El insólito periplo de una obra atribuida inicialmente al círculo de Julio Romero de Torres ha dado un nuevo giro inesperado. El cuadro, subastado en noviembre de 2025 en Londres bajo sospecha de no ser del pintor, sino de su círculo, finalmente se compró por un precio de cientos de miles de euros cuando algunos pujadores dudaron de esa calificación. Ahora, ha terminado regresando a España y formando parte de la colección del empresario y coleccionista pozalbense Blas García.

El viaje de la obra hoy conocida como Los celos no solo ha estado marcado por una subasta sorprendente en Londres, sino también por una larga historia de dudas, errores de atribución y revisiones que se remonta, al menos, a 2005. Aquel año, el cuadro —entonces titulado La Cordobesa— iba a ser subastado por Sotheby’s dentro de una importante venta de pintura española celebrada en Londres. La obra incluso llegó a exhibirse en Sevilla, junto a piezas de grandes nombres como Sorolla, Ramón Casas o Sunyer, con una estimación de salida de entre 104.000 y 149.000 euros.

Todo apuntaba a que superaría ampliamente los 200.000 euros. Sin embargo, la operación se detuvo en seco: antes de la subasta, comenzaron a surgir dudas sobre la autenticidad de la obra. Lo recuerda, en una conversación telefónica, la experta Mercedes Valverde, que en 2005 era directora de los Museos Municipales de Córdoba y fue contactada para certificar su autenticidad. Así, tras recibir inicialmente unas fotografías del cuadro sumamente oscuras, Valverde detectó dudas y solicitó examinar la obra en persona (algo que no pudo hacer).

“Cuando me llamaron en 2005, el cuadro tenía un dedo de un producto graso que me impidió ver cómo era la obra. Y no pude ir a Londres, así que expresé mis dudas porque, si no podía verlo, no podía certificarlo”, explica ahora Valverde, que también recuerda que había otra cuestión que le generaba intranquilidad: el hecho de que “el cuadro se vendió después de morirse Julio”. Además, Sotheby´s no dio entonces la medida correcta del cuadro y tampoco existía en 2005 ninguna fotografía de La cordobesa (posteriormente, apareció un daguerrotipo que sí demostraba que Julio la había fotografiado y era suya). Tampoco pudo entonces Valverde ver la firma que había en la parte trasera. Así que, finalmente, indicó que no podía autentificar la obra.

De “falso” a fenómeno en Londres

Con ese dictamen prudente, la casa de subastas optó por retirar la obra, que volvió a desaparecer del circuito público durante años. Concretamente, dos décadas después, la pintura reapareció en una subasta en Londres, en la casa Roseberys, esta vez atribuida al “Círculo de Julio Romero de Torres”, una catalogación habitual para obras de autoría dudosa.

El precio de salida, de apenas 400 libras, contrastaba con las cifras que había manejado Sotheby’s en 2005. Lo que ocurrió después fue un giro inesperado: la puja se disparó hasta las 95.000 libras, alcanzando más de 124.000 con comisiones, cerca de 140.000 euros. Una revalorización extraordinaria para una obra que, sobre el papel, no era auténtica. Expertos consultados calificaron entonces el episodio como “un disparate”, subrayando que rara vez se produce un incremento de tal magnitud en piezas catalogadas como no auténticas.

El desenlace ha sido aún más inesperado. El comprador que ganó la subasta nunca llegó a pagar la obra, lo que permitió que fuera ofrecida al segundo mejor postor: el coleccionista pozalbense Blas García, que posee varias obras de Romero de Torres. Lo cuenta a Cordópolis: “Por avatares de la vida, el cuadro de Londres famoso por ser catalogado como ‘falso’, ha acabado en mi colección finalmente y es una de las mejores obras de Julio”.

De nuevo, se requirió el concurso de la mayor experta en Romero de Torres, Mercedes Valverde, que esta vez sí ha podido desplazarse a Londres para valorar la obra en persona. Esa nueva revisión ha sido determinante. A diferencia de 2005, Valverde ha podido estudiar el cuadro en profundidad, incluyendo radiografías y un proceso de limpieza que ha permitido ver la pintura en su estado original.

“En esta ocasión sí he podido verlo, se han hecho radiografías, se ha limpiado y puedo certificar que es auténtico”, afirma con rotundidad. Y así es como La cordobesa se ha convertido en Los celos: “Se ha cambiado el nombre porque en el recibo de compra lo titulaba Los celos”. La limpieza ha sido clave también para el propietario. “La obra tras la limpieza es una auténtica joya”, asegura García. “Lo mejor es que estaba pura, puesto que jamás se había limpiado, por lo que la obra estaba tal cual la pintó Julio”.

La Fundación Kutxabank ha dado a conocer este miércoles el fallo del concurso de pintura rápida 'Córdoba y sus patios', celebrado el sábado pasado, y cuyo primer premio, que está dotado con 3.000 euros, ha recaído en la pintura realizada por el granadino Adrián Marmolejo.

Por su parte y según ha informado la Fundación Kutxabank en una nota, los cordobeses Miguel Repollés y Jaime Jurado han obtenido el segundo y el tercer premio, dotados con 2.000 euros y 1.000 euros, respectivamente.

La entrega de premios del certamen se celebrará el próximo viernes, día 27 de marzo, a las 12,00 horas, en la Sala Polivalente del Palacio de Viana de Córdoba, donde quedarán expuestas las obras seleccionadas hasta el próximo 12 de abril.

Junto a los ganadores en la edición de este año, expondrán también sus obras los siguientes artistas: Marta Fernández, Eduardo Gómez, Juan Lucena, Carlos Montero, Daniel Lavado, Federico Plasencia, José María Sánchez, Cristobal León y Alfonso Buendía.

Un total de 83 artistas, casi el doble que en la edición anterior participarán mañana sábado, 21 de marzo, en el concurso de pintura rápida 'Córdoba y sus patios 2026', organizado por la Fundación Kutxabank, bajo la temática de 'Vínculo de los Patios con la Provincia de Córdoba'.

Según ha informado la Fundación Kutxabank en una nota, de esta forma invita a creadores, aficionados y profesionales, a capturar la esencia de los emblemáticos patios cordobeses en una jornada de creación en vivo.

Los artistas captarán la luz del día, la belleza y el ambiente de sus rincones en su interacción con los patios en la ciudad de Córdoba, y podrán acceder a la colección de patios del Palacio de Viana, que ese día abre sus puertas a los artistas.

Las obras de los artistas se realizarán entre las 9:00 y las 17:00 de mañana sábado, mientras que el fallo del jurado se dará a conocer el próximo lunes, 23 de marzo, y el 27 de marzo se entregarán los premios en el Palacio de Viana, estando previsto que las obras seleccionadas se expondrán en una muestra durante dos semanas.

El Ministerio de Cultura ha adquirido en una subasta celebrada este jueves en Barcelona una obra del pintor cordobés Julio Romero de Torres que llevaba décadas fuera del radar de los expertos. El cuadro, titulado Samaritanas —también conocido como Hermanas Pastor o En el pozo— salió a puja en la casa de subastas Balclis y alcanzó un precio final de 140.000 euros tras diez pujas.

Sin embargo, el Estado ejerció el derecho de tanteo, un mecanismo legal que permite a la Administración adquirir bienes culturales en subasta igualando la puja ganadora previamente autorizada. De este modo, una vez cayó el martillo, el Gobierno se adjudicó la pieza por la misma cantidad ofrecida por el mayor pujador (140.000 euros). A ese precio hay que sumar además la comisión habitual de la casa de subastas, que ronda habitualmente el 25%, según fuentes conocedoras de la operación.

Una operación (la compra de un cuadro por parte del Estado) que, aunque no es rara en el mercado del arte español, no ha sido tan habitual en lo que a Romero de Torres respecta. Según fuentes del sector, es la primera vez en décadas que el Estado ejerce el derecho de tanteo sobre una obra del artista cordobés, uno de los pintores más emblemáticos del arte andaluz de comienzos del siglo XX.

Una obra desaparecida durante décadas

El cuadro había permanecido durante años fuera del radar de algunos coleccionistas y expertos en la obra del artista cordobés. Se trata de una pieza que fue pintada, en torno a la década de 1920 o principios de los años treinta y luego se le perdió la pista. Desde Balclis indican que es probable que en esos años estuviera en Argentina, si bien, Balclis la compró en los años 70 del siglo pasado, para después venderla a un particular.

Este coleccionista la ha tenido hasta que, de nuevo, el cuadro ha salido a subasta a través de Balclis, y de ahí pasará al Ministerio de Cultura. La obra, de 111 por 121 centímetros, está realizada en óleo y temple sobre lienzo y aparece firmada por el artista. Representa a dos jóvenes situadas junto al brocal de un pozo de estilo árabe antiguo, cada una con un recipiente para recoger agua.

Según explicó Balclis en la presentación del lote, la escena podría aludir simbólicamente a las mujeres de Samaria mencionadas en la Biblia, lo que justificaría el título Samaritanas. No obstante, el cuadro también ha sido identificado como Hermanas Pastor, probablemente en referencia a las modelos retratadas.

La escena contiene además elementos característicos del universo estético de Romero de Torres: la jarra de cobre y la orza de loza, las “mujeres morenas”, protagonistas habituales de su pintura y un paisaje crepuscular y enigmático, con edificios que cierran la escena a modo de friso y generan una atmósfera silenciosa y melancólica.

Según la casa de subastas, esa ambientación oscura y solitaria recuerda incluso a ciertos rasgos de la pintura metafísica, por la sensación de misterio y quietud que transmite.

Estado de conservación

El informe técnico elaborado para la subasta señala que la obra presenta barniz envejecido y la tela ligeramente destensada, aunque se conserva en buen estado general. El marco original, de madera dorada, presenta algunas faltas.

Lo curioso es que, de esta obra, también existen varios testimonios gráficos históricos, entre ellos fotografías en el Archivo de Córdoba en sepia del estudio “Fotografía de Arte Moreno” tomadas entre 1925 y 1940, además de postales en blanco y negro y en color de la misma época, que son habituales en portales de coleccionismo.

Por el momento, el Ministerio de Cultura no ha confirmado aún su destino definitiv. Las fuentes consultadas consideran que lo más probable es que la obra termine incorporándose a las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ya que es habitual que las adquisiciones directas del ministerio para arte del siglo XX se integren en ese museo, que además tiene otras siete obras de Romero de Torres.

El pasado jueves 26 se inauguró con gran éxito de público la exposición Paisaje y memoria. Tres décadas de pintura. Es una amplia retrospectiva de la obra del artista Francisco Escalera (Córdoba, 1965), se exhiben en total 39 obras de este creador, procedentes de las diversas series pictóricas que ha realizado a lo largo de su trayectoria y que lo confirman como uno de los principales paisajistas españoles actuales y exponente de la pintura paisajística contemporánea en Andalucía. 

El acto fue presentado por Francisco Mantecón (Director del Museo), el delegado de Cultura, Patrimonio, Christopher Rivas y la delegada de Hacienda Ángeles Ballesteros. También asistió al acto la concejal del PP en Alcalá de Guadaíra, María José Carrascosa.

El río Guadalquivir, las grandes ciudades históricas italianas o una nueva serie sobre el río Guadaíra son los protagonistas de Paisaje y memoria, que permite observar la evolución de Escalera tanto en su técnica y su temática como en el cromatismo de su paleta. La muestra y el catálogo reflejan también el pensamiento que subyace en la obra del artista, que se aleja del realismo para crear atmósferas muy personales, de fuerte carga psicológica y en las que se reflexiona sobre la relación del hombre con su entorno o sobre la transformación que el ser humano produce en la naturaleza.  

El pintor Francisco Escalera explica lo importante que es para él poder reunir en una exposición obras de sus distintas etapas con el fin de que se pueda observar un recorrido amplio de su labor creadora. Allí reconoce por ejemplo que su pintura está influida por Edward Hopper, Giorgio de Chirico, la Escuela de Londres o la Escuela de Vallecas, así como por artistas abstractos como Piet Mondrian o Mark Rothko y por el cine negro o el neorrealismo italiano. Se incluyen sus diferentes ciclos pictóricos y series muy relevantes en su carrera como Paisajes de paso, Territorios de agua o Italia. Según explica Escalera, “intento despertar el interés del espectador sobre la necesidad de implicarse en la obra, de adentrarse en ella, prestando atención a las formas”. “Creo que existe una interrogación constante sobre cómo miramos, cómo percibimos y cómo ordenamos esta visión”, añade. 

