Córdoba vivirá un intenso fin de semana con el cierre del Festival de la Guitarra

El Festival de la Guitarra echará el cierre este fin de semana con cuatro conciertos de los que uno tiene colgado el cartel de No hay entradas. Este es el de Leo & Leo, el proyecto de Leonor Watling y Leo Sidran, y que podrá disfrutarse este viernes a las 20:30 en el Teatro Góngora. La noche continuará en La Axerquía a las 22:30 con el espectáculo Paco de Lucía Legacy un tributo al genio de la guitarra.

La jornada del sábado marcará el cierre oficial del Festival de la Guitarra con dos propuestas de gran calado artístico. El Gran Teatro acogerá a las 20:30 el homenaje a Blanca del Rey titulado La Reina Blanca, mientras que el Teatro de la Axerquía vibrará a las 22:30 con el 30 aniversario de Omega, protagonizado por Kiki Morente y Lagartija Nick.

Chayanne

Además de las citas del festival, la oferta musical del viernes se expande con el concierto de Chayanne en el Córdoba Live. El concierto forma parte del esperado Bailemos Otra Vez Tour 2026, una última oportunidad para volver a disfrutar en directo de uno de los artistas latinos más influyentes de las últimas décadas. Tras arrasar en su anterior gira, con entradas agotadas en cuestión de segundos, el artista puertorriqueño vuelve por la abrumadora demanda de un público que se quedó sin poder asistir a aquellos conciertos.

Cantajuego para el disfrute de los más pequeños

Los niños de la casa tienen este sábado una propuesta de ocio en El Arenal que triunfa generación tras generación: Cantajuego y su espectáculo Burbujas, una experiencia inmersiva que fusiona música, juego y color para invitar a las familias a un viaje inolvidable. Acompañados por personajes icónicos como Coco, Pepe, Buby y el Pajarito, los espectadores disfrutarán de un espectáculo lleno de risas y cariño, donde el mágico acto de hacer burbujas se convierte en el hilo conductor para explorar y gestionar las emociones de una manera divertida y pedagógica.

Flamenco

Y el flamenco ofrecerá varias citas durante este fin de semana. En primer lugar, la cuarta edición del Festival Flamenco Planneo se traslada este año al Parque del Flamenco con entrada libre hasta completar aforo (23:00). Presentado por la catedrática de Antropología Social Cristina Cruces, el festival acogerá las actuaciones de los cantaores Rafa del Calli y Reyes Carrasco, los guitarristas Álvaro Mora y Juanjo León, y los bailaores Manuel Liñán y Miriam Cuevas.

En segundo lugar, y dentro también del Córdoba Live, El Arenal (23:00) ofrecerá diversidad de géneros con el evento de música urbana y flamenco La Flamenca. Por último, el ciclo Al calor del flamenco comenzará este sábado (22:00) en la Posada del Potro con la cantaora Araceli Campillos y el tocaor Román Carmona.

Cine

Si quieres disfrutar de cine al aire libre, este finde tienes en Córdoba las siguientes propuestas: El maestro que prometió el mar (este viernes a las 22:00 en la plaza de Valdeolleros), Los Puentes de Madison (este viernes a las 22:30 en el Parque de la Asomadilla) y Minions y Monsters (viernes, sábado y domingo a partir de las 22:15 en el Coliseo de San Andrés)

Por otro lado, la Filmoteca de Andalucía proyectará, este viernes a las 20:30, De Hilde, con amor; y en este enlace puedes conocer qué ver en las salas de cine de Córdoba.

Teatro

El Palacio de Viana continuará este viernes con su ciclo de teatro. El testigo lo coge ahora Maroma Teatro, que presentará Nunca más, una adaptación de relatos de Edgar Alla Poe. Desde la sombra emergen cuatro criaturas: fuerzas invisibles que habitan lo más profundo del alma humana de Edgar Allan Poe. A través de ellas, el escenario se transforma por completo y la mente del espectador se convierte en territorio de lo inquietante.

Fundación SGAE, con la colaboración de La Madraza (Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada), pone en marcha la primera convocatoria del Premio SGAE Urban Gata Cattana 2026, con el objetivo de estimular, promover y reconocer la creación de las y los compositores menores de 30 años miembros de la Sociedad General de Autores y Editores en el marco del rap y la música urbana.

