El alcalde de Córdoba dijo hace unos días que su gobierno había cambiado algo que es tan cordobés como un tabernero rancio: en verano ya sí que pasan cosas en la ciudad.

Lo dijo en la presentación de la programación del Califas Fest, el festival que organiza una promotora malagueña durante todo el año en la plaza de toros de Córdoba. Lo dijo sin darse la vuelta, sin mirar a su espalda, donde una pantalla reflejaba una programación que, paradójicamente (y técnicamente) solo mostraba dos espectáculos este mismo verano en la plaza de toros (Sidecars, 19 de junio y Los Morancos, el 27).

Eso era todo. No había ningún otro evento programado. Ni en julio ni agosto. Y lo dijo en referencia (aunque sin nombrarlo) a otro festival privado, el Córdoba Live, que se celebra en El Arenal y que, ese al menos, alarga su actividad hasta mediados de julio.

Así que las dos preguntas clave aquí son:

La realidad es que, en lo básico, nada ha cambiado en estos siete años de Gobierno del PP porque, entre el 15 de julio, cuando termina el Festival de la Guitarra (que lleva ya 40 años como emblema musical estival cordobés), y el 1 de septiembre, cuando arranca el nuevo curso, la ciudad sigue sin ofrecer ningún gran plan musical o cultural que estimule la llegada de turistas, que es (eso lo dejan claro), lo que se busca desde el Ayuntamiento apoyando a festivales privados.

Y, aunque el alcalde diga que ha inventado la pólvora, conviene recordar que sus antecesores en el Ayuntamiento se inventaron hace más de 15 años un gran festival flamenco para estimular el mes de junio (La Noche Blanca), y que incluso la anterior corporación (PSOE e IU) tuvieron su misma idea: programar un segundo festival en junio para desestacionalizar mayo y abril.

Aquel festival se llamó Ríomundi y celebró dos ediciones, en 2018 y 2019. Fue la primera víctima del cambio de signo político en Capitulares. Y, todavía hoy, hay quien habla de aquella iniciativa cultural como una muerte inexplicable.

Uno puede defender que se estén haciendo cosas sin necesidad de disfrazar la realidad: el verano del verano, por mucho que se venda lo contrario, sigue siendo un solar cultural en Córdoba.

Fuga de sonidos

La semana pasada, al hilo de la entrevista que publicamos con la dj y productora cordobesa BLANKA, revisé un reportaje de hace ocho años titulado Fuga de sonidos: la música electrónica que exporta Córdoba. Temía que, con la migración que se hizo de sistema hace unos años, se hubiera perdido en las catacumbas de internet.

Pero estaba activo y accesible. Y me sorprendió gratamente ver que casi la totalidad de artistas cordobeses mencionados en aquel reportaje de hace ocho años (Cecilio, Jorge Escribano, Kursiva, Mom, Javi Redondo y Durand) siguen hoy en la brecha y exportando el sonido cordobés por el mundo. 

Hasta ahí lo bonito. Lo triste es que es difícil, por no decir imposible, que algo así se repita con nuevos nombres, porque lo que tampoco ha cambiado en estos ocho años es que la ciudad sigue huérfana de un circuito de clubs estable donde, como decía entonces Cecilio, los nuevos djs “tengan artistas a los que admirar y en los que inspirarse, ya sean locales o de fuera”.

Es cierto que, en estos ocho años, dos ejercicios apenas cuentan -el 2020 y el 2021 fueron años en los que la pandemia puso patas arriba el mundo de la música electrónica-. Pero, en cualquier caso, hace ya demasiado tiempo desde que cerró Berlanga, y la reciente apertura de un espacio en la Sala Impala en el que se está programando algo del género parece insuficiente para alumbrar una nueva generación de djs como la que surgió en la ciudad a principios de siglo.

El reciente premio Enlace Funk a David DJ o la gira que acaba de hacer Bernardo Hangar por Hispanoamérica demuestran que aquella primera generación de djs cordobeses de los noventa sigue teniendo cosas que decir. A su favor jugó que entonces la ciudad era un hervidero de laboratorios sonoros. A la nueva generación, la que ha crecido con la electrónica ya aceptada como algo más que chunda chunda y que representa al sonido del presente, le costará mucho más hacerse un hueco si la ciudad sigue persiguiendo o arrinconando este tipo de propuestas.

Y ningún festival de tamaño medio de los que se celebran cada mes en la ciudad -algunos organizados por promotores locales, otros por promotores de fuera- puede maquillar la incómoda realidad de que Córdoba hace tiempo que dejó de ser parada dentro de las giras de los mejores djs de España o que venían al Sur.

Aquel tiempo murió y nada surgió de entre las cenizas.

En loop

La semana pasada, os recomendamos algo muy alegre como era el nuevo LP de Avalon Emerson. Para esta, venimos con algo mucho más contemplativo, el nuevo trabajo de Laurel Halo. Ambas son norteamericanas y comenzaron sus carreras con música mucho más enfocada a la pista. En el caso de Laurel Halo, eso sí, el giro ha sido mucho más radical, apostando por un sonido a caballo entre las nuevas formas de ambient y la instrumentación neoclásica.

Tras su magistral Atlas (2023), ahora la artista angelina ha publicado Midnight Zone, banda sonora de un documental sobre el mundo submarino, y que le ha dado la oportunidad de llevar más al abismo si cabe su propuesta. Aquí, Laurel Halo ofrece un artefacto sonoro que funciona como ensayo sensorial sobre lo desconocido y lo vulnerable; un disco exigente en el que habitar, más que para escuchar. Snorkel de sofá para una obra que arroja nuevos matices en cada escucha.

El festival Plaza Contemporánea aterriza por primera vez en Córdoba como el primer evento cultural impulsado por la Fundación Kutxabank en la ciudad, y con una programación que combina música, arte contemporáneo y participación ciudadana. La cita tendrá lugar el próximo 9 de mayo en el C3A y contará con la presencia destacada del cantaor iconoclasta Niño de Elche y el dj y productor británico Quantic como cabezas de cartel.

El evento reunirá a un total de 17 artistas de diversas disciplinas, entre nombres consolidados y propuestas emergentes, en una jornada multidisciplinar que integrará música en directo, sesiones de djs, artes plásticas y creación audiovisual.

Además de Niño de Elche (que ofrecerá un directo) y Quantic (que acude en formato dj), entre los participantes figuran también colectivos y artistas como BKTS y Chilly Grrrl777 (de Key Kollective), Ussuru Sound, Momo o Anaïs Begon, configurando una programación musical que se desarrollará desde el mediodía hasta las 23:30 horas.

La propuesta artística se completa con las videoproyecciones en directo de Juan y Pollxlux, quienes desarrollarán piezas audiovisuales para acompañar las actuaciones musicales, y con un programa de talleres impartidos por Almudena Castillejo, Kika Noland, María & Iker (taller de vinilo), Moniche, Desgarrate, La Gira y Clara Gómez.

El director de la Fundación Kutxabank, Leopoldo Izquierdo, ha subrayado que se trata del “primer gran evento cultural” de la entidad, concebido con el objetivo de “potenciar políticas contemporáneas dirigidas a jóvenes y familias”, apostando por un formato abierto y accesible que fomente la participación y el encuentro intergeneracional. Asimismo, ha señalado que la organización espera una “asistencia importante” dada la relevancia de los artistas y el carácter gratuito de la propuesta.

Por su parte, Pat de Keyser, CEO de Keyser-V, ha destacado el enfoque participativo del evento, que incluirá talleres abiertos al público en distintas disciplinas artísticas. Ha precisado que los asistentes podrán inscribirse previamente a través de la web del Palacio de Viana para obtener su invitación.

Además de la programación artística, Plaza Contemporánea contará con una zona gastronómica con food trucks, reforzando su carácter de jornada cultural integral pensada para disfrutar durante todo el día. El objetivo de Kutxabank es asentar la marca y realizar más eventos de similar naturaleza en la ciudad.

La Iglesia del Juramento de San Rafael acogerá el próximo 16 de abril a las 16:00 un concierto extraordinario a cargo del Coro Escolar de St Hugh's (Oxford), una formación juvenil “de reconocido nivel que ofrecerá un programa musical variado y de gran calidad en un entorno único”.

