El fotógrafo cordobés Braulio Valderas y el artista Goval han inaugurado en La Casa Escondida, en Córdoba capital, la exposición Ícaro, una propuesta que combina fotografía, instalación y arte conceptual para explorar los límites de la soberbia humana y su inevitable caída. La muestra, que podrá visitarse durante las próximas semanas, invita al espectador a reflexionar sobre la condición del ser humano en una sociedad dominada por el poder, la tecnología y la violencia.

Inspirada en el mito griego de Ícaro —aquel joven que, cegado por la ambición, voló demasiado cerca del sol hasta precipitarse al vacío—, la exposición plantea una lectura contemporánea de ese impulso por trascender las propias fronteras. Valderas y Goval proponen una mirada crítica a la arrogancia colectiva que impulsa al ser humano a desafiar la naturaleza, el equilibrio y la convivencia. El resultado es un recorrido visual que desemboca simbólicamente en el desastre final: la guerra como expresión última de la soberbia.

La muestra forma parte de La Pared Encontrada, un espacio expositivo singular de La Casa Escondida que, en palabras de sus promotores, “busca visibilizar producciones de arte contemporáneo desde una perspectiva crítico-social, invitando al espectador a detenerse a pensar para comprender”. En este contexto, Ícaro se erige como un ejercicio de introspección colectiva y una llamada a la conciencia frente al vértigo de una civilización que parece repetir sus propios errores.

Con esta propuesta, Valderas y Goval consolidan una colaboración artística en la que convergen la mirada documental y la experimentación plástica, construyendo un relato que, a través de la imagen, interroga las pulsiones más profundas de la humanidad: la ambición, el deseo de poder y la autodestrucción.

El Centro Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, dependiente de la Diputación de Córdoba, acoge desde este martes la exposición 'Córdoba Grupo Realista. 30 años', “muestra que con la que la institución provincial celebra la trayectoria de este colectivo que, desde los años 90, ha sabido mantener una de las tradiciones más interesantes de la pintura cordobesa, el realismo”.

De este modo lo ha expresado durante la inauguración de la muestra el delegado de Cultura de la Diputación, Gabriel Duque, quien ha añadido que “hoy los grandes protagonistas son Miguel Barrios Sarmiento, Rafael Cervantes Gallardo, Vicente Fernández Román, Manuel de Frías Corona, Francisco Gamero Anoria y Francisco Rubio Rodríguez, quienes durante tres décadas han sostenido una línea enriquecedora de nuestro panorama artístico”.

Duque ha recordado cómo fue en 1992 “cuando Antonio López dio el impulso necesario a este grupo de artistas durante la presentación de la película 'El sol del membrillo'. Un gesto que fue todo un reconocimiento de un maestro a unos jóvenes pintores cordobeses que, desde entonces, han demostrado que el realismo sigue siendo una vía fértil para la creación contemporánea”.

“En esta muestra retrospectiva tienen mucho que decir Francisco Rubio y Federico Castro, comisarios de una muestra cuyas obras sorprenden por su calidad técnica y discurso poético, además de por la diversidad de técnicas y soportes”, ha matizado Duque.

Para el también presidente de la Fundación Botí, “esta iniciativa cumple con uno de nuestros objetivos fundamentales como es el de fomentar, difundir y dinamizar las artes plásticas cordobesas, algo que sin duda llevan haciendo también durante 30 años este grupo de artistas”.

Duque ha insistido en que “'Córdoba Grupo Realista. 30 años' será una de las tres grandes propuestas que albergará la Botí hasta final de año y que se completará con la dedicada a Rafael de la Hoz y la que supondrá la conmemoración del 125 aniversario del nacimiento de Rafael Botí”.

Por su parte, Federico Castro, comisario de la exposición, ha afirmado que “esta muestra nos permite conmemorar los 30 años de historia del Grupo Realista, y de manera muy especial que vuelven a exponer juntos en la ciudad de Córdoba”.

Castro ha señalado que “hemos incluido paisaje, figuras, retrato y bodegones en un recorrido que nos permite ver la evolución de su trayectoria desde el año 1995 hasta ahora”.

Finalmente, Francisco Rubio, también comisario de la muestra, ha agradecido la acogida de la Diputación de Córdoba a esta propuesta, permitiendo traer esta exposición a uno de los edificios que son referente artístico de la capital cordobesa“.

La muestra podrá visitarse hasta el 19 de octubre en horario de 10:00 a 20:30 de martes a sábado, y los domingos y festivos de 10:00 a 14:00. Por el contrario, los lunes la muestra permanecerá cerrada.

El municipio cordobés de Doña Mencía se prepara para acoger la XXVII edición de DMencia, Muestra de Arte Contemporáneo que se incluye en el Programa Periféricos de la Diputación de Córdoba y que se desarrollará bajo el lema 'Un relato para habitar el presente'.

Para el responsable de Cultura de la institución provincial, Gabriel Duque, “DMencia es el decano de los proyectos dedicados al arte contemporáneo de los que se encuentran en Periféricos, programa que parte de la Fundación Provincial de Artes Plásticas, dependiente de la institución provincial”.

Según ha expuesto Duque en una rueda de prensa, “esta nueva edición dará comienzo con la inauguración de las exposiciones 'Las raíces del paisaje' de Esperanza Labrador y 'Vía Crucis' de Eva María Jiménez, previstas para el próximo 31 de octubre. DMencia continuará su calendario de actividades gracias al trabajo expositivo de Liv Likark 'The Dark Times', previsto para el 21 de noviembre”.

“En cuanto a la temática de esta XXVII edición de la Muestra de Arte Contemporáneo, 'Un relato para habitar el presente', pretende abrir y establecer un debate sobre la importancia de contar lo que somos y recordar lo que sentimos”, ha apostillado Duque.

El delegado de Cultura de la Diputación ha hecho referencia además a que “DMencia ha duplicado el número de inscripciones con respecto a su edición anterior, alcanzado los 77 proyectos artísticos recibidos, habiéndose elegido cuatro, todos ellos presentados por mujeres”.

Duque ha insistido en que “se trata de una cifra notable de propuestas llegadas de numerosas provincias españolas y de países tan dispares como Argentina, Italia, Marruecos o México”.

“El proyecto más antiguo”

Por su parte, el alcalde de Doña Mencía, Salvador Cubero, ha afirmado que “DMencia se consolida como el proyecto más antiguo vinculado al arte contemporáneo en la provincia, y es que desde finales del siglo XX contamos con referencias vinculadas a este proyecto en nuestro pueblo y que han dejado importantes vestigios a su paso”.

Cubero ha mencionado que “en esta ocasión se han seleccionado proyectos de cuatro mujeres que junto a las exposiciones previstas y a las actividades paralelas se presentan como una oportunidad única de conocer este pequeño rincón de la Subbética”.

Mientras, el coordinador del proyecto, Moisés Bedmar, ha insistido “en la importancia de que existan este tipo de proyectos artísticos en el mundo rural, llevando el arte contemporáneo a todos los rincones de la provincia”.

Bedmar ha hecho hincapié también en “la diversidad de disciplinas artísticas de los 77 proyectos presentados, junto al carácter internacional y multicultural alcanzado por esta muestra que mejora no sólo en cantidad, sino también en calidad de las propuestas”.

