, Julián Estrada charlará con Bruce Mitchell, batería de la banda, en los días previos a la entrega, que tendrá lugar en el Ayuntamiento de Manchester, el día 22. Mitchell, según recogen las publicaciones municipales de la época, ya advierte de que Reilly es una persona particular y, de hecho, deja caer que es posible que ni siquiera acuda al acto.

Pero acude. Con su novia. Puntuales los dos (los tres, contando a Mitchell). El que tarda es Anguita, que no encuentra taxi. Así que, mientras llega el alcalde, aprovechan para contarle a Reilly la historia de la guitarra, y le pasan el manuscrito del luthier, que se despide: “Ahora que me desprendo de esta guitarra, quisiera hacer llegar a la persona que va a disfrutarla que la trate con mucho cariño y la conserve para siempre como una joya artesanal cordobesa”. Estrada recuerda que el músico recibió toda la información con cara de sorpresa, como si no entendiera por qué lo merecía. “Why me?”, apenas acertó a articular, antes de acomodarse el instrumento y comenzar a tocarlo.

Anguita, en la línea que siempre caracterizó su etapa política, aprovechó el momento para cargar un buen discurso: cita a Buenaventura Durruti y apunta que, con el mapa de Andalucía en la mano, allí donde en la República había anarquismo de la CNT, en 1985 hay comunismo fuerte. A Reilly probablemente esto le importa un pimiento, mira el suelo mientras el político habla y, cuando termina, asiente y le da la mano.

Parte de su universo

Aquella noche, comenzará a trastear la guitarra. Y no tardará en incorporarla a su trabajo. Dos años después publica The Guitar And Other Machines, y en 1989 usa la española tanto para abrir su LP Vini Reilly, como para una colaboración con el grupo Swing Out Sister. Ya por entonces había confesado su amor por la sonoridad única de este tipo de acústica: “Mi guitarra preferida española, tocada acústicamente en una habitación pequeña. Pero he visto que, cuando está en escena, no puedes utilizar este tipo de guitarra por las dificultades de amplificación (…) Yo procuro producir un sonido claro, nítido que se parece mucho a una guitarra acústica”, contaba Reilly en una entrevista con la delegación española, recogida en la prensa de la época.

En el año 1991, además, se dio el milagro de que Reilly pudiera tocar en Córdoba. The Durutti Column actuó en el teatro de La Axerquía en octubre de aquel año, en un concierto que quienes estuvieron allí todavía recuerdan con especial intensidad. Álvaro Tarik lo describe como un acontecimiento para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que llevaba años siguiendo a Reilly: escuchar en directo a uno de aquellos músicos que parecían pertenecer a un mundo lejano tenía algo de excepcional.

Pasaron unos días en la ciudad y se movieron por los bares y tabernas. Hace unos años, en una entrevista en The Guardian, Reilly se reía cuando le llamaban virtuoso: “Pásate por cualquier bar de Córdoba, en España, y los tipos que encuentres tocando me harán parecer un estúpido”, dijo al periodista un músico, esquivo y propenso al mito, que pese a los altibajos, ha mantenido a pulso una carrera hecha disco a disco, a partir de devaneos entre el ambient, el rock instrumental, la música clásica y el toque flamenco.

Una subasta

Nadie sonaba como él y, sin embargo, ser único no lo hizo ser lo que se dice un músico exitoso. Más bien lo contrario. Es probable que Reilly no estuviera de acuerdo con romper el pacto con el luthier que le fabricó y restauró su guitarra española. Pero a punto estuvo de hacerlo. En 2011, una página vinculada a Phil Kooky Cleaver (que, a principios de los 2000 comenzó a reeditar parte del catálogo de Reilly) publicó un anuncio con un título inequívoco: Vini Reilly's Juan Montero guitar for sale. La guitarra que Anguita le regaló a Reilly salía a la venta.

El contexto hacía comprensible aquella decisión. Reilly había atravesado graves problemas de salud y una situación económica complicada. La guitarra aparecía así vinculada a una posible operación destinada a conseguir fondos para ayudarlo a levantarse. La pregunta, entonces, es: ¿se vendió realmente aquella guitarra? Este periódico ha contactado con Phil Kooky Cleaver para interesarse por el resultado de aquella subasta y tratar de despejar la incógnita, pero no ha obtenido respuesta.

Todo apunta, sin embargo, a que la guitarra no llegó a venderse. Hay dos datos especialmente significativos: el primero, que ese mismo año se reeditó Vini Reilly con dos nuevos temas (bocetos, eso sí) que llevan por título Juan Montero. El segundo, la aparición de nuevos acordes de guitarra española en Renascent, su nuevo disco, publicado hace unas semanas. Este hecho, conociendo bien al personaje y la historia de aquella guitarra, alimenta la hipótesis de que Reilly no incumplió su promesa.

Porque hay otro elemento importante en la historia de este nuevo disco, el primero de The Durutti Column en 15 años. El material de Renascent no responde a un proceso de composición y grabación desarrollado ahora. Buena parte de estas piezas procede de un periodo amplio, que se remonta a la década pasada y llega hasta la actualidad. Reilly ha ido trabajando y registrando este material después de una etapa especialmente dura de su vida.

El músico ha sufrido dos ictus y ha atravesado además una severa depresión. Su regreso a la grabación ha sido posible en buena medida gracias al apoyo de sus amigos y colaboradores Bruce Mitchell y Keir Stewart. De ahí que la publicación de un nuevo trabajo tenga un significado que va más allá de la propia discografía de The Durutti Column: significa que Reilly ha vuelto a hacer música y que aquella manera tan personal de entender la guitarra sigue viva.

Y que, ahora, al igual que hace 40 años, Reilly sigue buscándose a sí mismo en el sonido evocador de una guitarra española que le regaló un alcalde comunista y que había sido restaurada para él, tras ser destrozada en una pelea en una taberna cordobesa. La historia es tan bonita, que hasta Tony Wilson la querría para su revival de ese genio de la música contemporánea que es Vini Reilly.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) de Córdoba será una de las sedes de NXT Festival 2026, una nueva iniciativa dedicada a la creación audiovisual, el videoarte y las nuevas prácticas artísticas vinculadas a la tecnología. El festival, que también tendrá presencia en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de Sevilla, celebrará su primera edición en Córdoba durante el próximo mes de octubre.

En este marco, NXT ha abierto una convocatoria dirigida a artistas emergentes de entre 18 y 35 años para seleccionar proyectos de creación contemporánea relacionados con el videoarte. La convocatoria está abierta tanto a participantes nacionales como internacionales y pretende impulsar nuevos lenguajes creativos y generar espacios de exhibición y diálogo entre arte contemporáneo, tecnología y cultura digital.

La organización busca propuestas que exploren formatos como la animación experimental, el live cinema, los visuales generativos, las obras audiovisuales realizadas con inteligencia artificial, los documentales experimentales o, en general, las prácticas audiovisuales contemporáneas.

La convocatoria plantea como eje conceptual “Arte, tecnología y nuevos futuros culturales” y prestará especial atención a trabajos relacionados con la cultura de internet, los cuerpos y la tecnología, las ecologías contemporáneas, la memoria y el archivo, la sostenibilidad, los algoritmos y la vigilancia, las periferias culturales, las nuevas comunidades digitales y la relación entre los espacios físicos y virtuales.

NXT seleccionará dos obras ganadoras que pasarán a formar parte de la programación expositiva oficial del festival y que podrán verse tanto en Sevilla como en Córdoba, en el CAAC y el C3A, respectivamente. Cada una recibirá además una dotación económica de 500 euros destinada a cubrir gastos relacionados con el transporte, seguro, instalación y exposición.

Las obras seleccionadas contarán asimismo con difusión dentro de la comunicación oficial del festival y serán incluidas en el catálogo y los materiales curatoriales de NXT. La organización contempla también la posibilidad de proporcionar apoyo técnico y acompañamiento curatorial para adaptar las propuestas a los espacios expositivos.

El certamen no limitará necesariamente la presencia en el festival a las dos obras premiadas. Según establecen las bases, todas las propuestas presentadas podrán ser exhibidas durante las fechas de NXT en Sevilla y Córdoba, independientemente de que hayan resultado ganadoras, siempre que la organización considere viable su incorporación a la programación.

La convocatoria está abierta a artistas visuales, creadores audiovisuales, colectivos, estudiantes, investigadores, diseñadores y perfiles multidisciplinares emergentes. Entre los criterios de valoración figuran la calidad artística y conceptual, la innovación y experimentación formal, la coherencia con la línea curatorial del festival, la viabilidad técnica y expositiva, la capacidad de diálogo con el contexto contemporáneo y la originalidad.

