La plaza de toros Los Califas amplía sus posibilidades como escenario para la música en directo con la puesta en marcha del Córdoba Auditorium Club (CAC), un espacio cubierto instalado en el propio ruedo del recinto, concebido para acoger conciertos, espectáculos y propuestas culturales durante los meses de otoño e invierno. Esta nueva configuración permite dar continuidad a la actividad musical de la plaza más allá de la temporada habitual de conciertos al aire libre, ofreciendo una alternativa adaptada a las condiciones climatológicas de los meses más fríos y manteniendo la esencia de uno de los recintos más emblemáticos de la ciudad.

El CAC nace con la vocación de convertirse en un punto de encuentro para la música y la cultura, ofreciendo una experiencia cercana y acogedora en un entorno especialmente preparado para disfrutar de los espectáculos en directo. De hecho, una de las principales características del CAC es su ubicación en el interior de la plaza de toros Los Califas, donde se ha instalado una carpa completamente cubierta y acondicionada para la celebración de espectáculos musicales.

Su estructura modular permite adaptar la distribución interior a las características de cada evento, con diferentes configuraciones de público, tanto sentado como de pie, y la posibilidad de integrar sectores del graderío de la propia plaza. Esta versatilidad permite acoger desde conciertos de formato medio hasta espectáculos familiares, galas, presentaciones, encuentros corporativos y otras propuestas culturales, ampliando las posibilidades de utilización del recinto durante los meses de otoño e invierno.

El carácter cubierto de la instalación ofrece al público un entorno protegido de las inclemencias meteorológicas, permitiendo mantener una programación estable y una experiencia más cercana entre artistas y espectadores.

Infraestructura profesional y servicios para el público

El CAC cuenta con una configuración diseñada para responder a las necesidades técnicas y de producción de espectáculos musicales. El proyecto contempla un escenario profesional, estructuras técnicas para la instalación de equipos de sonido e iluminación, pantallas y elementos audiovisuales, así como una zona independiente de control técnico situada frente al escenario. A esta infraestructura se suman dos barras de restauración, espacios auxiliares para producción y personal, taquillas, aseos y servicios adaptados, integrados en la distribución general del recinto.

Asimismo, el proyecto incluye la previsión de dos equipos de climatización, especialmente importantes para favorecer el confort del público durante los meses de invierno.

La distribución interior permite organizar diferentes zonas de espectadores, recorridos de circulación y espacios de servicio, adaptando el recinto a las necesidades de cada espectáculo.

Esta combinación de infraestructura escénica, servicios y versatilidad convierte al CAC en una propuesta complementaria a los grandes conciertos al aire libre que habitualmente se celebran en la Plaza de Toros Los Califas.

Los Califas Fest, música y cultura durante los doce meses del año

La puesta en marcha del CAC supone un nuevo paso en la evolución de Los Califas Fest, un ciclo que continúa trabajando para consolidar Córdoba como destino de referencia para la música en directo.

Bajo el lema 'Córdoba florece al ritmo de la música', el festival apuesta por una programación diversa, capaz de reunir a artistas de diferentes estilos y atraer a públicos de distintas generaciones.

La incorporación de este espacio cubierto permitirá prolongar la actividad cultural durante los meses de otoño e invierno, contribuyendo a la dinamización de la ciudad y ampliando las oportunidades para disfrutar de grandes espectáculos musicales a lo largo de todo el calendario.

Esta iniciativa refuerza, además, el aprovechamiento de las instalaciones de la plaza de toros Los Califas, un recinto que continúa evolucionando para responder a las nuevas necesidades de la industria musical y del público.

José Mercé, una de las grandes citas de la programación de noviembre

Entre las próximas actuaciones previstas en el CAC destaca la presencia de José Mercé, que ofrecerá un concierto el próximo sábado 14 de noviembre, a las 21:00, dentro de la programación de Los Califas Fest 2026.

El legendario cantaor jerezano llegará a Córdoba con su espectáculo José Mercé canta a Manuel Alejandro, un emotivo homenaje al compositor jerezano que permitirá disfrutar de algunas de las grandes canciones de la música española desde la particular sensibilidad flamenca del artista.

Un nuevo impulso para la actividad cultural de Córdoba

Con el CAC, la Plaza de Toros Los Califas refuerza su papel como uno de los principales escenarios para la celebración de eventos musicales y culturales de la ciudad.

La posibilidad de adaptar el recinto a las diferentes estaciones del año representa una oportunidad para mantener una actividad continuada, diversificar la programación y contribuir al desarrollo de la oferta cultural y de ocio de Córdoba.

El CAC se presenta así como una nueva propuesta para disfrutar de la música en directo en un entorno singular, combinando la identidad de la Plaza de Toros Los Califas con las ventajas de un espacio cubierto y acondicionado para los conciertos de invierno.

La Film Symphony Orchestra llevará a Córdoba su último espectáculo Odisea, una nueva gira dedicada a la música de cine. El concierto tendrá lugar el 11 de junio en el Teatro de la Axerquía, con Constantino Martínez-Orts al frente de la dirección musical y creativa.

El repertorio incluye bandas sonoras de El Señor de los Anillos, Star Wars, Juego de Tronos, Gladiator, Interstellar, Avatar, Dragonheart, Stargate, Los Goonies y Memorias de África, entre otras. Son composiciones que siguen siendo reconocibles incluso fuera de las películas para las que fueron creadas.

La selección recorre distintos géneros y universos cinematográficos: de la fantasía y la ciencia ficción a la aventura y el drama. Cada banda sonora aporta una identidad propia al programa y evoca historias que han llegado a públicos de distintas generaciones.

El concierto ofrecerá más de dos horas de música en directo para todos los públicos. La interpretación sinfónica permitirá apreciar en primer plano las melodías, los cambios de ritmo y los contrastes de unas bandas sonoras que han dado identidad a algunas de las historias más conocidas del cine.

La Film Symphony Orchestra, especializada en música cinematográfica, interpreta estas composiciones en formato sinfónico y bajo la dirección de Constantino Martínez-Orts. Odisea lleva al escenario músicas que acompañaron algunas de las historias más conocidas de la gran pantalla y que mantienen su fuerza más allá de ella.

La cantaora Rocío Luna se ha tomado su tiempo, pero oficialmente este viernes 6 de noviembre ha iniciado un nuevo capítulo en su carrera con el estreno de Cerca del fuego, su debut discográfico, un trabajo producido por el cantaor Arcángel que supone un paso decisivo para una de las voces jóvenes más destacadas del flamenco actual.

El tema, con letra de Francisco Moreno Galván, cuenta con arreglos y producción del guitarrista Francis Gómez y del propio Arcángel, mientras que la percusión corre a cargo de Agustín Diasera. La canción llega acompañada de un videoclip dirigido por Jorge Rico y grabado en Sevilla, ciudad en la que reside la artista desde hace años.

Se trata de una canción que mantiene sus señas de identidad, las mismas que la han convertido en unas de las cantaoras más reclamadas y jaleadas por la afición. En Cerca del fuego hay respeto hacia una tradición que conoce en profundidad y también ambición de abordarla desde un prisma contemporáneo. Con este primer adelanto, Rocío Luna inicia la presentación de un trabajo que parte de su profundo conocimiento del cante flamenco y de una inquietud artística que la lleva a explorar nuevas posibilidades musicales y expresivas. El proyecto parte de una idea que atraviesa toda la propuesta: la palabra y el cante como vehículos de una memoria que permanece, se transforma y encuentra nuevas maneras de expresarse. 

Rocío Luna prepara su primer disco en solitario, un proyecto que nace de la investigación sobre el flamenco como fuente de inspiración y creación. En un momento de búsqueda y construcción de su identidad artística, la cantaora se adentra en la tradición flamenca para descubrir voces, repertorios y formas de expresión poco presentes en el imaginario flamenco actual. Entre esos hallazgos aparecen mujeres del flamenco y de la literatura cuyas voces dialogan con la suya, desde la mirada de una artista del siglo XXI. Un proyecto en el que la investigación no persigue recuperar el pasado, sino convertirlo en materia viva para la creación, respetando la raíz y explorando un lenguaje musical propio. 

Los repertorios, las palabras y las distintas maneras de entender la expresión artística de estas creadoras constituyen la base de este primer disco de la cantaora cordobesa. La propuesta establece así un encuentro entre el cante y la literatura, dos universos que confluyen en una creación concebida desde la sensibilidad y la identidad de Rocío Luna. 

Nacida en 1998 en Cañada del Rabadán (Córdoba), Rocío Luna está considerada una de las cantaoras más destacadas de su generación y una referencia entre las nuevas voces del flamenco. Se subió por primera vez a un escenario con solo 7 años y desde entonces ha construido una carrera marcada por el respeto a la raíz, el talento y la capacidad de transmitir.

Su nombre ha estado presente en algunas de las programaciones más relevantes del circuito: el Festival de Jerez, el Festival de la Guitarra de Madrid, Suma Flamenca Joven de Madrid, el Festival de la Guitarra de Córdoba, el Festival de Mont de Marsan (Francia), el Auditorio Nacional de Madrid, la Bienal de Flamenco de Madrid y la Noche Blanca del Flamenco de Córdoba.

Ha colaborado, además, en proyectos de prestigio con figuras del panorama flamenco como Alfonso Losa, Juan de Juan, Esperanza Fernández y el propio Arcángel, ahora productor de su primer disco.

En 2023 su carrera dio un salto importante al obtener la Lámpara Minera del Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión, uno de los galardones más prestigiosos del flamenco, al que llegaba, además, tras ser finalista del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (CNAF). En Las Minas, además del premio principal, recibió otros cuatro, uno por cada uno de los estilos que interpretó, por lo que fue reconocida en todas las categorías en las que participó.

La artista combina su faceta sobre los escenarios con una sólida preparación académica: es licenciada en la especialidad de Cante Flamenco por el Conservatorio Superior de Música de Córdoba y cuenta con el Máster Interuniversitario en Análisis e Investigación del Flamenco.

Coque Malla protagoniza el musical contra el capitalismo que llega a Córdoba

El Gran Teatro de Córdoba se vestirá de gala este sábado para acoger uno de los grandes acontecimientos teatrales de la temporada: La ópera de los tres centavos, musical en el que Coque Malla encaba el reparto. La célebre obra creada por Bertolt Brecht y Kurt Weill en 1928 aterriza en el coliseo cordobés bajo la dirección de Mario Vega, coproducida por entidades como Barco Pirata y el Teatro Pérez Galdós. La función propone una feroz y vigentísima crítica contra el capitalismo y los abusos de poder, exponiendo las vergüenzas de un sistema concebido como un auténtico delito organizado.

Homenaje a Rocío Dúrcal

El Teatro Góngora rendirá este viernes un tierno y emotivo tributo a una de las voces más grandes de la copla y la balada española con el espectáculo Inolvidable. A partir de las 20:00, este teatro acogerá este montaje centrado en la figura de Rocío Dúrcal, de cuyo fallecimiento se han cumplido dos décadas, recordando una trayectoria marcada por el éxito y el sacrificio en una España en plena transformación.

La propuesta está encabezada por la propia hija de la artista junto al actor y cantante Alejandro Vera, quienes guiarán al público a través de un recorrido musical y biográfico cargado de humor y sensibilidad. Las versiones de los grandes éxitos de la cantante han sido especialmente adaptadas por Julio Awad para dotar al homenaje de una atmósfera única y cercana.

Gran Gala Mágica en el Teatro Avanti

La magia y el ilusionismo más visual regresan este fin de semana al Teatro Avanti con la celebración de la Gran Gala Mágica, prevista para este sábado a partir de las 20:30. El espectáculo reunirá sobre las tablas una cuidada combinación de números de misterio, humor y fantasía donde lo imposible se hará realidad ante los ojos del público. Es una propuesta familiar ideal para disfrutar en directo del ilusionismo más clásico adaptado a los grandes formatos de sala.

Toni Pons regresa su espectáculo de hipnosis ‘Despierta’

El reconocido mentalista e hipnotizador Toni Pons recalará en Avanti este domingo a las 19:00 con su aclamado espectáculo Despierta. Lejos de montajes teatrales artificiosos, la propuesta ofrece una demostración de hipnosis auténtica, respetuosa y rigurosa, protagonizada íntegramente por voluntarios reales sacados directamente del público asistente.

El show garantiza que no existen actores ni acuerdos previos sobre el escenario, apostando por un formato en el que nadie es ridiculizado. A través de la experimentación con el poder de la mente, la función propone un recorrido por vivencias positivas, sorprendentes y profundamente divertidas que no dejan indiferente a nadie.

Pero antes de este espectáculo, Avanti ofrecerá un espectáculo de magia a las 12:00 para el público familiar de la mano de La magia de Alúa y Flain. Este dinámico montaje combina el ilusionismo y la comedia para crear una experiencia donde la participación de los espectadores es la auténtica protagonista.

'El burlador de palacio’ en el Palacio de Viana

El burlador en Palacio regresa al Palacio de Viana. Escrita, dirigida e interpretada por Juan Carlos Villanueva de Trápala Teatro, esta propuesta multidisciplinar e interactiva propone al público recorrer varios de los patios del monumento cordobés mientras se adentra en la verdadera esencia del mito de Don Juan.

El espectáculo entrelaza de forma fluida la prosa y el verso, combinando la voz hablada y la cantada en un recorrido donde los espectadores dejan de ser meros asistentes para sentirse parte de la propia historia. Don Juan y Doña Inés reviven así entre arcos, flores y fuentes en un ciclo de representaciones que se desarrolla durante los fines de semana de octubre y noviembre. Las funciones están programadas para este viernes, sábado y domingo.