La muestra Paisaje y memoria. Tres décadas de pintura podrá verse de forma gratuita desde el 26 de febrero hasta el 5 de abril. El horario es de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00. y el sábado y domingo de 12:00 a 14:00 y de 19:00 a 21:00.

La Fundación Kutxabank sigue apostando por el apoyo a expresiones culturales y del patrimonio andaluz, lo que en este caso hace convocando una nueva edición del Concurso de Pintura Rápida 'Córdoba y sus patios 2026', con el que invita a creadores aficionados y profesionales de toda España a “capturar la esencia de los emblemáticos patios cordobeses en una jornada de creación en vivo”, que se celebrará el próximo 21 de marzo.

Según ha informado la Fundación Kutxabank en una nota, hasta el momento el concurso ha contado con la participación de más de 240 artistas que, a lo largo de los años, “han tomado las calles y patios, generando un diálogo entre el arte contemporáneo y la tradición arquitectónica”.

De esta forma, el certamen, cuyo plazo de inscripción está abierto hasta el próximo 19 de marzo, persigue también convertirse en “una oportunidad de desarrollo profesional para artistas locales, premiando el talento e incentivando el trabajo de pintores emergentes y consagrados”.

El concurso cuenta con una dotación económica para los tres primeros premios de 3.000, 2.000 y 1.000 euros, respectivamente. La convocatoria es inclusiva, dado que puede participar cualquier persona, sin importar su trayectoria previa, según las bases técnicas del concurso.

Arte y cultura en la calle

El día del concurso, el próximo 21 de marzo, los participantes deberán llevar su material de pintura. La temática versará sobre patios de la ciudad de Córdoba y su provincia. Además, se podrá acceder a la colección de patios del Palacio de Viana de forma gratuita por parte de aquellos artistas que se hayan inscrito en el concurso y se acrediten en las puertas de acceso.

La obra se realizará por cada artista en el lugar indicado en el formulario de inscripción, entre las 9:00 y las 17:00. La organización admitirá todas las técnicas pictóricas y corrientes estéticas, no aceptándose obras digitales.

Las bases del concurso y el formulario de inscripción se encuentran disponible en la web 'www.fundacionkutxbank.es' en el apartado 'Córdoba y sus patios 2026'. El acto de entrega de premios tendrá lugar en el Palacio de Viana el próximo 27 de marzo. Las obras seleccionadas se expondrán en una muestra durante dos semanas.

En el taller de Almudena Castillejo hay sirenitas, retratos, marineros, narices turquesa, orden y color. Mucho color. La joven ilustradora cordobesa ha logrado forjar un sello inconfundible a caballo entre la postal folclórica y la ensoñación andaluza. En 2021 fue seleccionada por Cruzcampo para la súper campaña Con mucho acento que devolvió nada menos que a Lola Flores al mundo de los vivos. Desde entonces no ha parado. Fundadora del colectivo artístico Algazara, se ha rebelado como una creadora hiperactiva, nada acomodaticia y siempre dispuesta a ampliar los horizontes del arte visual.

PREGUNTA. Usted ha dicho: “Estoy segura de quién soy y hacia dónde voy”. Soy todo oídos.

RESPUESTA. Soy Almudena Castillejo. Soy artista. Soy mujer. Soy andaluza y sé de dónde vengo.

P. ¿Y de dónde viene?

R. Sé quiénes fueron mis padres. Conozco cada esquinita y cada recoveco de esta ciudad, de la historia de mi familia, de la historia de mi vecino y lo que me queda todavía por descubrir. Sé por qué tengo los ojos marrones, por qué muevo las manos de una manera tan exagerada, por qué tengo este acento y por qué digo expresiones que suelo usar en mi día a día. Conozco mi historia y por eso sé a dónde quiero ir. Y no soy más que una hormiguita en este hormiguero que quiere pasar por esta vida cuidando del lugar donde se encuentra. He ido regando los campos por donde he pasado y he hecho todo lo que estaba en mis manos por hacer el bien a mi comunidad.

P. ¿Saber de dónde se viene ayuda a saber adónde se va?

R. Para mí, sí. Y lo puedo defender. Yo siento mis raíces y forman parte de quien soy inevitablemente.

Soy artista, soy mujer, soy andaluza y sé de dónde vengo

Almudena Castillejo (Córdoba 1987) es hija de una modista. Y en la casa donde se crió era indistinguible dónde llegaba la vivienda y dónde empezaba el taller. Siempre que volvía del colegio había una mujer esperando en el salón y otra que acababa de cerrar la puerta. Todo era una bendita confusión: el taller de costura, el comedor y el cuarto de las tareas. “Todo eso lo he llevado en mi ADN y en mi formación”, asegura sentada en una butaca.

De tal forma que ha repetido en su vida el modelo de negocio que heredó de su madre. “Durante años mi casa y mi taller eran lo mismo”, sostiene. Al menos, hasta que abrió Recoveco, el luminoso estudio donde tiene lugar esta entrevista. “Siempre terminaba con mis alumnos tomando café en la cocina o el cliente sentado en el salón de casa”.

Formó parte de la primera promoción de la rama de Ilustración que se puso en marcha en la Escuela de Arte Mateo Inurria. Jamás dudó de que quería ser lo que ha terminado siendo. “Nunca tuve un plan B”, afirma de manera gráfica. De pequeña, se entretenía con el dibujo, las telas de su madre y los collages. Y sus padres lo tenían claro: “La niña va a ser artista”. Y así fue.

Su paso por la Escuela de Arte fue providencial. “Qué profesorado más maravilloso”, proclama. Cuando terminó el ciclo de Ilustración se matriculó en la Facultad de Bellas Artes de Granada, pero no pudo concluir la carrera y regresó a Córdoba. Irrumpió en el mundo profesional como un vendaval. Ilustrando libros, organizando exposiciones, dando clases de dibujo y presentándose a todas las convocatorias públicas que se ponían por delante. “Y nunca dejé de pintar”, asegura.

P. He leído en internet sobre usted lo siguiente: “Artista que fusiona el surrealismo pop, la ilustración clásica y una profunda carga simbólica”. ¿Da el clavo?

R. Surrealismo pop es una corriente guapa nueva, ¿no? Mola para hacer camisetas. La voy a explotar porque me gusta un montón. He bebido mucho de la ilustración y puedo utilizar iconos que sean muy reconocibles. Me interesa más el mundo de las emociones que el de las apariencias. Por eso hago tantísimos retratos.

P. Ilustradora, artista visual y muralista. ¿Dónde se siente más como pez en el agua?

R. Con un pincel en la mano. Y manchadita de pintura.

P. ¿Mejor pincel que lápiz?

R. Colores. Necesito los colores.

P. ¿Por qué necesita los colores?

R. Porque forman parte de mi mensaje. Por ese simbolismo. Por este surrealismo pop, que necesita el color. Yo no puedo hacer nada por azar. Todo tiene que tener un porqué. Siempre tiene que haber una historia detrás. Y necesito la fuerza que me da el color para que esa historia esté completa.

No quiero ser solo la chica Cruzcampo

Se declara una “obstinada narradora de historias” y reivindica el retrato como soporte esencial de su obra. De hecho, las paredes de su taller están pobladas de rostros multicolores envueltos en vegetación, rodeados de fruta o sosteniendo ovillos de hilo. Sus ilustraciones se han dejado ver en Buenos Aires, Cuba, Frankfurt, Murcia, Alicante, Madrid, Gijón, Jaén y, por supuesto, Córdoba. “Me he presentado a muchas convocatorias, a muchos certámenes, a muchas agencias de publicidad, siempre con mi portfolio en la mano. Es un trabajo muy duro. Y lo que saco de aquellos años, aparte de sumar un currículo artístico, fue acostumbrarme al ”no“. No sé cuántos ”noes“ he recibido en mi vida”, reconoce en su estudio Recoveco.

En mayo de 2021, lideró la fundación del colectivo artístico Algazara, que agrupa a una veintena de creadores comprometidos con la defensa de la identidad andaluza. La iniciativa surgió a partir de un proyecto expositivo titulado Algazara, el presente del Califato, comisariado precisamente por Almudena Castillejo, pero acabó consolidándose como un grupo estable de creación multidisciplinar. “La cuestión no es solamente dibujar o pintar, sino también buscar conexiones entre artistas e inventar. Me encanta hacer proyectos de coordinación o colaborativos”, señala la ilustradora.

La idea central de la iniciativa perseguía combatir los clichés y estereotipos que gravitan habitualmente sobre la cultura andaluza. “Queríamos exponer una visión propia de nuestras raíces, aunque bajo una perspectiva contemporánea, y defender esa parte cultural andalucista a través de nuestra obra, ya sea por las temáticas o por las técnicas que usamos”, argumenta Castillejo.

P. Usted fue fundadora del colectivo Algazara. ¿Se aburría sola en el taller?

R. No. Estoy a gusto en el taller, pero necesito compartir. Por eso también me gusta mucho el retrato, porque necesito de la gente. La realidad es que estaba muy enfadada en ese momento. Ya estaba harta de los estereotipos y quería dar un mensaje sobre la identidad andaluza contemporánea. Podía haber hecho una exposición andalucista con esa idea yo sola, pero era mucho más interesante hacerlo con artistas andaluces. Y bendita la hora.

P. El título de aquella exposición fue Algazara, el presente del califato. ¿Y quién es vuestro califa?

R. Se llamó El presente del califato por unas declaraciones de Ayuso acerca de que la historia de España había empezado con la reconquista. ¿Y Al Andalus nos lo comemos con papas? Es que es muy fuerte el robo identitario continuo desde el franquismo hasta ahora. Ahí tenemos, por ejemplo, Madrilucía. ¡Qué vergüenza! Vamos a hacer un mes de feria y la vamos a llamar Madrilucía. Utilizan parte de nuestra identidad, que es la feria, para sacar reales. Y encima está detrás una empresa de Bertin Osborne. Como andaluza se me cae la cara de vergüenza. Así que Algazara sale del enfado y es una palabra que alude al ruido de mucha gente que nace de la alegría. ¿Quién es nuestro califa? Nuestra matria, nuestra madre, nuestro padre, nuestro vecino. Y tenemos muchos profetas: desde Antonio Manuel a Soledad Castillero, Jesús Bienvenido o Isidoro Moreno. Gente maravillosa.

P. ¿El arte andalucista existe?

R. Sí. Por supuesto.

Tengo un corazón muy quinqui

P. El suyo.

R. El mío y el de otras personas. En el momento en el que un ilustrador o un poeta está escribiendo en EPA ya es andalucista.

P. ¿Qué es EPA?

R. EPA es una propuesta lingüística de escritura en andaluz. No quiere decir que vayamos a dejar de escribir en castellano de la RAE.

P. ¿Usted escribe en EPA?

R. He escrito muchas veces en EPA para crear títulos o poemas. En la forma de rimar me viene muchísimas veces mejor mi acento andaluz que el castellano.

P. Y luego vino la colaboración con la campaña de Cruzcampo.

R. Surgió a través de las redes sociales. Contactaron conmigo por Instagram. Habían visto mi trabajo, mis proyectos y como defendía públicamente la iniciativa de Algazara.

P. ¿Y qué le dijeron a través de Instagram?

R. Al principio no me desvelaron de qué empresa se trataba ni cuál era la campaña. Nada. Solo me dijeron de qué agencia de publicidad se trataba, que les había gustado mi trabajo y que querían proponerme colaborar en una campaña.

P. Y la llamaron por teléfono.

R. Sí. Y me dijeron que tenían entre manos un proyecto de ilustración y merchandising. La idea de ellos era hacer camisetas, bolsas y otro material. Me comentaron que les había gustado mucho mi perfil, mi trabajo y la defensa que hacía de nuestras raíces bajo mi prisma contemporáneo. Y me contactaban para una campaña que luego se llamó Con mucho acento. También querían encontrar palabras que conectaran con el público para defender nuestra identidad. Cada botellín y cada lata estaba ilustrada por una palabra: duende, coraje, fiera, poderío. Eran palabras potentes e identitarias.

P. La suya fue duende.

R. Sí. Ellos me la asignaron.

P. No estaba usted sola. Había otros seis ilustradores andaluces en este proyecto.

R. Sí. Dos de ellos forman el estudio Rebombo y son de Cádiz. Gracias a ese proyecto nos conocimos y seguimos teniendo mucho contacto. Fue un proyecto que funcionó muy bien. Formamos un equipazo impresionante y luego hemos seguido trabajando posteriormente.