El comité de selección contará con representación del CAAC, el Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales, Rocknrolla Producciones y la Fundación WOCA, además de otros perfiles curatoriales, académicos o profesionales que puedan incorporarse al jurado.

Las propuestas podrán enviarse hasta el 20 de septiembre a la dirección comunicacion@rocknrollaproducciones.com, con el asunto “Open Call NXT Festival 2026”. Los participantes deberán aportar una biografía breve, portfolio artístico, memoria conceptual, necesidades técnicas e imágenes, renders o enlaces para visualizar la obra.

La resolución de la convocatoria está prevista para el 25 de septiembre, mientras que la exhibición pública de los proyectos tendrá lugar en octubre. NXT Festival 2026 está organizado por Rocknrolla Producciones y Eventos Culturales y Fundación WOCA, con la colaboración del CAAC, el C3A, el Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales y la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía.

La Sala M100 de Córdoba acogerá el próximo 5 de septiembre una de las citas más iconoclastas de la temporada para los amantes de la música urbana y la cultura underground. The Hot Crew celebrará su 40 aniversario con un cartel encabezado por Space Surimi y Dr. Fli, al que se sumarán Ussuru Sound y Battle Front Sound.

La organización ha preparado una velada que reunirá distintas propuestas musicales con el objetivo de conmemorar cuatro décadas de trayectoria de los miembros del colectivo, apostando por una combinación de rap, electrónica, mashups y sonidos de club.

El dúo Space Surimi, formado por el MC Eddie Coopermen y el productor Carlboro, llegará a Córdoba con una propuesta caracterizada por la mezcla de referencias a la cultura de internet, los videojuegos y el consumismo digital con un sonido que bebe del rap, el electro, el techno, el G-funk, la música disco y el Miami Bass. Con más de diez años de trayectoria, el grupo, nacido en Jerez de la Frontera, ha pasado por festivales como Warm Up, Cabo de Plata, Primavera Trompetera o el Monkey Week, además de actuar en salas emblemáticas como Razzmatazz, Café Berlín, Sala X, Siroco o La Copera.

Junto a ellos actuará Dr. Fli, un artista afincado en Granada que ha convertido sus sesiones en un espectáculo en directo alejado del formato tradicional de dj. En lugar de limitarse a mezclar discos, construye ritmos y mashups en tiempo real, combinando géneros y artistas muy diversos para ofrecer actuaciones en constante evolución. Entre sus mezclas es habitual encontrar fusiones tan sorprendentes como Camarón con Notorious B.I.G., Los Chichos con 2Pac o Tego Calderón, acompañadas de guitarras, samplers, bombos y palmas.

El cartel se completa con las actuaciones de Ussuru Sound y Battle Front Sound, que pondrán el broche a una noche diseñada para celebrar la trayectoria de The Hot Crew y reunir a distintas generaciones de seguidores de la música urbana. El evento se celebrará en la Sala M100 entre las 20.00 y las 03.00 horas. Las entradas anticipadas tienen un precio de 15 euros más gastos de gestión, mientras que en taquilla costarán 20 euros.

Son tres cordobeses, aunque su música es un puente entre Hispanoamérica, Bristol y Andalucía. Se hacen llamar Sonido Andalusón, y acaban de publicar su primer LP, titulado La santa cuadrilla.

Lo han hecho tras ir desvelando algunos singles por el camino que ya daban una idea de los derroteros por los que discurre el proyecto: una mezcla de música cofrade, dub, cumbia y breakbeat. Un mix con una identidad muy curiosa y que se suma a otros proyectos que, desde hace ya casi una década, se han atrevido a agrandar las fronteras del folclore andaluz.

Detrás del proyecto están tres cordobeses: Roberto Lavoe, Varillas y Dubo, todos ellos con proyectos paralelos, y que han cuadrado en el estudio su interés común por deconstruir el folclore hispano sobre la base de la música electrónica a raíz anglojamaicana.

Que eso incluya marchas de Semana Santa (como hizo Delaygurrud a principios de los 2000, y más recientemente Califato 3/4), le da un toque mucho más bizarro a la propuesta, que también incluye ritmos y melodías orientales y árabes (la presencia de flautas y laúdes es la base en temas como Abderramán III).

La santa cuadrilla llegó a la plataforma Bandcamp a finales de junio, a tiempo para la temporada estival. Lo hizo después de que el proyecto haya actuado en ciudades como Sevilla, Granada y Córdoba.

Hay imágenes que pertenecen tanto a una ciudad que cuesta imaginar que puedan aparecer fuera de ella. El Cristo de los Faroles de Córdoba, envuelto cada noche en el resplandor íntimo de la plaza de Capuchinos, es una de ellas. Está profundamente ligada al imaginario popular de los cordobeses, conscientes igualmente de su atractivo estético para los extranjeros que visitan la ciudad.

Lo que resultaba difícil imaginar es que esa imagen pudiera colarse en el artwork de uno de los discos más esperados del 2026 a nivel internacional. La sorpresa saltaba hace unas semanas entre aficionados a la música electrónica de la propia Córdoba: la imagen central del CD y el vinilo de Inferno, el nuevo álbum de Boards of Canada, guarda un parecido prácticamente exacto con el célebre Cristo cordobés.

La teoría comenzó a circular en redes sociales a partir de las publicaciones del productor y realizador audiovisual Juan López López, quien firma música bajo el nombre de Juan. Según explica el artista a este periódico, fue una amiga —también seguidora del dúo escocés y compradora del disco— quien le avisó de la coincidencia tras chequear las imágenes de la edición física del álbum. A López López le bastó una primera mirada para sospechar que aquello no era casual.

Así que consultó con otros seguidores del grupo y decidió desplazarse hasta la plaza de Capuchinos para comprobarlo por sí mismo. Allí, con una cámara, reprodujo el mismo encuadre de la imagen del disco y aplicó efectos visuales de degradado similares. El resultado era contundente: el parecido roza la copia exacta. Los dos faroles centrales, el cartel de INRI, el sudario, los remates en pico de la cruz que levantó el escultor cordobés Juan Navarro León, e incluso el característico acabado superior de los faroles —esa especie de sombrerete en forma de seta tan reconocible— coinciden de forma mimética con la imagen utilizada en el libreto de Inferno.

La cuestión, sin embargo, difícilmente tendrá confirmación oficial. Porque si algo ha definido a Boards of Canada desde los años noventa es precisamente el misterio. Mike Sandison y Marcus Eoin han construido una de las carreras más influyentes y herméticas de la música contemporánea: no tienen un email al que escribirles, conceden muy pocas entrevistas, actúan en directo de forma excepcional (este año lo hacen) y convierten cada lanzamiento en una especie de juego de pistas para sus seguidores.

No sería extraño, por tanto, que la referencia al Cristo de los Faroles quedara deliberadamente sin explicación, alimentando una mitología que el grupo lleva décadas cultivando desde Warp Records, el sello británico que convirtió al dúo en referencia absoluta del ambient experimental y la electrónica de culto a mediados de los 90.

Un regreso envuelto en señales y cintas VHS

Inferno supone el regreso discográfico de Boards of Canada trece años después de Tomorrow’s Harvest, publicado en 2013. El nuevo álbum, desvelado finalmente este pasado viernes 29 de mayo y publicado como siempre por la legendaria casa Warp Records. Incluye 18 cortes y llega precedido de una campaña promocional tan opaca como minuciosamente diseñada que arrancó en marzo, cuando varios seguidores recibieron cintas VHS con fragmentos documentales y ruido estático. Aquellas misteriosas grabaciones activaron las primeras especulaciones sobre el regreso del dúo. Después aparecieron carteles en distintas ciudades y, finalmente, la publicación de Tape 05, la primera música nueva del grupo en más de una década.

Evidentemente, nada en Boards of Canada suele ser obvio y directo. Todo aparece filtrado por capas de nostalgia, símbolos ambiguos y referencias escondidas. Una vez escuchado el disco, aunque sin haber podido recibir el libreto de 20 páginas para comprobar nuevas referencias, el único rastro de que la elección de una imagen tan concreta como la del Cristo de los Faroles responda a una lógica estética y emocional afín al universo del grupo está vinculado con el mismo título: Inferno. ¿Para qué sino colocar una imagen católica justo en la parte más visible del CD y vinilo?