Tal y como ha emitido el Centro de Interpretación del Juramento de San Rafael, el concierto contará con entrada gratuita hasta completar aforo, una “oportunidad excepcional” para que cordobeses y visitantes disfruten de una “experiencia musical y espiritual en uno de los espacios más singulares de la ciudad”.

Por su parte, el rector de la Iglesia del Juramento de San Rafael, Fernando Cruz-Conde, ha animado a la ciudadanía a asistir a este concierto, destacando que “se trata de una oportunidad única para disfrutar de un momento de recogimiento a través de la música en un entorno privilegiado, donde el arte y la espiritualidad se encuentran de forma natural”.

En concreto, el coro interpretará un “cuidado repertorio” que combina piezas clásicas, música sacra y adaptaciones contemporáneas, “mostrando la versatilidad y talento de sus jóvenes integrantes”. Entre las obras incluidas se encuentran 'In Our Day of Thanksgiving', de John Ridgway; 'Now is the Month of Maying', de Thomas Morley; 'Dona Nobis Pacem', de Palestrina; 'Ave Verum Corpus', de Mozart; 'Esurientes Implevit', de Vivaldi; 'Ave Maria', de Gounod, Bach y Ewins; 'Where the Bee Sucks', de Arne, arr. Ewins; 'The Lord is my Shepherd', de Howard Goodall; 'Weeping', de Dan Heymann; 'Lullaby of Broadway', de Warren & Dubin; 'For Good & Defying Gravity', de Stephen Schwartz; 'Irish Blessing'; 'As Long As I Have Music', de Don Besig; y 'Mamma Mia Medley', de ABBA.

En contexto, St Hugh's es una escuela preparatoria situada cerca de Oxford (Inglaterra). Su coro de cámara está integrado por jóvenes cantantes de entre diez y trece años que han accedido al grupo tras superar exigentes audiciones, lo que garantiza un “alto nivel interpretativo”.

Además de su participación en el coro escolar general, estos jóvenes músicos desarrollan una “intensa actividad artística” a lo largo del año, participando en conciertos, eventos y celebraciones. Su trayectoria incluye premios en concursos locales y nacionales, así como giras internacionales en ciudades como Venecia, Budapest, Lisboa, Atenas o Roma.

En contexto, este concierto se enmarca dentro de la programación cultural impulsada por el Centro de Interpretación del Juramento de San Rafael, que continúa desarrollando actividades destinadas a difundir y poner en valor la historia del custodio de Córdoba, acercándola al público a través de propuestas culturales de calidad. Con esta iniciativa, el espacio refuerza su compromiso con la promoción del patrimonio, la cultura y la tradición, “consolidándose como un punto de referencia en la oferta cultural de la ciudad”.

El alcalde de Córdoba, José María Bellido, ha subrayado este lunes que la tercera edición del Festival de la Primavera, que se celebrará del 16 de abril al 16 de mayo, convertirá al casco histórico de la ciudad “en una gran sala de conciertos abierta a todos los ciudadanos”.

En rueda de prensa, Bellido ha explicado que el evento, que organiza el Ayuntamiento con la colaboración de la Diputación de Córdoba, la Junta de Andalucía, el Círculo de la Amistad y Conservatorio Superior de Música 'Rafael Orozco', bajo la dirección artística de Juan Miguel Moreno Calderón, “nació en 2024 con la idea de fundir música clásica y patrimonio monumental”.

De esta forma, según ha señalado el alcalde, “en uno de los periodos más emblemáticos del año”, cuando “la ciudad se convierte”, durante un mes, “en un gran escenario con ocho conciertos de primerísimo nivel, en los que se podrá ver a grandes artistas cordobeses, nacionales e internacionales”.

El Real Círculo de Amistad, la Sala Orive, el Conservatorio Superior de Música 'Rafael Orozco', la Plaza de Capuchinos, la Iglesia de la Merced, el Museo Arqueológico y la Diputación, según ha señalado Bellido, son los espacios elegidos para proseguir con este proyecto, “que llevará el amor por la música clásica y por los grandes compositores de ayer y de hoy a diferentes enclaves de la ciudad”.

En cuanto a los conciertos en sí, la soprano Ana Beard Fernández y el pianista Matthew Jorysz serán los encargados de abrir el 16 de abril en el Real Círculo de la Amistad un ciclo que, de forma concreta, organiza la Delegación de Cultura y Patrimonio Histórico del Ayuntamiento de Córdoba.

Por el festival también pasarán American String Quartet, el clavecinista Ignacio Prego, el grupo Amsterdam Trio, el quinteto de metales Spanish Brass, el Coro Brouwer, la pianista Noelia Rodiles y la Camerata Gala, que, junto a Miguel Colom, pondrán el broche de oro a este festival el día 16 de mayo.

El directo de Fito & Fitipaldis arrancó este viernes la temporada de conciertos en la plaza de toros de Córdoba, donde la banda había agotado las entradas. Más de dos años y medio después de sus últimos conciertos, la banda regresó a la capital cordobesa con su gira Aullidos tour que comenzó el pasado mes de febrero. El grupo repasó en su concierto los grandes éxitos de su trayectoria y presentará su nuevo álbum, ‘El monte de los aullidos’, ante sus más fieles seguidores.

El Califas Fest 2026 volverá a convertir la plaza de toros de Córdoba en uno de los principales escenarios de conciertos de Córdoba, con un cartel que incorpora a José Mercé, Santiago Auserón y Pitingo, según se ha anunciado este miércoles en la presentación oficial de la edición 2026.

El ciclo, organizado por Grupo Mundo, ya ha desvelado los nombres que forman su programación, que arranca este fin de semana con el concierto de Fito & Fitipaldis, y que seguirá este mismo mes con un espectáculo de Cantores de Híspalis. Desde junio a diciembre, pasarán por la plaza de toros Sidecars, Los Morancos, Luli Pampín, Antonio Orozco, Ara Malikian, Galván Real, Marta Santos, Camela, La Plazuela y El Kanka, además de propuestas tradicionales como la Zambomba de Jerez de María José Santiago.

Y es que este año, la principal novedad será que el festival se irá más allá de octubre y, a partir de noviembre, se instalará en la plaza de toros una gran carpa cubierta, diseñada para acoger conciertos y garantizar la continuidad de la programación independientemente de las condiciones meteorológicas.

La estructura contará con unas dimensiones de 28 metros de pórtico por 60 metros de profundidad, a las que se suman espacios anexos. Estará equipada con un sistema de climatización y soluciones acústicas específicas, mediante telas fonoabsorbentes, para optimizar la calidad del sonido en su interior.

Además, incluirá un suelo elevado que facilitará el drenaje en caso de lluvia, permitiendo la celebración de espectáculos incluso en condiciones adversas. La carpa tendrá un aforo aproximado de 2.500 personas, con una grada situada al fondo y el escenario en el extremo opuesto.

El director general de Grupo Mundo, Daniel Rodríguez, ha resaltado el impacto del Califas Fest en la economía local, con un retorno estimado en torno a 15 millones de euros anuales y la creación de unos 4.000 puestos de trabajo directos e indirectos.

Por su parte, el alcalde de Córdoba, José María Bellido, incidió en el efecto del Califas Fest sobre el turismo, destacando que contribuye a mejorar los datos de viajeros y pernoctaciones en meses tradicionalmente más complicados, como junio y julio. Lo ha dicho, a pesar de que este año solo hay dos conciertos programados por Grupo Mundo en junio entre los anunciados y de que el propio Rodríguez ha reconocido que por el momento no se plantean hacer más conciertos en el caluroso verano cordobés.

Bellido, en cualquier caso, ha defendido que este tipo de iniciativas sitúan a Córdoba dentro del circuito nacional de grandes ciclos musicales, contribuyendo además a la creación de empleo y al desarrollo de un turismo vinculado a experiencias culturales.

El Ayuntamiento de Lucena ha anunciado que el concierto de Delaossa, previsto para el próximo 10 de octubre a las 22:00 en la Plaza de Toros, pondrá el broche final al F’Estival Lucena 2026, una iniciativa impulsada por la Delegación de Fiestas y Cultura que vuelve a apostar por una programación variada y dirigida a todos los públicos.