P. Y le dio visibilidad como artista.

R. Sí. Incluso más al colectivo Algazara, aunque yo fui como Almudena Castillejo. Y mi mensaje fue un mensaje andalucista a través del arte. A partir de aquella campaña me empezaron a tomar más en serio.

Necesito la fuerza que me da el color

P. Usted hizo etiquetas para la botella y la lata de cerveza Cruzcampo.

R. Cada uno diseñó una etiqueta distinta. No sé cuántas dibujamos. Había un trabajo detrás inmenso. Estaba todo estudiadísimo al milímetro. Hicimos muchas propuestas. No sé cuantas rondas se hacían y además con un feedback duro.

P. ¿A qué se refiere feedback?

R. Tú empiezas con mucha libertad poniéndole mucha alma y yo tuve que dar una masterclass de por qué había metido una estrella tartésica en la botella. Tuve que defender cada elemento. Me preguntaron: “¿Esta estrella tiene connotaciones religiosas?”. No. No tiene connotaciones religiosas. Teníamos que explicar cada detalle con un contrato firmado de aupa.

P. ¿De dónde era la agencia?

R. La agencia era sevillana. Y la campaña era Con mucho acento. La famosa de Lola Flores. Los jefes eran vascos, aunque la última palabra la tenía la empresa alemana de cerveza. La campaña estaba muy bien pensada. No solamente era una nueva etiqueta, sino que querían conectar con un público más joven.

P. ¿Cuánto tiempo duró el proyecto?

R. Fueron muchos meses hasta la fiesta de presentación. Aproximadamente un año. Y como funcionó tan bien al año siguiente nos volvieron a contratar. No teníamos que diseñar nada nuevo, pero mientras que la campaña estuvo vigente estábamos contratados. Si tú has firmado unos derechos de autor para un año, y esa campaña se va a seguir publicitando en televisión y las botellas van a seguir vendiéndose en un bar, pues los tienen que pagar. Ojalá esa campaña se hubiera tirado 10 años más. Para mí fue una pasada y me lo tomé muy en serio. Yo puse el corazón en la mesa y nos dio el espacio para tener voz.

P. ¿Almudena Castillejo será ya siempre la chica Cruzcampo en Córdoba?

R. No, leche. Tengo mucho más que dar. Para nada. Es bonito, pero no quiero quedarme en Cruzcampo.

P. Quiere pasar a Estrella Galicia.

R. Este año he estado trabajando con la cerveza Alhambra.

P. Se está usted especializando en cerveza.

R. Voy a ir pasando por todas. La chica de las cervezas. Eso sería guay.

P. ¿Qué es el duende?

R. Me hace mucha gracia cuando me dicen que tengo un don. Y el don son muchos años de curro, ya seas músico, pintor o escritor. Hay muchas horas detrás. Cualquier persona puede aprender a dibujar. ¿Qué te puedo enseñar yo? Perspectiva, composición, dibujo, técnica. Pero, de repente, hay una cosa que atrapa al espectador: eso que no sabemos explicar por qué nos hemos detenido en este cuadro y no puedes dejar de mirarlo. Ese es el duende. La magia. A mí me encanta la sensación del vello de punta porque es una de las pocas cosas que no se pueden disimular en esta vida.

Los chicos votan a la derecha mientras que las chicas defienden políticas feministas

P. ¿Todos los muralistas llevan un grafitero en su interior?

R. Si digo que sí me comerían viva. El grafiti tiene una historia social y política detrás absolutamente potente. Y de por sí engloba un estilo y una técnica muy particulares.

P. El grafitero es el muralista furtivo.

R. Por supuesto. El clandestino, el de la crítica social, el rompedor. No hay mejor escaparate para que llegue un mensaje que un muro.

P. Usted lleva una grafitera dentro.

R. Sí. Yo tengo una parte quinqui que no se puede obviar. Y aunque sepa cómo comportarme en una mesa, tengo un corazón muy punky. Y si llega el momento en que puedo lanzar un mensaje potente social o político, lo voy a hacer ya sea usando una pared, un dibujo en Instagram o una camiseta.

P. ¿Y qué mensaje político quiere lanzar?

R. Me gustaría lanzar muchísimos.

P. Deme uno.

R. Ahora mismo estoy pasando una época muy triste y muy desalentadora.

P. ¿Por qué?

R. No me gusta hacia donde nos dirigimos.

P. ¿Y hacia dónde vamos?

R. Hacia una oscuridad. Tengo la energía de cuando tenía 15 años, pero parece que por dentro llevo a un ser de 80. Estoy un poco desalentada.

P. Por cómo circula el mundo.

R. Por el mundo. Por el fascismo creciente en nuestra sociedad. Ya no solamente en Andalucía y Europa. Yo he crecido pensando que los derechos conseguidos ya no se iban a perder. Y se pueden perder. He sido muy ilusa y muy ignorante. Y me da muchísimo miedo. Parece que el ser humano está empujando hacia atrás en contra de las propias leyes de la física. Me parece muy triste y me da mucha mucha rabia.

Algazara nació del enfado con los estereotipos sobre Andalucía

P. ¿Para qué diablos sirve el arte?

R. El arte es un buen arma para lanzar mensajes y hacer reflexionar al espectador. Con una canción se puede convencer de que el amor puede con el odio. Pasó ayer con Bad Bunny. Y lo que dijo tendría que ser la base de la humanidad. El arte urbano es una herramienta social y política para lanzar mensajes fuertes. A veces me pregunto: “Con todos los problemas que hay en este mundo, ¿que hago yo pintando?”. Muchas veces me siento una absoluta mierda. Si lo que tendría que hacer es tirar los pinceles y echarme a la puta calle donde hagan falta estas manos. Aunque luego tengo que reconocer dónde están mis límites.

Yo tengo una parte de psicóloga increíble. Toda esta parte del retrato por encargo que hago de una manera muy emocional y con un objetivo muy claro. El producto que hago está cargado de sentimentalismo. Antes del retrato, entrevisto al cliente con una descarga brutal de sus luces y sus sombras. Trato de personalizar el retrato y alguno de mis clientes terminan llorando.

P. ¿Para ser mujer y artista hay que tener poderío?

R. Hay que tenerlo para todo en esta vida. Hasta para abrir el frigorífico y tener solo un tomate y un pimiento para cocinar. El poderío no solamente es la fuerza, sino la resolución de un problema siempre de forma creativa, con ímpetu y no agachando la cabeza. Tengo un tomate y un pimiento y voy a sacar una obra de arte con muy poquito.

P. ¿El feminismo es la gran revolución contemporánea?

R. En la tercera ola del feminismo se han conseguido muchas cosas. Sí, el feminismo ha sido la gran revolución contemporánea. Antes se negaba y ahora me encanta escuchar a un político de derechas diciendo “hola a todos y todas”. ¿Ahora qué? Les sale ya fluido. Desde el lenguaje inclusivo hasta la negación del techo de cristal.

P. Leo en internet lo siguiente: “El antifeminismo emerge ya como motor del voto de extrema derecha”.

R. Totalmente. La mayor parte de los chicos son más votantes de derecha que las chicas. La mayoría de las chicas jóvenes van a votar a la izquierda y defienden políticas feministas.

P. Antes, sin embargo, la mujer era la reserva conservadora de la sociedad y ahora son las más progresistas.

R. En el momento en que la mujer pudo acceder mayoritariamente a la educación y se salió del rol de esposa y madre.

P. ¿Raíces o alas?

R. Es que para que crezcan las alas tenemos que tener raíces. Si no las plantas no crecen.

P. Es usted consumidora compulsiva de poesía. ¿Qué verso le abrió los ojos?

R. Es que si os lo cuento…

P. Hemos venido para eso.

R. Puede parecer muy típico, pero desde muy pequeñita el verso que me abrió los ojos fue el Ser o no ser.

P. De Shakespeare.

R. Yo era una apasionada de Shakespeare. Y puedo repetirle el verso entero: “Ser o no ser, esa es la cuestión, ser más noble, sufrir en el ánimo la ira y venida de la insultante fortuna o alzarse en armas…”. No le voy a decir que el verso que me abrió los ojos fue de Lorca o Machado.

Ayuso dijo que la historia de España empieza en la reconquista. ¿Y Al Andalus nos lo comemos con papas?

P. Eso es lo que se espera de una andalucista.

R. Pues no. ¿Qué entiende usted por andalucismo? ¿Que tengo que cantar todo el día fandango? Esa no es la visión de Algazara: yo te hago rap pero te meto un fandango. ¿Por qué? Porque esa ha sido mi generación también. Nosotros hemos crecido con los mass media. Hemos crecido con música en inglés. Pero es que eso es lo que mola. Esa es la fusión. Hay cosas en la actualidad de nuestra propia Andalucía que yo rechazo y reniego. Y quiero cambiarlas. Quiero una Andalucía feminista y una Andalucía diversa de infinitos colores. He leído a Shakespeare y he escuchado a Camarón, pero después de Camarón me ponía los Red Hot Chilli Peppers. Es que eso es lo que soy también. Por eso no pinto como Murillo y soy surrealista pop.

P. Dice usted ser una “obstinada narradora de historias”. ¿Le ha tentado el cómic?

R. Sí. Me ha tentado, pero nunca he conseguido hacer algo realmente bueno. Soy tan cambiante que paso de un cuadro de madera a un muro o a un papel. Y se necesita de verdad mucha paciencia y disciplina para que empieces una novela gráfica y termine como ha empezado. Eso es muy difícil. Es admirable lo que hacen todos estos artistas. Tener un buen dibujo de autor y hacer una novela gráfica así es complicadísimo. Yo cuando llevo hechas 30 páginas me apetece meter un collage. Me cuesta la misma vida.

P. Sus clientes son Cruzcampo, Carrefour, Sadeco, Reina Sofía, Alhambra, Diputación Provincial. ¿Somos todos mercenarios?

R. Sí. Yo lo llamo de otra manera. ¿Lo puedo decir?

P. ¿Cómo?

R. A veces veo que somos muy putas. Yo me he sentido así.

P. Putas artísticas. Vendemos nuestro arte.

R. Muchas veces se ha utilizado mi obra para algo que no tenía absolutamente nada que ver.

P. También ha trabajado para la Fundación Blas Infante. Para una andalucista como usted es como jugar en casa, ¿no?

R. Pues me dieron tela.

P. ¿Por qué?

R. Me dieron para el pelo la primera vez que colaboré por cómo podemos entender ahora el andalucismo. Luego, al cabo del tiempo, fuimos más escuchados. Al principio Algazara no se veía con muy buenos ojos por esa forma que teníamos de defender a Andalucía desde lo andalusí. Se producía un choque en la Fundación Blas Infante entre personas que ya habían perdido completamente la esperanza y otras que no hemos vivido ni la autonomía ni ciertas cosas del pasado. Y claro: cuando vienes con una fuerza y unos ideales es normal que te digan: “¿Dónde vais?”. Dentro del andalucismo antiguamente, por ejemplo, el feminismo no era tan importante como lo es ahora. Es que ni existía. Tú podías ser muy andalucista y un machista de pro. Pero ahora mismo con el rol tan fuerte que tenemos la mujer en la sociedad de Andalucía no tendría sentido hacer ningún cambio social y político sin contar con nosotras.

P. Usted ha dicho: “Imagino una Andalucía libre y justa”. ¿Nos queda mucho?

R. Ahora mismo estoy muy desesperanzada. Y me da mucho miedo de que todo este esfuerzo y todo este trabajo que hemos hecho desde el andalucismo actual se vaya a a quedar en una mera estética o en algo superfluo. Y me da mucha pena.

El arte andalucista existe

P. ¿Qué representan sus narices turquesas?

R. Es la importancia que le doy al color, por ejemplo, para expresar un aroma. Yo pintaba antes muy realista y empecé a divertirme más con el retrato. Empecé a resumir mucho las caras; a transformarlas. Y a todos esos primeros retratos de marineros o de gente que trabajaba en el mar en diferentes oficios comencé a ponerles las narices turquesa por ese olor tan fuerte a salitre. Y se fue convirtiendo en un sello de identidad. Me gusta mirar la vida con esa ironía.