No obstante, con una cierta distancia respecto al presente, la imagen nocturna y melancólica del Cristo de los Faroles encaja de forma sorprendente con el imaginario visual de un grupo que, desde mediados de los noventa, se han convertido en una de las formaciones más influyentes de la electrónica contemporánea. Su sonido, construido a partir de sintetizadores analógicos, cintas deterioradas y muestras de viejos documentales educativos, ha sido descrito a menudo como una máquina de evocación de recuerdos.

A veces de recuerdos futuros. Porque los hermanos Sandison son dueños de un lenguaje sonoro propio: melodías cálidas pero inquietantes, texturas envejecidas y paisajes que parecen extraídos de una cinta doméstica olvidada en un cajón. Su música suele relacionarse con la llamada hauntología, una corriente estética obsesionada con los fantasmas culturales del pasado y las memorias borrosas de la infancia.

Del cante y la copla al rock contemporáneo

La presencia del Cristo de los Faroles en la cultura popular no es nueva. Su estampa ha inspirado durante décadas canciones de Semana Santa, coplas, pasodobles, saetas y letras flamencas. Lo llamativo es cómo, en los últimos años, también ha comenzado a aparecer en coordenadas musicales mucho más alternativas.

Por ejemplo, el músico McEnroe (Ricardo Lezón) publicó en 2016 una canción titulada Cristo de los Faroles en su disco conjunto con The New Raemon. Y, más recientemente, la banda cordobesa Viva Belgrado incluyó otro tema con el mismo nombre en su último disco Cancionero de los cielos, reforzando la conexión entre el monumento y una sensibilidad contemporánea marcada por la melancolía y la carga simbólica. De hecho, el cantante de la propia banda llegó incluso a citarse en la plaza de Capuchinos para una entrevista con este periódico hace algunos años.

Ahora, si las sospechas de los seguidores se confirman (algo más que dudoso), el Cristo de los Faroles habría dado un salto inesperado: de icono local y emocional a pieza secreta dentro del universo visual de uno de los grupos más influyentes y enigmáticos de la electrónica mundial. Quizá nunca haya explicación oficial. Pero precisamente ahí reside parte del encanto. En Boards of Canada, como en las viejas cintas deterioradas o en ciertas fotografías nocturnas, el misterio siempre forma parte de la obra.

Nita, la cantante y compositora cordobesa Cristina Manjón, tiene nueva música. Un nuevo single que rompe el silencio discográfico que siguió a la separación de Fuel Fandango (que se confirmó en junio de 2024) y en el que también han pesado cuestiones personales.

La espera de estos dos años ha conducido a Milagro 18:08, un nuevo single distribuido por Warner Music, en el que la cantante se vuelve a poner en manos del productor andaluz Bronquio, con el que sorprendió hace cinco años con el lanzamiento de La retama.

El nuevo single, que llega acompañado de un potente videoclip, recupera a la Nita más bailable (la base juguetea con los ritmos rotos, el techno y la bass music británica), manteniendo, eso sí, las señas poéticas que convirtieron a esta cantante cordobesa en una de las voces clave de la fusión de electrónica y folclore en España.

Milagro 18:08 es el primer adelanto de Magma, su primer LP en solitario, un trabajo que Nita ha definido como “el más personal de mi carrera”, así como “un disco de música electrónica que nace de mis raíces andaluzas y de todo lo que llevo dentro”.

Nacida en el seno de una familia de músicos y bailarinas en Córdoba -su abuelo Manuel Manjón Campos fue clarinetista y saxofonista-, Nita se subió siendo niña a los escenarios y desde entonces no se ha bajado. Tras ser corista de proyectos como Chambao, Nita se unió a Ale Acosta para formar Fuel Fandango, un grupo clave en la fusión de música electrónica y folclore, y en el que ejerció como cantante, letrista y coproductora.

Aquel proyecto grabó cinco discos, para los que reclutaron a voces como Estrella Morente, Vicente Amigo, Mala Rodríguez, Iván Ferreiro, Macaco o Amadou & Mariam. Una vez amortizado el viaje, Nita comenzó a preparar el que va a ser su primer disco, Magma, que verá la luz a lo largo de 2026.

El productor francés Michel Amato, figura clave de la electrónica europea y conocido artísticamente como The Hacker, firma una nueva remezcla del legado del productor y cantante cordobés Gabi Delgado, pionero de la música electrónica y cofundador del influyente proyecto DAF.

El remix supone un cruce simbólico entre dos generaciones unidas por el electroclash: Delgado, cuya obra sentó las bases del género cuatro décadas atrás, y Amato, considerado uno de sus principales arquitectos a finales de los años noventa y principios de los 2000.

Nacido en Grenoble, Amato construyó una carrera difícil de encasillar, alimentada por influencias que van desde Kraftwerk hasta Depeche Mode o New Order. Su sonido evolucionó entre techno, EBM, electro y new wave, aunque alcanzó notoriedad global como uno de los padres del electroclash, especialmente gracias a su colaboración con Miss Kittin. Juntos firmaron himnos como Champagne y Frank Sinatra, publicados por el sello de DJ Hell, convirtiéndose en un dúo icónico de la electrónica contemporánea.

El remix de Delgado llega como primera remezcla oficial de Neue Weltumfassende Resistance, un álbum póstumo que recoge grabaciones realizadas en Córdoba hace más de una década. El disco, editado en vinilo el año pasado por el sello neoyorquino Play Loud! Productions, documenta el proyecto homónimo que Delgado desarrolló junto al artista francés Marc Hurtado, miembro del influyente dúo experimental Étant Donnés.

La figura de Delgado (1958-2020) sigue siendo central para entender la evolución de la electrónica. Su capacidad para fusionar minimalismo, actitud punk y ritmos industriales influyó directamente en artistas como Ellen Allien, el propio DJ Hell o Miss Kittin, y fue determinante en la gestación del electroclash, un género que, dos años después de su pico de popularidad, vuelve a estar de moda en la escena clubbing.

De hecho, este lanzamiento no es el único homenaje reciente desde Francia a Delgado, ya que, a comienzos de año, el productor Terence Fixmer —admirador confeso de DAF— publicó dos remezclas del tema ‘El Que’, reinterpretando el material original con un enfoque contemporáneo. Ahora, la reinterpretación de The Hacker confirma la vigencia de una estética que sigue influyendo en nuevas generaciones de la electrónica global.

Un digger, en el argot de los discófilos, es una persona que busca discos raros que incorporar a su colección. En un buen número de casos, estos diggers son, a su vez, disc jockeys y buscan, por tanto, sorprender al público precisamente haciéndoles bailar temas o canciones sobre las que tienen poca o nula información.

Y algunos de estos diggers han encontrado su hábitat natural en Europa, en ciudades como Berlín -donde la música electrónica es Patrimonio Inmaterial de la Humanidad- o Londres, donde las fiestas se cuentan por decenas cada fin de semana. Sorprender en un ecosistema tan competitivo no es tarea fácil, quizá por ello, desde hace un tiempo, en toda Europa se vive un genuino interés por repescar música dance hecha en España en los años 90.

En este marco, el dj colombiano-estadounidense Tomás Station y el pinchadiscos turco O Bee, ambos residentes en Estados Unidos pero habituales de clubs como Fabric (Londres) o Berghain (Berlín), aprovecharon una fiesta para poner un disco divertido con el que animar la sesión. Era un set al aire libre, muy festivo, así que el público se volvió loco en cuanto empezó a sonar.

Aquel disco era La danza de los 40 limones, un tema que precisamente este año cumple su 30 aniversario y que se convirtió en un enorme éxito en España (y, en menor medida en Europa e Hispanoamérica) a mediados de los 90. Fue algo tan grande para su autor, el cantautor cordobés Juan Antonio Canta, que acabó entrando en depresión incapaz de asumir el éxito. Al final, optó por suicidarse.

¿Track ID?

Antes de rebobinar el disco hasta llegar a su autor, sigamos en el presente. Station coloca el disco en el tocadiscos Technics, le pone la aguja encima con la suerte de que hay alguien con un móvil grabando la escena. La gente se vuelve loca bailando e Instagram hace su magia: La danza de los 40 limones se convierte en un disco que cazar. Desde la publicación del vídeo, hace casi un año, hasta la actualidad, un maxi que costaba menos de un euro pasa a costar 20, 30 o hasta 90 euros la copia en Discogs, el portal de compraventa de vinilos más importante del mundo y que permite trazar las ventas de un disco concreto.