Con la publicación de su último álbum 'La Madrugá', que da nombre a su actual gira, el artista Delaossa, natural del barrio de El Palo (Málaga), se ha consolidado como una de las voces más destacadas del panorama musical en España, con millones de oyentes mensuales y temas que han alcanzando gran popularidad como Veneno, La Placita o Still Luvin, una de las canciones más escuchadas en España durante el año 2025, lo que le ha situado como uno de los referentes actuales de la música urbana en España, llenando recintos de gran formato como el Movistar Arena de Madrid.

Durante su presentación, la concejala de Fiestas, Araceli Rodríguez, ha señalado que “hoy venimos a cerrar este F’Estival Lucena 2026, un programa que iniciamos hace dos años con el objetivo de abarcar al mayor número de público posible”. En este sentido, ha destacado el trabajo conjunto con la Delegación de Cultura para configurar “un cartel amplio y de gran nivel”, subrayando que la incorporación de Delaossa responde al compromiso de “dar cabida también al público juvenil, sumándose a otros espectáculos dirigidos a diferentes edades”.

La programación, al detalle

Creado en el año 2024, el F’Estival Lucena se se ha consolidado como una agenda de conciertos y espectáculos de gran formato que, desde su inicio, ha tenido una gran acogida, cumpliendo su objetivo de ofrecer una programación diversa durante los meses estivales, capaz de atraer a públicos de todas las edades y situar a Lucena en el circuito de grandes eventos.

En esta edición, el F’Estival Lucena arrancará el 22 de mayo con Paco Candela (22:00, Plaza de Toros) y continuará el 12 de junio con Vanesa Martín (22:00, Plaza de Toros), mientras que el 26 de junio, el Auditorio Municipal acogerá el concierto de Marta Sánchez, Chenoa y Las Migas (22:00). 

En julio, el día 10 se celebrará Carnavaluc (22:00, Plaza de Toros), seguido del espectáculo de humor Aguilera y Mení el 30 de julio (22:00, Plaza de Toros), el tributo a Las Guerreras K-Pop el 31 de julio (22:00, Plaza de Toros) y la fiesta de La Flamenca el 1 de agosto (20:00, Plaza de Toros), cerrándose el 10 de octubre con Delaossa (22:00, Plaza de Toros).

El grupo madrileño Mamá Ladilla regresa a Córdoba para ofrecer un concierto el próximo sábado 11 de abril de 2026. La cita tendrá lugar en la sala Ambigú Axerquía, con apertura de puertas a las 21:00.

La banda aprovechará su paso por el Ambigú para presentar su nuevo trabajo de estudio, Molestar general, un álbum que suma 13 nuevos temas a su ya extensa discografía. Fieles a su estilo irreverente y provocador, Mamá Ladilla promete un directo enérgico en el que combinarán sus nuevas canciones con clásicos de su repertorio, siempre en constante renovación.

Con más de 30 años de trayectoria ininterrumpida, el grupo continúa consolidando su lugar dentro del rock alternativo español, manteniendo su capacidad de conectar con distintas generaciones de público. Este nuevo lanzamiento marca otro hito en su carrera, en un 2026 que verá el “tropecentésimo” alumbramiento discográfico de la formación.

Las entradas anticipadas tienen un precio de 17 euros más gastos de gestión, mientras que en taquilla costarán 20 euros. También pueden adquirirse físicamente en Discos Vitalogy, 4Elements y Bar Barbaridad, además de la plataforma Entradium.

El cantautor sevillano Chencho Fernández ofrecerá un concierto acústico en Amapola Bar el próximo viernes 10 de abril, en una nueva edición de las noches de El Colectivo, una asociación creada con el objetivo de dar visibilidad a la escena musical local cordobesa, y acercar a esta grupos nacionales e internacionales del circuito Underground.

Nacido en Sevilla en 1972, Chencho Fernández se ha consolidado como una de las voces más singulares del panorama musical español. Su propuesta artística, que fusiona poesía, rock y chanson, destaca por una fuerte influencia de la tradición andaluza y una marcada sensibilidad cultural. A lo largo de su trayectoria, ha sido definido como un “Dylan sureño” o un “bardo de la chanson andaluza”, gracias a su capacidad para construir relatos personales con una profunda carga literaria y referencias al cine y la cultura pop.

El artista inició su carrera en la escena independiente sevillana formando parte de bandas como Sick Buzos y Las Muñecas de la Calle Feria, antes de emprender su camino en solitario. Su disco Dadá Estuvo Aquí (2015) fue ampliamente reconocido por la crítica, llegando a ser considerado el mejor del año por MondoSonoro en su edición sur. Posteriormente, Baladas de Plata (2020) reforzó su prestigio, situándose entre los trabajos más destacados del año para medios especializados como Muzikalia.

Su último álbum, Meridiano de Greenwich (2024), ha sido descrito como un trabajo luminoso y maduro, consolidando definitivamente a Fernández como una figura esencial dentro de la canción de autor contemporánea en España.

El concierto en Córdoba tendrá lugar en Amapola Bar, con apertura de puertas a las 21:00 horas y comienzo previsto a las 21:30. Las entradas pueden adquirirse de forma anticipada por 10 euros o en taquilla por 12 euros. Las personas interesadas pueden comprar sus entradas de forma anticipada a través de la plataforma Entradium.

La Fundación Ricardo Delgado Vizcaíno, entidad cultural de Covap, organiza un año más Pianos en la calle, una iniciativa consolidada desde 2016 que acerca la música a la ciudadanía y transforma los espacios públicos en lugares de encuentro cultural, concretamente en la capital y varios municipios de Los Pedroches y el Guadiato, en el norte de la provincia cordobesa.

Según destacan desde la fundación, la actividad comenzará el miércoles 8 de abril, de 10:00 a 19:00, con la instalación de pianos en distintos enclaves de Hinojosa del Duque (Plaza de la Catedral); Dos Torres (Plaza de la Villa); Pedroche (Plaza de las 7 Villas), y Peñarroya-Pueblonuevo (Plaza de Santa Bárbara), donde vecinos y visitantes podrán disfrutar de la música en directo o incluso interpretar sus propias piezas.

El jueves 9 de abril, Pianos en la calle se desarrollará en Pozoblanco (Plaza de Santa Catalina y Paseo de Marcos Redondo) y Villanueva de Córdoba (Plaza de España), también entre las 10:00 y las 19:00. Ese mismo día, a las 20:00, el Teatro El Silo de Pozoblanco acogerá un concierto gratuito de piano a cargo del ganador del 70º Concurso Internacional de Música María Canals de Barcelona, Curtis Phil Hsu, una de las citas más relevantes del panorama pianístico internacional.

Y el viernes 10 de abril, la iniciativa llegará a Córdoba capital, donde varios pianos se ubicarán en puntos emblemáticos del centro urbano --Patio de los Naranjos, Plaza de las Tendillas, Bulevar del Gran Capitán y Calle Cruz Conde, frente al d'Tapas Covap-- invitando a la participación espontánea del público. Como broche final, a las 20:00, la Plaza de las Tendillas acogerá la actuación del pianista Alberto de Paz, poniendo el cierre a tres jornadas en las que la música se integra en la vida cotidiana de la ciudad.

Al respecto, Pianos en la calle cuenta con la colaboración de la Asociación del Concurso María Canals de Barcelona y del Conservatorio Profesional de Música Marcos Redondo de Pozoblanco. A través de esta iniciativa, la Fundación Ricardo Delgado Vizcaíno reafirma su compromiso con la difusión de la cultura, favoreciendo el acceso a la música y fomentando la participación activa de la ciudadanía.

Todos los pianos estarán a disposición de músicos profesionales, estudiantes y aficionados, generando un espacio abierto de convivencia, aprendizaje y expresión artística en pleno entorno urbano.

Una noche en Bruselas

Chequead a esta chica

Jeff Mills

Fue algo fortuito y no planeado. Un gesto mínimo y accidental. Jeff Mills, una de las figuras más importantes de la historia del techno se acerca a la dj que le precede en la cabina del FUSE, en Bruselas, y le pide un favor: que le deje sus auriculares para pinchar cuando tenga que sucederla al frente del club. Ella accede, sin dudarlo, y sin darle más importancia, a pesar de quién es la persona que le está pidiendo el favor.