P. ¿Y qué hace una artista de tierra adentro como usted dibujando sirenitas y sombrillas de playa?

R. Porque parece que vivo soñando. A lo mejor moriré como muere la cigarra. Soñando con una Andalucía mejor. Y, si mis colores sirven para crear otras realidades en las que sentirme bien y hacer sentir a los demás reconfortados, pues bienvenidos sean.

P. ¿El color es siempre alegría?

R. No. Puede ser también peligro. Me encanta, por ejemplo, utilizar el amarillo y el negro. Esa combinación de color en la propia naturaleza está para indicarnos que algo es venenoso. La encontramos en las serpientes, las ranas o las avispas. Y también se puede crear violencia a través del uso del color.

Una de esas exposiciones que tiene que ser imprescindible para todos los amantes de la cultura y más específicamente de la pintura en Córdoba. La Fundación Cajasol ha comenzado su año cultural con la inauguración de la exposición 'Obras emblemáticas del siglo XIX en la colección Fundación Cajasol'. La muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 22 de febrero, reúne una selección de piezas de una de las colecciones privadas más importantes de Andalucía, integrada por más de 6.000 obras de arte.

Durante la presentación, Antonio Pulido, presidente de la Fundación Cajasol, ha destacado el firme compromiso de la entidad con la ciudad, subrayando que esta propuesta busca enriquecer la oferta cultural y turística de Córdoba con “contenidos de primer nivel”. Pulido ha puesto en valor el patrimonio de la Fundación, afirmando que son la entidad privada con mayor número de obras de arte en la región. Además, el presidente ha avanzado la intención de la Fundación de ampliar su espacio expositivo en la capital cordobesa debido a la creciente demanda de actividades. “Espero que pronto podamos dar noticias de que vamos a tener más espacio para celebrar este tipo de eventos, exposiciones y conferencias”, señaló.

Un viaje por la sociología y “cultura de calidad”

El comisario de la muestra, Juan Lacomba, ha descrito la exposición como un “verdadero lujo para Córdoba” y un itinerario a través de las tendencias artísticas que definieron el siglo XIX: romanticismo, realismo, naturalismo, orientalismo y costumbrismo. La selección no solo muestra la técnica de los autores, sino que actúa como una crónica de la nueva burguesía andaluza surgida tras la desamortización de Mendizábal.

Entre las piezas más destacadas se encuentra la acuarela Clotilde a la ventana (1888) de Joaquín Sorolla, una obra virtuosa de su etapa en Italia que el propio Pulido confesó tener habitualmente en su despacho personal. También sobresalen trabajos de Antonio María Esquivel, como la monumental Santa Isabel de Hungría, y obras de José Jiménez Aranda, quien se codeó con la élite artística europea en París y Roma.

Por su parte, Isabel Albás, delegada de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, ha agradecido a la Fundación su labor y ha celebrado la posibilidad de ampliar la sala de exposiciones, lo que permitirá que la ciudad siga creciendo en “cultura de calidad y de nivel”. Albás ha animado a todos los cordobeses y visitantes a acudir a la muestra, destacando la inclusión de guías de lectura fácil para acercar el arte a todos los públicos.

El Concurso Nacional de Pintura 'Ciudad de Baena', organizado por el IES Luis Carrillo de Sotomayor de la mencionada localidad, ha convocado su décimo quinta edición abierto a participantes de toda España y cuyo primer premio a nivel nacional cuenta con una dotación económica de 3.000 euros.

Según recogen las bases del certamen, consultadas por Europa Press, al certamen puede “concurrir cualquier persona, sin límite de edad, con un máximo de dos obras por autor”, que deben ser originales e inéditas, entendiendo por tal aquella que sea “de su exclusiva propiedad y que no haya sido expuesta con anterioridad ni presentada en ningún otro certamen o concurso”.

El concurso, con temática libre, establece tres categorías: la estatal, que cuenta con un premio de 3.000 euros; la local, en la que se incluye la zona de influencia del instituto (Albendín, Baena, Doña Mencía, Luque, Zuheros, Castro del Río y Nueva Carteya), con un premio de 700 euros, y la escolar, para alumnos de Baena y su comarca, dotada con 300 euros en material escolar.

Las obras deberán ser de estilo libre (figurativo o abstracto) y técnica libre, sin embargo, es “indispensable que se presenten en soporte rígido y en perfecto estado de conservación”. Además, el tamaño de las obras no será superior a 150x150 cm, ni inferior a 42 x 29,7 cm.

Los cuadros presentados a concurso no podrán estar firmados, de modo que para su identificación se acompañará, adherido al dorso del trabajo, un sobre cerrado en cuyo interior figuren los datos del autor, las especificaciones técnicas de la obra presentada al concurso, un breve currículo, fotocopia del DNI, autorización para la venta de la obra en la exposición de trabajos presentados y en el exterior el título de la obra y categoría por la que se presenta.

La recepción de las obras será en el IES Luis Carrillo de Sotomayor desde el día 8 de enero hasta el 20 de febrero, de lunes a viernes en horario de 9,00 a 14,00 horas, y lunes, martes y jueves también de 16,00 a 20,00 horas. Las obras podrán ser entregadas personalmente o mediante agencia de transportes.

Con motivo de la presentación de este certamen, la concejala de Cultura de Baena, Ana Cruz, ha indicado que aunque se trate de un centro educativo, “su labor trasciende de las aulas para convertirse en una gestión cultural de primer nivel para toda la ciudad”.

Además, ha añadido que los premios 'Ciudad de Baena' son “un paraguas que dotan de unidad y fuerza a certámenes tan potentes como el premio internacional de poesía joven Antonio Santano, el concurso de fotografía de medio ambiente y este premio de pintura”, que tienen el objetivo de que “el nombre de Baena suene con fuerza en todo el territorio nacional a través del arte y de la creación”.

Por su parte, el director del IES Luis Carrillo de Sotomayor, Luis Miguel Serrano, ha explicado que este certamen tiene como objetivo prioritario “fomentar y animar el trabajo artístico, no solo de la localidad, sino en todo el ámbito nacional”, al tiempo que tiene una finalidad pedagógica ya que, aprovechando la modalidad del Bachillerato de Artes, el alumnado podrá vivir en primera persona la experiencia de ayudar a gestionar y montar un concurso de esta índole.

Son las cinco de la tarde de un día lluvioso. Rita Rutkowski abre la puerta de su casa. Tiene 93 años y se apoya en un andador que maneja con pericia. El único cuadro suyo que decora su vivienda se encuentra en el pequeño recibidor. El resto son lienzos de amigos que ha ido acumulando con el paso de los años. Hay uno, cómo no, de su añorada amiga Hisae Yanase. “¿Para qué quiero yo tener más cuadros míos en mi casa?”, se pregunta mientras toma asiento junto a la ventana.

Desde la sexta planta, contempla el Guadalquivir y la omnipresente Mezquita. En los días claros, se atisba la silueta lejana del Castillo de Almodóvar. Es dueña de una vista espléndida sobre Córdoba. Esa fue la razón que la empujó a comprar esta vivienda al otro lado del río hace ya casi 60 años. Dos calles más abajo, aún conserva su estudio de pintura en la azotea de un edificio. Pero ya apenas lo visita. Subir los peldaños desde la última planta del ascensor es un esfuerzo titánico a los 93 años. Prefiere seguir pintando con la cabeza. Que es otra forma de pintar.

Rita Rutkowski lleva 66 años en Córdoba. Aterrizó aquí con 27 procedente de Nueva York. Y aquí se quedó por amor. Las dos ciudades están separadas por nada menos que 6.136 kilómetros. Pero en 1959 la distancia entre la capital del mundo y aquella urbe rural detenida en el tiempo era sideral. Córdoba y Nueva York habitaban en dos siglos distintos. Y para la joven Rutkowski fue un impacto brutal. Del que todavía, quizás, no se ha repuesto del todo.

En los próximos meses sus obras serán expuestas en cuatro galerías. Y se acaba de estrenar un poético documental sobre su proceso creativo firmado por Isidro Sánchez. El filme fue presentado en febrero en el Festival de Málaga bajo el título de Looking at the moment. El director se tomó tres años para rodarlo. Y entonces Rita Rutkowski aún se sumergía con frecuencia en el caos fascinante del estudio.

PREGUNTA (P). ¿Y no echa de menos pintar?

RESPUESTA (R). Hace poco he preparado una exposición aquí en la cocina.

P. ¿En la cocina? ¿Qué me dice?

R. Sí. Sobre la mesa de la cocina. La convertí en un estudio, pero en pequeño formato.

P. Ya no va a pintar al estudio.

R. Es un esfuerzo muy grande. Ya la parte física de la vida me supera y cualquier cosa luego me deja muy agotada. Estoy simplificando la vida.

Estoy simplificando la vida

P. Pero echa de menos pintar.

R. Sí, claro. En la cabeza estoy pintando siempre, aunque no pinte de verdad. La mayoría de las veces estoy captando algo que me interesa pintar. Lo hago mentalmente porque físicamente ya es un rollo.

P. ¿Qué pintura tiene en la cabeza?

R. Cuando salgo muchas veces a la calle siempre hay algo que digo: “Con eso me gustaría poder hacer algo”. Y lo hago mentalmente.

P. Ahora a su estudio de pintura no va nadie.

R. Van otras personas. Gente que me ayuda. Hace poco me han catalogado las obras porque decían que tenía que hacerlo y, por lo visto, no lo había hecho correctamente.

P. ¿Cuántas obras tiene allí en el estudio?

R. Entre 300 y 400. Hay obras de muchos años. Son los cuadros que me van quedando.

P. ¿Cuántos años ha estado pintando en ese estudio?

R. Antes de ese estudio estuve pintando en una habitación de la casa, pero era muy complicado pintar con tanta gente por medio. Los niños andaban ya por aquí y nunca encontré la tranquilidad que necesitaba. Por fin, cuando me fui al estudio, los niños todavía tenían menos de 10 años. En el estudio, quizás haya estado unos 40 años o así.

P. ¿Cuántos años lleva aquí viviendo?

R. Nosotros fuimos la primera familia que se mudó a este edificio. Todavía no había ascensor y aún se podía hacer ciertas modificaciones si cogías a los trabajadores a tiempo. Por si querías hacer otro armario o una despensa.

P. Esta es la primera casa que tuvo en Córdoba.

R. Esta casa la hizo Rafael de la Hoz y antes vivimos en otro edificio también diseñado por Rafael de la Hoz. Estaba en la Avenida de Cádiz. Era una casa más pequeña que esta y ahí nacieron todos mis hijos. Estaba enfrente de una granja de pollos, que era una especie de cortijo. Nada más asomarte a la ventana podías ver una matanza de cerdos. Era una casa casi rural.

Ir al estudio es ya un esfuerzo muy grande, pero en la cabeza siempre estoy pintando

P. Ese contraste para una neoyorquina como usted tuvo que ser fascinante.

R. Era como una aventura. Luego nos vinimos aquí. Y fue para mejorar. Aquí estoy muy feliz.

P. Le gusta esta casa por las vistas que tiene.

R. Exactamente. Hace años me prometí tener algún día una vista con casa. No una casa con vistas. No es lo mismo. Y no se puede imaginar lo que me ayuda.

P. ¿Por qué?

R. Porque miro mucho por la ventana. Mucho. Y contemplo el cambio de luz, el cambio de estación y cómo cambia el barrio.

P. ¿Por qué eligió este barrio?

R. Este barrio tiene muchas cosas. Por ejemplo, un río por delante. Cuando empecé a vivir aquí, no había otros edificios. Podía ver el río, el Puente Romano, las islas del Guadalquivir y, a la izquierda, el Castillo de Almodóvar. También la sierra con todos sus cambios de día, de luz, de tiempo. Era muy interesante.

P. Acabo de ver el documental sobre usted, que se titula Mirando al instante.

R. No le puse yo el título. Me costó mucho aceptarlo, pero le tengo respeto a los creadores. Y el documental es su obra.

P. ¿No le gustaba el título?

R. Me costó aceptarlo.

P. ¿Qué dice el título de usted?

R. Pues no le puedo explicar. Es el director de la película quien puede explicarlo mejor que yo, porque a mí me costó entenderlo. El director tendrá sus motivos.

P. ¿Conocía al director?

R. Sí. Acepté hacer juntos el documental. Había visto obras suyas y me gustó mucho su enfoque humano. No tanto por la información que proporciona sino por recrear el mundo del artista.