Circo y comedia

La programación de Avanti se completa con Hotel Bucarest, un espectáculo de circo está concebido como una vía de escape ideal para evadirse de la rutina diaria a través de las cómicas y entrañables catástrofes de tres botones obsesionados con la perfección. El show tendrá lugar este viernes a las 20:30.

Por otro lado, el Teatro El Brillante acogerá este viernes Todo va a ir bien... o no, del cómico Karim. El artista presenta su nuevo espectáculo de monólogos, una propuesta diseñada para conectar de inmediato con el público cordobés a través del absurdo de lo cotidiano y la complicidad directa con los asistentes.

En este mismo teatro, pero el sábado, actuará la humorista, comunicadora y escritora Alma Andreu, conocida popularmente como La Forte, con su monólogo Estoy como nunca. El espectáculo plantea con socarronería en qué se parecen una mujer de 20, de 30 y de 40 años, reflexionando sobre cómo cambian las prioridades vitales con el paso del tiempo. Con un tono gamberro y directo, la artista recuerda al público que lo mejor siempre está por llegar, aunque aconseja que se dé prisa porque el reloj no perdona.

Conciertos en la Sala Impala

A toda esta oferta de ocio se suma los conciertos programados para estos días en la Sala Impala, como son los de Zahara y Migue de Antílopez (este viernes a las 20:45 y las 23:59, en la sala 2), La Gore (este sábado a las 21:00, en la sala 2) y Arco (este sábado a las 21:00).

Cine

La Filmoteca de Andalucía proyectará este finde Vivir la tierra (este viernes a las 20:00), Shin Chan: el superhéroe (este sábado a las 18:00) y La ironía del amor (este sábado a las 20:30). Además, en este enlace puedes consultar los estrenos en las salas de cine de Córdoba.

Flamenco

El arte jondo y la pureza del cante más tradicional volverán a resonar este viernes. A partir de las 21:30, la Peña Flamenca Fosforito ha preparado un nuevo recital que estará protagonizado por el cantaor Caracolillo de Cádiz, quien estará arropado al toque por Manuel Jero.

Cordópolis ya tiene a los afortunados que se llevarán las entradas para celebrar el undécimo aniversario de Night Room TV. Los afortunados son José Miguel Bueno Gómez, Isabel Dovao Cordobes y Carmen Valiño Pozo, que podrán disfrutar de esta cita con la música electrónica en Córdoba.

La celebración tendrá lugar este sábado 7 de noviembre en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), con una programación que reúne a destacados nombres de la escena electrónica. Entre ellos se encuentra el alemán Aera, referente internacional del techno y el house melódico, junto al malagueño Miguel Payda.

El aniversario conmemora los once años de trayectoria de Night Room TV, un proyecto nacido en Córdoba que ha apostado por unir la música electrónica con espacios singulares del patrimonio y la cultura, llevando sus sesiones a una audiencia internacional.

La cita de este sábado servirá para celebrar ese recorrido con una propuesta musical que conectará los sonidos electrónicos internacionales con el talento de la escena local.

La entidad privada de ayuda a niños con problemas de desarrollo sufragará gastos de sesiones de musicoterapia, de una forma especial, gracias al documental que cuenta el caso de Mario Peña, un adolescente cordobés con una pasión increíble por la música. Mario tiene un diagnóstico del síndrome de Hajdu-Cheney, del que sólo se conocen unos 80 supuestos más en todo el mundo. Entre otras cosas, afecta al desarrollo óseo, lo que difícilmente casa con la habilidad que muestra Mario para dominar ya unos seisinstrumentos.

El documental, que se estrenó el pasado miércoles en la Filmoteca de Andalucía, se presenta con un gran reconocimiento, el Premio Internacional “Luces de Granada”, concedido a Juanma Rodríguez y Rafael Luna, responsables de la cinta.

La Presidenta de la Fundación Miaoquehago, Mercedes Gordillo, asegura que la entidad “lleva ya once años ayudando a sufragar todo tipo de terapias y detectamos que, la musicoterapia, se viene repitiendo, de un tiempo a esta parte, entre las especialidades que nos piden algunas familias; por eso nos pareció perfecta la propuesta de la familia de Mario, porque casa muy bien con lo que hacemos”.

La iniciativa tiene, en principio, carácter indefinido, y pretender crecer ayudando que familias de toda España descubran una interesante forma de trabajar el desarrollo de sus hijos a través de la música, con muy distintos usos. La música es una herramienta recomendable para trabajar la atención y concentración, la motricidad fina de las manos y dedos, la autoestima o la rutina ocupacional, por lo que ofrece importantes beneficios a muy distintos perfiles de discapacidad.

Según informa la fundación, se incorporará a las líneas trimestrales de ayudas,como una variante más, a partir de la siguiente convocatoria, para gastos del último trimestre de este año. Precisamente, la estimación de Miaoquehago es que, cuando se entreguen las ayudas de 2026, se estará en torno a los 600.000 euros destinados ayudas de todo tipo de terapias, en toda su andadura, todo sufragado con fondos de origen privado.

Ramón Melendi Espina será uno de los participantes del cartel que anunciará el festival Córdoba Live para este 2027, según ha podido confirmar el propio cantautor a través de sus redes sociales.

El artista ovetense formará parte de un evento musical que poco a poco se ha ido consolidando en la capital cordobesa. Tras Siloé, Antoñito Molina y David Bisbal, Melendi prosigue formando un cartel que aglutinará a miles de fans en el Recinto Ferial.

Además, Melendi ha confirmado en sus redes sociales que las entradas estarán disponibles a partir del 6 de noviembre.

El artista sevillano Alejandro Astola ha colgado el cartel de sold out para su concierto que tendrá lugar el próximo 3 de abril de 2027 en la Sala Impala.

El cantante, compositor y productor musical de Sevilla se ha convertido en una auténtica tendencia en redes sociales. De hecho, su cuenta de Instagram acumula 400.000 seguidores y su fama se ha trasladado a la expectación que genera sus conciertos.

Tanto es así que cinco meses antes de su concierto ya se han vendido la totalidad de sus entradas. Tendrá lugar el 3 de abril en una Sala Impala que estará repleta.

Cordópolis regala tres entradas dobles para asistir a la fiesta del undécimo aniversario de Night Room TV, que se celebrará este sábado 7 de noviembre en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), en Córdoba. La cita reunirá a algunos de los nombres destacados de la escena electrónica, con el alemán Aera y el malagueño Miguel Payda al frente del cartel.

Night Room TV cumple once años de trayectoria como un proyecto cultural nacido en Córdoba que ha combinado la música electrónica en directo con espacios emblemáticos del patrimonio histórico de la ciudad. Impulsada por el productor y DJ Manu Bermejo, la iniciativa logró proyectar internacionalmente sus sesiones y acercar la escena cordobesa a miles de espectadores de distintos países.

La celebración de este sábado servirá para conmemorar ese recorrido con una propuesta musical centrada en los sonidos más orgánicos del techno y el house. Aera, DJ y productor alemán y responsable del sello Applied Magic, encabezará la programación junto a Miguel Payda, uno de los nombres malagueños con mayor proyección dentro de la electrónica nacional gracias a su proyecto Metrica. El cartel se completa con artistas vinculados a la escena local, como Manu Bermejo, bajo su alias Absen, Las Virus, Carmelo y Annaïs Begon.

Cómo participar en el regalo

Cordópolis regalará tres entradas dobles para que los ganadores puedan disfrutar de esta celebración de la música electrónica en directo. En total, serán seis las invitaciones disponibles para asistir a una cita que conmemora los once años de Night Room TV y su apuesta por unir música, cultura y patrimonio. La fiesta tendrá lugar este sábado 7 de noviembre en el C3A de Córdoba.

Night Room TV nació, como la mayoría de las ideas que se llevan a cabo en Córdoba, como un sueño con pocas posibilidades de concretarse. Sin embargo, aquel sueño que tuvo el productor y dj Manu Bermejo cumple once años y lo celebra este sábado 7 de noviembre en el Centro de Creación de Andalucía (C3A) con una fiesta que reúne al alemán Aera, referente del techno y el house melódico internacional, y al malagueño Miguel Payda.

Lo del sábado, más que una fiesta -que lo es-, será casi un nuevo homenaje a un proyecto cultural nacido en Córdoba como plataforma de música en directo grabada en espacios del patrimonio histórico de la ciudad, y que logró ir más allá del público local: sus streamings llegaron a registrar cientos de miles de visualizaciones, con público pendiente de lo que se hacía en la ciudad, desde Colombia, Alemania o Estados Unidos, tres países en los que, según Bermejo, hubo un sorprendente interés en aquella especie de Boiler Room cordobés, que se distinguía del resto en el decorado: en vez de clubs y público alrededor del dj, plantaban al artista en castillos y monumentos.

Su promotor y director repasa en esta conversación una década larga de producciones con un equipo de personas apasionadas capaces de suplir los presupuestos mínimos, un sonido e iluminación de alta calidad como premisa “innegociable” y un futuro que pasa por volver a los orígenes y, quizá, por un festival propio.

De plataforma de contenido a evento con público

Entre esas personas “apasionadas”, cita a Alberto del Sar, hoy director de Comunicación del proyecto, y figura clave en la expansión internacional de Night Room TV cuando apostó en sus primeros años por el streaming y por colaboraciones de crossposting con plataformas de otras ciudades. “Nuestro patrimonio, nuestra música, nuestros artistas, lo proyectábamos a nivel internacional”, recuerda Bermejo. Los picos de audiencia, añade, llegaron a cientos de miles de visualizaciones.

Alberto del Sar recuerda que fueron aquellas emisiones en directo gobales gracias a la herramienta de crossposting que tenía Facebook en su momento, lo que les permitió escalar el proyecto internacionalmente. “Cuando usuarios de todo el mundo veían nuestros vídeos, agencias y artistas de primer nivel querían salir en Night Room TV, y así fue como empezamos a contar con artistas tan importantes como Audiofly, Francesca Lombardo, Alexander Kowalski o Nastia, entre muchos otros”, detalla.

Así fue como surgió “la otra pata”: un evento con público en directo que también se grababa. Y por ello Bermejo prefiere no reducirlo todo a una plataforma: “Es un proyecto cultural que no está encasillado en ningún estilo”. Se considera, además, un proyecto pionero a nivel nacional que se impulsó desde Córdoba “con los pocos recursos que siempre hemos tenido”.

Esa humildad es una constante en su relato, aunque remarca que se ha logrado que las producciones siempre parecieran de un nivel altísimo. Así, recuerda las primeras ediciones, con unos 3.000 euros para montar un evento de esas características, y subraya que jamás hubo un gran presupuesto. La financiación ha sido mayoritariamente propia, con apoyo puntual de instituciones y de unas pocas marcas, y con la colaboración, en muchos casos altruista, de un equipo de artistas y profesionales. “Los comienzos fueron sobre todo de ilusión, de esfuerzo y dedicación”, resume.

Del puente romano a las Caballerizas Reales

Para Bermejo, el punto de inflexión llegó con las sesiones en la Torre de la Calahorra, que primero acogió a Audiofly y Francesca Lombardo y, en su última edición allí, a Alexander Kowalsky. Bermejo evoca una imagen concreta: la dj italiana pinchando con el puente romano al fondo, la mesa de mezclas y todo el entorno iluminado. “Días después de ver ese contenido, esos vídeos, esa repercusión que tuvo, sentimos que teníamos que conservar ese nivel de calidad”, explica.

En esta década de actividad, el número de artistas nacionales e internacionales que han pasado por Night Room TV es difícil de abarcar. Bermejo, de hecho, prefiere hablar más de hitos y sensaciones, que de artistas concretos. Y, en ese sentido, destacas la actuación de Cristian de Moret en el Castillo de Belmez por la dificultad técnica: había que captar la luz de la puesta de sol y, si algo fallaba, se perdía la ventana de oportunidad. “Quizá no fue el mejor vídeo, pero sí de las mejores actuaciones y sensaciones”.

Y también se queda con el show de Holed Coin en Caballerizas Reales: electrónica, violonchelo y saxo junto a caballos de pura raza española. “Creo que esa combinación es la combinación perfecta de lo que la marca quiere mostrar: cultura, arraigo a la tierra, a la ciudad y al arte”, resalta Bermejo, cuya memoria guarda más anécdotas que presupuesto: la subida de altavoces, microfonía y un piano a un castillo con la ayuda de personal contratado a través del Ayuntamiento, o la polémica que rodeó al primer programa, grabado en Las Ermitas, cuando hasta el propio obispo quiso denunciarles.

También recuerda negociaciones complicadas con artistas emergentes y con instituciones, como le ocurrió cuando trajo a las hoy famosísimas Mëstiza al Alcázar de los Reyes Cristianos, antes de su explosión internacional. Y es que Bermejo insiste una y otra vez en que, detrás de los videos, los eventos y los cientos de miles de reproducciones, hay “muchísimo trabajo, presión y, sobre todo, pasión” por lograr que salga adelante un proyecto que, a su juicio, “debería ser patrimonio de la ciudad” y recibir más apoyo.

La exigencia técnica es su seña de identidad: el equipo siempre se empeña en que Night Room TV sea una marca reconocible no solo por los artistas, sino por la calidad de iluminación y sonido. “La gente cuando va sabe que va a haber buen sonido y una producción impecable. Para mí eso es fundamental. Innegociable”.