Mills se retira, pero, a causa de algo -una intuición, un pálpito-, en vez de marcharse al camerino, se queda un rato a escuchar a esa chica de pelo y ojos negros que está construyendo una escultura de sonido a partir de tensión continua y temas que, aunque inequívocamente contemporáneos, se acoplan uno sobre otro de una manera casi artesanal. Old school. Ni Jeff Mills ni aquella chica lo saben, pero se volverán a cruzar más adelante en otras cabinas y compartirán algo más que los auriculares.

El barrio como punto de partida

Aquella chica era y es BLANKA (Córdoba, 1996). Es la misma que el pasado 14 de marzo pinchó cuatro horas en Berghain -la discoteca cuyo nombre ha inspirado uno de los temas más celebrados del último disco de Rosalía y que pasa por ser la catedral del techno a nivel mundial-. Unos días después de ese pequeño gran hito (no era la primera vez, pero Berghain siempre es especial para cualquier dj), atiende a Cordópolis. Lo hace desde Berlín, donde lleva unos años afincada tras pasar, en orden inverso, por Barcelona, Ibiza y Milán.

Pero antes de todo eso, la chica, que atiende por videollamada y se excusa porque anda resfriada, era sencillamente una niña del barrio de Cañero, una zona obrera residencial ubicada en la parte este de la capital cordobesa. Cuando habla de su origen, no hay épica ni voluntad de mitificación. “Mi familia es muy humilde, muy normal, muy humana”, dice la dj, productora y gestora del sello Room Trax, que arranca la entrevista hablando precisamente de su ciudad natal, en la que, paradójicamente, nunca ha pinchado.

Su infancia —cuenta— fue “bonita y corriente”, marcada por la cercanía familiar y por una libertad poco ruidosa, pero decisiva. Nadie le dijo qué estudiar, qué hacer, hacia dónde dirigirse. Esa ausencia de mandato, en lugar de convertirse en vacío, funcionó como espacio de posibilidad. “Creo que en mi personalidad sí que influye mucho cómo me han criado, la verdad. Pero Córdoba ha sido importante más a nivel cultural; no diría que tanto en lo que a la música electrónica se refiere”, reflexiona, pensando en aquella joven de barrio que, con 18 años, sin tener todavía contacto alguno con la música electrónica, se marchó a Milán.

Lo hizo sin hablar el idioma y con la intención de abrirse camino como modelo. Es, en cierto modo, un movimiento clásico —la salida, la ciudad extranjera, la precariedad inicial—, pero en su caso adquiere una dimensión formativa que va más allá de lo profesional. “Fue una experiencia muy fuerte a nivel personal. A mí me encanta la moda, me sigue encantando”, recuerda. Más que un destino, Milán fue una prueba: aprender a sostenerse, a decidir sola, a medir el riesgo.

De la pasarela a la pista de baile

La música todavía no ocupa el centro, pero empieza a filtrarse. En Milán y, sobre todo, en Ibiza —donde pasa temporadas de verano— descubre la electrónica desde el lugar más primario: la pista de baile. Allí es donde está el drop personal de BLANKA: “A mí me encanta salir a bailar y a escuchar música. En aquel momento, lo mío fue amor a primera vista con el house. Y es una música que me sigue encantando, porque yo no escucho solo techno, sería todo muy aburrido si te limitas a un único estilo”, apunta, antes de citar las que fueron sus primeras influencias: Ricardo Villalobos o Jamie Jones, djs y músicos más cercanos al un estilo híbrido entre el techno y el house, y que dominaron la escena ibicenca y berlinesa entre 2010 y la pandemia.

Más o menos por aquella época conoce a Alexis (conocido artísticamente con Angioma), con quien ha mantenido una relación personal y profesional que todavía sigue viva con el sello Room Trax, que ambos capitanean. Es con Angioma con quien se muda a Barcelona, una ciudad que también introduce un cambio de escala, puesto que es justo allí donde, en los años previos a la pandemia, aprende a pinchar, estudia producción, se familiariza con las herramientas y, sobre todo, empieza a entender la música no solo como consumo, sino como construcción de una personalidad propia.

Y todo ello, partiendo de una negación que hoy es difícil de sostener: “Yo nunca dije que quería ser dj, simplemente pasó”. Y eso pasó en Barcelona. “Allí se me abrieron un montón de puertas. Lo que pasa es que yo creo que, en España, a veces tienes que salir fuera para que te respeten”, cuenta la dj y productora, que, además de en su propio sello, ha publicado en otros del prestigio del histórico Soma Records, de Slam. Así que se muda de nuevo. Esta vez a dónde suele ir quién ambiciona hacer carrera en la música electrónica.

Berlín: año cero

El traslado a Berlín supone un nuevo desplazamiento, esta vez hacia el núcleo duro de la electrónica europea. Allí, donde el techno funciona casi como un idioma oficial, BLANKA encuentra un contexto más exigente y, al mismo tiempo, más permeable a trayectorias no convencionales. Aunque BLANKA insiste en que su camino hacia el lugar que ocupa ahora mismo depende de muchos factores que van más allá de la ecuación de talento + trabajo: “En esta industria, depende de la suerte que tengas, de a quién conozcas, de cómo te muevas. O sea, yo creo que he tenido mucha suerte al venir a Berlín y conocer a la gente que he conocido. Y en cómo me he movido, en cómo es mi personalidad. Yo creo que eso ha hecho mucho. He sabido decir que no y eso, al final, me ha reforzado”.

La traducción de esa suerte puede impresionar a quien conozca un poco el circuito: en apenas unos años ha pasado de pinchar en Barcelona por 150 euros y a hacerlo en instituciones globales como Berghain y Tresor en Berlín, Fabrik en Madrid, Elysia Basel, Radion, Bret y Lofi en Ámsterdam, KHIDI Tbilisi, Fuse Bruselas, FOLD London y el Garbicz Festival, entre muchos otros, además de grabar un Boiler Room, publicado en febrero de este año, y con el que sorprendió a propios y extraños apostando por un sonido algo diferente al que venía mostrando, aunque marcado por su principal seña de identidad: la capacidad de generar una tensión constante que atraviesa todos sus sets.

A veces, todo va tan rápido que no tienes tiempo ni para procesarlo

Esa idea de adaptación recorre todo su discurso. Para BLANKA, el dj no es un ejecutor de dogmas sonoros, sino un lector de situaciones. “No puedes pinchar lo mismo en Berghain que en un festival. Quien no se adapta, no sé, no me parece un buen dj”, afirma.

PREGUNTA. ¿Prefieres pinchar en el club o en el festival?

RESPUESTA. Me encantan las dos cosas. Me encanta un festival porque puede ser algo más alegre, divertido, más playful, como menos serio y algo como más atrevido, diría. Y me encanta porque puedes pinchar temas que jamás pincharía en un club. Porque el club puede ser algo súper íntimo, más deep, más suave, más propenso a poder contar una historia, que es algo que a mí me encanta. Y sí creo que, cuando hago eso, es cuando más me siento yo misma. Me encantan las dos cosas, la verdad. Creo que es precioso conectar con el público de forma íntima, pero también es súper divertido pinchar delante de 10.000 personas.

P. ¿Se te pasaba por la cabeza algo así cuando empezabas?

R. Nunca lo hubiese pensado. Ni pinchar en un festival así, ni pinchar en Berghain. Vamos, que me lo llegas a decir, cuando yo venía aquí de turista y parece de broma. Pero es que, a veces, es una escena en la que va tan rápido todo que no tienes tiempo ni para procesarlo. Cuando pasa una semana, veo alguna historia o video y todavía me sorprendo. No sé, es una cosa muy rara. Es un fin de semana, otro, otro y otro. Y obviamente hay mucha competencia también.

P. ¿Cómo has vivido esa explosión en tan poco tiempo?

R. Es una... O sea, siento que esta es una escena cañera. Tienes que estar ahí. O lo tomas o lo dejas. Tienes que adaptarte a cómo va este mundo o esta escena y te puedo asegurar que va rápido, y que siento que, si te quedas estancado, te quedas atrás. Así que, si de verdad quieres formar parte de ello, tienes que adaptarte a como va. Todo avanza, todo cambia en la vida, en la música, en la escena... O te adaptas o te quejas.