Hace unos días, un perfil especializado en música de baile volvía a subir el vídeo de aquel momento y, de nuevo, genera miles de likes y decenas de usuarios preguntando por el título de esa canción que, sobre una base de eurohouse noventero -con un bajo directamente robado del clásico Rapper’s Delight- cuenta sin parar “un limón y medio limón, dos limones, medio limón…”. Otro usuarios, en su mayoría españoles, algunos de ellos cordobeses, les redirigen a la fuente original.

Juan Antonio Canta

Juan Antonio Canta es, sin lugar a dudas, una de las personalidades más relevantes de la música andaluza y una figura tremendamente avanzada a su tiempo. Antes de triunfar en solitario como cantautor de corte dadaísta a caballo entre Javier Krahe y La cabra mecánica, ya había gozado de un sorprendente éxito en Hispanoamérica con su grupo Pabellón Psiquiátrico.

Él estaba detrás de temas como G de Gilipollas (un tema que se reía de Hombres G), En el cielo no hay alcohol o Guarra foca, en los que la irreverencia del letrista casaba a la perfección con el post punk de finales de los 80. Fue un grupo que duró muy poco, pero que dejó una impronta muy duradera (de hecho, hace poco se grabó un documental en su honor).

Pero fracasó. Y, con el fracaso del grupo, Juan Antonio se enfrasca en nuevas aventuras extramusicales, aunque no tarda demasiado en reaparecer, esta vez en solitario, bajo un un nuevo alias, nacido tras un concierto en el Limbo: Juan Antonio Canta. Y Juan Antonio canta de nuevo en los bares. Y en uno de esos bares, pero en Madrid, entra una noche el periodista cordobés Pepe Navarro, y se fija en aquel tipo de aire triste de inteligencia superior a la media.

Su paso por el programa de mayor éxito de la televisión noventera -Esta noche cruzamos el Mississipi- lo convierte, de la noche a la mañana, en alguien conocido. Una especie de precursor de los frikis que, años después, lanzaria Crónicas marcianas, solo que ridiculizado precisamente por su enorme bagaje cultural. El programa también lanza al estrellato una de las canciones más engañosas de su repertorio: El rap de los 40 limones, un caramelo envenenado, una canción infantiloide poblada de referencias al cine de Peter Greenaway, a Tales de Mileto, a la Peña El Limón de Córdoba, y a la adicción a la heroína. Referencias que nadie que veía el Mississipi era capaz de pillar, centrados en la simplicidad de un estribillo chicloso que era carne de jingle promocional.

Un único disco único

Juan Antonio sale del plató con un contrato para publicar un disco en Virgin, y accede. El disco es una rareza única. Pero, mientras tanto, el single de los 40 limones se convierte en un éxito. Y se le pide, como se hacía entonces, que grabe una versión dance. De nuevo accede y aquella canción suena en toda verbena y discoteca de España en el verano de 1996, cruzando el atlántico hasta países como México, Argentina, Perú y Colombia, y publicándose incluso en países europeos como Países Bajos, donde Virgin licenció el tema para lanzarlo en formato single.

El éxito comienza a abrumar al autor de la canción, que hace todo lo que puede por superarlo. En el documental Patuchas. El hombre de los mil limones, lo deja claro: “Un día salí en la tele y me vino una avalancha encima. Me veo y me doy pena, porque soy más que el hombre de los mil limones”. La tristeza comienza a ganar peso. El éxito comienza a ser un fracaso en el momento en que se reduce a una única canción que aplasta todo el potencial que lleva años trabajando. La televisión lo arrastra a un abismo del que no sabe cómo salir. En la serie Veneno, centrada en otra malograda figura que pasó por el Mississipi, Los Javis lo convierten en un personaje clave, interpretado por el cineasta Nacho Vigalondo, que pronuncia una frase devastadora: “Ten cuidado con la tele”.

El toque Locomía

Un patrón de cuatro notas del preset de piano del sintetizador Korg M1 que se repite en bucle. Así arranca la canción que hoy se baila en afters y clubs de Europa y que es, precisamente, la versión dance, la que se acabó colando también en el LP Las increíbles aventuras de Juan Antonio Canta. Era una versión distinta a la más rockabilera que hacía al principio y cuyo estribillo presentó en la televisión.

Es un tema que, aunque respeta lo básico de la original de Juan Antonio Canta, coloca la letra sobre un sonido italohouse muy bien conseguido y que estaba muy de moda a mediados de los 90 (un sonido que también se ha rescatado en la última década desde el norte de Europa).

Detrás de la producción electrónica de aquel hit estaba Cheni Navarro, que fue uno de los miembros de Locomía (otro grupo que acabó devorado por el inesperado éxito del eurohouse en toda Europa), y que tenía experiencia convirtiendo canciones pop en éxitos de baile (estuvo detrás, un año antes, de las versiones dance del exitazo mundial Experiencia religiosa, de Enrique Iglesias).

Lo más curioso del caso es que Navarro optara por plagiar o recrear el bajo del Rapper’s delight de Sugarhill Gang para su versión bailable del Rap de los 40 limones. Y es curioso porque seis años después, otro éxito mundial hecho desde Córdoba hizo algo parecido: se llamaba Aserejé y, en vez de recrear el bajo de Sugarhill Gang, españolizaron parte de la letra.

Juan Antonio Canta habría filosofado ampliamente sobre esta coincidencia. Pero no pudo. El 22 de diciembre de 1996, días después de escribir una carta a la cantante Martirio, descubrió que se le habían quebrado las ganas.

Tenía 30 años cuando entró en el trastero de sus padres, del que nunca salió con vida.

Una noche en Bruselas

Chequead a esta chica

Jeff Mills

Fue algo fortuito y no planeado. Un gesto mínimo y accidental. Jeff Mills, una de las figuras más importantes de la historia del techno se acerca a la dj que le precede en la cabina del FUSE, en Bruselas, y le pide un favor: que le deje sus auriculares para pinchar cuando tenga que sucederla al frente del club. Ella accede, sin dudarlo, y sin darle más importancia, a pesar de quién es la persona que le está pidiendo el favor.

Mills se retira, pero, a causa de algo -una intuición, un pálpito-, en vez de marcharse al camerino, se queda un rato a escuchar a esa chica de pelo y ojos negros que está construyendo una escultura de sonido a partir de tensión continua y temas que, aunque inequívocamente contemporáneos, se acoplan uno sobre otro de una manera casi artesanal. Old school. Ni Jeff Mills ni aquella chica lo saben, pero se volverán a cruzar más adelante en otras cabinas y compartirán algo más que los auriculares.

El barrio como punto de partida

Aquella chica era y es BLANKA (Córdoba, 1996). Es la misma que el pasado 14 de marzo pinchó cuatro horas en Berghain -la discoteca cuyo nombre ha inspirado uno de los temas más celebrados del último disco de Rosalía y que pasa por ser la catedral del techno a nivel mundial-. Unos días después de ese pequeño gran hito (no era la primera vez, pero Berghain siempre es especial para cualquier dj), atiende a Cordópolis. Lo hace desde Berlín, donde lleva unos años afincada tras pasar, en orden inverso, por Barcelona, Ibiza y Milán.

Pero antes de todo eso, la chica, que atiende por videollamada y se excusa porque anda resfriada, era sencillamente una niña del barrio de Cañero, una zona obrera residencial ubicada en la parte este de la capital cordobesa. Cuando habla de su origen, no hay épica ni voluntad de mitificación. “Mi familia es muy humilde, muy normal, muy humana”, dice la dj, productora y gestora del sello Room Trax, que arranca la entrevista hablando precisamente de su ciudad natal, en la que, paradójicamente, nunca ha pinchado.

Su infancia —cuenta— fue “bonita y corriente”, marcada por la cercanía familiar y por una libertad poco ruidosa, pero decisiva. Nadie le dijo qué estudiar, qué hacer, hacia dónde dirigirse. Esa ausencia de mandato, en lugar de convertirse en vacío, funcionó como espacio de posibilidad. “Creo que en mi personalidad sí que influye mucho cómo me han criado, la verdad. Pero Córdoba ha sido importante más a nivel cultural; no diría que tanto en lo que a la música electrónica se refiere”, reflexiona, pensando en aquella joven de barrio que, con 18 años, sin tener todavía contacto alguno con la música electrónica, se marchó a Milán.

Lo hizo sin hablar el idioma y con la intención de abrirse camino como modelo. Es, en cierto modo, un movimiento clásico —la salida, la ciudad extranjera, la precariedad inicial—, pero en su caso adquiere una dimensión formativa que va más allá de lo profesional. “Fue una experiencia muy fuerte a nivel personal. A mí me encanta la moda, me sigue encantando”, recuerda. Más que un destino, Milán fue una prueba: aprender a sostenerse, a decidir sola, a medir el riesgo.