Un cartel de techno y house más orgánico

Así que eso promete para la fiesta del undécimo aniversario de este sábado 7 de noviembre en el C3A. La encabeza Aera, dj y productor alemán, propietario del sello Applied Magic, cuya agenda de 2026 incluye Balance (Tisno, Croacia), Katerholzig (Berlín), Innervision (Aguascalientes, México), Volt Club (Milán) y Buru (Macedonia). Junto a él actúa Miguel Payda, uno de los talentos malagueños más demandados del país gracias a su proyecto Metrica, con paradas recientes en Birgits Weekender (Berlín), OFF Sonar (Barcelona) y Fuse Records (Lisboa). El cartel lo completan artistas locales habituales de las cabinas cordobesas: Manu Bermejo, bajo su alias Absen, Las Virus, Carmelo y Annaïs Begon.

Bermejo explica que el cartel lo deciden él y Alberto del Sar, sin atarse a un género, y que la conexión con Metrica y con Aera pesó en la elección: “Queríamos un sonido más orgánico, como una especie de techno underground”. Reconoce que hoy le cuesta definir los estilos, pero defiende el valor de “hacer comunidad” y de traer a la ciudad artistas que no habían pasado antes por ella, junto a la cantera local.

La cita llega tras un cambio de estrategia. Bermejo señala que, aunque Córdoba es “una ciudad muy de eventos gratuitos” ellos cobrarán entrada, tanto como gesto de apoyo a la promotora, como también para que el público entienda que este tipo de trabajo conlleva una enorme inversión de tiempo y dinero. Las entradas ya están a la venta en este enlace.

Además, el día antes de la fiesta, el viernes 6 de noviembre, Night Room TV organiza De la idea al escenario, una masterclass gratuita con Aera, Miguel Payda y Absen. Forma parte del ciclo Talento Capital, preparado junto a Juventud del Ayuntamiento de Córdoba, y busca explicar las “entrañas” de la escena electrónica.

La sesión incluye un concurso en directo: cada asistente se presenta y elige una canción que suena durante 60 segundos, y después votan todos los presentes. El ganador entrará en el cartel de la fiesta y recibe 200 euros. Para participar hay que inscribirse en el siguiente email: juventud@ayuncordoba.es

Volver a los inicios y soñar con un festival propio

Tras once años, Bermejo quiere cambiar el rumbo: mantener algún festival o evento pequeño, pero recuperar “ese proyecto más auténtico” de conciertos íntimos, grabaciones y entrevistas, una especie de programa de televisión que mezcle música y conversación. Porque el proyecto se ha diversificado en este tiempo. Una de sus líneas es Crear para crear, una serie documental con participantes como Palomo Spain o Macarena Gómez, junto a jóvenes talentos de la provincia del ámbito del emprendimiento, la joyería o el deporte. “Hemos querido darle visibilidad a ese talento de la ciudad”, explica, con la intención de seguir en esa línea.

Otro objetivo es un festival anual más independiente, en el que ya trabajan, porque a menudo se sienten “muy limitados” por las normas de los espacios institucionales. Ese horizonte convive con el cansancio de sostener un proyecto así. “Siempre decimos, un poco en coña, que no sabemos si volveremos a hacer uno más, porque es muy complicado”, admite.

Su mensaje final es de ilusión: un proyecto que, defiende, aporta valor a la ciudad y que seguirá adelante “con ganas y tiempo de poder seguir haciendo lo que nos gusta”. Al final, bromea con lo de que la idea que cada fiesta puede ser la última es casi un estímulo para ellos. “Luego no se cumple y hay otra y después otra. Es como cuando pedimos la penúltima cerveza”.

El grupo cordobés de música antigua Aquel Trovar ha publicado este mes de octubre Mundus Renovatur. Amor y naturaleza en la lírica latina medieval, un libro-disco que propone una mirada rigurosa a un repertorio fundamental de la cultura europea. El proyecto, ya disponible, combina un CD de 22 temas con un libro de tapa dura de 96 páginas.

Frente al estereotipo que reduce la canción medieval en latín al tópico del goliardo disipado y la taberna, la obra presenta esta tradición en su dimensión más amplia: una poesía culta, filosófica y de extraordinario refinamiento estilístico, considerada el auténtico canto de cisne del latín como lengua universal de Europa.

La edición, bilingüe en español e inglés, recoge los textos latinos íntegros con traducciones verso a verso en ambos idiomas, las fuentes manuscritas y un estudio musicológico, y está ilustrada con miniaturas de época. Incluye además un trabajo de revisión de fuentes que ha permitido recuperar piezas procedentes de manuscritos de Sankt Gallen, Verona, Lille y Limoges, algunas de ellas registradas por primera vez en una grabación.

Uno de los rasgos distintivos del álbum es la restitución de la fonética histórica propia de cada lugar de origen (Verona, Aquitania, Suiza y Francia). La soprano Delia Agúndez devuelve así a los versos su color sonoro autóctono, un cuidado que acerca al oyente a cómo pudieron sonar estas obras en su contexto original.

El repertorio se articula en cuatro secciones. La primera, Lux Oriens, está dedicada a la luz naciente, la primavera y el despertar poético, e incluye piezas como Phebi claro y Veris dulcis in tempore. La segunda, Locus Amoenus, recorre el entorno bucólico, la naturaleza florida y el refugio idílico de la poesía lírica latino-medieval.

La tercera, Amoris Spina, se adentra en las espinas del amor, el anhelo, la pasión, el claroscuro afectivo y la picaresca refinada. Por último, Reditus ad Studium plantea el retorno a la reflexión, con la música como docta lux y parte fundamental de las Artes Liberales.

Aquel Trovar está formado por Delia Agúndez (canto y carillón), Antonio Torralba (flautas, dulcemas y adufe), José Ignacio Fernández (arpa, cítolas y guitarra) y Daniel Sáez Conde (rabel, sinfonía y carillón).

Manuel Martínez (Córdoba, 1951) nos cita en una churrería. Así se empieza una entrevista desmitificadora. Lo que pasa es que está cerrada. El cantante de Medina Azahara, probablemente la banda española más longeva en activo (es decir, sin dejar de grabar discos nuevos), aparece por el aparcamiento en su coche puntual y, en vista de que no habrá café con porras, se presta a trasladar la charla a su vivienda, ubicada en la periferia de Córdoba. Es una casa unifamiliar apartada de la capital, en las faldas de Sierra Morena. Bastante más modesta de lo que uno imagina para un rock star. Nada más llegar, una familia de gatos rodea al cantante de Medina Azahara y algunos le maúllan con hambre. Él aclara que suyo, suyo solo hay uno, un precioso macho gris, totalmente castrado: el resto son del entorno y se han acomodado en su casa.

Nos invita a sentarnos en el salón, aunque antes nos enseña otra parte de la vivienda, un espacio en la primera planta plagado de discos de oro, reconocimientos y trofeos. También de juguetes de sus dos hijas más pequeñas, dos torbellinos que, según cuenta, han ido ganándole espacio a su modesto mausoleo, un pequeño habitáculo que encierra medio siglo de carrera trabajado sin ningún amago de ostentación.

En varios momentos de la charla, de hecho, parece que se cuela el Mazorcas, el mote con el que lo bautizó un colega hace 60 años, y que dio nombre a su primer grupo, una de las dos semillas de Medina Azahara. Cuando termine la gira de despedida de su gran proyecto, el próximo 21 de noviembre en Vistalegre, volverá a estar solo y comenzará a publicar nuevas canciones con su nombre. Pero antes, Manuel repasa generosamente sus orígenes, el boicot al rock andaluz, las trampas de los contratos y el precio de una vida en la carretera.

PREGUNTA (P.). Estamos aquí un poquito apartados de la ciudad, ¿no? ¿Qué te da esta zona que no te da la ciudad?

RESPUESTA (R.). Realmente yo siempre he vivido en la ciudad. Lo que pasa es que en el 94 me vine aquí, y la verdad es que lo que te da es tranquilidad, espacio para pensar, sobre todo para componer. Es un sitio ideal, aunque cuando paseas por Córdoba también te vienen las ideas. Pero yo creo que aquí tenemos tranquilidad, espacio y una forma de vivir más natural.

El éxito es mantener tus propias ideas desde el principio hasta el final

P. Hombre, si es desde el 94, de aquí han salido unos buenos trallazos de tu repertorio, ¿no? ¿Tienes algún recuerdo de alguno paseando por la sierra?

R. ¿Sabes qué pasa? Que yo compongo canciones cada dos o tres minutos. Con lo cual, muchas han salido de aquí y otras de otros sitios. Muchas veces incluso me despierto con una melodía y un principio de letra, me salgo de la habitación y lo grabo, que es lo que hago siempre. Pero, por supuesto, aquí han salido muchas canciones.

P. Y, ¿cómo grabas? ¿Te coges el móvil?

R. Sí, sí, claro.

P. Y luego ya te pones con la guitarra a componer.

R. Yo compongo siempre la melodía y las letras. Luego, en Medina Azahara, siempre les he pasado mis ideas de letras y de melodías a Paco Ventura o a (Manuel) Ibáñez, y ellos las han desarrollado. En otros tiempos, a Pablo Rabadán o a todos los músicos que han pasado por el grupo.

P. ¿Crees que has conseguido una poética propia, que uno pueda leer tus letras y decir: “Ese es Manuel”?

R. Habría que preguntárselo a la gente. Yo creo que sí, que los fans tienen clarísimo que cuando escuchan una canción saben quién la ha escrito. El 98 o el 99 % son letras mías y melodías en cuanto a voz mía, con lo cual es muy identificable.

P. ¿Cuáles serían los temas que más te inspiran? ¿De qué mina has extraído más petróleo como escritor de canciones?

R. Yo intento escribir siempre sobre la igualdad de la gente, sobre la libertad, sobre la justicia, para que no haya encontronazos entre personas. Y también sobre el amor. A mí me gusta mucho escribir sobre el amor, porque hay una variedad de sentimientos que muchas veces te hacen escribir.

P. El amor y el desamor, a veces, ¿no?

R. Y el desamor también, claro. El desamor casi tiene tantas canciones como el amor, y ocupa parte de nuestras letras.

P. Es curiosa esa paradoja de que uno encuentre la inspiración en la tristeza. ¿Buena parte de tu repertorio lo has escrito desde la tristeza, o también desde la felicidad, si has encontrado una especie de equilibrio?

R. Yo creo que hay un porcentaje bastante grande desde la tristeza y otro bastante grande desde la alegría. Dependiendo del momento que estés viviendo, te salen cosas más poéticas o menos. Desde la tristeza salen canciones muy bonitas, sobre todo cuando piensas en alguien en concreto. Y también te salen muchas cosas desde la alegría.

P. Y desde la batalla, ¿no? Porque Medina es hija de su tiempo y Manuel Martínez es hijo de su tiempo. Tú empiezas en los 70, cuando un dictador se está apagando, en plena transición. Todo eso permea en ti, ¿no?

R. Sí, por supuesto. Cada cosa que pasa en tu vida te da una inspiración y te ayuda a escribir cosas que a lo mejor llevabas dentro desde hacía tiempo y no podías escribir. Por ejemplo, Paseando por la mezquita o Sé, del primer disco, eran canciones que reivindicaban un tiempo, a unas personas y a un estamento de la nación. Pero nunca nos hemos querido meter de lleno en la política. Nos interesa como a cualquier ciudadano que va andando por la calle. Todos pensamos que lo que creemos nosotros es lo mejor y lo que creen otros es lo peor. Yo creo que tiene que haber un equilibrio entre todas las partes y ser conscientes de que el mundo necesita, lo primero, paz, y lo segundo, libertad.

P. La música, en cualquier caso, es una vía de escape, incluso en momentos de tensión política. He visto que vuestro último concierto es el 21 de noviembre, una semana antes de las próximas elecciones.

R. Madre mía.

Nuestra descarga eléctrica nunca la tuvo Triana

P. Pues está bien, ¿no? En plena campaña va a haber unos cuantos miles de personas en Madrid.

R. Sí. Habrá que ver qué nos espera después de las elecciones. Yo espero que haya un gobierno que no tenga censura a la hora de programar sus cosas y las del pueblo. El pueblo no puede pasar por lo que estamos pasando actualmente, y yo creo que iremos a mejor, haya lo que haya. Que vaya tela como está la cosa.

P. Cuéntame cómo están siendo tus días ahora, después de los dos conciertos de Córdoba, cuando ya se vislumbra el final. Creo que os quedan dos conciertos, el de Madrid y uno en Cáceres, ¿no?

R. No, nos quedan cuatro: Cáceres, Barcelona, Bilbao y Madrid.

P. Ah vale. Pues cuéntame cómo están siendo estos días, ya pasado el trance de Córdoba, con los últimos dos conciertos con Medina.