Todas las noches paseo por las calles de Nueva York

P. El documental se ha hecho en 2025.

R. No. Tardó 3 años en hacerlo. Ha habido muchas paradas. Isidro no vive en Córdoba y tenía otras cosas que hacer. Venía cuando podía y mientras tanto nos hicimos buenos amigos.

P. Me han impresionado tres cosas del documental.

R. ¿Cuáles?

P. La primera es ver a Rita Rukowski haciendo ejercicio con más de 90 años.

R. Siempre he hecho ejercicio. A mi manera, he sido una persona deportiva. Me ha encantado la natación. Y me encanta pasear, aunque ya no puedo hacerlo. Y también me ha gustado mucho el Tai Chí.

P. También me ha impresionado mucho verla pintar con más de 90 años.

R. He estado pintando hasta hace poco. Lo echo mucho de menos, pero es que me canso con poco que haga ya.

P. Y me ha gustado mucho el desorden de su estudio.

R. Eso es lo que mis hijos me critican muchísimo.

P. ¿Por qué?

R. Dicen que no es fotogénico.

P. Todo lo contrario. Es muy fotogénico.

R. El estudio es mi mundo y no lo intento falsear. Muchas veces me digo: “Hay que poner en orden todo este caos”. Pero luego pienso: “¿Para qué he venido aquí? ¿Para poner todo en orden o para trabajar?”. Y me respondo: “He venido para trabajar porque tenía el tiempo muy justo”. Nosotras las mujeres tenemos pluriempleo. Después del estudio tenemos muchas más cosas: la cocina, los hijos, la compra.

El estudio de pintura ha sido mi mundo

P. ¿Cuántas horas ha llegado a trabajar pintando en su taller?

R. Depende. Hay veces en que eres capaz de trabajar muchas horas. Me acuerdo una vez hace años que me puse a pintar a las 11 de la mañana y cuando terminé ya era de noche.

P. ¿Usted ha sido disciplinada y metódica pintando?

R. Yo creo que sí. He sido disciplinada quizá de otra manera. También era buena estudiante. Y muy disciplinada.

P. El estudio ha sido su refugio.

R. Desde luego. Aquí en la casa había caos trabajando. No podía asegurar los cuadros que había dejado medio hechos. Los niños se ponían a jugar y empezaban a toquetear todo. En el estudio, la primera cosa que hacía cuando entraba era poner música.

P. ¿Qué música?

R. Clásica siempre. No necesariamente antigua. La contemporánea me encanta. Hay un programa que todavía lo pongo, Radio Clásica, donde escucho nuevas composiciones. La música siempre me ha encantado.

P. En el documental sale una imagen suya pintando con Leonard Cohen de fondo.

R. Leonard Cohen, sí. Bonito. Esa forma de escribir y de componer. Qué maravilla lo que ha escrito en un lenguaje cotidiano. Con qué sentimiento.

P. El documental termina con unas imágenes antiguas de un puerto. ¿Nueva York?

R. Ya no me acuerdo. Supongo que sí.

P. ¿Vive Nueva York en su memoria?

R. ¡Uf! Todas las noches paseo por sus calles o busco una dirección concreta. Nueva York es una ciudad muy concentrada. No es muy grande. Si tienes ganas puedes pasearla de arriba a abajo y de un lado a otro. Y puedes llegar a todas las puntas de la ciudad paseando. No se necesita vehículo y está llena de historias. Cada rincón de la ciudad tiene una historia.

P. ¿Qué es Nueva York para usted?

R. Ha sido una ciudad muy generosa conmigo. Me ha dado todo lo que me hacía falta. He tenido que trabajar pero me han reconocido y le ha interesado mi trabajo. Y me ha dado una gran educación.

¿Donald Trump? Es una pena haber tenido la experiencia del Ku Klux Klan y no haber aprendido nada

P. Se siente neoyorquina.

R. Totalmente. Yo y todos los neoyorquinos que viven allí. Ahora mi hijo me acaba de traer el último libro de Woody Allen. Es como si fuera una visita que me ha hecho.

P. Pero usted lleva más años aquí que en Nueva York.

R. Muchos más años aquí.

P. Y no se siente cordobesa.

R. He querido, pero me ha costado encontrar la clave.

P. Y todavía no lo ha encontrado.

R. Estoy empezando a encontrarla un poco, pero no mucho.

P. ¿Qué es lo que más le cuesta entender de Córdoba?

R. Córdoba tiene otra clave. Son cosas difíciles de explicar. Tiene otros valores, que no son los mismos. Por ejemplo, para mí la amistad es muy importante. La amistad y la familia.

P. Usted ha tenido amistad en Córdoba.

R. Mucha. Muy buena amistad. No me quejo de nada. Se han comportado muy bien conmigo y yo espero haberme comportado igual con ellos.

P. Usted ha nacido en Londres, se ha criado en Nueva York y ha anidado en Córdoba. ¿Hubiera preferido al revés?

R. He tenido una vida muy interesante. No me quejo de ello. Incluso con mis momentos altos y mis momentos bajos, ha sido muy enriquecedor. Está bien lo que me ha dado la vida.

P. Llegó aquí con 27 años.

R. Con 27 años. Yo ya antes era emigrante. He sido la eterna emigrante.

Cuando llegué a Córdoba en 1959 las mujeres no trabajaban y nos metían en la cocina

P. ¿Y se sigue sintiendo emigrante?

R. Sí, pero es que en Nueva York casi todo el mundo es emigrante. No es lo mismo que en Córdoba. Aquí si no has nacido en la calle tal o cual, no eres auténticamente de Córdoba. Me lo dijo hasta Juana Castro. Ella nació en Villanueva y no se sentía considerada totalmente cordobesa. Imagínese yo. Peor todavía. Aquí es muy complicado. El concepto de donde está tu casa y lo que significa no es lo mismo. Es como pertenecer a una tribu. Si no tienes los papeles exactos, no eres cordobesa de verdad.

P. Donald Trump está echando a inmigrantes todos los días.

R. ¡Por favor! No vamos a hablar de él. No me lo puedo creer. Es un tema embarazoso.

P. ¿Qué es lo que no puede creer?

R. No representa nada.

P. ¿Reconoce a Estados Unidos con Donald Trump?

R. Las sociedades son mucho más amplias de lo que creemos. Todas las democracias están formadas por personas diferentes con sus propias ideas y sus propios conceptos por el bien del país, pero dentro de una armonía y de un respeto. Y mire que Trump es neoyorquino. Realmente no me lo puedo creer. No tiene nada que me resulte familiar.

P. Ahora el alcalde de Nueva York es indio y musulmán.

R. Exactamente. Y eso está bien.

P. Justamente todo lo que odia Donald Trump.

R. Es un alcalde humano y parece que vale mucho. ¿Y por qué no?

P. Yo cuando miro a Donald Trump veo al Ku Klux Klan sin capirote. ¿Y usted?

R. Es una pena. Y muy doloroso. Haber tenido la experiencia del Ku Klux Klan y no aprender de ello es una pena.

P. ¿Qué está pasando en el mundo para que la gente elija a personas como Donald Trump?

R. Tendré que estudiar más sobre eso, pero creo que son personas que buscan proteger lo suyo para no perder lo que han conseguido, sea como sea, aunque haya víctimas.

P. Pero Trump era hijo de emigrantes también.

R. Es que Norteamérica está hecha de emigrantes. Lo único auténtico en Norteamérica son los indios.

Me ha costado encontrar la clave de Córdoba

P. Y ya casi no quedan.

R. Y están maltratados. Todos somos inmigrantes. Todos. No sé como de pronto sucede todo esto. Yo creo realmente que es una forma de conservar lo que han conseguido. El miedo a perderlo, ¿no?

P. O una forma de supremacismo. Trump piensa que tiene más derechos que el resto porque es blanco y de origen alemán.

R. Sí. Pero siempre con el afán de proteger lo conseguido y a sí mismo. Es otra forma de egoísmo.

P. Su familia ha sido siempre emigrante. Sus padres emigraron de Polonia.

R. Sí.

P. ¿Por qué se fueron de Polonia?

R. Por diferentes historias personales en la familia. El padre de mi padre no podía mantener a toda la familia. Se había muerto el padre de la familia y mi abuela no podía mantenerlos a todos. Entonces envió a mi padre a un pariente en Inglaterra. Eso era muy frecuente entonces. Ver si un tío o un familiar podía mantener a alguien por unos años o para siempre.

P. He preguntado a la inteligencia artificial por Ruta Rutkowski. Y califica su obra de “expresionismo figurativo” o “neoexpresionismo”. ¿Da en el clavo?

R. Figurativo no siempre. Incluso hay cosas que son reales aunque no tienen forma. ¿Cómo se expresa una cosa que representa felicidad o tristeza? ¿Qué forma le vas a dar? Cuando yo voy a la esencia misma, a lo que es el fondo del tema, hago uso de lo que sea.

P. Sus cuadros son ideas, emociones.

R. Son ideas. Modificables, cambiantes, pero ideas. Ahora han clasificado mis obras, han entrado en el estudio, han sacado los cuadros, han hecho fotografías, han apuntado las dimensiones y lo han devuelto todo. Es un trabajazo tremendo que yo no he hecho. O mejor dicho: lo he hecho en parte. Yo creo que la pintura es como la poesía. La poesía utiliza el idioma no para informar sino para sugerir o para indagar. Para abrir un diálogo donde no había otra manera de hacerlo. Y la pintura es lo mismo. Como la música. Es que la cultura es eso.

P. También dice la inteligencia artificial sobre usted: “Utiliza la figura humana como vehículo para explorar emociones complejas, traumas y la identidad”. ¿Se reconoce?

R. Yo llevo muchos años que no echo mano de la figura humana. He ido, por ejemplo, al espacio o a la distancia. Eso lo aprendí estudiando los cuadros de Bonnard. Me acuerdo que tenía una beca en el MOMA y me dieron un pase para entrar todos los días. Prácticamente vivía allí. Era mi segundo hogar. En esa época estaba el Gernika. Lo tenía muy a mano. Y metía las narices encima para ver los trazos de Picasso. Lo tengo metido en la cabeza. En la sala de al lado había obras de Bonnard. Eran unas obras donde no había ninguna figura pero tenían, por ejemplo, una mesa delante de una ventana con los restos de una merienda. En la ventana se veía un patio fuera. Más allá del patio había un jardín y después del jardín un camino con un paisaje que iba hacia la montaña. Eran cuatro o cinco espacios diferentes y no había ni una persona, pero se podían imaginar. Sin estar ahí ya se sabía quién estaba. Eso me fascinó.

Me siento excluida por las nuevas tecnologías

P. Cuando entraba en el MOMA y veía el Gernika no imaginaba que iba a terminar viviendo en el país donde nació Picasso.

R. De ninguna manera. Pero tampoco importa. Yo tenía acceso al MOMA y eso es una de las cosas buenas de aquella ciudad. Allí todos éramos emigrantes y recibíamos las ideas de donde sea, las discutimos y las valorábamos o no les hacíamos ni caso. Eso era muy bonito.

P. En casa de mis padres, siempre ha habido un cuadro de una cafetera volcando café sobre una taza blanca desbordada. Y en la firma ponía Rutkowski, 1987.

R. ¿Tenéis una de esas cafeteras?

P. Está en casa de mi madre.

R. La pinté con mucho cariño. Tuve una beca para trabajar año y medio en Italia. Y de las primeras cosas que compré allí fue un tipo de cafetera italiana que luego no he visto aquí. Era una cafetera a la que se le daba la vuelta para que el café pasara por el filtro dos veces. Primero subía el café y después pasaba por el filtro otra vez. Pero cuando volví a mi casa de América la cafetera se rompió. Tenía un agujero en uno de los filos y ya no filtraba el agua. Le tenía mucho cariño. Me la traje y le hice varios retratos porque no quería perderla.

P. Pintarla era una forma de hacerla eterna.

R. Era una forma de quererla. Se puede querer a los objetos como a las personas, a los animales, a los árboles, a un paisaje o a una hoja.

P. ¿En arte todo tiene explicación?

R. El arte parece que puede moverse con más libertad y tocar todo.

P. Córdoba en 1959 era una ciudad provinciana, beata y tradicional. ¿Cómo sobrevivió al impacto?

R. Mejor dicho: ¿cómo los cordobeses sobrevivieron al impacto de una persona como yo que no compartía todas aquellas cosas y que me costó mucho tiempo comprender? Y mira que me ponían pruebas.