De Room Trax a Liquid Room: un puente intergeneracional

Tú le preguntas a gente joven quién es Jeff Mills y muchos no lo conocen

La vida de BLANKA se mueve, por tanto, a 145 beats por minuto, que es más o menos el rango de velocidad a la que pincha. Techno rápido, duro y profundo, y una forma de mezclar muy ortodoxa, casi noventera, aunque su instrumento sean los reproductores digitales y no los Technics y los vinilos. Eso es lo que le gustó a Jeff Mills cuando la vio aquella noche en el Fuse de Bruselas. Aunque la dj cordobesa no se enteró de la importancia de aquel encuentro hasta tiempo después.

Fue por esa red informal en la que se mueve la escena. Fue la propia agente de Mills quien, tiempo después, le trasladó el comentario que le había dicho el productor de Detroit aquella noche en Bruselas. “Me dijo: que sepas que esa vez, cuando tú pinchaste por primera vez con Jeff, me comentó: 'Chequea esta chica, me ha encantado todo lo que hace. Va a llegar lejos'”. Para BLANKA, ese momento no fue una consagración inmediata; casi lo acogió con extrañeza. Fue la constatación de que alguien situado en otro plano —un artista casi mítico dentro del techno— había reparado en su trabajo.

“Es verdad que no me lo podía creer”, cuenta la dj y productora sobre el que luego se ha convertido en una especie de padrino para ella, colocándola en un lugar muy interesante: un puente entre generaciones. Lo explica de la siguiente manera: “Yo tengo la suerte de que me respete gente mayor, como puede ser Jeff, y también la gente joven. Y digo suerte porque siento que hay dos escenas que me apoyan. Pero, por ejemplo, tú le preguntas a la gente joven quién es Jeff Mills y muchos no lo conocen. Porque hay mucha gente que solo conoce el hard techno o los djs grandes. Pero vaya, que con Jeff, a veces no entiendo este hombre cómo me quiere tanto”.

Tanto como para que una figura tan esquiva, reservada y exigente la haya escogido precisamente a ella para acompañarle en varias fechas de la gira de celebración del 30 aniversario de su legendario set en el club Liquid Room de Tokyo en 1995. Era un regalo envenenado y, de hecho, inicialmente BLANKA rehusó la propuesta para, finalmente, aceptar involucrarse en ella como un tremendo reto personal y profesional. “Ha sido de lo más estresante, pero también de lo que más orgullosa, me ha hecho sentir”, especifica la artista, que reconoce que, en estos años, ha tenido que empezar a convivir con una enorme presión en un entorno que ha cambiado radicalmente -y no precisamente a mejor- desde la pandemia.

Redes sociales, hipersexualización y juicios constantes

BLANKA se queja de que hoy es más sencillo triunfar a partir de un vídeo en Tik Tok que teniendo un discurso trabajadísimo. Y que eso, además, tiene un reverso oscuro: la exposición en redes sociales y la necesidad de estár constantemente generando contenido. “Siento que se ha perdido un poco el interés en indagar. Ahora todo el mundo se llama a sí mismo dj, cuando esto no es una etiqueta, sino un trabajo en el que tienes que ganar desde la experiencia. Yo desde luego todavía sigo aprendiendo musicalmente, pinchando, haciendo música. Y desde luego, siento que me lo he currado para llegar a donde he llegado”, indica.

El reconocimiento que ha logrado, de hecho, no disuelve las tensiones. Al contrario, las hace más visibles. La velocidad a la que se mueve la escena electrónica contemporánea —marcada por la hiperexposición, los viajes constantes y la presión de las redes sociales— deja poco espacio para la pausa. BLANKA, que desde hace tiempo ha abrazado la sobriedad, cuenta que, en más de una ocasión, se ve obligada a borrar Instagram del móvil para poder desconectar. Pero que nunca dura demasiado, pues tiene que estar allí por temas laborales, aunque eso implique estar expuesta a juicios constantes sobre su valía.

La artista reconoce que existe una paradoja: hoy, artistas como Peggy Gou, Nina Kraviz, Helena Hauff o Avalon Emerson han logrado llegar hasta la zona más brillante de los carteles de clubs y festivales -algo que, hasta hace una década no era nada común- y, al mismo tiempo, el hate contra ellas se ha intensificado al máximo: “A las mujeres se nos juzga por todo en esta industria. Tú ves mis redes sociales y me juzgan constantemente. Y me han juzgado porque soy mona, porque visto bien... Te juzgan por todo: cómo vistes, cómo bailas, cómo tocas el vinilo, me han dicho que los temas me los hace mi novio... Me han llegado a criticar porque tenía abdominales, que ahí llegué a responderle: ¿Eso se lo dirías a un hombre?”.

¿Tienes que ser fea y vestir mal para que te respeten?

Con esos casos que ha vivido, expone la realidad que hay detrás de una etapa muy bonita, en la que muchas mujeres han llegado a lo más alto en un mundo tradicionalmente masculinizado como ha sido el de la música electrónica, pero en el que, a su juicio, la igualdad plena ni se ha alcanzado ni está cerca. Y pone como ejemplo a Nina Kraviz: “A Nina la han sexualizado y tiene muchos haters. Y es una artista increíble, con un conocimiento enorme de música, su propio sello, pincha lo que le da la gana... Y aun así la juzgan porque es guapa y sexy. ¿Qué pasa, que no puedes hacerlo todo? ¿Tienes que ser fea y vestir mal para que te respeten? ¿Por qué?”.

La pregunta se queda flotando y al final es ella la que la responde: “Al final tienes que demostrar más siendo mujer. A un hombre se le permite mucho más”.

La sesión de Google Meet lanza el aviso de que se agota el tiempo. Queda lo justo para preguntarle cómo se siente en este punto exacto de su carrera. Lo medita y responde: “Ahora, con casi 30 años, confío más en mí. Cuantos más años, más poderosa te sientes. Y es por las experiencias. No es lo mismo tener 20 años que 29. Ahora llego y digo: ”Esto soy yo“. Miro a la gente. Es la vida, las experiencias personales y musicales. Y siento que, poco a poco, estoy llegando a donde estoy. Y estoy muy agradecida. Me están pasando cosas muy bonitas, estoy conociendo gente muy bonita. Estoy muy contenta con mi carrera, pero sueño lejos. Quiero llegar lejos. Todavía no he llegado a todo lo que quiero hacer”.

La magia del cine de animación cobrará vida en Córdoba el próximo 6 de junio con la llegada de Toon Story, el nuevo espectáculo de la Film Symphony Orchestra (FSO). La cita tendrá lugar a las 21:30 en el Teatro de la Axerquía.

Toon Story se presenta como un evento singular entre la cultura cordobesa. El programa invita al público a revivir la magia de clásicos como Aladdín, Pocahontas y La Bella y la Bestia, con la nostalgia de títulos como El Rey León, Toy Story y Shrek, y además con los éxitos contemporáneos como Cómo entrenar a tu dragón, Kung Fu Panda o La princesa Mononoke.

“Un espectáculo para emocionarse en familia. No es solo un concierto: es una experiencia audiovisual inmersiva para reír, cantar y emocionarse”, explica la organización.

La producción destaca por una puesta en escena notable que contará con más de 70 artistas en directo. El conjunto de músicos y cantantes estará bajo la batuta del director Constantino Martínez-Orts, encargado de liderar este recorrido musical por la historia del cine animado. Para quienes deseen asistir a este evento en la capital cordobesa, las entradas ya se encuentran disponibles con precios que oscilan entre los 30 y los 55 euros.

Cuenta Juan Miguel Moreno Calderón que el nuevo libro que ha publicado Los pianistas que dejaron huella, nace tanto como homenaje a una época dorada, como en respuesta a un presente difuso, en el que, aunque tengamos acceso a toda la información en nuestra mano, a menudo desconocemos el pasado. Eso venía atisbando entre los intérpretes jóvenes y estudiantes del Conservatorio este catedrático de piano, que también es el coordinador general de Políticas Culturales del Ayuntamiento de Córdoba.

Aunque hoy toca aparcar la política para hablar de Los pianistas que dejaron huella, un recorrido apasionado y riguroso por el pianismo del siglo XX, algo así como la época dorada, rescatando a 42 intérpretes que transformaron para siempre la manera de entender el instrumento y la soledad del escenario. El libro, publicado por Berenice (integrada en el grupo Almuzara) a finales de 2025, combina memoria personal, vocación pedagógica y un profundo respeto por la tradición interpretativa.