R. El concierto de Córdoba fue muy bonito, porque tocábamos con nuestra familia alrededor, incluso se subieron al escenario. Pero también era una responsabilidad muy grande. Yo creo que tocar en Córdoba es una responsabilidad mayor que tocar en Madrid. En Madrid tocamos en Vistalegre, está todo vendido, y cada vez que venden todo lo vuelven a abrir para que haya algunas entradas más. Pero Córdoba nos impresiona más, porque están nuestros amigos, nuestra familia, todo el mundo que conocemos. Vas por la calle y todos te dicen: “¡Eh, que voy a ir a verte!”, y eso requiere más responsabilidad. Aun así, Madrid es una ciudad que siempre ha estado con nosotros y nos ha apoyado en todo, y creo que va a ser un fin de fiesta bastante grande. Además, tocamos con diferentes amigos, como Celu, Rulo y un montón de gente. Antonio José, por ejemplo, que es de aquí, de Córdoba, va a cantar Córdoba conmigo. Va a ser muy bonito, pero poner el punto final va a ser difícil, sobre todo entre nosotros, que llevamos muchos años juntos. Ver que es la última hora, el último momento, nos va a llevar a momentos complicados, entre comillas.

P. Claro, me lo imagino. Aquí casi todos estabais jugando en casa. ¿Recuerdas algún momento especialmente tierno, algún abrazo entre todos en esas dos noches de La Axerquía?

R. Aparte de con mis compañeros, lo que más me gustó fue cuando se subió mi hija pequeña. Me dieron la sorpresa de subirla al escenario. Por supuesto, también cantar con Marcos, y canté un tema que en la gira de despedida le hemos dedicado a Manuel Ángel (su hijo, cantante del grupo Estirpe, fallecido en 2021). Eso también te lleva a momentos muy emocionantes. Pero la respuesta del público los dos días fue impresionante, y me quedo con eso: con el público entregado totalmente y nosotros, por supuesto, al público. Fue una comunión muy bonita.

P. ¿En algún momento se te apareció en la cabeza el Mazorcas?

R. (Se ríe) Claro que sí. Claro que sí.

P. No todo el mundo sabe que Mazorcas, además de tu mote, fue el nombre de tu primer grupo.

R. Así es.

P. ¿Cómo veías entonces la música?

R. Cuando yo comencé eran momentos muy difíciles y no pensábamos que pudiéramos grabar un disco; eso estaba a años luz. Pero se nos presentó la ocasión al poco tiempo, cuando ya éramos Medina Azahara, y la aprovechamos con un buen disco, y luego con un segundo y un tercero. La carrera nos ha llevado a ser uno de los grupos con más continuidad. Claro que en algún momento se te presenta el pasado y te dice: “Hola, estoy aquí. Acuérdate de qué hiciste, de cómo eras, de la ilusión que tenías”.

P. Háblame de aquel chaval. ¿Cómo era?

R. Era, entre comillas, entre tímido y divertido. Tenía muchos amigos y jugaba al fútbol. Jugué en el Córdoba infantil y luego en el juvenil, y lo dejé por estar en desacuerdo con quien nos entrenaba (que no nos entrenaba, simplemente nos llamaba para jugar). Pero estuve muy contento todo ese tiempo. Era muy aficionado: estaba todos los días con el balón, hasta que por fin me entró la música por las venas. Y cuando me llegó la música, lo dejé todo y me dediqué a ella. Hicimos entre los colegas varios grupos que tuvieron éxito aquí en la provincia, y estábamos tocando casi todos los días hasta que llegó la oportunidad de hacer algo distinto con Retorno.

Ha habido etapas en que todo era carretera; a algunos de mis hijos los he visto nacer de casualidad

P. O sea, primero fue Mazorca y después Retorno, ¿no?

R. Sí. Justo cuando salimos de la mili, un amigo que había tocado conmigo, estuvo en la Legión y me dijo: “Vente para acá, que vamos a tocar en la banda y vamos a vivir bien”. Y nos metimos en la banda. Pero es que cuando estábamos en la mili, hicimos un grupo en la Legión que se llamaba los Army Boys.

P. ¿Los Army Boys?

R. Los Army Boys, sí. Tocábamos los jueves para los suboficiales y los sábados para los mandos. Eso me llevó a tener una posición bastante buena dentro de la mili. La gente era muy comprensiva, todos los legionarios eran muy colegas y lo pasamos muy bien; yo me divertí mucho. Él salió antes que yo y me esperó. Cuando volví me dijo: “Vamos a hacer un grupo, y se va a llamar Mazorcas”. Yo le dije: “Tío, no me hagas esto”. Pero insistió, y le pusimos Mazorcas. Duró muy poco, unos cuatro meses, y después nos metimos los dos en Retorno. A partir de ahí empezó una historia bastante bonita.

P. ¿De dónde viene lo de Mazorcas?

R. De jugar al fútbol.

P. ¿Mazorca de maíz?

R. Claro. Yo era muy pelirrojo, y veía a las chicas darse pellizcos cuando pasaba yo por su lado. Además, jugaba al fútbol las veinticuatro horas del día. Varios amigos me llamaban Kubala, y entre Kubala y Mazorca, mi cuñado me dijo: “Mazorca, venga ya, déjate de Kubala, vamos a cantar”. Y empezó la historia... Mi historia.

P. O sea, entre el balón y la guitarra te ganó la guitarra.

R. Sí, ganó la guitarra.

P. Es curioso que el caso de Córdoba sea distinto al de otras ciudades en el rock andaluz. Aquí erais más duros. Estaba Expresión, que luego fue Mezquita, y vosotros, que de Retorno pasasteis a Medina Azahara. Había una sonoridad distinta, con mucha más descarga. ¿A qué crees que se debe esa particularidad del sonido de Córdoba?

R. Yo creo que en Córdoba metimos las raíces de la ciudad en el rock andaluz. Mezquita, por ejemplo, se basaba mucho en lo árabe a la hora de componer. Nosotros, un poquito menos, pero también teníamos nuestra forma de decir las cosas, distinta a la de Mezquita. Nosotros lo hacíamos mucho más para el pueblo; ellos eran más específicos, aunque también hicieron canciones con referencias a la gente. Nosotros éramos mucho más directos. Cuando queríamos expresar algo, lo expresábamos libremente. No decíamos: “Ten cuidado con la censura, que nos pueden censurar”. Si le gustaba al público o a las compañías, estupendo; si no, pues no.

P. Y también en el sonido. Triana quizá era un pelín más progresivo, le tiraba más King Crimson o Pink Floyd, y vosotros erais más duros.

R. Mezquita se basaba mucho en aquel tiempo en la improvisación; nosotros éramos más directos en cuanto al sonido. Ya antes de Medina Azahara nos gustaban mucho Kansas, Purple, Uriah Heep, Grand Funk Railroad, grupos completamente distintos a lo que se llevaba en aquel tiempo. Nunca hemos estado pendientes de que saliese una moda para apuntarnos a ella. Incluso nos lo propusieron varias veces y dijimos que no: éramos Medina Azahara y así íbamos a morir.

P. Eso os distingue de Triana, que podemos convenir en que es el gran grupo de rock andaluz por impacto, pero que en sus últimos discos llegó a cantar canciones en inglés. Es decir, que de alguna manera, Triana aceptó entrar en el redil de lo que se llevaba. Vosotros, sin embargo, no pasasteis por eso.

R. Sobre todo con la discográfica que más pudo hacer por nosotros en aquel tiempo, CBS, que era la más grande del mundo. En el tercer disco, Andalucía, tuvimos la discordia definitiva con ellos. Querían que saliese en una fecha y nosotros dijimos que no, que era la que habíamos decidido y que no la cambiábamos. Hubo discusiones: cuando alguien cree que lleva la razón, intenta imponerse al otro, y vino la ruptura prácticamente con CBS. Nunca nos dejamos dominar por la industria. Siempre hemos hecho lo que hemos querido, y tuvimos la suerte de estar mucho tiempo con Avispa, que al principio era una compañía muy pequeñita, pero que se hizo grande gracias a las ventas de Medina Azahara. Las discográficas ayudan al grupo, pero nosotros le dábamos la coherencia para hacer grande una compañía.

Yo he sobrevivido de la música pero no he llegado a hacerme rico

P. No te he preguntado todavía cómo te llega a ti el flamenco. Supongo que era algo que mamabas de la calle, al igual que el rock.

R. Al principio me gustaba mucho cantar flamenco. Tenía un amigo que cantaba muy bien y andábamos por los bares cantando cosas de niños. Siempre me ha gustado el flamenco; de hecho, de vez en cuando sigo escuchándolo. Pero cuando entras en el rock por las venas ya no puedes dejarlo. Rock de distintas formas, porque Medina Azahara tiene una música bastante potente por detrás, pero con una melodía de base que es la que engancha a la gente. Una guitarra potente la puede tocar Ritchie Blackmore o cualquiera -Paco Ventura la toca como nadie-, pero no puede tener las notas del flamenco. Las notas son una parte importante de la melodía al cantar. Y además el cante va por libre en algunas partes, y eso es lo que hace que Medina Azahara sea distinta y pueda mezclar flamenco y rock.

P. ¿Qué flamenco te gustaba a ti en aquel tiempo?

R. Me gustaba gente que ya no está o que casi nunca estuvo. Fosforito, por supuesto. Camarón, indiscutible. Y mucha más gente de aquellos cantaores antiguos: Mairena, Pepe Pinto… Cantaban muy bien y hacían cosas muy bonitas con la voz. A lo mejor sin ser catedráticos del flamenco puro, pero hacían canciones dentro del flamenco que a mí me gustaban mucho.

P. Lo de Fosforito es impresionante por la cantidad de canciones que escribió y que luego han cogido otros, desde Los Chichos hasta Los Planetas. Qué importante es no solo cantar bien flamenco, sino escribir tus propios cantes.

R. Eso es lo más bonito, porque al escribirlas ya tienes en la mente lo que quieres hacer con ellas, y eso te lleva a tenerlo claro a la hora de componer.

P. Y no todos los cantes flamencos son fáciles de meter dentro de un 4x4, y aun así tú has hecho auténticas filigranas para encajar ciertas florituras.

R. Es verdad que a veces te encuentras partituras que no entran en una melodía que ya tienes en la cabeza, y tienes que darle vueltas para encajarla. Yo lo he hecho muchas veces, pero mis compañeros también me han ayudado. A lo mejor yo solo no hubiese podido. Es la potencia del grupo, la unión del colectivo.

P. Ahora que vivimos en una época en la que todo el mundo mira por su ombligo, creo que sois casi un milagro: un grupo que ha aguantado 46 años. Tú sigues desde el principio, está claro, pero con Paco llevas desde los 80.

R. Yo creo que son 46 años. Hay grupos que siguen tocando desde esa época, pero sobre todo extranjeros. Aquí en España es muy difícil, porque te ponen muchas barreras y no hay gente que te ayude a poder convivir durante mucho tiempo. Hay que saber también limar las asperezas entre los compañeros. Son a lo mejor cinco días seguidos viajando en una furgo, durmiendo en un hotel, comiendo en los mismos sitios, tocando. Si no tienes una gran amplitud de sentimientos, es imposible.

P. Y también envainártela, ¿no? A veces te la tienes que envainar aunque tengas razón.

R. Claro, por supuesto. Tienes que ser consciente de que a veces merece la pena guardarte la razón en el bolsillo y no sacarla.

P. ¿Cómo os contactaron los García-Pelayo? Fueron los primeros que apostaron por vosotros, estaban muy ligados a Sevilla y a Madrid, y tenían unos contactos increíbles. Pero ¿cómo contactan con este grupo de melenudos de Córdoba?

R. Fue difícil y fácil a la vez. Nos invitaron a tocar en un festival, ya como Medina Azahara, aunque no éramos conocidos. Éramos un grupo que tocaba en ferias, como Retorno, y las ferias duraban un montón. Un par de semanas antes estábamos en un festival en Écija, organizado por Juanito, un chico que tiene un restaurante allí. Tocó Mezquita, que ya se iba a grabar un disco, y también Tren Eléctrico, cuyo batería era el amigo del que te hablo. Tocamos las canciones del primer disco de Medina Azahara. Y unos días después, Javier García-Pelayo, que era más el A&R, pasó por la carretera y paró en el Pirula, porque el bar era sitio donde toda la gente se detenía a tomar café.

P. ¿El Pirula se llamaba?

R. (Se ríe) Sí, sí, el Pirula. Él tenía bastante confianza con Juan, el dueño, y le preguntó: “Oye, ¿qué tal el festival que hicisteis?”. “¡Estuvo genial!”. “¿Y qué grupo te gustó más?”. “Indiscutiblemente, Medina Azahara. Fueron los mejores, a la gente le encantó”. Y Javier le dijo: “Pues yo tengo una cinta de estos que me mandaron”. Y era verdad, se la había mandado la gente de la FM de Córdoba. La habíamos grabado en directo para la radio y sonaba fatal. Pero empezó a buscarnos. Llamaba a casa todo el rato, porque en aquellos tiempos no había móviles, y nosotros estábamos fuera diez días seguidos. Cuando volvimos nos dijeron: “Os están buscando, hay una gente de Madrid que quiere hablar con vosotros”.