“En esta ocasión, se han seleccionado los proyectos 'Las raíces del paisaje' de Esperanza Labrador; 'Vía Crucis' de Eva María Jiménez; 'Retratos del otro' de Marta Fresneda, y 'The Dark Times' de Liv Likar, propuestas que además evidencian la incorporación de la mujer a los circuitos creativos del arte contemporáneo”, ha abundado Bedmar.

Igualmente, el coordinador de la XXVII edición de DMencia ha explicado que “la imagen de esta muestra ha sido creada por el diseñador Félix Espejo, una imagen en la que ilustrador cordobés presenta en forma de comic los colores desnaturalizados del escudo de Doña Mencía para construir una ilustración fragmentada donde el mensaje se pierde”.

La Fundación Cajasol ha inaugurado este jueves 4 de septiembre en su sede de Córdoba la exposición “Mujeres. Romero de Torres y grandes artistas contemporáneos”, una propuesta inédita que abre la nueva temporada cultural en la ciudad con una mirada innovadora, diversa y profundamente andaluza.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí acoge desde este martes la exposición 'Señales', del escultor Salvador Morera, uno de los referentes de la creación artística contemporánea en Córdoba. La inauguración de la muestra, que estará abierta hasta el 14 de septiembre, ha contado con la presencia del delegado de Cultura y presidente de la fundación, Gabriel Duque, que ha destacado que esta exposición “es muy coherente con los valores que desde esta fundación tratamos de impulsar como es el compromiso con la creación, la búsqueda constante de nuevos lenguajes y la valentía de reinventarse sin cesar”.

Asimismo, ha querido resaltar que “tras una etapa en la que Salvador Morera exploró el hierro, el acero o la terracota, hoy nos descubre algo muy diferente dando un giro a su obra con el trabajo en cobre”. El delegado ha remarcado que este cambio “no solo implica una transformación estética, sino también una declaración de principios ya que toma el arte como terreno de renovación”.

La exposición incluye pinturas basadas en las propias obras escultóricas. Una fórmula que el artista cordobés ha utilizado por primera vez en su dilatada carrera artística y sobre la que Duque ha indicado que el autor “ha querido ir más allá, con pinturas que nacen de ese diálogo con la materia creando un espacio en el que forma y fondo se entrelazan”.

El delegado ha recordado que la Fundación Botí “tiene un objetivo claro que es el de fomentar y difundir las artes plásticas cordobesas, combinando el apoyo a los grandes nombres de nuestra escena artística, como es el caso de Salvador Morera, con el de los más jóvenes creadores. Todo ello desde la pluralidad de miradas y estéticas, conscientes de la riqueza y diversidad del arte contemporáneo actual”. Además, Duque ha insistido en el compromiso de la Diputación con el Centro de Arte, lo que hará posible que “la difusión de las exposiciones se realice por toda la provincia de Córdoba a través del Botí itinerante”.

“Este año 2025 está siendo muy intenso para la Fundación, ya que se celebran varias efemérides y se ha puesto en marcha el Patio de la Botí, que volverá con fuerza en el próximo mes de otoño”, ha señalado Duque, quien ha adelantado que en el segundo semestre “se esperan grandes exposiciones que rendirán homenaje a los realistas cordobeses, al arquitecto Rafael de La-Hoz y, por su puesto, con Rafael Botí en el trigésimo aniversario de su fallecimiento”.

Por otra parte, el responsable provincial de Cultura ha afirmado que “sin apoyo a la creación no hay presente ni futuro artístico posible”. De ahí que la delegación de Cultura sigue “impulsando sus líneas de ayuda, tanto a artistas como a asociaciones y municipios, tejiendo una red que fortalezca la creación y dé respuestas a las necesidades del sector”, ha añadido Duque. Para concluir, el delegado ha remarcado que la exposición de Salvador Morera, “no solo es una celebración de su obra, de su valentía creativa y de su trayectoria ejemplar, es también una muestra viva del compromiso de esta institución con el arte que nace y se proyecta desde Córdoba y que enriquece a toda la sociedad”.

Por su parte, el autor, Salvador Morera, ha agradecido a la Diputación el apoyo para la organización de la exposición con unas obras que el propio Morera ha definido como “muy evolucionada en el contexto y en el diseño” con unas esculturas que le han servido de base para la realización de las pinturas, en la que pueden verse “los mismos personajes pero ubicados en un ambiente distinto”.

'Señales' y Salvador Morera

La exposición 'Señales' recoge obras como 'Hola, Vincent', 'María La Talegona' u 'Ofrenda', todas ellas surgidas en un difícil momento marcado por el aislamiento y la falta de materiales debido al bloqueo que sufrió el transporte de muchos de ellos durante la pandemia. Esa situación llevó al artista a alejarse de las materias primas con las que había trabajado hasta ese momento, como el hierro o el acero, para explorar el cobre. Además, esta es la primera ocasión en su dilatada carrera artística en la que Salvador Morera ha acompañado a sus esculturas con pinturas inspiradas en ellas, estableciendo una diálogo expresivo entre formas, gestos y materiales.

Salvador Morera nació en Peñarroya-Pueblonuevo en 1944. Cursó estudios de dibujo artístico, modelado, composición decorativa y pintura en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba, en la que permaneció ocho años. A los 18 años inició un periplo por varios países europeos que le llevó a Alemania, Bélgica y Países Bajos. Tras regresar a Córdoba, estableció su taller y su Casa-Museo en un inmueble de la Plaza Muñoz Capilla.

Morera puede calificarse como un artista polifacético cuya creación ha abarcado la escultura, la pintura, la cerámica y la vidriera. Su estilo ha evolucionado desde el impresionismo hacia el cubismo, integrando elementos simbolistas y expresionistas. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y distintos espacios públicos de Córdoba cuentan con obras suyas como 'Homenaje a la Paz por Córdoba' en la Plaza Muñoz Capilla y el 'Homenaje al Libro' en el Instituto de Educación Secundaria Ángel Saavedra.

En 1996 fue reconocido con la Fiambrera de Plata del Ateneo de Córdoba, consolidándose como una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo cordobés.

El PACO Festival de Arte Contemporáneo se celebrará en Montemayor, Córdoba, en 2025, con el objetivo de fusionar el patrimonio local con la creación artística actual, consolidándose como un evento de democracia cultural. Este festival multidisciplinar incluirá propuestas de danza, música, escultura, instalaciones, dibujo y arte contemporáneo en ruta, transformando espacios emblemáticos de Montemayor como el Museo de Ulia, el Castillo de Dos Hermanas y la Plaza de la Constitución en escenarios de creación y reflexión, resaltando la importancia de la participación social y cultural de la comunidad local.

Antes del festival principal, se llevará a cabo un pre-festival del 25 de abril al 5 de junio. La presentación oficial del evento será el 25 de abril en el Museo de Ulia y la Casa de la Cultura, con la participación de artistas y comisarios como Verónica Ruth Frías, Cyro García y Felicia Puerta. Durante esta fase, se presentará la exposición Arte Contemporáneo en Ruta en el Museo de Ulia, que mostrará obras de 54 artistas internacionales. El pre-festival también incluirá la itinerancia de Gráfica Estructural por diversos pueblos del país, acercando el arte contemporáneo a distintas comunidades. Un evento destacado será el concierto de la Orquesta Sinfónica UCO - CSM en la Plaza Rafael Alberti, gracias a la colaboración de la Universidad de Córdoba, UCO Cultura y el Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco de Córdoba. Además, se explorará la relación entre el arte culinario y el patrimonio local mediante la creación de un recetario popular con la participación de los vecinos.