Es una lectura amena, a medio camino entre el ensayo divulgativo y el homenaje, y en la que ya estaba inmerso cuando retomó su rol político en el Ayuntamiento. Se le ve satisfecho con ella: Moreno Calderón cuenta que ha intentado conectar la historia del pianismo moderno y reivindicar figuras esenciales cuya influencia sigue resonando hoy. Y ha escrito el libro que le gustaría haber leído a él cuando era un joven ávido de saberes pianísticos y no existían esos dispositivos que, a golpe de dedo, daban acceso a más conocimiento del que uno puede absorber.

No soy un destructor de mitos: el morbo distrae del verdadero legado musical

PREGUNTA. ¿Dónde nace la necesidad vital de escribir este libro sobre los grandes pianistas del siglo XX?

RESPUESTA. Nace de un componente personal inmenso y de mi propia historia. Tuve la suerte de nacer en una familia donde la música clásica estaba muy presente; mi madre era profesora y mi padre, aunque era funcionario y abogado, era un gran melómano. Desde muy pequeño crecí escuchando a Maria Callas y discos de 78 revoluciones, por lo que para mí estos pianistas son presencias familiares que me han acompañado toda mi vida. Además, como profesor en el conservatorio, sentí una enorme necesidad de transmitir esta pasión a las nuevas generaciones. Me causaba cierto estupor ver a jóvenes que llevaban doce años estudiando piano y que hoy te hablan de Lang Lang, pero desconocen por completo quiénes fueron Alfred Cortot o Artur Schnabel. Porque la cosa es que aunque vivimos en la sociedad del conocimiento, paradójicamente nos quedamos en la superficie. Y este libro es un acto de amor a la música, pero también de rebeldía ante el olvido, buscando que los más jóvenes se sumerjan en un siglo entero de fonografía.

P. El libro de Harold C. Schonberg fue un referente para ti en el pasado. ¿Buscabas llenar un vacío similar en la literatura musical actual en español?

R. Totalmente. Yo recuerdo que en mi juventud devoraba revistas, discos y cualquier información que pudiera nutrirme. El libro de Schonberg, cuya versión original es de 1967 aunque llegó a España traducido a finales de los 80, me impresionó muchísimo porque me permitió conocer a los intérpretes más allá de sus grabaciones. En español no existía un libro de esta naturaleza centrado exclusivamente en los pianistas del siglo XX. Hay textos parecidos en francés o la obra del italiano Piero Rattalino, pero hacía falta algo así en nuestro idioma para divulgar esta cultura.

P. Seleccionar a los protagonistas debe haber sido una tarea titánica. ¿Cómo decidiste quién entraba y quién se quedaba fuera?

R. Fue verdaderamente un sufrimiento, porque el límite me lo marcó la editorial en 400 páginas. Aunque, a decir verdad, aunque me hubiera gustado llegar a 600, aún así me habría quedado corto. Al final, he seleccionado a 42 pianistas basándome también en un componente personal y subjetivo, abarcando distintas nacionalidades y estilos, pero sí centrado en una etapa histórica concreta como es el siglo XX. Buscaba equilibrar generaciones, desde los nacidos en los años 20 hasta la extraordinaria generación de los años 40, que es verdaderamente irrepetible e incluye a monstruos como Daniel Barenboim, Maurizio Pollini, Radu Lupu, Martha Argerich y Murray Perahia.

P. Con esa selección, por tanto: ¿A qué ha sonado el siglo XX en lo que a pianismo se refiere?

R. El siglo XIX fue el siglo de oro del piano impulsado por la burguesía y coronado por la gran tradición romántica de Liszt, donde las funciones del compositor y del intérprete no estaban separadas. El siglo XX, sin embargo, es el de la dispersión estilística, el surgimiento de las grandes escuelas estadounidense y soviética, y la especialización definitiva del intérprete. Fundamentalmente, el sonido del siglo XX es el paso de la subjetividad romántica al objetivismo filológico y el respeto absoluto a la partitura. Si escuchas a Ignacy Jan Paderewski, notarás que toca la pieza a su propia manera romántica; Arthur Rubinstein marcaría luego el canon de la modernidad equilibrada, y finalmente Maurizio Pollini representaría el máximo respeto al texto del compositor por encima del ego del intérprete. Hoy en día, en cualquier concurso internacional, salir a tocar con las libertades licenciosas del siglo XIX supondría ser desautorizado de inmediato.

Este libro es un acto de amor a la música, pero también de rebeldía ante el olvido

P. La personalidad de cada intérprete tiene un peso proverbial a lo largo del libro, que muestra que, aunque existan ciertas escuelas cerradas, cada intérprete que se convirtió en figura lo hizo por aportar una mirada propia.

R. Hay pianistas que aportaron visiones radicalmente distintas que desmitificaron las convenciones. Friedrich Gulda, por ejemplo, era un hombre en rebeldía que tocaba jazz, se negaba a vestir de frac y tocaba a Mozart a su manera, demostrando una inteligencia conceptual inmensa detrás de su aparente excentricidad. Luego está el caso de Glenn Gould, que fue un genio absoluto que revolucionó a Bach y retó todas las convenciones posibles. Mucha gente se queda con la anécdota de que tocaba en una silla bajita, destartalada, pero su genialidad era tal que, estando en la cresta de la ola, abandonó los conciertos en directo porque le molestaban los fallos y se encerró a grabar en un estudio. Fue tan único que, antes de interpretar a Brahms en Nueva York, el propio director Leonard Bernstein tuvo que advertir al público que los tiempos que iban a escuchar eran puramente una decisión del solista. También hay casos como el de Sokolov, fascinante por sus manías de no querer salir de Europa o su negativa a grabar discos, o la caída en desgracia de Ivo Pogorelich tras la muerte de su esposa y maestra.

P. ¿Hay alguna figura que te parezca que tiene una vida cinematrográfica?

R. Pues más allá de Glenn Gould, te diría que Barenboim tiene una dimensión en la historia de la música y la cultura de nuestro tiempo como muy pocas existen. No solo nos ha dejado cinco versiones grabadas de las sonatas de Beethoven y ha triunfado dirigiendo a Wagner en Bayreuth, sino que su valentía al programar a Wagner en Israel y su esfuerzo titánico por el diálogo palestino-israelí a través de la orquesta West-Eastern Divan junto a Edward Said, lo hacen, a mi jucio, merecedor del Premio Nobel de la Paz. A pesar de que cuenta con muchos detractores, el tiempo hará justicia y creo que, dentro de cincuenta años, será recordado sin duda como una de las figuras más colosales del pianismo internacional, a caballo entre los dos siglos.

Barenboim tiene una dimensión en la historia de la música y la cultura de nuestro tiempo como muy pocas existen

P. Has evitado deliberadamente el sensacionalismo o los aspectos escabrosos de las vidas privadas de estos artistas. ¿Por qué tomaste esta decisión, prefiriendo un enfoque casi laudatorio?

R. No soy un destructor de mitos y me parece que el morbo es una pequeñez que distrae de su verdadero legado musical. Solo he mencionado aspectos privados cuando han tenido un impacto directo en su carrera, como la trágica enfermedad mental de John Ogdon. Ya me pasó con la biografía de Rafael Orozco, donde preferí omitir que murió de SIDA porque en esa época tenía connotaciones negativas que empañaban su inmenso talento. Sí reflejo, por supuesto, circunstancias históricas insoslayables, como los pianistas que tuvieron que huir de la amenaza nazi o las terribles contradicciones, el férreo control y la falta de libertad que sufrieron los artistas bajo el régimen de la Unión Soviética. En general, mi acercamiento se basa en el respeto, el cariño y la profunda devoción.

P. ¿Algún pianista que te haya dolido mucho dejar fuera?

R. Me ha dolido en el alma dejar fuera a Evgeny Kissin, que nació en 1971 y es mi gran asignatura pendiente. Quizá podría haber un segundo volumen, pero ahora mismo estoy completamente absorbido por mi trabajo en el Ayuntamiento. El alcalde me ha nombrado comisario para preparar la Capitalidad Mediterránea de la Cultura y el Diálogo, y debo centrar mis esfuerzos ahí. Sin embargo, si tengo vida y el tiempo lo permite a medio plazo, me encantaría recuperar a los que no entraron.