Total, que le llamamos y quedamos. Javier era, y sigue siendo, un tío muy peculiar. Fuimos a su oficina en Madrid, que era pequeñita: una secretaria y él. De ahí nos fuimos a casa de su hermano, y allí pusieron la cinta. Pero es que ahí estaban los A&R de las compañías más grandes del mundo, gente importante a la que yo no conocía ni Miguel Galán tampoco. Nos decíamos: “¿Esto qué es, tío? Qué gente, qué pintas...”. Javier nos había dicho que iba a haber gente escuchando, pero no esperábamos aquello. Pusieron la cinta, que sonaba fatal, pero lo importante para ellos no era el sonido, eran las canciones. Cuando terminó hubo un silencio y de repente aplausos. Todas las grandes compañías de aquel momento querían fichar a Medina Azahara. Nosotros no entendíamos de CBS ni de Movieplay ni de nada, así que les dijimos a los que nos habían llevado allí, Gonzalo, que ya había hecho producciones importantes con Triana, con Lole y Manuel, con María Jiménez y con mucha gente: “Nosotros no sabemos nada de compañías. Dime tú”. Y él dijo: “La mejor es CBS. Para lanzar es la mejor; luego ya hacéis lo que queráis”. Y efectivamente, CBS fue un punto importante en la historia de Medina Azahara, porque con ellos grabamos los tres primeros discos, y sobre todo el primero, que es el más importante, el que te tiene que dar a conocer. Luego ya hubo desavenencias, pero en ese momento estaba claro.

Un contrato mal firmado te puede arrastrar durante años

P. Lo cierto es que llegáis en un momento de cambio en la industria.

R. Sí, y además, teníamos la esperanza de que el director en aquel tiempo era de un pueblo de Córdoba, Tomás Muñoz.

P. El de Villanueva.

R. De Villanueva, sí, exacto. No es que tuviésemos mucha relación con él, ni siquiera lo conocíamos, pero después se presentó como cordobés y dijo que amaba la música de Medina. Tuvimos suerte.

P. Creo que una de las ofertas que rechazasteis fue estar en el mismo sello que Triana.

R. Sí, claro. Nos dijeron: “Aquí está Triana, y sería bonito contar con vosotros”. Y nosotros dijimos que no, que donde estuviese Triana no queríamos ir. Nos gusta muchísimo Triana, pero no queríamos ser competencia suya ni que ellos lo fueran nuestra. Estaba claro que los triunfadores eran Triana, que llevaban dos o tres discos de éxito. Queríamos que una compañía apostara por nosotros de una forma distinta, sin mirar: “Tengo a Triana, no puedo hacer esto por Medina”. Nos decidimos por lo contrario.

P. Pasar de estar veinte días tocando en una feria a plantarte en Madrid, en una casa rodeada de ejecutivos del mundo discográfico, es un shock. Cuando os fuisteis de allí, diríais: ¿Pero qué acaba de pasar?.

R. Exactamente. A todo el mundo le pasaría igual. Nosotros lo pasábamos muy bien tocando en las ferias, porque éramos muy divertidos. Tocábamos desde Uriah Heep y Grand Funk hasta los Purple. No éramos el típico grupo con un solo repertorio, como los que ahora tocan en bodas y comuniones. A veces improvisábamos durante media hora antes de que entrase la gente, y luego empezábamos con esos grupos. También llevábamos los temas principales que sonaban en el momento. Lo más comercial entonces eran Los Diablos o Fórmula V, que yo nunca toqué -bueno, sí, Busca un amor, de Fórmula V-. Pero hacíamos cosas distintas, mucho más duras. Tocábamos de todo un poco.

P. Vosotros sacasteis los primeros discos a finales de los 70 y principios de los 80, y los grupos que llegaron después, los de La Movida, renegaban del flamenco y de la música española. Luego, en los 90, salieron los nuevos flamencos, Ketama, Ray Heredia, Pata Negra y demás. Entre medias hubo un salto que de alguna manera os perjudicó. Me gustaría saber por qué crees que se dieron esos años en los que se renegaba de lo flamenco. No sé si tú, con los años, tienes una teoría.

R. Desde el principio tuve bastante claro lo que estaba pasando. Creo que el centro, o más bien en Madrid y Barcelona, se dan cuenta de que hay una música muy potente que podría expandirse por todo el mundo, que era el rock andaluz. Estaban Triana, Alameda, Medina Azahara, Cai, Imán, Mezquita… grupos impresionantes que además tocaban bien. No eran los típicos grupos basados en canciones; eran grupos en los que todos los músicos tocaban y cantaban muy bien. Había posiblemente una apertura para salir fuera que no fue utilizada por las grandes compañías. De hecho, algunas ni siquiera nos ayudaron.

Yo me di cuenta de todo cuando hicieron la gira Andalucía en Rock, con Alameda, Medina Azahara, Imán y Gualberto, no me acuerdo. ¿Y qué hicieron? Cargársela. Cambiaban la fecha para que cuando llegases no hubiera nadie: por ejemplo, el cartel decía 18 de abril y teníamos que tocar el 19. Cuando llegábamos decíamos: “¿Pero esto qué es?”. Los equipos nos llegaban tarde. Era todo un boicot al rock andaluz. Creo que mucha gente no lo entendió y muchos grupos desaparecieron por eso. Medina Azahara hacía unas 180 galas al año. Triana no tocaba tanto, pero tocaba mucho; todos los grupos de rock andaluz tocaban mucho. Con La Movida pasamos a tener 50, y buscándonos la vida, porque las compañías ya no te querían fichar. Habías terminado el contrato con CBS y te decían: “Tío, es que esto ya no se lleva”.

P. ¿Qué papel jugaron las radios?

R. Las radios apoyaron mucho La Movida. En aquel tiempo no era como ahora, que la música viene enlatada desde las emisoras grandes; cada uno podía poner prácticamente lo que quería. Pero se dejaban llevar mucho por lo que sonaba en Cataluña y sobre todo en Madrid. Si Los 40 Principales y los periodistas apoyaban la gran movida, todo el mundo se basaba en eso. La música que había era La Movida, y lo demás no existía para nada. Era Alaska y todos aquellos grupos que salieron en masa.

P. Aquello era una especie de copia del postpunk anglo. Pero lo que más me sorprende es ese desprecio hacia la música española en casi todos. Vale, bastantes grupos cantaban en español, pero ninguno tenía ni un guiño hacia las raíces, como el flamenco u otras formas de cantar más de la tierra. Se basaban mucho en lo anglosajón. Vosotros también mirabais a Deep Purple y a grupos de fuera, pero sin renunciar a lo que sois.

R. Claro. Aunque intentes copiar un estilo de música como el de Deep Purple, le metes tus raíces, notas distintas a las que ellos hacen, una forma de cantar completamente distinta, y todo eso hace que la música evolucione y que tenga sentido lo que estás haciendo. Pero la mayoría de los grupos de La Movida no sabían ni tocar. Los músicos del rock andaluz se mezclaban con ellos y les ayudaban a tocar en directo. Y muchos músicos, como el guitarrista y el teclista de Manzanita, se fueron a tocar con los grupos de La Movida, porque les daban de comer. Tampoco iban a vivir de nada pudiendo hacer música.

He podido denunciar a mucha gente por abusar de Medina, pero no lo he hecho porque soy feliz tocando

P. ¿Cómo llevaste esos años de ostracismo, entre comillas, en los que las discográficas y las grandes radios os dieron la espalda?

R. Yo creo que por eso seguimos aquí: porque teníamos un sentimiento fuerte por hacer una música realmente propia. Si no, nos hubiéramos ido enseguida. Cuando ninguna compañía nos quería, teníamos canciones y un disco prácticamente hecho, pero nadie lo quería. En aquel tiempo no se llevaba la autoproducción, pero nosotros nos autoproducimos pidiendo un préstamo, y con eso pudimos sobrevivir un tiempo. Por suerte nunca perdimos galas y siempre tuvimos lo suficiente para seguir viviendo, aunque no para ganar mucho dinero. Luego hay un salto grande desde Caravana española hasta En Al-Hakim, porque ya pensábamos de distintas formas, entraron nuevas personas al grupo y lo hicimos de otra manera. Nos centramos mucho más en buscar una compañía. Nos encontramos con un nuevo mánager, Javier Gálvez, que prácticamente era socio de Avispa, y él nos llevó a Avispa. Cuando escucharon lo que teníamos, rápidamente nos ficharon.

P. En aquellos años grabasteis con un joven guitarrista de Córdoba que se llamaba Vicente Amigo, ¿no?

R. Sí. Eso tampoco lo sabe mucha gente.

P. ¿Cómo era Vicente en aquellos años?

R. Era divertido, un personaje. Lo pasamos muy bien grabando los temas y mezclando el rock andaluz con una guitarra flamenca. Aunque esto ya lo habíamos hecho también con Busco y con otro tema, no me acuerdo cuál, con Paco Cepero. Vicente tenía unas aspiraciones muy grandes, y creo que las sigue teniendo. Es un musicazo total. A la hora de tocar e improvisar, fue un disfrute.

P. ¿Quién lo fichó?

R. Nadie. Necesitábamos un guitarrista flamenco, hablamos con él y encantado. Se fue para allá y lo grabamos.

P. Y ahora, cuando escuchas la música de Vicente, ¿reconoces a aquel chaval que empezó a tocar con vosotros o lo ves muy cambiado?

R. En la forma de tocar sí lo reconozco, porque tiene una personalidad muy grande tocando. Pero en aquel tiempo era mucho más joven, era un chavalito.

P. ¿Hay algún músico, español o extranjero, con el que te hubiera gustado grabar o tocar y no hayas podido? Seguramente habrá alguno que se te haya quedado a las puertas.

R. De los modernos hay muy buenos cantantes, guitarristas e instrumentistas. Pero creo que todos los que pensaba han cantado conmigo de alguna forma. En el disco del 30 aniversario tuvimos bastantes, y con este final creo que van a estar todos.

P. Estoy pensando en Robe, que estaba con vosotros en Avispa. No sé si llegaste a entablar alguna relación con él.

R. No tuve nunca una relación fuerte, pero recuerdo una conversación de cuando él estaba en Avispa. Estábamos los dos sentados en el bordillo de la calle y me dijo: “Hay que ver, Manuel. ¿Te estás dando cuenta de que estamos aquí los dos poetas distintos del pueblo, tío?”. Yo le dije: “¿Poetas?”. Me hizo mucha gracia y empecé a reírme. Y él: “No te rías, tío, de verdad: yo soy el poeta extremeño y tú el poeta andaluz”. Cosas así que se me quedaron. Nunca coincidimos demasiado en el tiempo, pero alguna conversación se me quedó grabada.

P. Tu carrera ya es de casi 50 años, y de multinacionales solo fueron los tres primeros discos. ¿Cómo se aguanta todo el resto? No sé si has llegado a estar arruinado, pero en números rojos sí te habrás visto. ¿Has llegado a decir: “Me cago en la música y en la guitarra”?

R. Los números rojos eran un día sí y otro no. La verdad es que yo he sobrevivido de la música, pero no he llegado a hacerme rico. Aquí puedes ver que vivo desde el 94 sin grandes alardes: una casa normal, sencilla, y en el banco tengo poco dinero, lo justo para sobrevivir. Yo me he basado siempre en tocar, porque me ha gustado tocar. Muchas veces hemos tocado por mucho dinero y otras por poco: cuando ha habido momentos muy fuertes, por más, y cuando no, por menos. El caso era tocar, estar siempre en la carretera, con la gente que te sigue. La gente que te sigue nunca sabe lo que cobras; lo que entiende es que cuando te subes al escenario lo das todo. Y eso Medina Azahara siempre lo ha llevado a gala: “Estamos en el escenario, somos Medina Azahara y nos vamos a comer el mundo”. Nos daba igual que hubiera 30 personas, 5.000 o 100.000. Por eso hemos sobrevivido a todas las épocas. Había un árabe que dijo una frase muy bonita: “Siéntate en la puerta de tu casa y verás pasar el cadáver de tu enemigo”. Quiere decir que si tienes las ideas claras y llevas tu vida por donde te gusta, qué te importa lo que opine la gente.

P. Y qué te puede importar si te pones a contar y dices: “He vendido -es un poner- 20 millones de entradas”. 20 millones de veces, una persona ha sacado el dinero de su bolsillo y lo ha pagado para ir a verme tocar.

R. Eso es una responsabilidad. La responsabilidad de subirte a un escenario nosotros siempre la hemos llevado a gala. En las últimas épocas hemos tenido varios músicos que han tocado con nosotros, sobre todo en la batería y el bajo, pero los tres que hemos estado más o menos siempre al mando hemos tenido claro que cuando te subes al escenario tienes que dar hasta la última gota de sangre.

Desde la tristeza salen canciones muy bonitas

P. ¿Y cuánta gente vive o ha vivido de Medina Azahara?

R. Mucha. Desde las compañías, que han ganado muchísimo dinero con Medina Azahara, hasta managers, representantes, técnicos… Es una cadena muy grande. Hay mucha gente que ha vivido de Medina Azahara, pero que te ha ayudado a ser lo que eres. Un grupo no puede subsistir sin un buen mánager ni sin una buena compañía detrás, aunque a veces las compañías no apuestan del todo por ti, sino que intentan sacar beneficio de tus discos y tus canciones. Pero entre todos hacen un equipo, y ese equipo es el que ayuda a un grupo a subsistir tanto tiempo.

P. La independencia y la libertad de la que has disfrutado, ¿compensan el trabajo y la autoexplotación a la que te has sometido?

R. Siempre he tenido claro que lo que yo quería era subirme a un escenario. Que a veces te sientas engañado por promotores o discográficas, eso siempre lo he tenido en un segundo plano. Es verdad que he podido denunciar a mucha gente por abusar, discográficas, managers, toda la gente que hay detrás de un movimiento grande. Pero me he basado siempre en pensar: “Soy feliz tocando; el que se está aprovechando se lleva el dinero, pero yo me llevo lo que me gusta, que es tocar”. Por eso no me arrepiento del camino que he andado.