El festival principal se desarrollará del 6 al 8 de junio, con la participación de más de una veintena de artistas y una intensa programación en lugares como el Castillo de Dos Hermanas y el Parque Periurbano Cerro de la Alcoba. Cachetejack, una pareja de ilustradoras, serán las encargadas del cartel oficial y presentarán una exposición con su estilo característico. Antonio Ruz ofrecerá la pieza de danza contemporánea Flop. Rafa Pulido exhibirá una obra de escultura e instalación sobre la naturaleza y la fauna local en el Castillo de Dos Hermanas. Luis Medina brindará un concierto íntimo. Miguel Fernández presentará su escultura monumental Ciclista III, que unirá arte y deporte local en las Naves de Herrería y el Cerro de la Alcoba. Javier de Riba, artista residente, transformará el espacio público del Cerro de la Alcoba con su proyecto Floors.

El PACO Festival también fomentará la participación comunitaria con actividades como el encuentro de Urban Sketchers y el proyecto RARA Residencia, que busca crear un vínculo entre arte y comunidad rural. Se ofrecerán conferencias, ponencias y talleres, incluyendo uno sobre la creación y sostenimiento de proyectos creativos en entornos rurales a cargo de los fundadores de RARA. La colaboración entre arte y ciencia se manifestará en la intervención de Soledad Carpintero y Fran Jiménez Carmona, quienes explorarán las conexiones entre la biología, la ecología y las expresiones artísticas, centrándose en el estudio de la fauna local. El festival celebra la creación artística, el intercambio cultural y la participación activa de la comunidad local, ofreciendo una experiencia única que combina el arte contemporáneo con el patrimonio cultural de Montemayor.

El evento cuenta con la colaboración de instituciones como la Fundación Botí, el CIAE, la Universidad Politécnica de Valencia y la Revista MAKMA, además del apoyo de empresas privadas de Montemayor.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía y la Fundación TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary han culminado este miércoles una colaboración que, durante tres años, “ha posicionado a Córdoba como punto de referencia en el mapa de la escena del arte contemporáneo internacional”, según han afirmado a través de una nota de prensa. 

A través de una trilogía de exposiciones comisariada por Daniela Zyman, la ciudad andaluza se ha convertido en un laboratorio de pensamiento artístico global donde convergieron ecología, justicia social y creación contemporánea, poniendo la mirada hacia saberes ancestrales y otras cosmologías no dominantes. 

Futuros Abundantes (2022–2023) ha inaugurado este ambicioso ciclo, proponiendo una revisión crítica de nuestra relación con el medio ambiente desde el arte. La muestra ha reunido obras de artistas icónicos como Ai Weiwei, Walid Raad, Pipilotti Rist o Beatriz Milhazes, junto con voces emergentes que exploran nuevas estéticas y narrativas de resistencia ecológica como Seba Calfuqueo, Naufus Ramírez-Figueroa o Dana Awartani. La exposición ha abordado temas como el colapso climático, las consecuencias de las prácticas extractivistas y las posibles alternativas regenerativas desde una perspectiva estética, activista y profundamente sensorial. En palabras de Rosa Ferré, co-directora de TBA21, “el arte tiene la capacidad de hacernos sentir la urgencia del planeta”.

Remedios (2023–2024), segunda parte de este tríptico, ha profundizado en la conexión entre espiritualidad, conocimiento ancestral y prácticas de sanación colectivas. En colaboración con comunidades indígenas de diversas regiones —desde la Amazonía hasta el Pacífico insular y Norteamérica—, la exposición ha tejido un relato transgeneracional en el que se han cuestionado las jerarquías del conocimiento y se ha abierto un espacio a cosmovisiones históricamente silenciadas. A través de piezas de la Colección TBA21 y de nuevas producciones, se han reivindicado formas de vida en armonía con la naturaleza y el territorio. “Remedios no fue una exposición, fue un acto de escucha”, señala Marina Avia Estrada, directora de exposiciones y programas públicos de TBA21. 

Por último, Ecologías de la paz (2024–2025) ha clausurado esta trilogía con una contundente reflexión sobre los vínculos entre arte, conflicto y justicia social. Con obras de más de cuarenta artistas internacionales, la exposición ha articulado el arte como herramienta para desmantelar dinámicas y estructuras de violencia, así como construir espacios de reparación simbólica. El conjunto de obras, muchas de ellas producidas o encargadas para la ocasión, han invitado a los y las visitantes a reflexionar sobre los conflictos del presente —desde el extractivismo hasta las migraciones forzadas— mediante un lenguaje poético, político y sensorial. La exposición se ha desplegado como una cartografía crítica del mundo contemporáneo desde el sur de Europa con obras de Cristina Lucas, la palestina Mirna Bamieh o del colectivo ucraniano The Center for Spatial Technologies, junto a Forensic Architecture, que investigan crímenes medioambientales y de guerra mediante tecnología, arquitectura y estética forense. La muestra ha planteado preguntas urgentes sobre las fronteras, la memoria y las posibilidades de paz desde un enfoque profundamente interdisciplinar.

Un impacto tangible

Durante estos tres años, la Fundación ha presentado un total de 244 obras de la Colección TBA21 y encargado más de 20 nuevas piezas, además de diseñar un extenso programa de actividades en colaboración con más de 20 instituciones, asociaciones y colectivos locales, entre los que se encuentra SEO/Birdlife Córdoba, la Escuela Superior de Arte Dramático, Casa Árabe o la Filmoteca de Andalucía. También ha contado con la colaboración de artistas como Madison Bycroft, Niño de Elche, Laia Estruch, Tarek Atoui y Seba Calfuqueo. El impacto de esta labor se refleja en las cifras: las exposiciones han recibido más de 134.000 visitantes, batiendo récords históricos y reafirmando cada año el interés y compromiso del público. Los programas públicos y de mediación han contado con la participación de más de 14.000 personas a través de talleres, visitas guiadas, conciertos, performances y encuentros con artistas, consolidando una conexión genuina con la comunidad y conectando el entorno local con el panorama artístico internacional.

“Durante estos años, la colaboración entre C3A y TBA21 ha permitido no solo la presentación de estas exposiciones, sino también la activación de una vibrante comunidad de artistas y agentes culturales locales, nacionales e internacionales. La interacción constante y el compromiso compartido han sido fundamentales para el éxito de estas iniciativas, siempre acompañadas de un programa de mediación artística multidisciplinar”, señala Jimena Blázquez, directora del C3A.

Además de las exposiciones, TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary ha desarrollado en Córdoba otros programas que han generado nuevas formas de encuentro entre el arte y la ciudadanía. Un ejemplo de ello es Meandering, que en sus tres ediciones ha ofrecido performances, meditaciones, música y conversaciones para explorar la interconexión entre el arte, la ecología y la sociedad.

En estos encuentros se ha trabajado con las sonoridades del río Guadalquivir para imaginar nuevas formas de convivencia y justicia medioambiental. Además, Meandering ha impulsado colaboraciones a largo plazo con Lafawndah, Isabel Lewis y Eduardo Navarro, integrando sus prácticas en los ritmos del Guadalquivir a través de registros visuales, sonoros y performativos.