P. ¿Qué tipo de pruebas?

R. Por ejemplo, cuando mis hijos eran pequeñitos y yo vivía en este barrio, quería ir al centro donde habitaba la familia de mi marido. Me montaba en el autobús y cogía al niño en brazos. Me criticaban por ello.

P. ¿Por qué?

R. Porque entonces eran las gitanas las que llevaban a sus hijos en brazos. Había muchos prejuicios.

P. ¿Qué me dice? ¿Las mujeres no llevaban a sus hijos en brazos?

R. Una señora no iba con los niños en brazos. Tampoco una señora iba con paquetes de compra en la mano. Había una cantidad de reglas acumuladas a lo largo de los años que eran muy significativas. Para mí, sin embargo, no significaban nada. Yo hacía cosas de forma ingenua sin saber que no me convenían. Mi suegra me decía: “Tú no le cuentes a nadie que has tenido que trabajar”. Y yo, sin embargo, estaba muy orgullosa de lo que había conseguido en la escuela y en el trabajo. Eso significaba que había podido vivir cosas muy interesantes gracias a mi capacidad.

P. Las mujeres en Córdoba entonces no trabajaban.

R. No trabajaban. Y si no trabajaban eran aceptadas mejor. Las mujeres hemos tenido una vivencia muy engañosa. No trabajábamos y nos metían en la cocina. Lo primero era el marido, los niños y la casa, y no podías ambicionar nada más. Y si tenías una habilidad profesional, olvídala. Y además los hombres tenían que estar siempre con los hombres y las mujeres con las mujeres. Nunca se mezclaban.

Necesito más tiempo para entender lo que nos rodea

P. Usted ha dicho: “Era una Córdoba clasista. Casi medieval”

R. Totalmente.

P. ¿Hemos llegado ya a la Ilustración?

R. Siempre hay excepciones, pero sigue siendo una ciudad demasiado clasista. Tenemos que liberarnos de muchas cosas.

P. Usted se agarró a la pintura como a una tabla de salvación.

R. Nunca he analizado para qué necesito la pintura. Simplemente, no podía hacer otra cosa. Formaba parte de mí. ¿Nunca ha encontrado algo que es tan suyo que no lo cuestiona? Yo no cuestiono la pintura. Ahora me doy cuenta: la pintura me ha salvado mucho. Mucho. Mucho.

P. Y en aquella Córdoba provinciana y beata se agarró también a los círculos progres: Carlos Castilla del Pino, el Círculo Cultural Juan XXIII, el grupo artístico Equipo 57.

R. Así fue. Era mi naturaleza. Y afortunadamente mis grandes amistades se acercaron en esa dirección. Porque yo no podía comunicarme con la Córdoba cerrada. No era posible.

P. Fue una luz en medio de la oscuridad.

R. No solo para mí. También yo para ellos. Me sentía parte de ese círculo con el que estaba de acuerdo en muchas cosas. No he sido demasiado ambiciosa. Si uno conecta con algo o con alguien es porque hay motivos para conectar. No por buscar un beneficio social.

P. Su primera exposición fue en la galería Studio 52 en el año 1973.

R. También expuse en el Círculo de la Amistad. Tenía buena amistad con el presidente Fernando Carbonell. Me entendía bien con él.

P. Y nunca ha podido vivir de la pintura.

R. Ojalá. Hubiera sido bonito, pero no sabía cómo hacerlo. No lo sé. No me sale. Pocos artistas pueden vivir de la pintura. El otro día leí algo que era muy interesante. Decía que lo malo del mundo de la cultura es que en cualquier momento te puede desprestigiar.

P. Pero usted ha vendido pintura.

R. En parte sí. Yo realmente viví de la publicidad en Nueva York. Cuando vine a Córdoba pensaba volver pero no para recurrir otra vez a la publicidad. Pensaba prepararme para la restauración. Porque había conocido a otros artistas que pintaban en el sector de la restauración, podían viajar, pintar su propia obra y mantenerse. El mundo de la publicidad era muy competitivo. Brutal. Y yo no soy muy competitiva.

P. ¿Cómo se lleva con las nuevas tecnologías?

R. Con las nuevas tecnologías me llevo mal.

P. ¿Por qué?

R. Por mi falta de capacidad. Admito que es un adelanto si se utiliza correctamente. Yo creo que hay sitio para todo.

P. ¿Las nuevas tecnologías están cambiando el arte?

R. Bastante.

P. ¿A peor o a mejor?

R. Hay una lucha entre las dos formas de entender el arte. Lo mismo pasó con la fotografía y luego con el cine. Yo creo que es un enriquecimiento pero no para que las nuevas tecnologías dominen todo el arte.

P. ¿Qué le queda por decir?

R. Lo que importa es lo que se dice. Cómo se dice es interesante, pero no es lo más importante.

Lo único auténtico de Norteamérica son los indios

P. Ha logrado escalar hasta los 93 años.

R. Mi padre llegó a 102 años.

P. Todavía le queda un buen tramo.

R. No creo que llegue.

P. ¿Por qué?

R. La verdad es que mi padre no era más fuerte. Todo lo contrario. Tenía una composición muy sabia y muy sencilla. Cualquier relación que tenía era una auténtica relación. No forzaba nada. Yo aprendí mucho de él. Mucho. Tuvo un problema de salud. Tenía cáncer de colon, pero llegó a 102 años. Yo creo que eso es suerte.

P. Y fortaleza.

R. Fortaleza en cierta manera, porque no era un hombre forzudo.

P. Llegar a 102 años es un signo de fortaleza vital.

R. No se vino abajo porque estuviera tocado. Seguía viviendo. Haciendo lo suyo. Nunca tuvo una posición dominante en mi familia. Era positivo y más bien risueño. E incluso estando enfermo no amargaba la vida de nadie.

Córdoba sigue siendo una ciudad clasista

P. ¿Cómo se ve la vida desde la novena planta?

R. Muy complicada.

P. ¿Por qué?

R. Es más de lo que parece. Mucho más. En este tiempo que estamos de tecnología muy fuerte, si no te preparas para ello estás excluido. Yo me noto excluida porque no comprendo todo lo que está pasando. He tenido ordenador pero ya no me interesa.

P. ¿Y tiene redes sociales?

R. No. No me interesa. Conozco Google y el otro de los vídeos personales caseros.

P. YouTube.

R. Sí. Me hace gracia, pero no tanto. Yo me siento excluida de todo eso. No me he preparado para las nuevas tecnologías y lo reconozco.

P. Es un mundo que va demasiado rápido.

R. Las opiniones y las noticias van muy rápidas. Y yo necesito más tiempo para entender todo lo que nos rodea.

La figura del pintor Rafael Botí vive este 2025 que está a punto de terminar un renacido interés producto de la conjunción de varios aniversarios: Se cumplen 125 años de su nacimiento, 30 de su muerte y una década desde que abrió el centro que lleva su nombre. Su figura, sin embargo, permanece aún en un discreto lugar para el gran público, casi en consonancia con la vida que llevó el propio artista, uno de esos creadores silenciosos cuya obra, ajena a las urgencias de cada época, adquiere con el tiempo una nitidez inesperada.

Hablamos de un pintor con una mirada muy particular (y muy musical, ya que se dedicó a esta última profesión durante años). También de una persona con una vida muy interesante: fue discípulo de Romero de Torres, refinado por la disciplina neocubista de Vázquez Díaz y marcado por el pulso de la vanguardia parisina de los años 30.

Con esos mimbres, Botí construyó un territorio propio: una pintura íntima y depurada, que encontró en la memoria de Córdoba —sus patios, sus silencios, su luz detenida— un refugio emocional y estético. Su trayectoria, siempre a contracorriente, configura hoy un relato de fidelidad radical a una mirada.

En este contexto, la Diputación de Córdoba ha publicado un extenso catálogo que aspira a fijar la presencia del pintor en el mapa de la modernidad española. El volumen, alentado por su hijo Rafael Botí Torres, reúne un centenar de obras y permite seguir la evolución de un artista que absorbió influencias diversas sin renunciar nunca a la claridad de su voz pictórica.

De Romero de Torres a Vázquez Díaz: la forja de un lenguaje

Botí (Córdoba, 1900 – Madrid, 1995) fue, antes que nada, un aprendiz disciplinado, formado precozmente en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba, entre 1909 y 1916. Aquellos años de dibujo académico, impregnados del perfume simbolista de Romero de Torres, proporcionaron al joven pintor una disciplina visual que nunca abandonaría. Paralelamente, estudió música en el Conservatorio Eduardo Lucena. Esa doble formación, lejos de ser anecdótica, determinó su forma de mirar: ya en su madurez, la música se percibe en sus composiciones como una cadencia interna, una construcción por planos equivalente a una partitura, como explica Carlos Clementson en su texto.

En 1917 se trasladó a Madrid para continuar estudios en el Conservatorio Superior de Música y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. La capital suponía un cambio de escala: nuevos profesores, nuevos ambientes, un horizonte artístico más amplio. Y, sin embargo, sería un nombre concreto el que marcaría el inicio de su madurez. El año 1918 fue decisivo: Botí ingresó como discípulo en el taller de Daniel Vázquez Díaz.

Allí, entre análisis de estructura, geometrías depuradas y una idea casi arquitectónica de la pintura, asimiló una enseñanza que le acompañaría toda su vida. La influencia, reconocida por el propio Botí sin reservas, no se limitaba al cubismo filtrado de Vázquez Díaz, sino a una ética del oficio: medir, equilibrar, restar antes que añadir. En su obra posterior late esa construcción sobria y esa búsqueda del volumen esencial que aprendió de su maestro.

París y la tentación de la modernidad

La Diputación de Córdoba, consciente del talento del joven pintor, lo pensionó en 1925 para ampliar estudios. Cuatro años después, en 1929, y nuevamente en 1931, Botí viajó a París con becas de la institución. La capital francesa era un “hervidero de la vanguardia artística” que operó como un laboratorio vivísimo para el artista. José Caballero dejó constancia de esa sacudida estética: en la visita de 1929, Botí “se siente ganado por el cubismo” tras contemplar de cerca las obras de Picasso, Braque y Matisse, y reconoció, además, una organización del paisaje en Botí que remitía directamente a Cézanne.

Pero incluso allí —en la ciudad donde la modernidad parecía un imperativo— Botí evitó la ruptura ostentosa. Su asimilación fue selectiva: tomó lo que resonaba con su visión y desechó lo que consideraba gratuito. Ese equilibrio lo diferencia de otras trayectorias más vehementes y confiere a su obra un aire de modernidad apaciguada, personal.

A su regreso, en 1931, Botí dio un paso hacia la participación activa en la vida artística española al cofundar la Agrupación Gremial de Artistas Plásticos (AGAP). El grupo lanzó un manifiesto que aspiraba a “dar un sentido amplio y renovador a la vida artística nacional”. Aquella declaración buscaba alinearse con las corrientes internacionales, pero sin renunciar del todo a la figuración. De ahí que la propuesta de la AGAP se haya calificado como una “solución intermedia, de renovación consciente sin ruptura”. Botí encontraba en ese punto medio su lugar natural.

Pureza, fidelidad y resistencia

El Botí maduro es, sobre todo, un pintor fiel a sí mismo, tal y como señala David Ledesma en el catálogo. No participó de la ansiedad vanguardista por la novedad permanente. Vázquez Díaz subrayó esa cualidad singular al compararlo con Regoyos. Su estilo, difícil de etiquetar, bordea la pintura íntima o nabi, y busca siempre la depuración. Carlos Clementson afirmó que sus cuadros “nos purifican el cuerpo y nos oxigenan el alma”.

El propio Botí defendía su independencia con una serenidad obstinada: no le preocupaba que dijeran que su forma de sentir la pintura “no se llevaba por vieja”. Y añadía: “Es la que siento y es la que hago; me encuentro en ella y en ella sufro y sueño, y pienso y en ella estoy”. Gracias a esa fidelidad, según el crítico Zueras, él y unos pocos permanecieron “invictos, reposados, seguros” ante la “carrera frenética por ‘estar al día’”. Esas palabras funcionan como un autorretrato moral: Botí no quiso ser otra cosa que él mismo. La depuración de su estilo no es una estrategia formal sino una ética de vida.

Una ética con raíces. Y es que, aunque vivió la mayor parte de su vida en Madrid, Córdoba permaneció como un eje interior, casi un paisaje psicológico. Antonio Manuel Campoy lo expresó con lucidez: “El pintor Rafael Botí es cordobés, y esté donde esté, y pinte lo que pinte, el pintor Rafael Botí está siempre en Córdoba”.