P. Ese camino hoy dista mucho de cómo era hace 30 años. Hay un poco de justicia poética en que las grandes discográficas, que controlaban a bandas y proyectos como el tuyo y decidían si un día estabas arriba y otro abajo, con las redes sociales y los cambios en la música se hayan ido la mayoría al carajo. Ya solo quedan dos o tres grandes conglomerados. Vosotros, sin embargo, habéis seguido. Todo se ha puesto en su sitio de forma, digamos, natural.

R. Puede ser. Este sistema de hoy es más abierto: salen muchos más músicos, gente que desde su casa puede hacer un disco. Antes tenías que pasar por una discográfica; ahora la discográfica se ha dado cuenta de que no es nada. Puedes llevarle el disco y decirle: “Tengo un disco, ¿te interesa? Vamos a negociar”. Antes te decían: “Te doy el 10 % de royalty”, y te conformabas con eso, que salía de lo que tú componías. Además, se llevaban un 50% de la editorial, un trabajo que habías hecho tú, y se lo llevaban por nada. Ahora puedes negociar todo eso, porque ya no estás sujeto a una compañía, a no ser que firmes un contrato, y entonces tienes que estar muy vivo, porque un contrato mal firmado te puede arrastrar durante años. Si no estás de acuerdo con su gestión o ellos con la tuya, puedes ser un artista frustrado durante mucho tiempo, sin poder componer, porque no te dan libertad para grabar.

P. Compañeros tuyos seguro que han pasado por eso, y vosotros también. Así que no os dejaban grabar.

R. No es que no te dejaran grabar, es que no te dejaban fichar por nadie.

P. ¿Y eso con quién os pasó?

R. Simplemente, cuando quieres hacer un proyecto completamente distinto, te topas con lo que hay. Tienes un contrato y ellos pueden apoyarte si quieren. Por ejemplo, Paco sacó un disco en solitario y yo saqué otro con la misma compañía con la que grabábamos Medina Azahara. Pero si ellos no hubiesen querido, no hubiésemos podido grabar, porque tenían todos los derechos. Imagínate: una compañía como Avispa, que estaba vendiendo miles y miles de discos, por no decir millones. Llega un agente de CBS y dice: “Quiero fichar a Medina Azahara”. Se reúnen el director de la compañía, nuestro mánager, Javier Gálvez, y el enviado de la multinacional, que en este caso era CBS. El director responde: “Yo tengo contrato con Medina Azahara por tantos años, y tiene que pasar por mí”. Y el otro: “Tengo aquí un talón de 25 millones de pesetas para liberarlos”, que en aquella época era un pastón. Empezaron a reírse. El enviado insistió: “No te preocupes, tengo un cheque en blanco de la compañía americana para que pongáis el precio vosotros”. Y el director contestó: “No tenéis dinero para fichar a Medina Azahara”. Una compañía independiente se negó a negociar con un cheque en blanco de una multinacional. Eso es lo que puede hacer una compañía, por pequeña que sea, cuando tienes firmado un contrato: ese contrato ya no lo rompes en la vida.

Tienes que ser muy astuto para romper el primero que haces con una compañía, a no ser que la compañía diga: “Haced lo que queráis”. Por ejemplo, CBS tuvo con nosotros cuando empezamos un contrato de tres años y, cuando terminó, nos dijo: “Sois libres”. Pero hay compañías que hacen que arrastres el contrato todo el tiempo que ellas quieran. Imagínate que te firman tres años, tres discos. Eso es imposible cumplirlo; siempre te va a quedar un disco pendiente, así que el contrato se prorroga otros tres años, y ahora tienes seis discos. Tampoco vas a hacer seis discos en seis años, así que se vuelve a prorrogar y te pueden tener toda la vida. Hay que ser muy astuto y decir: “Tres años, dos discos”, que es lo que posiblemente haga ahora la gente. Pero en aquella época éramos todos borregos que queríamos grabar discos. No queríamos nada más. Nos sentíamos completamente realizados con poder grabar y tocar en directo. Ahora creo que la gente lo mira de otra forma.

P. ¿Habéis tenido que litigar mucho, ir a juicio por este tipo de cosas, o muchas veces has decidido no meterte?

R. Hemos tenido muchas posibilidades de hacerlo, porque nos hemos sentido estafados. Hemos ido incluso a abogados muy potentes que nos han dicho: “Mira, esto es así, por aquí podéis meterles”. Pero eso te lleva a un juicio, y a otro, y a otro, y durante todos esos juicios estás en boca del mundo, como diciendo: “Estos tíos son unos peseteros”, porque ellos se van a aprovechar de todo lo que hagas para echarte por tierra. Entonces dices: “Paso de esto; intento cumplir mi contrato, llegar a acuerdos y poder salir de alguna forma algún día”. Y te basas en seguir tocando y disfrutando de lo que eres.

P. Esa es la parte del músico que no se ve. Uno tiene la idea del músico con su guitarra, creando, componiendo, y no piensa que tiene que lidiar con todo eso.

R. Esa es la cara bonita del músico: estar aquí en mi casa pensando en hacer canciones. Y luego sales de gira de un lado para otro y vas a gusto por la vida, divirtiéndote, pasándolo bien. Pero nunca piensas en lo que es un contrato. Cuando eres joven y alguien te pone un contrato sin que hayas hecho nunca nada, lo firmas con los ojos cerrados, y no sabes que ahí está la trampa. La trampa te lleva a estar prácticamente toda tu vida agarrado a una situación. Y te lleva a la ruina, no monetaria, pero sí a decir: “Estoy cansado de estas compañías, quiero hacer otras cosas”, y no puedes. Te llevan siempre por donde a ellos les interesa.

Manuel nació músico. Era innato, sabía tocar todos los instrumentos

P. En lo personal y en lo familiar, ¿cómo lo has llevado? ¿Cómo has conseguido que tus hijos y tu pareja entendieran que tenías que irte 180 noches al año? Sois uno de los grupos que más han tocado de toda España.

R. Yo creo que no ha habido ningún grupo que haya tocado tanto como Medina Zahara ¿Cómo lo llevaba? Difícil, porque a algunos de mis hijos los he visto nacer de casualidad, o diciendo: “Voy a suspender este concierto porque quiero verlo nacer”. Sobre todo a las tres pequeñas: con las dos últimas estuve presente e incluso les corté el cordón umbilical. Antes no había tenido tiempo. Los últimos años nos los programamos de otra forma, pero ha habido momentos en que todo era carretera: venir, estar unas horas y volver a irte. Manuel, por ejemplo, lo vivió desde pequeñito; Alicia también; Marcos lo ha vivido completamente, e incluso a veces se ha venido conmigo. Pero es difícil: pasas muchas horas fuera, no es todo divertimento, y también hay muchas horas de soledad en la habitación del hotel, que te dan muchas vueltas en la cabeza. Aun así, he tenido mucha suerte con las dos familias que he tenido. Con la primera tuve bastante suerte, con mis hijos también, y con esta tengo una vida completamente plena y unas hijas que son una maravilla.

P. ¿Te imaginabas que Manuel iba a querer dedicarse a la música también?

R. Es que Manuel nació músico. Nunca fue cosa de decirle: “Tienes que ser músico”. Desde pequeño quería ser como Michael Jackson. Claro, desde pequeñito. Yo recuerdo que prácticamente nunca había tocado un piano, y le compré un Hammond a Pablo Rabadán. Entre Pablo, un amigo y yo lo metimos en mi casa, cuando yo vivía en Cruz de Juárez, donde había un jardín que había que cruzar, junto al bar La Gamba de Oro. Le enchufamos el piano: “Manuel, mira qué bonito es, mira cómo suena”. Mi vecino Antonio, cuya madre había sido profesora de piano, aunque él no sabía tocar, le enseñó una melodía con un dedo (hace el gesto de tocar la melodía con el dedo índice solamente). Manuel se quedó allí, y nosotros nos fuimos a tomar una cerveza. Cuando volvimos, estaba tocando a dos manos lo que había visto. Nos quedamos todos alucinados: “¿Pero quién te ha enseñado a tocar esto?”. “Nadie, he visto cómo tocaba y he hecho la melodía entera”. Era innato. Manuel tocaba todos los instrumentos; le dabas uno que no conocía y en media hora lo sabía tocar. Era música total.

P. Sabiendo lo que has vivido, ¿le llegaste a dar algún consejo?

R. Simplemente, cuando fichó por Avispa un tiempo, lo primero que le dije fue: “Ten cuidado con el contrato que vas a firmar, y con esto, y con lo otro. Y que la música sea siempre lo que tú quieras hacer; que nadie te imponga nada”. Y siempre ha ido por libre, haciendo música propia. Él era superfán de Michael Jackson, y yo lo llevé a ver a Guns N' Roses a Sevilla, cuando vinieron por primera vez. Pensé: “A ver si le entra la vena que me gusta a mí”. Tocaban Soundgarden, Guns N' Roses y Faith No More, con Mike Patton de cantante. Vimos todo el espectáculo, los Guns N' Roses alucinantes, y al salir le pregunté: “¿Qué te ha gustado? ¿No has visto qué tíos, qué guitarrista?”. Y me dijo: “No, a mí quienes me han gustado son los Faith No More”. “¿Por qué?”. “Porque son distintos, y a mí me gusta lo distinto”. Y se hicieron amigos: Mike Patton y él se hicieron íntimos. Cuando venía a España, lo llamaba y se reunían. Fíjate hasta dónde podía llegar. Y como compositor era la leche, hacía cosas muy bonitas.

P. Hay un paralelismo brutal, porque Estirpe hizo lo que no hacía nadie en su época, de la misma manera que vosotros hicisteis lo que no hacía nadie en la vuestra. Y eso también os relegó a un espacio muy complicado. Cuando uno vive en la frontera, en el fondo está un poco solo. Eres muy libre, con el tiempo acabas ganando estatus, pero una frontera puede ser un lugar muy solitario.

R. Sí, claro. Nosotros tuvimos la suerte de que en principio estaba Triana, que duró muy poquito tiempo. Pero no sonábamos como ellos; no sonábamos a nadie en ese momento. Triana era mucho más parecido a algo. Mucha gente decía: “Son una copia de Triana”, y yo pensaba: “¿Pero dónde está la similitud? No nos parecemos en nada”. Nuestra descarga eléctrica nunca la tuvo Triana, que era otro tipo de música; ni siquiera los instrumentos eran los mismos. Y ellos eran maravillosos, increíbles. Pero creo que estar solo en algo te obliga a ser más guerrero, a sacrificar muchas más cosas y, sobre todo, a tratar de componer lo que nadie está haciendo. A componer para ti, pero también para la persona que te está viendo. Y eso Medina siempre lo ha llevado a gala.

P. De tu hijo, ¿hay alguna canción que te hubiera gustado escribir a ti?

R. Bastantes, muchas.

P. ¿Alguna en particular?

R. Puf, es que tiene tantas… Madre Tierra, por ejemplo, me hubiese gustado. Mi hijo tenía la virtud de tocar todos los instrumentos, y a la hora de componer todo eso le servía. De lo más grande que ha hecho Manuel como músico, que ha hecho mucho, es que todas las canciones de Estirpe son de él y de Javi. Javi componía las letras, pero lo demás era todo de Manuel. Cuando hicieron Estirpe ellos no sabían tocar, y Manuel les enseñó a todos, incluso a la batería. La batería que tocaba Javi era de mi hijo pequeño, Marcos, y se la destrozaron; cuando se la devolvieron ya no existía. La tengo por ahí, pero está hecha polvo. Yo me acuerdo de que Marcos quería una batería y le dije: “Venga, niño, para Reyes te voy a comprar una”. Nos fuimos por todos los sitios de Córdoba buscándola y no encontrábamos la que quería: una grande. Era un moco y ni llegaba, pero se la compramos. Entonces Javi le dijo: “Déjame la batería, Marcos, que voy a aprender a tocar”. Y empezó a tocar, y cuando la devolvió estaba completamente destrozada. Pero bueno, vivencias.

P. ¿Qué es el éxito para Manuel Martínez?

R. El éxito, entre comillas, es conseguir una formación que te lleve a hacer algo distinto y a emprender un camino que nunca dejes. Puedes tener éxito por muchas cosas, pero en cuanto a la música, aquel que empieza una carrera, por un lado, la termina por otro y en medio ha hecho no sé qué… eso puede ser un éxito efímero. El éxito tiene que ser la constancia de un trabajo.

P. O sea, no traicionarte.

R. Exactamente. Seguir con tus propias ideas desde el principio hasta el final.

A veces, merece la pena guardarte la razón en el bolsillo

P. He leído que se está haciendo un musical sobre Medina Azahara.

R. Sí, lo está haciendo la gente de CEMAC. Yo ya lo he visto, aunque no con la puesta en escena grandiosa: he visto a los chicos y a las chicas, a los cantantes, a los bailarines, todo lo que lleva el espectáculo, y es una maravilla.

P. ¿Está basado en la historia del grupo, en las canciones, o es una historia…?

R. Está más basado en las canciones. Es una historia surrealista, entre comillas, pero dentro de las canciones de Medina, y cantadas de distintas formas. Nadie va a escuchar a Manuel Martínez cantar ni a Paco Ventura tocar la guitarra; son versiones, de una forma muy vanguardista y muy bonita. A mí me ha encantado. Cuando he escuchado a la gente que canta, me he flipado con las versiones que hacen. Y los músicos, la leche.