¿Puede una imagen cambiar nuestra forma de ver el mundo? La exposición Creadores de Conciencia invita a reflexionar sobre ello, a través de 120 fotografías de 40 fotoperiodistas españoles que han arriesgado su vida para documentar conflictos, desastres y realidades silenciadas. La muestra, que se inaugura el próximo martes 8 de abril a las 20:00 en el Centro de Arte Contemporáneo Rafael Botí, podrá visitarse hasta el 18 de mayo con entrada gratuita.

La exposición se presenta en Córdoba como parte central del Seminario Permanente de Periodismo en Zona de Conflictos Julio Anguita Parrado, una cita que aborda los desafíos éticos y narrativos del periodismo en contextos bélicos y que tendrá lugar del 7 al 10 de abril. La programación incluye también conferencias, encuentros educativos y visitas guiadas por la muestra del comisario de la exposición y los fotoperiodistas Gervasio Sánchez, Ricardo García Vilanova y Walter Astrada, participantes en la muestra.

Creadores de Conciencia es un proyecto de DKV Seguros, producido con motivo de sus 20 años de acciones de Responsabilidad Social Corporativa, y comisariado por Chema Conesa y Juan Manuel Castro. La selección recorre dos décadas de trabajo de autores que han documentado las grandes crisis contemporáneas con una mirada crítica, comprometida y profundamente humana.

Entre los nombres que integran la exposición, además de los ya referidos Sánchez, García Vilanova y Astrada, figuran referentes como Emilio Morenatti, Pep Bonet, Judith Prat, Sandra Balsells, o Maysun, entre muchos otros. Cada uno de ellos aporta tres imágenes que, en palabras del comisario Conesa, “dibujan un mapa de los problemas de nuestro tiempo”.

Una generación de fotógrafos comprometidos

“La fotografía puede crear cualquier sensación: rechazo, ternura, miedo... pero también conciencia”, sostiene Andoni Lubaki, uno de los autores de la exposición. Otros participantes reflexionan sobre la fuerza ética del lenguaje visual. Judith Prat afirma que “una buena fotografía debe estar hecha de manera honesta, tener calidad técnica y, sobre todo, aportar información y provocar emociones”, mientras que Maysun defiende que “lo importante no es la perfección técnica, sino lo que te dice esa foto, lo que te remueve”.

El periodista y escritor Alfonso Armada, expresidente de Reporteros Sin Fronteras España, resume el espíritu del proyecto: “Mientras no se acabe el dolor, mientras no termine la vida, seguirá siendo necesario que los periodistas con una cámara a modo de conciencia nos sigan ayudando a ponernos en el lugar del otro. Por eso son creadores de conciencia”.

Educación visual para el pensamiento crítico

La exposición también tiene un marcado carácter pedagógico. Durante toda la semana, estudiantes de secundaria, bachillerato y escuelas de arte de Córdoba participarán en visitas guiadas dirigidas por el propio comisario Chema Conesa y asistirán a charlas con algunos de los autores de la muestra, como Gervasio Sánchez, Walter Astrada o Ricardo García Vilanova, que compartirán sus experiencias y reflexiones sobre el papel del fotoperiodismo en contextos de guerra y violencia.

El Seminario Permanente de Periodismo en Zona de Conflictos “Julio Anguita Parrado” se celebrará en Córdoba del 7 al 10 de abril de 2025, con una programación centrada en el poder narrativo y ético del fotoperiodismo como herramienta de conciencia crítica. Organizado por la Cátedra Unesco de Resolución de Conflictos de la UCO, el patrocinio de la Diputación de Córdoba y la colaboración del Sindicato de Periodistas de Andalucía, la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí, DKV, Delegación Territorial de Desarrollo Educativo y Formación Profesional y de Universidad, Investigación e Innovación en Córdoba y Reporteros Sin Fronteras el evento incluye, además de la exposición, conferencias abiertas y actividades formativas para estudiantes.

Con exposiciones, encuentros en institutos, conferencias abiertas y actividades formativas, el seminario reunirá en Córdoba a fotoperiodistas de referencia, estudiantes y público interesado en el papel del periodismo en escenarios de conflictos. El objetivo, desde su creación, es fomentar la cultura de la paz, el pensamiento crítico y acercar a la ciudadanía –y muy especialmente a las generaciones más jóvenes– las realidades silenciadas de los conflictos armados, las amenazas a la libertad de prensa y los retos éticos del periodismo contemporáneo. La dimensión educativa del programa se refuerza con una intensa agenda de actividades en centros de enseñanza secundaria de Córdoba.

La programación comenzará el lunes 7 de abril con el acto de entrega del XVIII Premio Internacional de Periodismo Julio Anguita Parrado, que tendrá lugar en el Centro de Recepción de Visitantes. El galardón, que reconoce la labor de periodistas comprometidos con la defensa de los derechos humanos, será entregado este año a Cristian Segura, quien ofrecerá además la conferencia “Contra el corresponsal de guerra” en el Salón de Columnas del antiguo Rectorado.

Todo el programa del seminario se puede consultar aquí

El Museo de Bellas Artes de Córdoba participa con el grabado Café de Levante, de Ricardo Baroja Nessi (1871-1953), en la exposición Madrid ¡Viva la Bohemia! Los bajos fondos de la vida literaria, que puede visitarse hasta el día 1 de junio de 2025 en la sala de exposiciones temporales del Museo de Historia de Madrid.

Según informa el Museo de Bellas Artes de Córdoba en su web, consultada por Europa Press, el grabado Café de Levante' representa el interior de un café en el que se reúnen de tertulia unos personajes mientras escuchan música. La obra, que fue donada por el autor al museo cordobés, “quizás en 1906 o 1909, a instancias de Enrique Romero de Torres”, esta datada entre esos años, momento de mayor actividad de Baroja como grabador y de su mayor reconocimiento en las exposiciones nacionales.

La exposición, organizada por el Museo de Historia de Madrid, presenta una amplia selección de piezas -óleos, dibujos, estampas, carteles, fotografías, películas, libros y periódicos- que aportan una imagen global de lo que supuso la bohemia literaria en el Madrid de la época.

La muestra se compone de cinco espacios, que transcurren desde París, sueño de cualquier artista y ciudad donde surgió la bohemia, hasta el Madrid del siglo XIX, cuando se desarrollan las distintas generaciones de bohemios ligada a los periódicos, al teatro, al folletín y la novela por entregas, según el modelo francés, con un compromiso social con los más desfavorecidos, políticamente cercanos al socialismo y al anarquismo y que rechazan abiertamente los valores burgueses.

Este grupo escribe en periódicos de izquierdas como Germinal, que dirigirá Joaquín Dicenta, altavoz para la ideología y denuncia de estos bohemios que circularán por el Madrid nocturno que tan bien reflejara en su obra Luces de Bohemia, publicada en 1924, el bohemio más aclamado, Valle-Inclán, a quien se dedica ampliamente una sección de la muestra, en la que se resume el espíritu de la Bohemia madrileña.

La Delegación Territorial de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía continúa su apuesta por el arte en todas sus manifestaciones con el encuentro creativo público ‘EnCaja 2025’, un evento que reunió en el patio de su sede principal a cuatro artistas.

Esta propuesta pretende acercar el arte urbano a la ciudadanía y visibilizar su riqueza y pluralidad a través de los creadores Jess Bazán, Rafa Bilcor, Trébol e Ismael Ortiz Kiler. Sus obras, realizadas en directo, quedarán expuestas a partir del 20 de febrero en el Teatro Cómico Principal, junto a las de años anteriores, en los que participaron autoras como Almudena Castillejo, Clara Gómez Campos y Cristina Redondo Nisa, además de Ese Notas o Guillermo Herrera Kalama.