En los años treinta, el Jardín Botánico de Madrid fue un escenario recurrente de su pintura, pero será en su última etapa (1959-1995) cuando Córdoba resurja con fuerza. Sus obras de este periodo revelan una ciudad “amada reencontrada”, donde “poetizan su secreto las tres culturas de Córdoba: la judía, la cristiana y la árabe”. Arquitectura cordobesa (1960) y Un patio de las rejas de Don Gome (1963), ambas presentes en la colección de la Diputación, son ejemplos de esta contemplación depurada, serena, a un paso del silencio.

El Centro de Arte Rafael Botí: un legado

La preservación de su obra no terminó con su muerte. En 1998, la Diputación creó la Fundación Provincial de Artes Plásticas “Rafael Botí” gracias a la donación inicial de cincuenta y siete cuadros realizada por su hijo. En 2005 se colocó la primera piedra del Centro de Arte Rafael Botí en la calle Manríquez, en pleno corazón de la Judería cordobesa. Su inauguración, demorada por hallazgos arqueológicos y retrasos administrativos, no llegó hasta 2015.

Aunque inicialmente concebido como un espacio dedicado a conservar y mostrar los fondos de la Diputación, el centro amplió su vocación tras un proceso de debate interno, orientándose hacia el “talento de los jóvenes creadores de la provincia” y abriendo sus salas a exposiciones, conciertos y talleres. Allí conviven obras de Botí con piezas de otros artistas, entre ellos Daniel Vázquez Díaz y Pedro Bueno, creando un contexto que enriquece la lectura de su legado.

El Ayuntamiento de Bujalance (Córdoba) ha abierto la convocatoria del VIII Certamen Nacional de Artes Plásticas 'Ciudad de Bujalance. Acisclo Antonio Palomino', que da cabida también al Concurso Nacional de Pintura Rápida 'Antonio Bujalance' y el Premio Local 'Juan Antonio Corredor'.

Este evento, que cuenta con la colaboración de la Diputación de Córdoba, está ya consolidado en el calendario cultural de la localidad y “tiene como objetivo fomentar la creatividad artística y poner en valor el patrimonio y los rincones del municipio a través de la pintura”, según ha destacado el responsable de la Delegación de Cultura de la institución provincial, Gabriel Duque.

El diputado ha recalcado “el apoyo a las iniciativas culturales de los municipios de nuestra provincia a través de la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí, con el objetivo de acercar la cultura a la ciudadanía en general y de dar la oportunidad a las jóvenes promesas en distintas disciplinas”.

El concurso tendrá lugar el sábado 20 de diciembre, desde las 8,30 hasta las 15,30 horas y podrán participar todos los artistas, tanto españoles como extranjeros, mayores de 16 años. El tema de esta edición será 'Rincones de Bujalance', la técnica será libre y las obras deberán realizarse sobre soporte de tela o tabla, con unas dimensiones mínimas de 70 x 50 cm, y se presentarán sin enmarcar. Cada participante podrá presentar una única obra y deberá aportar su propio material, incluido el caballete.

En cuando a los premios, se otorgarán cinco primeros de 1.000, 800, 600, 450 y 300 euros; otro, de 400 para el Premio Local de Pintura 'Juan Antonio Corredor'. Además, se convoca el Premio Local y Juvenil de Pintura 'Salvador Sabater', destinado a jóvenes talentos, en las categorías Infantil (5 a 10 años) y Juvenil (11 a 15 años). Las obras premiadas pasarán a formar parte de la colección del Ayuntamiento de Bujalance.

El plazo de inscripción estará abierto desde el mismo día de publicación de las bases y se podrá hacer por correo a la Oficina de Turismo del Ayuntamiento de Bujalance.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba, está trabajando en la digitalización de los catálogos de sus principales exposiciones pictóricas, así como de los archivos y documentos de su biblioteca, con el fin de conseguir un mayor acercamiento de la ciudadanía a la labor que realiza esta institución cultural.

Como indica el presidente de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y delegado de Cultura en la institución provincial, Gabriel Duque, “la idea es ir dotando a la página de la Fundación cada vez de más contenido para que la experiencia de los usuarios que acceden a la misma sea lo más completa posible y para amplificar el efecto de todas las actividades que estamos realizando o que hemos realizado a lo largo de estos años”.

“En una sociedad digital como la actual se hace fundamental contar páginas adaptadas a las necesidades de los usuarios, donde cualquier persona que acceda pueda consultar o descargarse los catálogos de nuestras exposiciones y donde, además, pueda consultar archivos”, ha manifestado.

La Fundación Botí está ya trabajando con el Departamento de Archivo de la Diputación para ir digitalizando todos los fondos bibliográficos de la Fundación, “que se podrán consultar de manera directa y sencilla a través del apartado Publicaciones de nuestra web”, ha destacado Duque. Mientras tanto, y también en esta pestaña, los usuarios pueden pedir una cita a través de un formulario para su consulta presencial.

En la página web de la Fundación Botí, www.fundacionrafaelboti.com, ya se pueden consultar y descargar los catálogos de las muestras Trayectoria artística en la colección de la Diputación de Córdoba. 30 aniversario de su legado, de Rafael Botí; Bestiario, de José Manuel Belmonte y Genealogía flamenca, de Julia Hidalgo. 

La artista y docente cordobesa Sara Moyano vuelve a exponer en su ciudad natal con una nueva propuesta pictórica que puede visitarse en la librería y espacio creativo Ostin Macho.

La muestra, titulada Apuntes para una exposición, reúne una colección de obras en pequeño formato, compuesta principalmente por prints y originales en acrílico. En esta serie, Moyano centra su atención en el propio proceso creativo: los bocetos preliminares, tradicionalmente entendidos como fases preparatorias, se convierten aquí en obras plenas, con entidad propia y carácter expresivo.

Se trata, según su autora, de apuntes rápidos, cercanos a la abstracción, que apenas sugieren las fotografías de referencia. En ellos aparecen espacios vegetales fuera de foco, escenas aleatorias en las que lo urbano dialoga con la evolución natural del paisaje, configurando un territorio visual donde intuición y memoria se entrelazan.

Sara Moyano Reina, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla con especialidad en Pintura, desarrolló parte de su formación en Winchester School of Art (Reino Unido) en 2006.

Desde entonces compagina su labor artística con la docencia. En 2014 completó el Máster de Investigación en Música, Arte y Estética por la Universidad de Jaén, y en la actualidad es profesora titular en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Mateo Inurria de Córdoba. Asimismo, forma parte de la Comisión Técnica de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí.

Nueva sorpresa de un Julio Romero de Torres en una subasta internacional. No es la primera vez que uno de los cuadros del pintor cordobés alcanza cantidades exorbitantes en una puja, pero lo que ocurrió esta semana en Londres con una obra perdida del artista ha sido, cuando menos, curioso. Y es que un cuadro atribuido inicialmente al Círculo de Julio Romero de Torres“ —una fórmula habitual para indicar que una obra no es auténtica, sino realizada por discípulos o imitadores— ha acabado multiplicando el precio de salida por 237.

La pieza, titulada La Cordobesa, salió a subasta en la casa Roseberys por solo 400 libras y terminó adjudicándose en 95.000 (con gastos añadidos, un total de 124.450 libras al sumar el 31% de comisión de la sala). Al final, unos 140.000 euros al cambio por una obra que, sobre el papel, no era auténtica.

Lo cuenta el experto consultado por este periódico, que no recordaba haber visto una revalorización tan extrema en una obra catalogada de inicio como “no auténtica” y con un precio de salida tan bajo. “Ha sido un disparate”, remarca este especialista ante un salto de precio que, contando todos los gastos, multiplicó por más de 300 veces la estimación inicial y que dejó atrás todas las expectativas.

La ficha pública de Roseberys describía la obra como un óleo sobre lienzo de 94 x 95 centímetros, con firma aparente en el ángulo inferior izquierdo y otra inscripción completa en el reverso, siempre dentro de la categoría “Círculo de Julio Romero de Torres”. El texto destacaba que la pintura se inspiraba en los retratos atmosféricos y sensuales característicos del artista cordobés, comparándola con La Fuensanta y La Chiquita Piconera. Sin embargo, esa descripción —muy en línea con lo que suele hacerse con obras dudosas— no reflejaba indicios que podían haber conducido a una atribución más precisa.

Según un experto en la obra de Romero de Torres, consultado por este periódico, este cuadro era prácticamente desconocido incluso en ámbitos especializados. “Ese nombre de la modelo que dieron en Roseberys es inventado. Se desconoce el nombre real. Es un cuadro que estaba absolutamente en paradero desconocido y jamás se había visto”, afirma.

A esto se suma un detalle decisivo: “Creemos que fue pintado por Julio fuera de España porque tiene un sello en el reverso de un distribuidor de lienzos belga que no coincide con los que él usaba. Y ningún otro cuadro suyo tiene ese sello”. Esta rareza, lejos de restar credibilidad, encaja con varias lagunas biográficas y documentales en torno al trabajo del pintor, un obrero del arte que vendía muchísima obra a nivel internacional.

De la obra sí que existe, según las fuentes citadas, una única fotografía en el archivo del Museo Julio Romero de Torres: una imagen apenas citada en los estudios especializados y que no se había hecho pública. La comparación entre esa fotografía y el lienzo subastado refuerza la idea de que lo que se ha vendido en Londres es un original perdido.

Lo cierto es que no pocas obras del pintor han aparecido en subastas y han dado campanazos. El más sonado, el de La Fuensanta, que sigue ostentando el título de la obra más cara subastada del pintor, ya que alcanzó los 1,2 millones de euros en 2007. A ese le siguen La Gracia, que compró el Ayuntamiento de Córdoba a través de una subasta en la casa Sotheby’s en el año 2000 por cien millones de pesetas (lo que equivaldría a casi un millón de euros actuales, contando la inflación), y La Rivalidad, hoy en manos también del Ayuntamiento, por la que el grupo Prasa pagó 872.000 euros en 2002.

Eso sí, ninguno de ellos había logrado multiplicar tanto su precio de salida como esta obra, aún sin título definitivo, que se ha vendido esta semana en Londres. Una venta que refuerza la idea de que Romero de Torres sigue siendo hoy, más de 150 años después de su nacimiento, un artista que sigue teniendo tirón internacional.

Una nueva obra desaparecida de Julio Romero de Torres vuelve a Córdoba. Se trata de Pensativa, un lienzo en el que el artista cordobés retrató a Marina Lebret, y que ha sido recientemente adquirido por el cirujano y coleccionista pozoalbense Blas García durante la feria Feriarte 2025, celebrada en Madrid, el principal evento de arte antiguo y moderno no contemporáneo de España.

Según explica el propio García a Cordópolis, la obra “procedía de una galería que la llevó a Feriarte. Y el cuadro es nada menos que Pensativa, una obra que estuvo perdida en Argentina y que, probablemente, fue repatriada durante los años del corralito”.

La galería, de hecho, contaba en sus redes sociales que el lienzo, que se vendió a los 30 minutos de abrir la feria, fue pintado en 1921, para posteriormente salir a la luz el 15 de mayo de 1922, en la Galería Witcomb de Buenos Aires, donde se expuso con el nombre de 'Marina Lebret'. Allí habría sido adquirido por el médico argentino Pedro Elisagaray, quien lo tuvo hasta los años 70, momento en el que, probablemente, se repatrió a España.

El lienzo en cuestión representa a Marina Lebret Ballesta, hija del ingeniero francés Louis Lebret Pauner, responsable de destacadas obras de ingeniería civil en Córdoba, entre ellas el viaducto del Pretorio —una estructura levantada entre 1908 y 1924 que fue finalmente demolida con las obras del AVE inauguradas en 1992—. Lebret también participó en la construcción de la línea ferroviaria Manzanares–Córdoba, culminada en 1917.

La historia detrás del retrato

Blas García ha contactado con la familia de la modelo para tener más datos sobre su historia. Cuenta que Marina Lebret, nacida en Córdoba en 1900, fue una mujer culta, “muy religiosa pero sin beatería y muy liberal”, según quienes la conocieron. En 1926 se casó con el empresario Manuel Hernández Galera y se trasladó con él a Argentina, donde el matrimonio estableció diversas actividades industriales en las provincias de Salta y Jujuy. Tuvieron tres hijos: Marina, Angélica y Manuel.