P. A partir del 21 de noviembre, ¿qué hay para Manuel Martínez?

R. Seguiré en la música. Tanto Manuel Martínez como Manuel Ibáñez y Paco Ventura tenemos proyectos independientes de Medina Azahara que algunas veces se quedaron aparcados porque Medina Azahara exigía seguir tocando. Ahora es el momento de retomar la continuidad de aquellos proyectos: el de Paco Ventura, el de Ibáñez y el mío en solitario. Eso es lo que vamos a hacer.

P. ¿Ya estás liado?

R. Sí, desde hace mucho tiempo.

P. ¿Cuántas canciones tienes ya para el nuevo disco de Manuel Martínez?

R. No voy a hacer un disco, al menos ahora. Voy a ir sacando temas. He hecho cuatro canciones, que creo que son suficientes en esta época. No voy a lanzar un disco como antes, como un LP: voy a lanzar un tema, luego otro, luego otro, hasta que llegue la hora de lanzar el disco en grande. Pero por ahora voy a lanzar canciones. Tengo canciones muy bonitas, y el domingo pasado hicimos un videoclip. Creo que va a ser bonito de escuchar.

P. ¿Cuándo va a caer la primera?

R. Creo que será por Navidad o a principios de enero.

P. ¿De este año, dices?

R. Sí, Navidad de este año o principios de enero del próximo. Está al caer.

P. Muy bien. ¿Te sientes profeta en tu tierra?

R. Por supuesto. Más que profeta, me siento querido. Hay mucha gente que reniega de su tierra, de su capital o de su pueblo porque a lo mejor no le dan el apoyo suficiente. Nosotros siempre nos hemos sentido queridos por Córdoba. Por supuesto, hay músicos que piensan lo contrario, pero yo pienso que hemos sido gente reconocida por la ciudad, querida y, sobre todo, ayudada. Porque sin Córdoba no seríamos nada.

Poner el punto final a Medina Azahara va a ser difícil

Pony Bravo llega a Córdoba con la gira de Trópico, su último disco. La banda sevillana actuará el viernes 13 de noviembre de 2026, a las 22:00 horas, en la Sala Ambigú Axerquía, en un concierto en el que repasará su quinto álbum de estudio, publicado en 2024.

Compuesto a lo largo de dos años, en diferentes sesiones de trabajo, Trópico es un compilado de mundos posibles en los que la exótica sirve de hilo conductor. El disco bebe de las raíces de la banda y, al mismo tiempo, marca el siguiente paso en su capacidad compositiva. La influencia de la exótica, a veces como un lejano recuerdo sonoro a discos de Martin Denny o Yma Sumac, deja paso en otras ocasiones a enfoques relacionados con las tradiciones musicales andaluzas, con elementos de electrónica low-fi, ritmos de baile, synthwave e incluso aproximaciones a bandas sonoras antiguas, reimaginadas y lejanas. Sus doce temas dibujan una distopía exótica en la que el grupo despliega nuevas ideas y explora nuevos mundos.

Desde su formación en 2006, Pony Bravo se ha convertido en uno de los referentes de la música independiente y en una banda inseparable de la historia musical de Sevilla. Su discurso creativo está estrechamente ligado a la remezcla, el humor, la investigación y la cultura crítica. Han sabido combinar las raíces del rock andaluz de Triana o la psicodelia de Smash con géneros tan dispares como el italo-disco o el dub, siempre al servicio de la iconografía sevillana y de un sonido propio.

Su discografía arrancó con Si bajo de espaldas no me da miedo (y otras historias), a la que siguieron Un gramo de fe (2010), con temas ya míticos como La Rave de Dios o Noche de Setas; De Palmas y Cacería, su disco más crítico, que retrata la crisis económica de 2008 con canciones como El Político Neoliberal o Eurovegas; y ‘Gurú’ (2019), con cortes como Totomami, Piensa McFly o Rey Boabdil. A ello se suma un imaginario visual propio, obra en buena parte de Daniel Alonso, en el que Curro es rescatado, la Giralda despega o la crisis climática inunda Sevilla, y que ha cobrado vida en sus videoclips.

La banda también ha firmado la banda sonora de la primera entrega de Carmina o Revienta (2012), de Paco León, y aportó Turista ven a Sevilla a Carmina y Amén (2014). Sus directos han pasado por festivales como Primavera Sound, Tomavistas, Arenal Sound o BAM, y han colgado el cartel de sold out en numerosas ocasiones.

Un disco con una producción absolutamente brillante y una colección de canciones de rock, folk y psicodélico que parecen extraídas de un estudio setentero de California. Eso es, muy a grandes rasgos, lo que ofrece Jubilee, el nuevo disco homónimo del proyecto que los hermanos Pedro y Javier Cantudo han grabado entre Andújar y Córdoba, y que ha lanzado el sello cordobés Magnetic Pie.

Un disco con aura de culto, que suena a rock atemporal, con ecos de George Harrison, Bob Dylan, Fleetwood Mac, Brian Wilson o Elvis Costello, y que confirma el gusto de los hermanos Cantudo por la producción analógica y el equipamiento vintage.

Disponible desde hace unos días en vinilo y en digital, Jubilee funciona como una especie de recopilatorio. En los últimos años, Pedro y Javier no han dejado de trabajar en el estudio y, de las más de treinta canciones que tenían registradas, han seleccionado las trece que componen este nuevo trabajo, en el que colaboran, además, varios miembros del mítico grupo cordobés Limousine (en el que también militaba Pedro Cantudo), además de Pedro de Dios, de Guadalupe Plata, y Boni, de Sunsetriders.

El resultado ofrece, como es habitual en ellos, un poco de todo: pop barroco, folk y rock con sonido de los setenta, siempre con una visión personal y huyendo del puro revival (y nada mejor para ello que escuchar los brillantes y luminosos arreglos electrónicos de parte del repertorio).

Jubilee surgió en el entorno del movimiento independiente español de principios de los 2000. Pedro Cantudo se ocupa de la voz y la guitarra, y Javier Cantudo, de la batería. Desde sus inicios han trabajado sobre todo en el estudio (el famoso Sequentialee, que dio título a un disco de Álvaro Tarik), con escasas apariciones en directo y un enfoque muy centrado en la composición y la producción.

Ambos han estado ligados a otras bandas de la escena independiente: Pedro, en Limousine; Javier, en Whitechapel, Underwater Tea Party y Sunset Riders. Pedro es además ingeniero y productor, y ha trabajado con artistas como Tarik y la Fábrica de Colores, Algunos Hombres, Pelomono o Deneuve, siempre con una filosofía de grabación analógica.

Su música combina folk, soul, country, pop orquestal y electrónica, con una clara influencia del pop psicodélico y de las producciones de finales de los sesenta y principios de los setenta.

Hasta ahora, Jubilee había publicado dos álbumes, The Ghost Orchestra (Mushroom Pillow, 2003) y A Place Called Home (Grabaciones en el Mar, 2010), ambos muy bien recibidos por la crítica. Este tercero, lanzado desde Córdoba por el sello que dirige Ale Sánchez (Lady Coulson), ha arrancado su andadura con otro cálido recibimiento.

La localidad cordobesa de Pozoblanco acogerá el próximo sábado 14 de noviembre el concierto de Café Quijano, uno de los grupos más reconocidos del panorama musical español, que llegará al municipio dentro de su gira 'Miami 1990 Tour'.

Así lo ha indicado el Ayuntamiento pozoalbense en una nota en la que ha detallado que “la llegada de Café Quijano es una magnífica noticia para Pozoblanco y confirma que la ciudad sigue siendo un lugar atractivo para acoger grandes espectáculos”, tal y como ha señalado el alcalde, Santiago Cabello.

Se trata de “un grupo con una enorme trayectoria, muy querido por el público y con canciones que forman parte de la memoria musical de varias generaciones”, ha señalado el regidor, quien ha subrayado, además, que “Pozoblanco es una ciudad capaz de atraer conciertos de gran nivel, reforzando una programación cultural y musical diversa, ambiciosa y pensada para todos los públicos”.

La actuación supondrá una nueva gran cita musical para Pozoblanco, que continúa incorporando a su programación cultural conciertos de artistas de primer nivel y propuestas capaces de atraer a públicos de distintas generaciones. Café Quijano, con una trayectoria consolidada y un estilo inconfundible, ofrecerá en Pozoblanco un directo cargado de elegancia, ritmo y grandes canciones.

Con su gira 'Miami 1990 Tour', la mítica banda leonesa revive la esencia de una época dorada de la música latina, fusionando el sonido internacional que marcó sus primeros éxitos con la elegancia y madurez de su trayectoria actual. Este nuevo espectáculo promete un viaje musical que combina sus grandes clásicos de pop-rock de finales de los 90 con sus aclamados boleros y las composiciones de su trabajo discográfico más reciente, garantizando un directo lleno de magnetismo y complicidad con el espectador.

La Feria del Libro encara su último fin de semana

La 51.ª Feria del Libro de Córdoba apura sus últimos días en el Bulevar del Gran Capitán, donde permanecerá hasta el próximo domingo. La jornada del viernes abrirá la programación familiar por la tarde. A las 17:00, Ana María Pérez impartirá Música para crecer entre cuentos, un taller musical dirigido a familias con bebés de entre seis meses y tres años. La actividad requiere inscripción previa y propone compartir la experiencia musical desde los primeros años de vida.

Una hora después, José Morales tomará el relevo con Historias terroríficamente divertidas, una sesión de cuentos para niños a partir de tres años en la caseta infantil Gloria Fuertes. La cita tendrá un componente especial por la proximidad de Halloween: los participantes están invitados a acudir disfrazados.

La literatura para adultos también tendrá su espacio desde la tarde del viernes. A las 18:00, Vicente Luis Mora dará a conocer Nosotras en un encuentro presentado por Mario Cuenca Sandoval, con una sesión de firmas prevista para las 20:00.

El sábado concentrará nuevas actividades dirigidas al público infantil y familiar. A las 11:00, la compañía Escena Trece representará Las brujas, en papel, una propuesta teatral destinada a niños de entre cinco y once años. A esa misma hora, la escritora Emma Lira firmará ejemplares de La luz de Medina, publicada por Edhasa. La mañana continuará a las 12:00 con El misterio de Flor, una gymkana creativa de Halloween organizada por Zerocontrés junto a la caseta infantil Gloria Fuertes. La actividad invita a los participantes a acercarse a la literatura a través del juego y la resolución de pistas.

A esa misma hora, Jesús Relinque presentará La casa hueca, de Maniac Ediciones, en el Bulevar del Libro. El autor firmará ejemplares a las 13:00. La programación familiar regresará por la tarde, a las 18:00, con En busca de la risa perdida, un espectáculo de teatro y risoterapia de Pura Mayorgas. La propuesta busca convertir el humor y la participación en parte de la experiencia cultural. La ilustración tendrá su espacio a las 19:00 con Crea tus personajes kawaii, un taller de Alba Alcaide para niños de entre cinco y ocho años. En paralelo, Elaine Vilar presentará La piel hembra, de Editorial Barrett, en un encuentro conducido por Octavio Salazar. La autora firmará ejemplares a las 20:00. El sábado se cerrará con la presentación de Majareta, de Juan Manuel Gil.

El domingo la Feria del Libro combinará literatura, música y artes visuales. A las 11:00, Emilio García Criado y Álvaro de la Fuente Espejo presentarán El niño que aprendió a escuchar el cante, un espectáculo para mayores de ocho años que une flamenco, relatos y emociones. A mediodía, la ilustración volverá a ocupar la caseta infantil Gloria Fuertes con K-Pop Academy, un taller de Lucía Santos dirigido a niños de entre nueve y 12 años. Puedes consultar toda la programación íntegra en este enlace.

'Houdini' se despide de Córdoba

El Gran Teatro mantiene en cartel Houdini. Un musical mágico, un espectáculo que combina música, ilusionismo y grandes números visuales a partir de la figura del célebre escapista. La producción, protagonizada por Pablo Puyol, podrá disfrutarse hasta el próximo domingo.

Vadym Kholodenko lleva el piano al Teatro Góngora

Uno de los platos fuertes de la programación llegará este viernes con el recital de Vadym Kholodenko, que actuará a las 20:00 en el Teatro Góngora dentro del XXIV Festival Internacional de Piano Rafael Orozco. El pianista ucraniano, ganador de la medalla de oro del Concurso Internacional Van Cliburn en 2013, ofrecerá un programa que incluye obras de Franz Liszt y la transcripción para piano de la Sinfonía fantástica, de Hector Berlioz, realizada por el propio Liszt.

La alegría, una propuesta teatral con trasfondo social

El sábado será el turno de La alegría, de la compañía Serendipia, que podrá verse a las 20:00 en la Sala Polifemo del Teatro Góngora. La obra, escrita y dirigida por Marilia Samper, aborda cuestiones como la convivencia, la accesibilidad, la solidaridad y la responsabilidad colectiva ante la exclusión. La historia parte de un conflicto relacionado con la instalación de una rampa para un joven con parálisis cerebral y plantea un debate sobre los límites entre los intereses individuales y el bien común. La producción, reconocida con el Premio Lorca en 2025, forma parte del ciclo Sur Escena. Las entradas cuestan 10 euros.