En todas las ediciones, enmarcadas en el Día Mundial del Arte, el soporte utilizado ha sido mural sobre cartón, material que permite trasladar las obras a distintos espacios expositivos y mantener vivo el mensaje más allá del evento.

El delegado territorial, Eduardo Lucena, ha destacado de esta iniciativa el compromiso de la Junta de Andalucía con la expresión artística en toda su diversidad y con el apoyo a los nuevos creadores. “El arte urbano ha pasado de ser una manifestación callejera y espontánea a convertirse en una disciplina reconocida y apreciada a nivel mundial”, ha apuntado. Desde la Delegación Territorial de la Consejería de Cultura y Deporte, añade, “queremos seguir fomentando espacios para la creatividad, donde artistas tanto emergentes como consolidados puedan compartir su talento con la sociedad”.

Artistas participantes

Rafael Cabezas Sánchez, alias Rafa Bilcor (Córdoba, 1980) es graffitero, creador plástico y poeta. Preside la asociación Síntesis y ha expuesto en Málaga, Córdoba, Montilla y Écija. Ha trabajado como monitor de graffiti en diversas instituciones.

Jess Bazán Benítez (Córdoba, 1989) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Su obra se centra en la relación entre naturaleza y mundo animal, con una figuración precisa y una sensibilidad poética. Ha expuesto dentro y fuera de España y combina su labor artística con el diseño gráfico.

Ricardo Deza Rollán, alias Trébol o El Niño Flaco Míster Neveras (Madrid, 1989) es un artista urbano afincado en Córdoba, especializado en graffiti y muralismo. Su estilo fusiona colores vibrantes y mensajes sociales, combinando realismo, ilustración y abstracción para dar voz a historias invisibles de la comunidad.

Ismael Ortiz, alias Kiler, (Córdoba, 1996), es un creador multidisciplinar que trabaja la talla en madera y la ilustración con técnicas mixtas. Su obra, cargada de simbolismo y con una estética entre lo realista y lo fantástico, ha formado parte de exposiciones en Córdoba, Málaga y Jaén. En 2023 publicó su primera novela gráfica, “Animales de costumbre”.

El delegado territorial de Cultura y Deporte, Eduardo Lucena, ha inaugurado en el Museo de Bellas Artes la exposición ‘El Artista y el Eros’ del artista Ricardo Zamorano, una muestra que se articula gracias a una donación realizada al Museo que se podrá visitar hasta el próximo 27 de abril. Con exposiciones como esta, el Bellas Artes pretende “hacer difusión de obras que se van incorporando a sus colecciones, a la vez que se muestra como una institución viva, que va creciendo”, ha indicado el delegado. La presentación ha contado con la participación de Antonio Lara Quero, donante de la serie que a partir de hoy se exhibe.

La muestra expone un autorretrato del artista y 21 piezas de la serie llamada Suite Erótica, realizada en los años 70. La vinculación del artista con la ciudad de Córdoba la encontramos a través del pintor Pedro Bueno, que extendió su amor por la ciudad a un grupo de artistas que conocía en Madrid. Abundan los temas populares y la técnica básica es el grabado, que permite una difusión entre las clases populares.

Ricardo Zamorano Molina (Valencia, 1923 - Madrid, 2020) fue un pintor, dibujante y grabador que destacó por su compromiso artístico y activismo político, utilizando su arte como medio de expresión y denuncia durante los años de la dictadura franquista. Se formó como artista en su Valencia natal y pronto se traslada a Madrid y a París. 

Su obra se caracteriza por un realismo crítico, reflejando la realidad social y política de su tiempo, fusionando la modernidad con las tradiciones populares. Su contribución al mundo del grabado ha sido fundamental para la preservación y renovación de esta técnica en el siglo XX.

La obra de Zamorano ha sido expuesta en prestigiosas galerías y museos, encontrándose dispersa también en colecciones particulares. En 2022, un conjunto de dibujos y dos pinturas fue donado por Antonio Lara Quero al Museo de Bellas Artes de Córdoba, entre ellos se encuentra la serie Suite Erótica y el autorretrato que se muestran en esta sala.

A través de esta serie, creada en la década de 1970, Zamorano explora su faceta más personal, mostrando una visión moderna y audaz del erotismo, sin caer en lo vulgar o lo obsceno. No se presenta como una provocación, sino como una exploración artística del cuerpo humano, la pasión y las emociones que surgen en las relaciones íntimas.

Pueden encontrarse en ella paralelismos con la Suite Vollard de Picasso, una colección de grabados conocida por sus temas eróticos y mitológicos realizada entre 1930 y 1937, considerada una de las más influyentes del arte del siglo XX. En ellas se narran historias visuales que reflejan las obsesiones personales y las relaciones amorosas de ambos artistas, dotando a sus obras de una profundidad narrativa mas allá de la mera representación erótica. 

Aunque esta serie de Zamorano no ha sido tan famosa como otras obras de su carrera, mantiene un lugar importante dentro de su producción, tanto por la libertad con la que abordó el tema como en la maestría técnica del artista. Representa una faceta más del polifacético Ricardo Zamorano Molina, quien, más allá de su obra popular, también se adentró en el universo de lo íntimo con una mirada introspectiva y a la vez universal. 

El delegado de Cultura, junto al director del Museo, José María Domenech han agradecido el incansable trabajo del equipo del Museo, sin el cual, este tipo de exposiciones no se podrían llevar a cabo y exponer al público.

El Comité de Cultura del Colegio de la Abogacía ha inaugurado este miércoles la exposición colectiva ‘Julio Romero de Torres: 150 años de inspiración’, organizada por el Ateneo de Córdoba en homenaje al pintor cordobés.

La exposición permanecerá en la sala de exposiciones del Colegio de la Abogacía hasta el próximo 25 de febrero. El horario de visita es de lunes a jueves, de 9 h a 14 h y de 17 h a 19:30 h; los viernes de 9 h a 14 h. Antes de la inauguración se proyectó el cortometraje ‘Chiquita La Piconera’ de Miguel Ángel Entrenas en el salón de actos de la sede colegial.

La exposición ‘Julio Romero de Torres: 150 años de inspiración’ es una recopilación de las obras de 15 talentosos artistas que, desde diversas disciplinas como la pintura, el grafito y la escultura, han unido sus voces creativas para ofrecer una experiencia artística inolvidable. Han participado Manuel de Frías, Nieves Moriano, José Mª Serrano Carriel, Curro Sújar, Mª José Ruiz, Carmen López Rey, Aurora Torres, Francisco Rodríguez Lobo, Rafael Cervantes, José Luis Muñoz, Vicente R. Fernández Román, Francisco Armas Padrón, Pepe Amate, Rafael Pintor y Aurora Cañas Ruiz.

Artistas de diferentes lugares geográficos que aportan a esta muestra una variedad de estilos, temáticas y enfoques que enriquecen el conjunto, haciendo de esta colección un reflejo de la pluralidad cultural y creativa que caracteriza a nuestro país.

La Diputación de Córdoba acoge, desde este lunes y hasta el próximo 10 de febrero, una muestra pictórica de la Asociación de Pintores Adolfo Lozano Isidro, de Priego de Córdoba, con la que este colectivo se suma a los actos conmemorativos del 150º aniversario del nacimiento de Julio Romero de Torres.