De la pasarela a la pista de baile

La música todavía no ocupa el centro, pero empieza a filtrarse. En Milán y, sobre todo, en Ibiza —donde pasa temporadas de verano— descubre la electrónica desde el lugar más primario: la pista de baile. Allí es donde está el drop personal de BLANKA: “A mí me encanta salir a bailar y a escuchar música. En aquel momento, lo mío fue amor a primera vista con el house. Y es una música que me sigue encantando, porque yo no escucho solo techno, sería todo muy aburrido si te limitas a un único estilo”, apunta, antes de citar las que fueron sus primeras influencias: Ricardo Villalobos o Jamie Jones, djs y músicos más cercanos al un estilo híbrido entre el techno y el house, y que dominaron la escena ibicenca y berlinesa entre 2010 y la pandemia.

Más o menos por aquella época conoce a Alexis (conocido artísticamente con Angioma), con quien ha mantenido una relación personal y profesional que todavía sigue viva con el sello Room Trax, que ambos capitanean. Es con Angioma con quien se muda a Barcelona, una ciudad que también introduce un cambio de escala, puesto que es justo allí donde, en los años previos a la pandemia, aprende a pinchar, estudia producción, se familiariza con las herramientas y, sobre todo, empieza a entender la música no solo como consumo, sino como construcción de una personalidad propia.

Y todo ello, partiendo de una negación que hoy es difícil de sostener: “Yo nunca dije que quería ser dj, simplemente pasó”. Y eso pasó en Barcelona. “Allí se me abrieron un montón de puertas. Lo que pasa es que yo creo que, en España, a veces tienes que salir fuera para que te respeten”, cuenta la dj y productora, que, además de en su propio sello, ha publicado en otros del prestigio del histórico Soma Records, de Slam. Así que se muda de nuevo. Esta vez a dónde suele ir quién ambiciona hacer carrera en la música electrónica.

Berlín: año cero

El traslado a Berlín supone un nuevo desplazamiento, esta vez hacia el núcleo duro de la electrónica europea. Allí, donde el techno funciona casi como un idioma oficial, BLANKA encuentra un contexto más exigente y, al mismo tiempo, más permeable a trayectorias no convencionales. Aunque BLANKA insiste en que su camino hacia el lugar que ocupa ahora mismo depende de muchos factores que van más allá de la ecuación de talento + trabajo: “En esta industria, depende de la suerte que tengas, de a quién conozcas, de cómo te muevas. O sea, yo creo que he tenido mucha suerte al venir a Berlín y conocer a la gente que he conocido. Y en cómo me he movido, en cómo es mi personalidad. Yo creo que eso ha hecho mucho. He sabido decir que no y eso, al final, me ha reforzado”.

La traducción de esa suerte puede impresionar a quien conozca un poco el circuito: en apenas unos años ha pasado de pinchar en Barcelona por 150 euros y a hacerlo en instituciones globales como Berghain y Tresor en Berlín, Fabrik en Madrid, Elysia Basel, Radion, Bret y Lofi en Ámsterdam, KHIDI Tbilisi, Fuse Bruselas, FOLD London y el Garbicz Festival, entre muchos otros, además de grabar un Boiler Room, publicado en febrero de este año, y con el que sorprendió a propios y extraños apostando por un sonido algo diferente al que venía mostrando, aunque marcado por su principal seña de identidad: la capacidad de generar una tensión constante que atraviesa todos sus sets.

A veces, todo va tan rápido que no tienes tiempo ni para procesarlo

Esa idea de adaptación recorre todo su discurso. Para BLANKA, el dj no es un ejecutor de dogmas sonoros, sino un lector de situaciones. “No puedes pinchar lo mismo en Berghain que en un festival. Quien no se adapta, no sé, no me parece un buen dj”, afirma.

PREGUNTA. ¿Prefieres pinchar en el club o en el festival?

RESPUESTA. Me encantan las dos cosas. Me encanta un festival porque puede ser algo más alegre, divertido, más playful, como menos serio y algo como más atrevido, diría. Y me encanta porque puedes pinchar temas que jamás pincharía en un club. Porque el club puede ser algo súper íntimo, más deep, más suave, más propenso a poder contar una historia, que es algo que a mí me encanta. Y sí creo que, cuando hago eso, es cuando más me siento yo misma. Me encantan las dos cosas, la verdad. Creo que es precioso conectar con el público de forma íntima, pero también es súper divertido pinchar delante de 10.000 personas.

P. ¿Se te pasaba por la cabeza algo así cuando empezabas?

R. Nunca lo hubiese pensado. Ni pinchar en un festival así, ni pinchar en Berghain. Vamos, que me lo llegas a decir, cuando yo venía aquí de turista y parece de broma. Pero es que, a veces, es una escena en la que va tan rápido todo que no tienes tiempo ni para procesarlo. Cuando pasa una semana, veo alguna historia o video y todavía me sorprendo. No sé, es una cosa muy rara. Es un fin de semana, otro, otro y otro. Y obviamente hay mucha competencia también.

P. ¿Cómo has vivido esa explosión en tan poco tiempo?

R. Es una... O sea, siento que esta es una escena cañera. Tienes que estar ahí. O lo tomas o lo dejas. Tienes que adaptarte a cómo va este mundo o esta escena y te puedo asegurar que va rápido, y que siento que, si te quedas estancado, te quedas atrás. Así que, si de verdad quieres formar parte de ello, tienes que adaptarte a como va. Todo avanza, todo cambia en la vida, en la música, en la escena... O te adaptas o te quejas.

De Room Trax a Liquid Room: un puente intergeneracional

Tú le preguntas a gente joven quién es Jeff Mills y muchos no lo conocen

La vida de BLANKA se mueve, por tanto, a 145 beats por minuto, que es más o menos el rango de velocidad a la que pincha. Techno rápido, duro y profundo, y una forma de mezclar muy ortodoxa, casi noventera, aunque su instrumento sean los reproductores digitales y no los Technics y los vinilos. Eso es lo que le gustó a Jeff Mills cuando la vio aquella noche en el Fuse de Bruselas. Aunque la dj cordobesa no se enteró de la importancia de aquel encuentro hasta tiempo después.

Fue por esa red informal en la que se mueve la escena. Fue la propia agente de Mills quien, tiempo después, le trasladó el comentario que le había dicho el productor de Detroit aquella noche en Bruselas. “Me dijo: que sepas que esa vez, cuando tú pinchaste por primera vez con Jeff, me comentó: 'Chequea esta chica, me ha encantado todo lo que hace. Va a llegar lejos'”. Para BLANKA, ese momento no fue una consagración inmediata; casi lo acogió con extrañeza. Fue la constatación de que alguien situado en otro plano —un artista casi mítico dentro del techno— había reparado en su trabajo.

“Es verdad que no me lo podía creer”, cuenta la dj y productora sobre el que luego se ha convertido en una especie de padrino para ella, colocándola en un lugar muy interesante: un puente entre generaciones. Lo explica de la siguiente manera: “Yo tengo la suerte de que me respete gente mayor, como puede ser Jeff, y también la gente joven. Y digo suerte porque siento que hay dos escenas que me apoyan. Pero, por ejemplo, tú le preguntas a la gente joven quién es Jeff Mills y muchos no lo conocen. Porque hay mucha gente que solo conoce el hard techno o los djs grandes. Pero vaya, que con Jeff, a veces no entiendo este hombre cómo me quiere tanto”.

Tanto como para que una figura tan esquiva, reservada y exigente la haya escogido precisamente a ella para acompañarle en varias fechas de la gira de celebración del 30 aniversario de su legendario set en el club Liquid Room de Tokyo en 1995. Era un regalo envenenado y, de hecho, inicialmente BLANKA rehusó la propuesta para, finalmente, aceptar involucrarse en ella como un tremendo reto personal y profesional. “Ha sido de lo más estresante, pero también de lo que más orgullosa, me ha hecho sentir”, especifica la artista, que reconoce que, en estos años, ha tenido que empezar a convivir con una enorme presión en un entorno que ha cambiado radicalmente -y no precisamente a mejor- desde la pandemia.