P. Ya han pasado algunos meses desde su publicación, ¿cómo ha sido la acogida de la obra entre la crítica y el público?

R. Estoy tremendamente feliz porque ha habido reseñas en varios medios nacionales y todas han sido muy laudatorias, destacando la enorme falta que hacía un libro así en España e incluso sugiriendo su traducción al inglés. La única queja recurrente, achacable a los límites de edición, es que faltó incluir un índice onomástico al final para poder rastrear las múltiples veces que se cruzan los nombres de los artistas a lo largo de los capítulos.

Además, reconozco que una de las satisfacciones de este libro fue la presentación en Córdoba. Fue en el Salón Liceo del Círculo de la Amistad y fue un lleno absoluto, con gente que se quedó fuera. Además, fue importante porque escogimos presentarlo allí porque precisamente muchos de los pianistas biografiados en el libro tocaron allí en la época dorada de la Sociedad de Conciertos de Córdoba, en los años 50 y 60. Fue un gesto muy bonito. Por lo demás, el interés sigue vivo y pronto estaré presentando el libro y firmando ejemplares en ciudades como Málaga, Madrid o Sevilla.

El sonido del siglo XX es el paso de la subjetividad romántica al respeto absoluto a la partitura

El artista sevillano Nolasco hará parada en Córdoba dentro de su nueva gira para presentar su último trabajo discográfico, Henko. El concierto tendrá lugar el próximo 11 de abril, en el marco de una serie de actuaciones que también pasarán por ciudades como Sevilla o Madrid.

Con más de dos décadas de trayectoria y más de 1.200 conciertos a sus espaldas, Nolasco se ha mantenido entre las voces más personales del panorama musical andaluz. Su estilo fusiona flamenco, pop, rock y sonidos electrónicos, una mezcla que le ha permitido construir un sonido propio y conectar con distintas generaciones de público.

El artista es ampliamente conocido por temas como Las cosas pequeñitas, que lo catapultaron a la escena nacional, y por su constante evolución musical a lo largo de su discografía. En esta nueva etapa, llega con Henko, su noveno álbum, un proyecto que gira en torno al concepto de transformación personal. Además, recientemente ha logrado una gran acogida con su versión de Mi historia entre tus dedos, que ya supera los 4,1 millones de visualizaciones en YouTube, reafirmando su vigencia y conexión con el público.

La actuación del próximo mes de abril en Córdoba llegará después de que el artista protagonizara el último concierto extraordinario de la pasada Feria de Nuestra Señora de la Salud.

La promotora Riff Producciones, ubicada en Córdoba, ha vuelto a reafirmar su liderazgo en la industria musical española tras cerrar 2025 como la compañía con mayor volumen de entradas vendidas en el país. Con más de 800.000 tickets despachados y seis años consecutivos en lo más alto, la empresa se consolida como el actor dominante del directo en España, según los datos del último Anuario de la Música en Vivo.

Son datos muy notables, teniendo en cuenta el contexto: el 2025 fue un año clave para Riff Producciones, ya que era el primero tras haber sido adquirida, a finales de 2024, por Superstruct Entertainment, uno de los mayores grupos de entretenimiento en vivo a nivel mundial y parte, a su vez, del fondo KKR, denunciado por sus negocios de promoción inmobiliaria en los territorios ocupados ilegalmente por Israel en Palestina.

Y, mientras que esta vinculación le ha pasado factura a grandes festivales como Sónar, el FIB o el Viña Rock (algo que, paradójicamente, el Anuario de la Música en Vivo ni menciona), en el caso de Riff Producciones, no ha afectado para nada su cuenta de resultados. La promotora ha vuelto a liderar la venta de entradas de conciertos en España. Y ya van seis años seguidos. También fue el pasado ejercicio clave, en tanto a que estrenó un festival en la capital cordobesa: el Córdoba Live, una producción en la que iba de la mano de Concert Tour, otro gigante del sector.

Tres giras entre las diez más exitosas

En cualquier caso, los datos recogidos en el Anuario de la música en España son muy elocuentes: Riff volvió a estar detrás de al menos tres de las giras más exitosas de 2025 en España. La principal, la gira de despedida de Joaquín Sabina, en la que Riff actuó como coproductora junto a otras compañías, y que sumó un total de 383.633 entradas vendidas en 41 conciertos.

A esta se suma la gira de Manuel Carrasco, gestionada directamente por la promotora, que alcanzó las 367.256 entradas en 31 conciertos, convirtiéndose en uno de los grandes fenómenos de público del año. Asimismo, Riff también participó como coproductora en la gira del artista Cano, que reunió a 75.352 asistentes en 8 conciertos, reforzando su presencia en proyectos de distintos formatos y públicos.

En conjunto, estas giras suman más de 826.000 entradas vendidas, cifra que refleja el peso específico de la compañía en el volumen total del mercado nacional y explica su posición de liderazgo en el ranking de promotores.

De hecho, el anuario no contabiliza las entradas que la promotora ha vendido en los festivales que organiza, como el Córdoba Live, el Festival de Blues de Cazorla, Músicos en la naturaleza (Ávila) o las Noches de la Maestranza en Sevilla, entre otros, por lo que la suma total seguramente se acerque o supere el millón de tickets.

Riff Producciones, fundada por Carlos Espinosa y Chris Ortiz en 1994, ha alcanzado logros notables en las últimas décadas, organizando algunas de las giras nacionales e internacionales más importantes de artistas de renombre. Es una de las empresas más dinámicas del panorama nacional, ya que actúa como empresa de management y booking, promotora de artistas nacionales e internacionales además de promotora de eventos en países como EE.UU., Mexico, Reino Unido, y la mayoría de países de Hispanoamérica y europeos.

La Diputación de Córdoba, a través de su Delegación de Cultura, vuelve a poner en marcha la Convocatoria de Ayudas Económicas a las Bandas de Música, Agrupaciones Musicales y Bandas de Cornetas y Tambores de Córdoba y provincia, una iniciativa a la que se destinan 400.000 euros y que busca apoyar la actividad de “un elemento esencial en la vida cultural y educativa de nuestros municipios”.

Así lo ha explicado el máximo representante de la institución, Salvador Fuentes, quien ha señalado que “las bandas de música forman parte del patrimonio cultural cordobés y tienen que estar bien dotadas para realizar un trabajo que es impagable”, motivo por el cual se lanzan “estas ayudas para la adquisición de instrumentos musicales, adquisición o reparación de indumentaria y adquisición de material musical”.

“Las bandas necesitan de apoyo e impulso y que el mundo cofrade reconozca su labor y las contrate” y hay que “tener muy presentes a las 130 bandas que hay en la provincia de Córdoba y que acompañan en los desfiles procesionales”, ha manifestado el presidente de la Diputación de Córdoba.

Salvador Fuentes ha subrayado, además, “el valor social y formativo de estas entidades, agentes dinamizadores del tejido cultural de los pueblos y espacios de participación, formación y convivencia intergeneracional”.

Tal y como recogen las bases de la convocatoria, publicadas en el BOP del 27 de marzo, podrán solicitar las ayudas los ayuntamientos y entidades locales autónomas de la provincia (incluida la capital) que tengan adscritas o vinculadas formaciones musicales; las federaciones, asociaciones, agrupaciones y otras entidades de naturaleza similar que integren cofradías o hermandades y tengan formaciones musicales adscritas y, por último, las formaciones registradas como bandas de música, agrupaciones musicales y bandas de cornetas y tambores legalmente constituidas como entidades privadas sin ánimo de lucro.

Se podrán presentar para su financiación proyectos realizados o por realizar en el periodo comprendido entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2026 y, en su caso, hasta los tres meses siguientes a la publicación de la resolución definitiva. Las ayudas se podrán destinar a la adquisición y reparación de instrumentos musicales, indumentaria (ropa, calzado o bordados, entre otros) o accesorios (baquetas, cañas, boquillas, partituras o atriles, entre otros).

Por el conterio, quedan excluidos los gastos generales de funcionamiento (como alquileres o suministros), material inventariable no relacionado con la actividad musical o el IVA deducible.