El acto de inauguración de la exposición, que podrá visitarse en la Galería de la Arpillera del Palacio de la Merced, ha estado encabezado por la delegada de Presidencia, Gobierno Interior y Vivienda de la institución provincial, Marta Siles, quien ha estado acompañada por el responsable de Cultura, Gabriel Duque; por la concejala de Cultura de Priego de Córdoba, Jezabel Ramírez, y la presidenta de la Asociación de Pintores Adolfo Lozano Sidro, Araceli Aguilera.

Durante su intervención, Siles ha puesto en valor “el trabajo y compromiso de este colectivo con el arte y la cultura cordobesa; un trabajo que hoy se evidencia en este homenaje a la figura de Romero de Torres”.

La muestra se compone de un total de 37 obras, la mayor parte de ellas realizadas con la técnica de pintura al óleo sobre lienzo, aunque también se incluyen trabajos en acuarela.

La mayor parte de las obras expuestas son visiones particulares de las obras más significativas de Julio Romero, incluyéndose versiones de La chiquita piconera , obra más representativa del ilustre pintor cordobés.

En relación con la Asociación Adolfo Lozano Isidro, Siles ha señalado que “viene realizando una importante labor de fomento del arte y la cultura, a través del estudio y reflexión sobre temas concretos. Así, su anterior muestra en este Palacio de la Merced versó sobre su interpretación de 'El collar de la paloma'”.

El mural Amistad, realizado por los artistas urbanos Sake ink y Sota Pérez, ha sido incluido en el prestigioso ranking de los mejores murales del mundo 2024 organizado por la plataforma internacional Street Art Cities. Este reconocimiento coloca a Baena, localidad de la provincia de Córdoba, como punto de referencia en la escena del arte urbano mundial.

Amistad ha sido seleccionado como uno de los 100 murales más destacados a nivel mundial, no solo por su impactante diseño y mensaje, sino también por su carácter social y  su relevancia en el panorama artístico internacional. La obra es parte de la Ruta de Arte Urbano Ciudad de Baena, un proyecto cultural que ha dado visibilidad a las intervenciones artísticas que transforman los espacios urbanos de la ciudad, a través de residencias artísticas de artistas nacionales e internacionales.

Lo que hace aún más especial este logro es que “Amistad” es el único mural de Andalucía realizado por artistas andaluces que ha sido nominado a este prestigioso ranking. Esta inclusión resalta la fuerza de la creación andaluza y, en particular, cordobesa dentro de la escena del arte urbano internacional.

Street Art Cities, la plataforma encargada de organizar estos premios, es la comunidad más influyente en el mundo del arte urbano, con un gran alcance internacional. La plataforma destaca anualmente los murales más sobresalientes, con el objetivo de promover y celebrar la diversidad cultural a través de las intervenciones artísticas en el espacio urbano. Ser incluido en su ranking no solo valida la calidad del trabajo de Sake ink y Sota Pérez, sino también el valor del arte urbano como herramienta de transformación social y cultural.

La obra, que ocupa un lugar destacado en una de las paredes del Instituto de Educación Secundaria Luis Carrillo de Sotomayor, de 12 metros de alto por 5 de ancho, ha capturado la esencia de la conexión humana y la colaboración en la creación artística. Mediante el uso de colores vibrantes y una composición dinámica, con referencias a sus propias raíces y orígenes, los artistas logran transmitir un mensaje de unidad y empatía, elementos esenciales que definen tanto el mural como la propia filosofía del proyecto.

Sake ink, originario y residente en (Baena, Córdoba) que ya ha sido reconocido previamente por su mural del Quijote, que se posicionó como el 10º mejor mural del mundo en las votaciones de 2023, tiene una carrera internacional consolidada en el arte urbano. Su obra puede verse en diversos países, incluidos España, Alemania, Holanda, Armenia, Marruecos, Ecuador, México y Miami, entre otros. Además, junto con Sota Pérez, coordina y dirige el proyecto Art Baniana, un proyecto de arte urbano que sigue ganando protagonismo en la escena cultural andaluza e internacional, en cuanto a creación contemporánea se refiere, asimismo, es responsable de la ‘Ruta de Arte Urbano Ciudad’, donde poder ver mas de 25 obras de arte urbano de primer nivel realizados por el propio artista, así como artistas çnacionales e internacionales.

Por su parte, Sota Pérez, originario de Huelva pero afincado en Córdoba, ha demostrado su versatilidad artística, que va desde el muralismo, intervenciones de carácter instalativo y la alfarería. Sus intervenciones se pueden disfrutar en multitud de ciudades de Europa e incluso Marruecos. Sus cuadros se han podido disfrutar en diferentes espacios expositivos de gran nivel nacional como ARCOMADRID 2022. Su marca Modernxs de Pueblo, donde interviene botijos a mano, lucha por la preservación del botijo fusionando arte y tradición. Su obra se ha reconocido tanto a nivel nacional como internacional, y su participación en “Amistad” es un reflejo de su visión artística de la vida y la sociedad.

“Amistad” no solo es una obra de arte mural, sino también un referente para todos aquellos que buscan en el arte público una forma de expresión colectiva que une a la comunidad. La obra pone en valor la importancia del arte urbano como reflejo de la realidad social, y demuestra cómo el arte puede actuar como puente entre diferentes culturas y generaciones.

El proceso de votación para elegir a los 10 mejores murales del mundo está abierto hasta el próximo 25 de enero.Para votaciones en los perfiles de redes sociales de ‘Sake ink’, ‘Sota Perez’ o ‘Street art cities.

La artista visual Alba Lorente Hernández, quien formó parte de la decimoctava promoción de jóvenes creadores de la Fundación Antonio Gala, muestra su vídeo instalación 'La obra es un tótem, el proceso es un rito' en el período de estudios abiertos de las residencias artísticas del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) en Córdoba, dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía.

Según destacan desde la Fundación Antonio Gala, la obra plantea una serie de recorridos circulares que conectan con la identidad de Córdoba para dialogar con la pieza 'El nido' del artista Pepe Espaliú. A través de este estudio, se reinterpreta la obra de Espaliú y se exploran los paralelismos entre el proceso creativo y el rito, así como entre la obra y el tótem. La obra, junto al resto de las expuestas en estos días de estudios abiertos, puede visitarse hasta el día 15 de enero de 2025.

Al respecto, el C3A abrió en diciembre la segunda fase de 'estudios abiertos', en la que se presentan los trabajos finales de la VII edición de residencias artísticas que el centro lleva a cabo. Tal y como indicó la Junta en una nota, los visitantes pueden descubrir los resultados del proceso creativo de los artistas Álvaro Albaladejo, Enrique del Castillo, Susana Jiménez Carmona, Gala Knörr, Juan López López, Alba Lorente Hernández y Eduardo Rodríguez.

Con motivo de la apertura, los artistas reciben y presentan sus proyectos en sus estudios y en la sala 0 del C3A en dos pases. Los proyectos podrán visitarse hasta el 15 de enero, en el horario habitual del C3A.

La VII edición de residencias artísticas del C3A, un ciclo referente en el ámbito de la creación artística en el Sur de España, presenta la segunda fase de 'estudios abiertos', con los trabajos de los otros siete creadores seleccionados en la primera en convocatoria pública a través de sistema de subvenciones y dotada con un presupuesto de 85.000 euros.