Redes sociales, hipersexualización y juicios constantes

BLANKA se queja de que hoy es más sencillo triunfar a partir de un vídeo en Tik Tok que teniendo un discurso trabajadísimo. Y que eso, además, tiene un reverso oscuro: la exposición en redes sociales y la necesidad de estár constantemente generando contenido. “Siento que se ha perdido un poco el interés en indagar. Ahora todo el mundo se llama a sí mismo dj, cuando esto no es una etiqueta, sino un trabajo en el que tienes que ganar desde la experiencia. Yo desde luego todavía sigo aprendiendo musicalmente, pinchando, haciendo música. Y desde luego, siento que me lo he currado para llegar a donde he llegado”, indica.

El reconocimiento que ha logrado, de hecho, no disuelve las tensiones. Al contrario, las hace más visibles. La velocidad a la que se mueve la escena electrónica contemporánea —marcada por la hiperexposición, los viajes constantes y la presión de las redes sociales— deja poco espacio para la pausa. BLANKA, que desde hace tiempo ha abrazado la sobriedad, cuenta que, en más de una ocasión, se ve obligada a borrar Instagram del móvil para poder desconectar. Pero que nunca dura demasiado, pues tiene que estar allí por temas laborales, aunque eso implique estar expuesta a juicios constantes sobre su valía.

La artista reconoce que existe una paradoja: hoy, artistas como Peggy Gou, Nina Kraviz, Helena Hauff o Avalon Emerson han logrado llegar hasta la zona más brillante de los carteles de clubs y festivales -algo que, hasta hace una década no era nada común- y, al mismo tiempo, el hate contra ellas se ha intensificado al máximo: “A las mujeres se nos juzga por todo en esta industria. Tú ves mis redes sociales y me juzgan constantemente. Y me han juzgado porque soy mona, porque visto bien... Te juzgan por todo: cómo vistes, cómo bailas, cómo tocas el vinilo, me han dicho que los temas me los hace mi novio... Me han llegado a criticar porque tenía abdominales, que ahí llegué a responderle: ¿Eso se lo dirías a un hombre?”.

¿Tienes que ser fea y vestir mal para que te respeten?

Con esos casos que ha vivido, expone la realidad que hay detrás de una etapa muy bonita, en la que muchas mujeres han llegado a lo más alto en un mundo tradicionalmente masculinizado como ha sido el de la música electrónica, pero en el que, a su juicio, la igualdad plena ni se ha alcanzado ni está cerca. Y pone como ejemplo a Nina Kraviz: “A Nina la han sexualizado y tiene muchos haters. Y es una artista increíble, con un conocimiento enorme de música, su propio sello, pincha lo que le da la gana... Y aun así la juzgan porque es guapa y sexy. ¿Qué pasa, que no puedes hacerlo todo? ¿Tienes que ser fea y vestir mal para que te respeten? ¿Por qué?”.

La pregunta se queda flotando y al final es ella la que la responde: “Al final tienes que demostrar más siendo mujer. A un hombre se le permite mucho más”.

La sesión de Google Meet lanza el aviso de que se agota el tiempo. Queda lo justo para preguntarle cómo se siente en este punto exacto de su carrera. Lo medita y responde: “Ahora, con casi 30 años, confío más en mí. Cuantos más años, más poderosa te sientes. Y es por las experiencias. No es lo mismo tener 20 años que 29. Ahora llego y digo: ”Esto soy yo“. Miro a la gente. Es la vida, las experiencias personales y musicales. Y siento que, poco a poco, estoy llegando a donde estoy. Y estoy muy agradecida. Me están pasando cosas muy bonitas, estoy conociendo gente muy bonita. Estoy muy contenta con mi carrera, pero sueño lejos. Quiero llegar lejos. Todavía no he llegado a todo lo que quiero hacer”.

Un encuentro imaginario entre los compositores que revolucionaron la música europea a comienzos del siglo XX y las nuevas corrientes del jazz y la electrónica es el tronco creativo de MCM, el nuevo álbum de DJToner, el instrumentista Dani Molina y el trompetista Raynald Colom, que proponen un viaje musical inspirado en los creadores del impresionismo y el modernismo musical, figuras clave en la transición de la música clásica hacia el jazz y muchas de las corrientes contemporáneas.

Durante más de dos años de investigación y experimentación sonora, los músicos han explorado la herencia estética de aquel momento histórico en el que compositores como Claude Debussy, Erik Satie o Manuel de Falla abrieron nuevas vías para la armonía y el ritmo. El resultado es una reinterpretación contemporánea que mezcla jazz, hip hop y electrónica con una sensibilidad cercana al Lo-Fi.

El proyecto reúne a tres artistas con trayectorias distintas pero complementarias. DJToner y Dani Molina han desarrollado la idea conceptual del álbum, mientras que el trompetista Raynald Colom —figura destacada del jazz europeo— aporta una dimensión melódica elegante y expresiva al conjunto.

La obra está estructurada como una serie de capítulos musicales que reinterpretan el legado de compositores que marcaron el cambio de siglo, entre ellos Isaac Albéniz, Enrique Granados, Gabriel Fauré o Nadia Boulanger. Cada pieza dialoga con ese patrimonio sonoro desde un lenguaje contemporáneo que combina producción electrónica, improvisación y texturas atmosféricas.

Un piano histórico para un proyecto contemporáneo

Uno de los elementos más singulares del disco es el instrumento con el que fue grabado: el piano que perteneció al compositor Manuel de Falla. El instrumento ha sido cedido, junto con el archivo del músico, por la Fundación Manuel de Falla, añadiendo un vínculo simbólico entre la tradición histórica y la reinterpretación contemporánea que propone el álbum.

El primer adelanto del disco, titulado Sfogava, se lanzó el 27 de febrero en plataformas digitales, mientras que el segundo, Casa Roja, se publicó el pasado viernes 13 de marzo.

La presentación en directo tendrá lugar el 9 de abril en el Aula Magna del edificio V Centenario de la Universidad de Granada, en un espectáculo concebido como una experiencia audiovisual en formato trío. Ese mismo día se pondrá a la venta una edición especial en vinilo exclusiva para los asistentes al concierto, adelantándose a su lanzamiento oficial previsto para el 18 de abril coincidiendo con el Record Store Day.

Califato ¾ y Lole Montoya celebrarán el Día de Andalucía en Córdoba con un concierto especial el próximo 28 de febrero, en una cita musical que reunirá tradición, vanguardia e identidad andaluza. El evento, organizado por la promotora granadina Andalucía Salvaje, se celebrará en la Sala Impala, y dará comienzo a las 21:00 horas.

Detrás de él está la promotora granadina Andalucía Salvaje, que desembarca en Córdoba con una apuesta por la música andaluza contemporánea, reuniendo a artistas que reinterpretan las raíces desde lenguajes actuales y personales. El concierto propone un recorrido por sonidos que van del flamenco a la electrónica, del folclore a la experimentación, aunque con el objetivo de poner valor la cultura andaluza desde una mirada innovadora.

El cartel está encabezado por Califato 3×4, uno de los proyectos clave en el auge del andalucismo cultural de la última década. El colectivo andaluz se ha convertido en referente del llamado “folclore futurista”, una fusión audaz de flamenco y electrónica, que reinterpreta el legado popular desde una estética contemporánea. Con una fuerte carga simbólica y un discurso ligado a la identidad andaluza, la banda destaca por sus directos enérgicos y su capacidad para conectar tradición y modernidad.

Junto a ellos estará Lole Montoya, figura imprescindible de la historia del flamenco. Sevillana y voz mítica del dúo Lole y Manuel -verdaderos impulsores del llamado Nuevo Flamenco en los años 70-, Montoya ha sido una figura clave abriendo el flamenco a nuevas sensibilidades y públicos. En su trayectoria, ha sido reconocida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Completa el cartel Delasroas, proyecto emergente que combina raíces flamencas con una estética sonora y visual contemporánea, destacando por el protagonismo del coro y una puesta en escena envolvente, y Juani Cash, dj y productor del grupo Electronic Flamenco Esquejes (EFE), que combina la música electrónica de club y la instrumentación y la estética flamenca.

“Hay que gozar para olvidar el tiempo, hay que bailar para olvidar el tiempo”. Con esa consigna hedonista cantaban Gabi Delgado y Saba Komossa en El Que (Latin Mix), una canción pionera en su género publicada por DAF en 1989, aunque firmada por la pareja en un momento en el que el cordobés retomó el proyecto Deutsche Americhanische Freundschaft (DAF), aunque sin su compañero y miembro fundador Robert Görl.