La aportación de la Diputación no podrá superar los 5.000 euros por entidad ni el 80% del coste total del proyecto. La presentación de solicitudes se podrá hacer hasta el 21 de abril inclusive a través de la Sede Electrónica de la Diputación de Córdoba cumplimentando el formulario habilitado al efecto.

Sólo se admitirá una solicitud por entidad y no serán admitidas las solicitudes que se presenten fuera del plazo establecido en la convocatoria. Toda la información sobre la documentación a aportar se puede consultar en este enlace. En la convocatoria de 2025 obtuvieron ayudas un total de 110 agrupaciones musicales o bandas.

El programa familiar y musical 'La Voz Kids' ya prepara su nueva edición y ha puesto sus ojos en Córdoba para encontrar a las mejores voces infantiles y juveniles del momento. El concurso busca participantes con edades comprendidas entre los 7 y los 15 años -cumplidos en 2026- que deseen demostrar su talento sobre el escenario.

Esta nueva edición se presenta como un espacio abierto a todos los géneros y estilos musicales, aceptando tanto a voces solistas como a agrupaciones vocales, ya sean dúos, tríos, cuartetos o bandas.

Debido a la organización del concurso, el proceso de selección de los candidatos se llevará a cabo de forma online entre los meses de marzo y abril de 2026. Los aspirantes deberán enviar materiales audiovisuales que sirvan como carta de presentación de sus habilidades vocales para que el equipo de casting pueda valorar su potencial.

Para poder participar en el proceso, es imprescindible que los interesados queden inscritos a través del enlace oficial del programa o se pongan en contacto directo con Alejandra Requena mediante teléfono o la aplicación WhatsApp al número 619 839 669.

Un requisito legal indispensable es que la inscripción sea realizada por los padres o tutores legales, y se debe contar obligatoriamente con el consentimiento de ambos progenitores para que el menor pueda formar parte del casting.

La XVIII edición de los Premios MIN, organizados por la Unión Fonográfica Independiente (UFi), ha reunido un año más a la industria musical independiente para reivindicar el gran talento de la escena nacional. Una gala que se ha celebrado por primera vez en el Gran Teatro de Córdoba y que ha estado conducida por Tamara García y Masi Rodríguez, que derrocharon química sobre el escenario.

Por su parte, la presidenta de UFi, María Pellicer, se ha mostrado emocionada en la que ha sido su primera gala de Premios MIN en el cargo, resaltando que la música independiente es “una forma de creer en los proyectos, de acompañarlos, de darles tiempo y espacio para crecer sin renunciar a lo que uno es”.

Además, ha querido mandar un agradecimiento especial a quienes han hecho posible esta edición: Ayuntamiento de Córdoba - IMAE, patrocinadores, colaboradores y medios, así como la junta directiva de UFi y, sobre todo, a los artistas.

Los grandes ganadores de la noche

Carlos Ares y Valeria Castro han sido los más galardonados de esta edición, con tres estatuillas cada uno. Con La boca del lobo, el gallego se ha alzado con el Premio ONErpm a Álbum del Año y Premio AGEDI a Mejor Álbum de Pop, además de llevarse el Premio INGRESSE a Mejor Directo por su actuación en la Plaza del Trigo del Sonorama Ribera.

Y Valeria Castro ha sido reconocida con el Premio AIE a Mejor Artista, Premio MIN 2026 a Mejor Álbum de Música de Raíz por El cuerpo después de todo y Premio Radio 3 a Canción del Año por Tiene que ser más fácil.

Por su parte, Quique González ha recibido el Premio MIN 2026 a Mejor Álbum de Rock por su disco 1973, y Premio MIN 2026 a Mejor Letra Original por Terciopelo Azul.

El Premio MIN 2026 a Mejor Artista Emergente ha sido para Sanguijuelas del Guadiana; el Premio del Público se lo ha llevado Incendio, de Brock Ansiolitiko; y el Premio MERLIN a Mejor Artista Internacional lo ha ganado la legendaria banda Pulp.

Y este año, el Premio de Honor Mario Pacheco ha recaído en Ana Curra, una de las grandes referentes de la movida madrileña. Integrante de la mítica banda Parálisis Permanente, la artista cuenta con una trayectoria de más de cuatro décadas que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música en España. “Una artista imprescindible, valiente y profundamente influyente que ha marcado a otros y ha abierto caminos”, han destacado.

Completan la lista de ganadores Rocío Márquez y Pedro Rojas Ogáyar (Premio MIN 2026 a Mejor Álbum de Flamenco); Lia Kali (Premio MIN 2026 a Mejor Videoclip); Juicy Bae (Premio MIN 2026 a Mejor Grabación de Músicas Urbanas); GAZZI (Premio MIN 2026 a Mejor Grabación de Electrónica); Júlia Colom (Premio MIN 2026 a Mejor Álbum en Catalán); Merina Gris (Premio MIN 2026 a Mejor Álbum en Euskera); De Ninghures (Premio MIN 2026 a Mejor Álbum en Gallego); Baiuca e Izaro (Premio SAE Madrid a Mejor Producción Musical); Rufus F. Firefly (Premio Marilians a Mejor Diseño Gráfico); Pablo Martín Caminero y David Carpio (Premio Fundación SGAE a Mejor Álbum de Jazz); y Concerto 1700 (Premio MIN 2026 a Mejor Álbum de Clásica); 

Todo ello en una gala que se ha podido seguir en directo desde casa gracias al videostreaming en la web y en la app de Radio 3, así como en RTVE Play, y donde la música en vivo también fue protagonista con las actuaciones en directo de Rufus T. Firefly, Queralt Lahoz, Sanguijuelas del Guadiana, Çantamarta, Ruth, Vera Fauna y Las Rodes.

El apoyo que impulsa la música independiente

Los premios MIN son posibles gracias al compromiso de marcas e instituciones que, edición tras edición, hacen realidad esta celebración. Queremos dar un especial agradecimiento a nuestro patrocinador institucional IMAE - Ayuntamiento de Córdoba por acoger esta edición de los galardones; a los patrocinadores Ingresse y ONErpm; los colaboradores institucionales AGEDI, Fundación SGAE, AIE y Ministerio de Cultura; colaboradores como Merlin, SAE Madrid y Marilians. Radio 3 como medio oficial; Dod Magazine, Jenesaispop, eh!Universo, Mondosonoro y Muzikalia como medios colaboradores; y Sonqo como partner legal, podemos reunir a artistas, productores fonográficos y profesionales de la industria para reconocer y celebrar lo mejor de nuestra escena musical.

Su apoyo no solo impulsa a los artistas, sino que fortalece a toda la comunidad musical, dándole visibilidad y voz a quienes están transformando el panorama sonoro.

El Bulevar del Gran Capitán ha acogido este miércoles la alfombra roja previa a la gala de los Premios MIN, los galardones de la música independiente que concede la Unión Fonográfica Independiente (UFi) y que, por primera vez en su historia, se celebran en Andalucía.

Los MIN nacieron en 2009 con un objetivo claro: dar visibilidad y red de apoyo a una escena que llevaba años creciendo al margen de las grandes multinacionales. Por la alfombra roja han pasado decenas de artistas y músicos, antes de compartir una noche inolvidable en el Gran Teatro de Córdoba.

El cantautor gallego Andrés Suárez regresará a Córdoba el próximo 9 de abril para ofrecer un concierto en formato acústico en la Sala Impala. La cita forma parte de su nueva gira, titulada Lúa, con la que está recorriendo distintas ciudades españolas presentando su último trabajo discográfico.

Andrés Suárez, uno de los nombres más destacados de la canción de autor en España, vuelve a los escenarios con un espectáculo íntimo y cercano, en el que combina nuevas composiciones con algunos de los temas más reconocidos de su trayectoria. Su propuesta musical, caracterizada por letras personales y una conexión directa con el público, ha consolidado al artista como una de las voces más singulares del panorama nacional.

La gira Lúa toma nombre de su último álbum publicado el pasado 27 de febrero; un trabajo que refleja una etapa especialmente introspectiva en la carrera del músico gallego. En este nuevo repertorio, compuesto por 12 canciones, Suárez profundiza en su estilo emocional, apoyado en arreglos más desnudos que refuerzan el carácter acústico de sus directos.

Las entradas tienen un coste de 30,80 euros y también hay a la venta Meet And Greet por 62,80 euros para acceder a la prueba de sonido y tener un encuentro con el artista.