Desde que comenzó en noviembre de 2023, los artistas han contado con un espacio de trabajo propio y acceso a las herramientas digitales y analógicas del centro. Los residentes han sido tutorizados por Tete Álvarez, Beatriz Espejo y Javier Sánchez, quienes han brindado guía y asesoramiento en el desarrollo interdisciplinar de los proyectos.

Desde que se iniciara el programa de residencias en 2017, han participado más de 90 artistas y colectivos, así como comisarios destacados, buscando apoyar la creación artística y fortalecer las voces curatoriales emergentes y consolidadas dentro del ámbito del arte contemporáneo.

Las residencias del C3A están destinadas no sólo a la producción y creación contemporánea, sino que además promueven la investigación y el desarrollo de nuevos lenguajes creativos. Mediante este proyecto se establecen también nuevas redes de colaboración que traspasan las fronteras de Andalucía y fomentan la multidisciplinariedad.

Espacio Plástico, espacio abierto a la creación en Almogávares, 17, inaugura este sábado a las 12:30 la exposición 'Reinos del Silencio', del pintor y músico cordobés Álvaro Muñoz, 'Tarik', líder de Summer Spree y referencia de la música independiente española desde la creación de Tarik y la Fábrica de Colores a mediados de los años 80.

La muestra será visitable hasta el próximo 24 de enero de 2025, en horario abierto de lunes a viernes, de 9:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00, y fuera de ese horario mediante cita previa, por teléfono o correo electrónico.

Álvaro Tarik debuta con su obra pictórica en 'Reinos del Silencio', una muestra para la que ha seleccionado cuadros que representan “espacios liminales entre la realidad y lo surrealista, que inspiran soledad”; perspectivas urbanas que emergen de un ejercicio solitario de creación.

El artista ha recurrido al control de la hipnagogia, la breve transición entre la vigilia y el sueño, para provocar la inspiración. El resultado es una serie de paisajes “que pueden provocar inquietud y melancolía, donde se intuye la presencia humana, pero no hay personas”, según ha afirmado.

Álvaro Tarik cita a Schopenhauer para defender que esa soledad es imprescindible para ser libre y crear su arte, reconociendo que es una “soledad impostada”, pues su objetivo es ser finalmente compartida. En su caso, Tarik asegura que sus cuadros son visiones refractadas construidas a través del recuerdo de un recuerdo, como si la pintura brotara solo en un estado de duermevela, “en la magia de esa semiinconsciencia”.

El pintor y músico sostiene que estas obras son “un llamamiento a la soledad, a la contemplación de ese mundo de ensoñación que intento plasmar desde niño”. Así, en su huída “del ruido, la urgencia, el egoísmo, la irreflexión o los prejuicios, mandados de la sociedad posmoderna”, el artista inaugurará su primera muestra pictórica con un pequeño concierto acústico en Espacio Plástico este sábado a las 12:30.

El Centro de Arte Contemporáneo Rafael Botí de la Diputación de Córdoba acoge, desde este martes y hasta el próximo 28 de febrero, la exposición 'Bestiario', de José Manuel Belmonte, que integra una serie de relieves de carácter muy personal que emprendió en 2023 y que ahora se puede ver por vez primera en Córdoba.

Durante el acto de inauguración de esta muestra, el presidente de la Diputación de Córdoba, Salvador Fuentes, ha señalado que “es un orgullo y un placer acoger la obra de este célebre creador cordobés en una exposición que supone el regreso del artista a la técnica del relieve, una tarea no muy frecuente en la actualidad, pero en la que Belmonte se desenvuelve de manera magistral”.

Fuentes ha explicado, además, que “nos encontramos ante la obra más reciente de uno de los artistas cordobeses con mayor proyección nacional e internacional, una trayectoria de éxito que hoy recala en su ciudad natal, para compartir con sus vecinos y vecinas esta serie de grabados que ha titulado 'Bestiario'”.

“El trabajo de Belmonte siempre ha estado vinculado a su tierra, como evidencian obras públicas como 'La regaora' y los conjuntos de homenaje a los Patios, iconos de esta Córdoba contemporánea. Hoy conocemos su obra más íntima y personal, la de un artista que consiguió la Medalla de Andalucía y que es miembro de la Real Academia de Córdoba”, ha añadido Fuentes.

Para el presidente de la institución provincial, “que la Fundación Botí acoja hoy la obra de José Manuel Belmonte supone cumplir una asignatura pendiente con este artista, ya que nuestro Centro aspira a ser la casa de todos los creadores y artistas de nuestra tierra”.

Fuentes ha hecho hincapié en que “Belmonte es un referente de la cultura cordobesa, miembro de una generación que nos está dando mucho en el mundo del arte y que tiene que contar con espacios, como este Centro, para visibilizar y poner en valor su obra”.

“Desde esta Diputación estamos convencidos que el Centro Botí debe convertirse en un espacio dinámico, en el que coincidan artistas de diversas generaciones y estéticas y, sobre todo, un espacio siempre abierto a los creadores cordobeses”, ha concluido Fuentes.

Por su parte, el delegado de Cultura de la Diputación y presidente de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, Gabriel Duque, ha afirmado que “es la primera vez que acogemos una muestra de Belmonte, una serie de grabados que se expone en primicia en Córdoba”, precisando que “esta colección pertenece a su obra de relieve y con ella se acerca a la tradición de los bestiarios, en una mirada un poco irónica de la mitología”.

Finalmente, José Manuel Belmonte ha desgranado 'Bestiario', “serie que durante todo el año ha viajado por Asia y de la que, actualmente, alguna obra permanece en Pekín (China) y La Coruña”.

Belmonte ha remarcado que “todo este proceso se inicia con la escultura 'Butterflies' y de ahí una obra fue llevando a otra, hasta completar la serie de bajorelieves, que juegan con luces y sombras hasta engañar al ojo humano”.

“En esta ocasión he introducido guiños al mundo de las artes, del amor o del dolor, dotando a cada trabajo de una importante carga emocional. Además, la introducción del color nos lleva a una mayor contemporaneidad”, según ha concluido Belmonte.

El jurado del certamen de historieta, caricatura, humor gráfico e ilustración y Fanzine Trampa se ha reunido en la Casa de la Juventud de Córdoba para fallar los distintos premios y seleccionar las obras que compondrán el 'Fanzine', que se editará la próxima primavera.

Según ha informado el Ayuntamiento, el jurado ha estado compuesto por tres profesionales del mundo artístico: Enrique Quevedo Aragón, ilustrador y profesor en la Escuela de Arte Dionisio Ortiz; Clara Gómez Campos, artista plástica y profesora en la Escuela de Arte Mateo Inurria, y Emilio Díaz Estepa, historietista y ganador en la última edición del certamen en la modalidad Historieta Senior, actuando como secretaria, sin voto, Cristina Turiel Flores, técnica del Departamento de Juventud.

Las obras premiadas han sido en Categoría Junior, modalidad historieta: 'Ladrones de Vulne', galardonada con 300 euros, de Pablo Expósito Banderas, por su calidad técnica, su dominio del dibujo y el uso acertado de los recursos narrativos, concediéndose una mención de honor, sin dotación económica, a la obra 'Soledad' de Javier Rodríguez Sánchez.