El matrimonio no prosperó y, tras su ruptura, Marina decidió regresar a Córdoba en 1939 junto a sus hijos. Durante el viaje de vuelta, el barco en el que viajaban naufragó frente a las costas de Senegal, aunque fueron rescatados por un naviero francés. Finalmente, la familia consiguió llegar a Córdoba en enero de 1940, instalándose en la avenida República Argentina, donde residieron hasta la muerte de Marina en 1978.

La relación entre los Lebret y Romero de Torres fue cercana. El propio ingeniero Louis Lebret permitió que su hija posara para el pintor, con la única condición de que “siempre fuese retratada vestida”. De aquel posado nació Pensativa, una obra que Julio Romero de Torres envió a Argentina en 1922, antes incluso de su gran éxito internacional con la exposición monográfica de ese mismo año.

Con esta adquisición, Blas García continúa su labor de rescate del patrimonio pictórico de Julio Romero de Torres. El coleccionista ya había recuperado y restaurado recientemente el retrato Adela Carbone, La Tanagra, otra pieza fundamental en la trayectoria del artista, y que se ha sumado a una veintena de lienzos del autor con los que cuenta en su pinacoteca personal.

El jurado del I Premio Internacional de Pintura Ciudad de Sevilla ha emitido este jueves su fallo tras la deliberación final celebrada en la Real Fábrica de Artillería, proclamando ganador al cordobés Miguel Gómez Losada con su obra La mesa de Rosa, un óleo sobre lino de 195 x 195 centímetros, convirtiéndose así en el autor del premio de pintura de “mayor cuantía en España”, dotado con 30.000 euros.

El jurado ha resaltado, entre otros aspectos, la temática del bodegón presente en la obra, considerándola una “relectura de uno de los géneros por excelencia en la historia de la pintura”. Según ha detallado el Consistorio sevillano en un comunicado, “la originalidad de la pieza, tanto en el tema elegido como en su enfoque, encuentra eco en la cultura oriental y en sus artes suntuarias”. En esta primera convocatoria se han presentado 305 obras, de las cuales 51 fueron seleccionadas. De ellas, 16 obras finalistas conforman la exposición que se inaugura y que podrá visitarse este fin de semana, en horario de 10,00 a 20,00 horas.

El jurado, de reconocido prestigio, ha estado formado por la directora de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación la Caixa, Ninfa Bisbe; el decano de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, Daniel Bilbao; la directora de la Fundación Focus Loyola, Anabel Morillo; el pintor Antonio López; la edil de Cultura y Turismo, Angie Moreno; el director general de Cultura, Fernando Mañes, y el director de Programación del ICAS, Federico Jaime.

En palabras del alcalde, José Luis Sanz, “este premio supone un paso decisivo para reafirmar el papel de Sevilla como capital histórica y contemporánea de la pintura, una ciudad que ha dado grandes maestros al mundo y que hoy vuelve a situarse en el mapa internacional del arte”. Asimismo, Sanz ha subrayado que “la creación de este premio forma parte del compromiso del Ayuntamiento de Sevilla por impulsar la cultura, apoyar el talento artístico y reforzar la proyección internacional de la ciudad”.

El Premio Internacional de Pintura Ciudad de Sevilla nace con vocación de continuidad y se celebrará anualmente, consolidándose como una de las grandes citas del calendario cultural español. Con esta iniciativa, Sevilla recupera su lugar en la historia de la pintura y se reafirma como referente de la creación artística contemporánea. “Sevilla es arte, Sevilla es pintura, y con este premio, Sevilla se convierte también en el epicentro de uno de los galardones más importantes del panorama internacional”, ha concluido el primer edil.

El Premio Internacional de Pintura Ciudad de Sevilla nace con vocación de continuidad y se celebrará de manera anual, consolidándose como “una de las citas más importantes del calendario cultural español”. “Sevilla es arte, Sevilla es pintura, y con este premio, la ciudad se convierte en el epicentro de uno de los galardones más destacados del panorama internacional”, ha subrayado el primer edil.

La Capilla de la Fundación Antonio Gala será el escenario, el próximo 8 de noviembre, del espectáculo Julio Romero de Torres: Tableaux Vivants, una propuesta artística que fusiona pintura, teatro y performance para rendir homenaje al gran pintor cordobés desde una mirada contemporánea.

El proyecto, organizado por la Asociación Mojo de Caña, cuenta con la dirección de Dora de Maio (directora italiana con espectáculos sobre Caravaggio o Artemisia Gentileschi, que han recorrdio varios países europeos) y el asesoramiento y colaboración de la historiadora Fuensanta García de la Torre, experta en la vida y obra del artista cordobés.

La iniciativa se enmarca dentro de las actividades impulsadas por la asociación para acercar la cultura y las artes escénicas a la ciudadanía desde nuevas perspectivas, generando espacios de encuentro entre el patrimonio, la creatividad y el público joven. Desde su anuncio, el espectáculo ha despertado una importante expectación. Las 200 entradas gratuitas disponibles se agotaron en menos de 24 horas, reflejando el gran interés del público cordobés por esta experiencia singular que combina arte plástico, música en directo y teatro visual.

El elenco está compuesto por Adrián Villén, Eduardo Clavería, Elena Egea, Irene Lázaro, Noelia Nallim, Rafa Llamas y Sara Carvajal, con música en directo de Ana de la Viña y David Ariza y vestuario a cargo de Aida Morales. La producción corre a cargo de Angelo Monaldi (Mojo de Caña).

Julio Romero de Torres: Tableaux Vivants invita al público a redescubrir la esencia del pintor cordobés a través de la técnica del tableau vivant, en la que las obras cobran vida mediante la composición corporal, la luz y el silencio, generando un diálogo entre la pintura clásica y la sensibilidad contemporánea. La propuesta, concebida con un profundo respeto hacia la obra de Romero de Torres, busca también reinterpretar su imaginario desde una mirada actual sobre la belleza, el cuerpo y la identidad.

El espectáculo se realizará en dos funciones (a las 18:00 h y 19:15 h) en la Capilla de la Fundación Antonio Gala, con aforo limitado. La iniciativa cuenta con la subvención de la Delegación de Cultura y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Córdoba y de Fundación Cajasur, y con la colaboración de la Fundación Antonio Gala.

Ante el éxito de convocatoria y la excelente acogida del público, la Asociación Mojo de Caña no descarta repetir próximamente la experiencia en la ciudad, para que más personas puedan disfrutar de esta propuesta escénica que combina arte, emoción y patrimonio. Más información y detalles en mojodecaña.org/julioromero

El presidente de la Diputación de Córdoba, Salvador Fuentes, ha anunciado hoy el inicio en 2026 de los trabajos para devolver al coro el lienzo y encargar la pintura que sitúa la primera aparición de San Rafael en la ciudad en la iglesia de la Merced. La obra, que databa de 1745, se perdió en el incendio que asoló el templo en el año 1978.

Fuentes ha explicado que “según la tradición, en 1278 cuando la ciudad sufría una grave epidemia de peste, el arcángel San Rafael se apareció a Fray Simón de Sousa, religioso de la Orden de la Merced y comendador del antiguo convento de la Merced, lugar que hoy ocupa el Palacio de la Merced, sede de la Diputación de Córdoba”.

Así, en medio del temor y la desolación que asolaban a Córdoba, el fraile mercedario imploraba a Dios la salvación de la ciudad. “Fue entonces cuando, según la tradición, se le manifestó el arcángel San Rafael, quien le anunció que Dios había escuchado las súplicas de los cordobeses y que él sería desde entonces custodio y protector de la ciudad”, ha explicado el presidente de la Diputación. Le pidió además que se levantara una imagen suya en lo alto de la torre de la Catedral y que se difundiera su devoción entre los fieles.

Este hecho, según ha apuntado el máximo representante de la institución provincial, “marcó el inicio del culto cordobés a San Rafael, cuya devoción se extendió con fuerza durante los siglos siguientes. Con el tiempo, el arcángel fue reconocido oficialmente como Custodio de Córdoba, y su figura quedó unida de manera inseparable a la identidad espiritual de la ciudad”.

Así, la tradición mantuvo viva su memoria y la vinculó al antiguo convento mercedario. Aquel lugar sagrado, transformado hoy en sede de la Diputación Provincial, guarda en su historia el recuerdo de una fe profunda y de un acontecimiento que dio origen a una de las devociones más queridas por los cordobeses. En 1745 los frailes deciden deciden decorar el lienzo en el testero superior del coro de la Iglesia, pero en 1978 dicha pintura fue pasto de las llamas. 

La Diputación de Córdoba comenzó a trabajar en la recuperación de la iglesia desde 1978, cuando el intencionado incendio lo redujo a cenizas. Estos trabajos se hicieron a través de varias escuelas taller y, posteriormente, a través del Servicio de Patrimonio, que ha continuado con las tareas de reintegración, culminando la rehabilitación del retablo recientemente.

La historia de la primera aparición de San Rafael en la ciudad de Córdoba se puede consultar también en la serie #PatrimonioenLaMerced en las redes sociales de la Diputación de Córdoba o través de sus enlaces en Instagram, TikTok y Facebook.

Un cuadro del pintor barroco cordobés Antonio del Castillo y Saavedra (1616–1668), considerado perdido durante casi dos siglos, ha sido identificado recientemente en el Museo de Arte Villa Gyllenberg de Helsinki (Finlandia). La obra, titulada San Pedro Mártir, ha sido confirmada como una de las piezas que formaban parte de una serie dedicada a santos dominicos y franciscanos, originalmente perteneciente al convento de San Pablo de Córdoba.

Según ha informado el Museo Villa Gyllemberg, el descubrimiento se produjo gracias a la conservadora jefa del museo finlandés, Lotta Nylund, quien durante unas vacaciones en Andalucía en la primavera de 2024 visitó el Museo de Bellas Artes de Córdoba. Allí observó una placa que mencionaba la serie de diez santos pintada por Castillo, con varios espacios vacíos destinados a obras desaparecidas. Uno de ellos indicaba: “San Pedro Mártir – paradero desconocido”.

Así, Nylund se dio cuenta de inmediato de que la pintura que se creía perdida muy probablemente estaba colgada en la pared de su propio lugar de trabajo, en Finlandia. “Creo que sé dónde se encuentra esta obra perdida: ¡está en el Museo de Arte Villa Gyllenberg en Helsinki! Es absolutamente increíble. Cuando regresé a casa, comparé las medidas de las obras y leí toda la bibliografía, y comenzó a parecer cada vez más probable que la pintura en Villa Gyllenberg fuera en realidad una de las partes que faltaban de la serie de Córdoba”, dice Nylund.

Tras ponerse en contacto con el Museo de Bellas Artes de Córdoba, que conserva seis de las diez pinturas de la serie, se organizó una colaboración internacional. El historiador del arte José María Palencia Cerezo, experto en la obra de Castillo, viajó a Helsinki para examinar personalmente el cuadro y confirmó su autenticidad.

De la desamortización a Londres, donde lo compró un coleccionista

La serie de santos a la que pertenece San Pedro Mártir representa la culminación artística de Antonio del Castillo, uno de los grandes maestros del Barroco andaluz. La pintura representa al dominico Pedro de Verona, asesinado en el siglo XIII mientras ejercía como inquisidor, y canonizado al año siguiente de su muerte. Esta y otras obras fueron confiscadas y dispersadas tras la desamortización de los bienes eclesiásticos en la década de 1830, momento en que se perdió la pista de varias de ellas.

El cuadro redescubierto llegó a Finlandia en 1935, cuando el banquero y coleccionista Ane Gyllenberg (1891–1977) lo adquirió al marchante Gösta Stenman, quien lo había comprado en una galería de Londres el año anterior.

La obra restaurada ya puede contemplarse en la exposición Spirit of the Times. Colección Ane Gyllenberg, inaugurada el 15 de octubre de 2025 en la Villa Gyllenberg y permanecerá abierta hasta el 15 de marzo de 2026. La muestra repasará la evolución de la colección del museo, con artistas como Helene Schjerfbeck, Ilmari Aalto, Antonio del Castillo y Saavedra, Verner Thomé, entre otros.

Además, el 15 de noviembre, en el mismo museo habrá una conferencia y un debate, en las que Nylund habla sobre su descubrimiento y cómo el cuadro ha acabado en la colección Gyllenberg, mientras que el profesor Tuomas Heikkilä, profesor de Historia de la Iglesia en la Universidad de Helsinki, contextualiza a San Pedro Mártir.