'Aeternitas' suma visitas teatralizadas y gastronomía tradicional en Córdoba

La programación cultural del fin de semana se completa en Córdoba capital con dos propuestas de Aeternitas, el programa impulsado por Tanatorio de Córdoba con la colaboración de la Universidad de Córdoba para divulgar el patrimonio funerario. Este viernes, a las 20:00, la Capilla de San Bartolomé acogerá la visita teatralizada Los secretos de la Capilla de San Bartolomé, que permitirá acercarse a la historia de este espacio mudéjar. La agenda continuará el domingo, a las 11:00, con Gastronomía de Santos y Difuntos, una charla-degustación sobre la relación entre la comida, las celebraciones religiosas y las tradiciones ligadas al recuerdo de los fallecidos. Ambas actividades requieren reserva previa a través del correo aeternitas@tanatoriocordoba.com

Don Juan Tenorio, una cita ligada a Todos los Santos

La proximidad de la festividad de Todos los Santos vuelve a situar a Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, entre las propuestas destacadas de estas fechas. La representación se ha programado para este viernes y este sábado, a las 20:00, en el Cementerio de San Rafael.

Conciertos en salas

La música en directo también tendrá su espacio en la agenda cultural de Córdoba durante el último fin de semana de octubre. Así, este viernes llegarán a Long Rock Los Escarabajos, que ofrecerán un tributo a The Beatles. También el viernes, la Sala Hangar recibirá a Planeta 80 con una sesión especial de Halloween a partir de las 19:00. La banda de versiones repasará canciones de distintas generaciones del pop y el rock, con un repertorio que incluye temas de grupos como Queen, Nirvana y El Canto del Loco. La propuesta se presenta como una alternativa para empezar el fin de semana con música en directo y ambiente festivo.

Ya el sábado, en la Sala Hangar, No Solo ABBA actuará a las 17:00 con un repertorio dedicado a los éxitos del grupo sueco. La sala prolongará la jornada a partir de las 20:00 con Versión 2.0, que llevará al escenario canciones de indie y rock alternativo de bandas como Los Piratas, The Strokes, Izal y Love of Lesbian. La noche de Halloween también tendrá una cita en M100 con Clan Rock, una propuesta que combinará un concurso de disfraces con la actuación de Iron Roses, banda especializada en versiones de grandes clásicos del rock. El evento está previsto para las 20:00 y parte de su recaudación se destinará al Santuario de Animales de Adamuz.

Por su parte, el Ambigú de la Axerquía recibirá el sábado a Lucky Dados, que actuará a las 21:30 con una propuesta vinculada al rock and roll y al rockabilly. La banda cordobesa presentará su trabajo Screwed Up Again en una noche dirigida a los aficionados a los sonidos más clásicos del género.

Cine

Los aficionados al cine también tienen una cita el viernes en la Filmoteca de Andalucía con Hamburgo, de Lino Escalera, a las 18:00, y Hombres de acero, de Cal McMau, a las 20:30. La primera es una producción española de 2025, mientras que la segunda llega desde el Reino Unido y se proyecta en versión original subtitulada en español. Esta última sigue a Taylor, un preso que está cerca de conseguir la libertad condicional cuando la llegada de un nuevo compañero de celda amenaza sus posibilidades de salir de prisión.

La escena musical independiente de Córdoba tiene una cita este viernes, 30 de octubre, en la Sala Ambigú Axerquía. Nueve propuestas locales subirán al escenario en la Torpedo Party, la fiesta con la que se presentan oficialmente Magnetic Pie Records y El Submarino Producciones Musicales, dos proyectos nacidos en Córdoba para impulsar, producir y dar visibilidad a artistas de la ciudad.

El cartel reúne a Tony Tunait, Volpina, Nine Fifty Seven, P.A. Barham & The Varlets, Mirror, Chitón, Mike Sun, Maquia y Jubilee. La noche la cerrará el pinchadiscos Crimen Soriano desde la cabina. La cita, que forma parte de la nueva temporada 2026-2027 de la sala, busca ser algo más que una presentación institucional: una muestra del catálogo de artistas con los que trabajan ambas iniciativas y un punto de encuentro entre los grupos, el público y los profesionales del sector.

Magnetic Pie Records es un sello discográfico independiente con origen en Córdoba que defiende una visión abierta del rock y sus ramificaciones, del blues, el folk y el garage a propuestas con espíritu punk. Combina una sensibilidad DIY y analógica con el acompañamiento a sus artistas más allá de la publicación de sus discos, también en producción, promoción, directo y gestión.

El Submarino Producciones Musicales, por su parte, nace como iniciativa dedicada a la producción y promoción de música en directo. Desarrolla conciertos y proyectos culturales y trabaja con artistas, salas, promotores e instituciones.

Ambos comparten la apuesta por artistas afincados en Córdoba, la creación de espacios para el directo y el fortalecimiento del tejido musical de la ciudad y de su conexión con el resto del país. Con la Torpedo Party quieren reivindicar Córdoba como lugar de encuentro para la creación musical underground.

La entrada es un ticket-consumición que cuesta 10 euros más gastos en anticipada y 14 euros en puerta. Se vende en 4 Elements, Barbaridad, Vitalogy y 4 Gatos, y online a través de Woutick.

La cantante y compositora Zahara trae a Córdoba su faceta más festivalera, bailable y oscura. La artista, que lleva ya años compaginando su brillante capacidad compositiva con su gusto por el espectáculo bailable, presentará ZAHARAVE:lite el próximo 6 de noviembre en la Sala 2 de Impala, una versión de club del formato con el que ha girado por festivales llevando su apuesta por la electrónica.

En esta ocasión, el espectáculo cambia de escala para adaptarse a salas de pequeño y mediano aforo, pero mantiene intacta su energía: una fiesta en la que sus canciones serán remezcladas en directo por la propia artista y por su inseparable Martí Perarnau, amén de incorporar el talento local. En el caso de Córdoba, será la dj cordobesa Isa Ruiz la acompañará a la artista con un dj set que servirá de guinda del pastel a una noche ravera

ZAHARAVE:lite se concibe, en palabras de la propia Zahara, como una fiesta-concierto de más de tres horas de duración. El formato combina un directo con las canciones de Zahara y la energía de la rave “centrifugada”, con música que Martí pinchará en directo y que se irá mezclando con la de la cantante para mantener todo en continuo movimiento. Habrá también música inédita y “mucho baile, mucha cercanía, mucho sudor”.

La propia artista explica que ha montado esta fiesta para bailar con su público y “ser por fin dueña de mi propia pista de baile”, convirtiéndola en un espacio de encuentro, libertad y reivindicación.

“La nueva propuesta de Zahara no es solo un concierto, es la experiencia más visceral y cercana en la que poder disfrutar de una artista en constante búsqueda y experimentación”, explica sobre un evento, cuyas entradas ya están a la venta en la red y en puntos de venta habituales.

La cantautora cordobesa Vega presenta L’appel du vide, primer single de su próximo disco y con el que celebra veinticinco años de trayectoria. El tema se publicará el próximo 13 de noviembre en todas las plataformas digitales y ya puede guardarse en presave.

Con producción de Ricky Falkner, el lanzamiento inaugura también una nueva etapa para la artista. El disco será editado por La Madriguera Records de la mano de Mushroom Pillow y se presentará en directo en una gira inicial por trece ciudades que arrancará en febrero de 2027 y a la que se irán sumando nuevas fechas.

Un beat hecho con su propio corazón

L’appel du vide es, en palabras de la propia artista, “un canto en forma de fuga que crece hasta llegar al clímax” y que “apela al amor que se escapa y duda a la vez”. La canción esconde un detalle singular: el beat que la atraviesa de principio a fin es el latido real del corazón de Vega, registrado con un fonendo digital y empleado para construir el loop.

“El beat que marca toda la canción, que se oye desde el principio hasta el final, es el latido de mi corazón recogido con un fonendo digital que he utilizado para crear el loop. Un corazón que se desboca y quiere saltar por los aires”, explica la artista.

El título, expresión francesa que significa 'la llamada del vacío', alude a ese impulso de saltar que todos los seres humanos sienten y frenan constantemente por instinto de supervivencia.

Nueva andadura: La Madriguera Records junto a Mushroom Pillow

Autogestionada desde 2013 al frente de su propio sello, La Madriguera Records, Vega abre ahora un nuevo capítulo eligiendo con quién recorrer el camino. En junio anunció su incorporación a Artica Agency, que asume su management y booking, y ahora suma a Mushroom Pillow para la edición de su nuevo trabajo. “La autogestión no consiste en hacerlo todo sola, sino en elegir con quién”, afirma Vega.

¿Puede un disco con las canciones más accesibles de una carrera ser una traición para un grupo que ha hecho del ruidismo y el grito sus señas de identidad? ¿En qué momento una melodía pegadiza se convierte en una concesión? ¿Cuántos estribillos puede permitirse una banda como Viva Belgrado antes de que aparezca la “policía de la coherencia”, precisamente esa que el grupo señala en la canción que abre su nuevo álbum?

Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye (Fueled by Salmorejo) es un disco de hits que se te clavan en la cabeza. Canciones que aspiran a llegar a mucho más público sin renunciar al ruido, a las aristas ni a esa mirada mitad escéptica mitad esperanzada que ha acompañado a los cordobeses desde sus comienzos. El caramelo más dulce de su discografía sigue teniendo un punto de acidez. Y ahí está la gracia.

En arrancar tu disco más accesible con un trallazo como Un andalucito más (una carta de presentación que ya querría cualquier grupo de esos que reivindican a los Nikis), que el oyente escuche los primeros compases y compruebe que no has necesitado desprenderte de ninguna de tus señas de identidad. Y que la cosa siga, que los cuatro primeros cortes mantengan la furia, los gritos, las letras generacionales y esa sensación de que cualquier cambio de ritmo, tono o armonía es posible. La diferencia está en que ahora las canciones encuentran con mayor facilidad el camino hacia el estribillo.

En medio del álbum, sin embargo, el tono cambia. Amor a 136 bpm se entrega al ritmo funk y a la electrónica e incluso se permite un nananana de esos que uno termina tarareando sin darse cuenta. Después llega Amor en Em, una preciosa canción que habita en una guitarra que parece extraída de una sesión descartada del In Rainbows, de Radiohead. Son dos temas que demuestran que la banda puede ampliar su vocabulario sin necesidad de aprender a hablar otro idioma.

Todo funciona en un grupo que, acostumbrado a vivir sobre el desfiladero del abandono y de la imposibilidad de mantenerse a flote, parece haber descubierto que también se puede hacer equilibrismo como deporte cuando las cosas van bien. La nueva formación suena sólida, los arreglos encuentran su sitio y las canciones avanzan con una seguridad que no siempre había sido tan evidente. Hay oficio, hay un ritmo de trabajo que se nota y hay una banda que ya no necesita convertir cada tema en una prueba de supervivencia.

El segundo tercio retoma el vuelo con Menquitofla, una canción concebida para reventar cualquier concierto de los cientos que tienen por delante. Su riff surfpunketa, los redobles que evocan a System of a Down y un solo de guitarra de Alain Johannes (Chris Cornell, Queens of the Stone Age, Them Crooked Vultures, Arctic Monkeys) tras haber sido obligado a escuchar compulsivamente Medina Azahara conviven sin que la mezcla chirríe. Las voces adicionales de Cala Vento terminan de redondear un tema que reivindica la amistad desde el ruido, el desparpajo y una querencia por lo andaluz que en este disco ha dejado de ser un detalle para convertirse en parte del paisaje. Y, de nuevo, sin que nadie pueda decir que se están sumando a un movimiento o sonido: como cuando de(con)struyeron a Triana, nadie está triturando el rock andaluz como ellos.

De hecho, es también en Menquitofla donde aparece uno de los momentos más mágicos del disco: un pasaje instrumental psicodélico que se desvanece en un fade out antes de dar paso a El deber de ofender: apenas dos minutos de rock duro, urgencia punk y una de las letras más afiladas de su carrera. “¿Cuántos más rentistas?”, escupe Cándido Gálvez en una canción que convierte el malestar ante la especulación inmobiliaria y la transformación homogénea de las ciudades en munición para un riff. La rabia sigue ahí. Y, por si quedaban dudas, el letrista, uno de los mejores de su hornada, no ha perdido puntería.

Todo está listo para un último tercio que recupera al Cándido más dulce. Varios demonios tiene algo del rock alternativo de R.E.M., con una aparente sencillez que esconde una canción llena de matices. Memorabilia, por su parte, funciona como una nana slowcore en la que el folk, el drone y los teclados rhodes construyen una atmósfera delicada, casi suspendida en el tiempo. Es el reverso de los gritos que abren el disco: una manera distinta de canalizar la misma melancolía.

Y entonces llega Súper futuro, que cierra el álbum arribísima, con las guitarras abiertas y una melodía luminosa. Sencillamente, una canción de rock perfecta. De esas que parecen haber estado siempre ahí, esperando a que alguien las escriba. Su optimismo no suena impostado ni necesita una explosión final para imponerse. Después de tanta incertidumbre, Viva Belgrado se permite mirar hacia delante sin pedir disculpas.

Producido por Ricky Falkner, Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye no es un disco que busque desactivar a Viva Belgrado para hacerlo más digerible. Es un disco que demuestra que la furia también puede ser melódica, que la distorsión no está reñida con la canción pop y que una banda puede ensanchar su público sin rebajar sus convicciones. Quien eche de menos el vértigo permanente de sus primeros trabajos encontrará aquí menos aristas en algunos tramos. Pero confundir la evolución con la domesticación sería no haber entendido por dónde va este río.

Como el Guadalquivir, Cándido y Viva Belgrado a veces se secan.

Y a veces, como ahora, se llenan y lo inundan todo.