Y en la modalidad ilustración, 'Cuando tú andas cerca pierde sentido la gravedad', galardonada con 300 euros, de Javier Ledesma Jurado, por sus aciertos en el uso de los fondos blancos, la distribución equilibrada de los diferentes elementos de la obra y el juego con diferentes planos de profundidad, concediéndose una mención de honor, sin dotación económica, a la obra 'Siempre quise tener un perro', de Luis Córdoba Ortiz.

En la Categoría Senior, en la modalidad historieta, 'Camino a casa', galardonada con 600 euros, de Marina García Gámiz, por su estructura formal, por su capacidad para desarrollar un amplio discurso con gran economía de recursos y por el carácter poético de su contenido, concediéndose una mención de honor, sin dotación económica, a la obra 'Sobre el deseo', de Violeta Cejas.

En la modalidad caricatura, 'El descenso hacia la locura de Perempuan en el país de las maravillas', galardonada con 600 euros, de Mónica Rosa Hernández, por su calidad gráfica, su habilidad artística y la originalidad de su planteamiento, concediéndose una mención de honor, sin dotación económica, a la obra 'Españolíptico', de Rafael Méndez Izquiano.

Y en la modalidad ilustración, 'Departamento de astrología', galardonada con 600 euros, de Lucía del Pino Molina, por el uso de un lenguaje gráfico propio, por la creación de un universo personal y por su dominio de los recursos técnicos --en especial, fondos, dibujo y color--, concediéndose una mención de honor, sin dotación económica, a la obra 'Fragilidad compartida', de Mónica Rosa Hernández.

Espacio Plástico, espacio abierto a la creación en Almogávares, 17, inaugura este próximo sábado 9 de noviembre la exposición ‘Iluminaciones eléctricas’ del pintor Manuel Garcés. Será visitable hasta el 5 de diciembre, en horario abierto de lunes a viernes, de 9 a 14h y de 17 a 20h, y fuera de ese horario mediante cita previa por teléfono o correo electrónico.

Esta iniciativa responde a la invitación cursada por Espacio Plástico al pintor cordobés dentro de la actividad ‘Carta blanca’, a través de la cual este centro creativo propone a artistas locales experimentar en sus procesos artísticos y desarrollar “nuevas formas de creación, nuevas maneras de presentar el arte e interactuar con el público”, según la organización. El resultado es la muestra de un conjunto de sesenta obras nunca expuestas que, según Garcés, “suponen un ejercicio de creatividad, de entrenamiento a través de la pintura automática y espontánea que en mi caso tiene lugar como paso previo a la pintura de un cuadro”; piezas en las que “pinto rápido y pienso poco”, dice el pintor.

De esta forma permite al público asomarse a su proceso pictórico, a este tipo de “experimento creativo que abre camino a otras ideas, técnicas e incluso formas de presentar” el trabajo; un ejercicio que él vincula con “el instinto como una suerte de automatismo pictórico libre de reglas”. Esas obras, en papel y formato 20x26 centímetros, se entienden como “parte del proceso”, técnicas que le permiten “romper esquemas previamente asentados” en su forma de pintar. 

La inauguración tendrá lugar este sábado, 9 de noviembre, a las 12:30. Durante las cuatro semanas que estará expuesta la obra, Garcés guiará una serie de visitas a la muestra y está previsto que también desarrolle una parte de la obra in situ, con el ánimo de hacer más participativo el proceso creativo junto a la comunidad de Espacio Plástico. 

‘Carta Blanca’ es una actividad que forma parte de ‘Presente en Córdoba’, un programa de Espacio Plástico cuya primera edición se desarrollará hasta final de año y en el que también participarán artistas como Álvaro Tarik y Rita Rutkowski. ‘Presente en Córdoba’ parte de la convicción de la organización de que “estar presentes en Córdoba y atentos al momento actual del panorama artístico y contemporáneo permite diseñar acciones innovadoras y sólidas en torno al arte contemporáneo en la ciudad”. Desde Espacio Plástico abogan por la escucha “atenta y activa” como punto de partida para la formulación de proyectos que respondan a las necesidades de los artistas del territorio. 

Un investigador de la Universidad de Sevilla, Jesús Aguilar Díaz, ha descubierto una obra inédita de Julio Romero de Torres, el célebre pintor cordobés del que justo ahora se cumplen 150 años de su nacimiento, en la localidad de Porcuna, Jaén. Se trata de un retrato infantil realizado a principios del siglo XX, que permanecía en manos de la familia Gallo, amigos cercanos del artista. La obra, un óleo sobre tabla titulado Retrato de niño, es un hallazgo significativo que abre nuevas puertas al estudio de la producción del artista. La pintura está fechada en 1903, aproximadamente.

Este descubrimiento se enmarca dentro de una serie de investigaciones relacionadas con los trabajos murales que Julio Romero de Torres realizó para la iglesia de Porcuna, lo que sitúa la pintura en un contexto histórico y artístico relevante. Según Aguilar, la obra fue probablemente ejecutada durante la estancia del pintor en la localidad, mientras trabajaba en los murales del ábside de la iglesia, donde realizó varios retratos de los hijos de la familia Gallo, sus anfitriones durante ese tiempo.

El Retrato de niño, de dimensiones modestas (50,5 x 30 centímetros), presenta al infante con una expresión seria, mejillas sonrosadas y vestido con una prenda adornada con encajes, típica de principios del siglo XX. La figura está enmarcada por un fondo azul degradado, sobre el que destacan claveles rojos y rosáceos que añaden colorido y vida a la composición. La pincelada suelta y enérgica del pintor, especialmente visible en los detalles florales y la vestimenta, es un claro indicativo de la influencia modernista en su obra.

Un mural de encargo

La historia detrás de este cuadro está ligada a un encargo para la Iglesia de Porcuna, donde Romero de Torres pintó murales de la Asunción de la Virgen, la Sagrada Familia y otros temas religiosos. Estos murales fueron objeto de controversia en su tiempo debido a la percepción de inmoralidad por parte de sectores conservadores de la población, lo que afectó la reputación de la obra y, posiblemente, el destino de algunas de sus pinturas menores, como el Retrato de niño.

El hallazgo del retrato en una colección privada pone de manifiesto la amplitud de la producción retratística de Julio Romero de Torres, quien trabajó para la burguesía madrileña y cordobesa, siendo la mujer su principal musa. Sin embargo, esta obra infantil demuestra que también se dedicó a otros géneros dentro del retrato, en este caso con una frescura pictórica que resalta su dominio de la luz y el color.

El cuadro, según Aguilar, presenta similitudes técnicas con otras obras del pintor, como Pereza Andaluza o Bendición Sánchez, donde la luminosidad y el tratamiento del color son protagonistas. La inclusión de flores en la composición, además, es un recurso decorativo recurrente en la obra del cordobés, que aquí adquiere un protagonismo singular.

La familia Gallo, en cuya colección ha permanecido la obra durante más de un siglo, mantuvo una estrecha relación con Julio Romero de Torres, llegando a acogerlo en su hogar durante sus estancias en Porcuna. Este vínculo personal queda reflejado en el afecto con el que el artista retrató a los hijos de la familia, como lo demuestra este Retrato de niño, que ahora sale a la luz.

El descubrimiento de esta obra abre la posibilidad de que otras piezas de Romero de Torres, desconocidas hasta la fecha, puedan salir a la luz. La investigación continúa, y los expertos no descartan que en colecciones particulares puedan encontrarse más trabajos del pintor cordobés, que aún no han sido catalogados.