Un tema elástico, repetitivo y simple, extraído del sintetizador Korg DS10, sobre el que Delgado y Komossa (principalmente ella) cantaban letras en español sin el más mínimo sentido, y que se convirtió en uno de los primeros ejercicios de acid house producidos en un Berlín aún dividido por el muro y marcado por el pulso de la Guerra Fría. Ahora, el tema wha regresado a la pista de baile de la mano del productor francés Terence Fixmer, admirador confeso de DAF desde hace décadas, y que publica este viernes dos nuevas remezclas de El Que, que combinan respeto por el original y una visión creativa contemporánea.

“Llevo años pinchando El Que en muchos de mis sets. Es una canción que amé profundamente desde la primera escucha”, afirma Fixmer en el texto de lanzamiento, en el que se muestra “muy orgulloso de haber remezclado a DAF”. “Son una de mis bandas de culto y una influencia clave en mi sonido y mi universo electrónico. Quería que la gente pensara: ‘Conozco este tema… pero espera, ¿qué versión es esta? ¡La quiero!’”, explica el productor francés.

Así, en El Que (Terence Fixmer Leather Remix), Fixmer se mantiene cerca del pulso crudo y musculoso del tema original, inyectándole una sensibilidad club actual. La versión conserva la rítmica inconfundible de DAF y suma un empuje moderno que parece una prolongación natural de su ADN. “Era como imaginar qué haría si hoy fuera miembro de DAF”, explica Fixmer al respecto.

La segunda lectura, El Que (Terence Fixmer Drive Remix), se adentra más en su propio territorio: un enfoque más oscuro, hipnótico y orientado al peak time. Con un trabajo preciso de tensión y liberación, la remezcla lleva el espíritu del original hacia un paisaje sonoro más duro y de suspense, pensado para las horas más intensas del club sin perder el alma del tema.

Los dos cortes se han planchado en un vinilo del que se han publicado solo 500 copias, y que sale oficialmente este viernes 9 de enero. También están disponibles en streaming en el perfil del sello alemán Mannequin en la plataforma Bandcamp.

El disco llega, además, en un momento de reinvindicación de la figura de este músico cordobés, fallecido en 2020, y que, a finales del año pasado, vio como el sello neoyorquino Play Loud! Productions recuperaba unas grabaciones inéditas que desarrolló en la capital cordobesa junto al músico y artista francés Marc Hurtado, integrante del influyente dúo experimental Étant Donnés.

La Fiancée Solitaire, el proyecto de la cordobesa María Guerra, despide el año con el lanzamiento de Espuma y ruido, una nueva canción publicada este 31 de diciembre que funciona como carta de presentación de su próximo EP, Orquídea Motor, previsto para 2026.

El tema supone un nuevo paso en la evolución artística del proyecto musical de esta cordobesa afincada en Madrid, que, además, abre una interesante vía de colaboración con un compositor y productor clásico de la música cordobesa. Se trata de Summer Spree, el último alias del compositor Álvaro Tarik, quien construye una base sonora envolvente a partir de sintetizadores y pads etéreos.

Sobre esta atmósfera flotante se despliega la voz profunda y llena de carácter de María Guerra, acompañada por una poesía melancólica y delicadamente decadente que refuerza la identidad del proyecto.

La Fiancée Solitaire se mueve con naturalidad entre el pop luminoso y un indie de tintes más oscuros, incorporando influencias del post punk, el synth y el noise. En su propuesta, las letras ocupan un lugar central, cargadas de imágenes poéticas y una sensibilidad introspectiva que se ha convertido en una de sus señas de identidad.

El músico franco-cordobés D’Donnier vuelve a la actualidad musical con Be Fine, un nuevo single en el que profundiza en una vertiente más rítmica y tribal de su característico folk electrónico. La canción confirma la evolución sonora del artista, capaz de mantener la elegancia y el cuidado sonoro, a partir de un estilo más moderno.

Según explica el artista, el tema se adentra en esos momentos vitales en los que todo parece desmoronarse: la saturación emocional, el ruido exterior y la sensación de caer en la oscuridad. Be Fine plantea, sin embargo, una salida luminosa, recordando que la calma y la distancia adecuada pueden disipar la desazón y permitir volver a respirar y salir a flote.

Musicalmente, la canción combina guitarras eléctricas sucias y baterías saturadas que remiten al primer Beck, integradas con sutiles guiños al highlife africano. Este cruce de referencias refuerza el carácter orgánico y a la vez contemporáneo del tema, creando un paisaje sonoro tan envolvente como dinámico.

Como es habitual en las producciones de D’Donnier, la voz principal se ve arropada por las sugerentes melodías vocales de Lovely Alex en los coros, aportando profundidad emocional y un contrapunto delicado que equilibra la intensidad rítmica de la canción.

Be Fine se presenta, en definitiva, como una pieza luminosa, rítmica y alegre, pensada para aportar calidez a los meses de invierno e invitar al movimiento suave. Este nuevo single es otra muestra del electro folk refinado que D’Donnier está desplegando como anticipo de su próximo disco, una producción independiente con potencial para encontrar su lugar en las listas musicales de los próximos meses.

Este viernes 19 de diciembre, el reconocido DJ Ángel Molina protagonizará una sesión especial de música electrónica en horario de tarde en Córdoba. Será en Glam, situado en la calle La Radio, en un evento que se desarrollará desde las 17:00 hasta las 00:00 horas.

Ángel Molina es una de las figuras más influyentes de la música electrónica en España y un referente internacional. Inició su carrera profesional en 1991, en una escena aún por construir, y desde entonces se ha consolidado como uno de los grandes ejes de la electrónica estatal. Admirado por artistas de la talla de Laurent Garnier, quien lo ha citado como uno de sus djs favoritos, Molina cuenta con una trayectoria marcada por la excelencia técnica y una visión musical profundamente personal.

Sus célebres Wax Sessions (2000–2003) reunieron a artistas que acabarían definiendo una época, como Jeff Mills, Terrence Dixon, James Holden, Dabrye, Matthew Dear o Paco Osuna. En 2004, su CD mix dedicado al sello estadounidense Frágil – Pasada Profesional fue reconocido por The New York Times como uno de los mejores del año, destacando la maestría técnica del dj catalán.

A lo largo de los años ha continuado publicando sesiones y recopilatorios clave, como su trabajo para Sònar 2009, sus mixtapes recientes para Semantica Records junto a Svreca, o su sesión experimental grabada en directo para Boiler Room en el Primavera Sound 2014. Su capacidad para transitar entre el ambient, el drone y el techno, creando atmósferas propias sin ataduras estilísticas, le valió el Premio Tendències en 2016.

Actualmente, Ángel Molina sigue actuando en salas y festivales de todo el mundo y es dj residente de Sònar, donde fue el encargado de cerrar el 30º aniversario del festival en 2023. Además, desarrolla labores de A&R en el sello 30D Records, manteniéndose siempre en el límite de la experimentación y la sorpresa al público.

Molina estará el sábado acompañado de varios artistas locales: David Escudero, Juani Cash, Isa Ruiz, Miguel Critz y Javi Peña. La entrada tendrá un precio de 10 euros con consumición, y estará disponible únicamente en taquilla, por lo que se recomienda acudir con antelación para asegurar el acceso.

La artista catalana Queralt Lahoz llegará a Córdoba el próximo viernes 10 de abril de 2026 como parte de su nueva gira de salas, Favorosa Tour 2026, con la que recorrerá distintas ciudades de España y dará también el salto internacional hasta Londres. El concierto tendrá lugar en la Sala Impala, con apertura de puertas a las 20:00 horas.

Lahoz presentará en directo su segundo trabajo discográfico, 9:30PM, un álbum profundamente autobiográfico en el que la artista que sorprendió al público com Pureza, vuelve a demostrar su personalidad única y su capacidad para fusionar géneros.

En este nuevo proyecto conviven con naturalidad las raíces flamencas, el rap, los sonidos urbanos, la copla y la electrónica, consolidando un estilo propio que la ha convertido en una de las voces más singulares del panorama actual.

El impacto de 9:30PM ha traspasado fronteras. La radio pública norteamericana NPR ha incluido el disco entre los mejores álbumes de 2025. Los responsables de los reconocidos conciertos Tiny Desk han definido su propuesta como un ejemplo de “maximalismo energético, con ritmos insistentes e instrumentales impactantes que captan la atención”. Además, han destacado especialmente la voz de Queralt Lahoz, a la que califican de “imposible de ignorar”, “sensual y suave”.

Las entradas anticipadas para el concierto de Córdoba ya están disponibles desde 20 euros más gastos de gestión.

La cantante y compositora cordobesa La Espe ha lanzado Fragilidad, su nuevo single, una canción que cuestiona la idea tradicional de debilidad asociada a la mujer para abrazar una postura más firme, consciente y empoderada.

Producido por Gelo Hau, el tema arranca con aires de bossanova para evolucionar hacia territorios más electrónicos y contemporáneos, un viaje sonoro que sirve de base para que La Espe despliegue la versatilidad de su característica voz aterciopelada. El lanzamiento viene acompañado de un videoclip dirigido por Fernand Rizzo, que refuerza visualmente el mensaje de la canción y su transformación estética.

Conocida artísticamente como La Espe, Esperanza Delgado se ganó el cariño del público español tras quedar semifinalista en el concurso televisivo La Voz. Desde entonces, su carrera ha continuado creciendo a ambos lados del Atlántico. Becada para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, la artista se trasladó a Estados Unidos, donde ha consolidado su formación y proyección internacional.

Desde 2023 reside en Miami, ciudad en la que forma parte del alumnado de la Art House Academy / Abbey Road Miami, especializándose en producción musical bajo la tutela del maestro Julio Reyes Copello. Esta etapa formativa la compagina con su trabajo en el teatro del Hotel Faena de Miami Beach, donde ejerce como maestra de ceremonias (MC) en el espectáculo Carmen.

Además, La Espe es cantante y cofundadora del grupo Mestizas, surgido durante su etapa en Berklee, y ha colaborado con el productor Javier Limón, quien la contó para el álbum Viajeras.

El próximo jueves 11 de diciembre, la Sala Polifemo del Teatro Góngora de Córdoba será el escenario en el que el cantaor y multiinstrumentista onubense Cristián de Moret presentará su nueva propuesta, que aúna flamenco y electrónica, y que llega cuando está a punto de publicar su nuevo disco Apache bereber.

El artista llega a la ciudad para estrenar un formato “completamente rompedor” que, según sus propias palabras, desafía los límites de los géneros tradicionales, fusionando el cante flamenco y los sonidos de raíz norteafricana y andaluza con universos sonoros americanos y una fuerte carga electrónica. Esta evolución llega avalada por una trayectoria previa plagada de reconocimientos, cimentada tras el cálido acogimiento crítico de sus dos primeros trabajos, Supernova (2021) y Caballo Rojo (2023).

En este nuevo directo, De Moret apuesta por su faceta más arriesgada hasta la fecha, llevando al escenario la sonoridad mixta de su tercer trabajo discográfico. La puesta en escena promete ser una experiencia casi inmersiva, diseñada al más puro estilo de la música electrónica, incorporando sintetizadores y una atmósfera visual y sonora envolvente.

Para sostener este pulso entre la tradición y la modernidad, el artista no estará solo; se rodeará de músicos de excepcional calibre. Junto a él, que se encargará de la voz, teclados y guitarra eléctrica, estarán el maestro de la guitarra flamenca Juan Campos, y Fernando Maya, un percusionista versátil capaz de transitar con naturalidad entre el compás jondo y el beat electrónico.

El concierto cobra un significado especial al celebrarse apenas unos días después del lanzamiento de su último sencillo, Dark Soleá, un tema que ya está disponible en plataformas digitales y que resonará con fuerza en el directo.

Con este lanzamiento, Cristián de Moret firma una dedicatoria llena de “respeto y amor flamenco y rockero” a toda una generación atrapada por las expectativas de mejora y las crisis sucesivas. La canción se erige, en sus palabras, como un himno para autónomos, freelances, opositores y asalariados que luchan diariamente para cuadrar las cuentas a fin de mes entre el coste de la vivienda y la inestabilidad, una realidad con la que el propio músico se identifica plenamente.

Las entradas para asistir a este encuentro único entre la raíz y la electrónica ya están disponibles. Los interesados en disfrutar de esta renovación del flamenco podrán hacerlo por un precio de 15 euros.

Unas grabaciones realizadas en Córdoba hace más de diez años por el músico cordobés Gabi Delgado, figura esencial de la electrónica alemana y fundador de DAF, acaban de ver por fin la luz en un nuevo LP que publica en vinilo el sello neoyorquino Play Loud! Productions.

El álbum, titulado Neue Weltumfassende Resistance, es el primer testimonio discográfico del proyecto del mismo nombre que Delgado desarrolló junto al músico y artista francés Marc Hurtado, integrante del influyente dúo experimental Étant Donnés.

El origen de esta alianza creativa se remonta a 2004, cuando ambos artistas fundaron Neue Weltumfassende Resistance (NWR), un laboratorio de sonidos, poesía y experimentación concebido como un diálogo permanente entre Alemania, España y Francia. Entre 2004 y 2018 grabaron abundante material y actuaron en festivales como IDEAL (Nantes) y LUFF (Lausana).

Siguiendo una dinámica sin reglas —a veces Hurtado aportaba la música y Delgado la voz, a veces al revés—, el proyecto se forjaba en un ejercicio de libertad absoluta, descrito por ellos mismos como “un viaje cinematográfico de 360 grados”. Delgado y Hurtado se reencontraron en varias ocasiones para refinar ese corpus creativo: en Berlín en 2007 y en Córdoba en 2014 y 2018.

Las sesiones cordobesas, especialmente significativas para Delgado —nacido en España y criado en Alemania tras la salida de su familia durante el franquismo—, constituyen la base de parte del material que ahora se publica.

Dos punks influyentes

Gabi Delgado, fallecido en 2020, fue una figura clave de la música electrónica europea. Cofundador de Deutsch Amerikanische Freundschaft (DAF) junto a Robert Görl en 1978, publicó siete discos con la banda y desarrolló proyectos paralelos como Delkom y DAF/DOS, además de editar cuatro álbumes en solitario. Todo ello antes de su inesperada muerte, en el año 2020, y que le llegó en un momento álgido de reconocimiento (la prueba es que, solo en 2025, en Alemania se han publicado tres discos con versiones de canciones que escribió).

Por su parte, Marc Hurtado —músico, performer, poeta y cineasta— acumula más de treinta discos, ya sea con Étant Donnés, su proyecto Sol Ixent o sus numerosas colaboraciones con figuras como Alan Vega, Lydia Lunch o Michael Gira.

Su asociación con Delgado cristaliza ahora, dos décadas después, en un primer álbum que ellos mismos definían como una forma de resistencia artística y espiritual. La publicación de este LP, editado por Play Loud! Productions (con tirada bastante limitada de 300 copias), recupera y pone en circulación un material de enorme valor documental y artístico, y reafirma la potencia creativa de un encuentro entre dos creadores clave (y bastante punks) en la música experimental europea.

El productor y dj cordobés Nice G presenta LASAÑA REMIXXXTAPE, el primero de una serie de mixtapes (recopilatorios brutos, con remezclas y edits libres de derechos, en buena medida) con las que inaugura una nueva etapa creativa. El proyecto, concebido “como una buena lasaña, capa a capa”, reinterpreta algunos de sus temas favoritos del panorama urbano en clave club, con una mezcla que une jersey club, drum & bass, baile funk y rave.

La idea detrás de Lasaña Mixtape es sencilla: ofrecer una nueva lectura de los sonidos que definen, a juicio de Nice G, la escena urbana actual, trasladándolos directamente a la pista. “Tenía muchas ganas de hacer algo diferente”, comenta el productor en el texto que acompaña esta selección de los temas que más le gusta pinchar, pero “con un giro más club”.

Explica Nice G que cada track del proyecto tiene su propio “carácter y sabor”. Desde la crudeza callejera de Yung Beef x Pablo Chill-E, al toque picante de Anitta x Brray x Bad Gyal, pasando por la energía desbordante de Sticky M.A. x Rojuu, Lasaña Mixtape se presenta como un recorrido por los ritmos que marcan el pulso de las noches de club en 2025.

Lo interesante del proyecto es que no se trata de simples remezclas. Cada tema está reimaginado con estructuras pensadas para el club, con drops precisos, bajos expansivos y texturas que invitan a bailar a un tempo acorde a los tiempos que corren (aceleradísimo y sin apenas pausas).

El lanzamiento viene acompañado de un cuidado apartado visual, con diseño de portada y lettering a cargo de Beni Lavaina, visuales de NH Prods y un delantal custom diseñado por Joely Archive que ya se ha convertido en parte de la estética del proyecto. “Después de meses de curro, por fin está fuera. Gracias a todos los que lo han hecho posible”, celebra el artista, residente de Jueves con G en Glam Club y parte del equipo de Sabotage.