Concebido en homenaje a Gata Cattana -fallecida en marzo de 2017 a los 26 años-, figura esencial del género y su vinculación como forma expresiva, poética y política, este certamen valorará las obras inéditas presentadas no solo por su originalidad creativa o la calidad de las letras y la composición musical, sino por la coherencia que mantengan con los valores que representa la figura y la obra de la rapera, poetisa, politóloga y activista cordobesa. Las obras finalistas competirán por cuatro premios que tendrán una dotación total de 11.700 euros.

La recepción de obras permanecerá abierta hasta el 4 de septiembre (23,59 horas) y se enviarán vía telemática al buzón: mnietot@fundacionsgae.org con toda la información requerida en las bases. Se permite la inscripción de obras en coautoría y sin límite de duración.

Entre todas las obras presentadas, se seleccionarán cuatro composiciones finalistas que se interpretarán en directo en un concierto final que tendrá lugar el 30 de octubre de 2026 en la Universidad de Granada.

Cada autor o autora competirá por 11.700 euros repartidos en cuatro premios: un primer premio de 6.000 euros, un segundo premio de 3.000 euros, un tercer premio de 1.500 euros y un cuarto premio de 1.200 euros.

El artista sueco Jay-Jay Johansson, una de las voces más reconocibles del pop electrónico europeo de las últimas décadas, será uno de los grandes protagonistas de la edición 2026 de Noches Eclécticas de Viana, el ciclo de conciertos que volverá a convertir el Patio de Columnas del Palacio de Viana en un escenario para propuestas musicales de primer nivel.

Según el cartel anunciado por la organización, Johansson actuará el viernes 25 de septiembre, poniendo el broche final a un programa que también contará con Las Migas y Alice Wonder durante los dos viernes anteriores.

Con una trayectoria iniciada en los años noventa, Jay-Jay Johansson ha construido una carrera marcada por la elegancia de su voz, el jazz, la electrónica, el trip hop y el pop de autor. El músico sueco alcanzó reconocimiento internacional con discos como Whiskey (1996), Tattoo (1998) o Poison (2000), consolidándose como uno de los artistas europeos más personales de su generación. En sus trabajos más recientes (el último es Backstage, de hace apenas un año) ha mantenido esa mezcla de sofisticación sonora y melancolía que lo ha convertido en un habitual de los festivales y auditorios del continente.

El ciclo arrancará el 11 de septiembre con Las Migas, formación flamenca femenina distinguida con dos premios Grammy Latinos y convertida en una de las principales referencias de la fusión entre flamenco y músicas del mundo.

Una semana después, el 18 de septiembre, será el turno de Alice Wonder, una de las voces más destacadas del panorama nacional. La artista madrileña ha evolucionado desde el indie y el folk pop alternativo, hasta lograr ser una de las voces más personales de la escena musical española.

Los tres conciertos se celebrarán en el Patio de Columnas del Palacio de Viana, con inicio previsto a las 21.30 horas y apertura de puertas a las 21.00 horas. El precio de las entradas será de 15 euros, pudiéndose adquirir tanto en la web del Palacio de Viana como en las propias instalaciones.

La música del programa municipal Planneo llegará a Las Moreras. Así lo ha anunciado este martes la delegada de Juventud del Ayuntamiento de Córdoba, Cintia Bustos, que ha anunciado que los jardines Federica Montseny acogerán el próximo 24 de julio el Laudamos Festival, la tercera cita del programa Festivales de Planneo.

De hecho, esta salida del Quiosco de la Música es una de las novedades del programa, atendiendo a las peticiones que los jóvenes de los distritos habrían hecho al Ayuntamiento, logrando así que la actividad del Ayuntamiento “se descentralice a lo largo de todo el territorio municipal”. El festival contará con la actuación de Sión Ministros, un grupo cordobés de ocho componentes que busca utilizar sus letras como herramienta de cambio social. Samuel, integrante de la banda, ha agradecido la oportunidad de ofrecer conciertos donde lo primordial sea fomentar valores “y no ese estilo de música que nos están vendiendo con letras machistas y sexistas donde la mujer juega un papel de sumisa”.

Otro de los miembros del grupo ha enfatizado el carácter humano y cercano de Sión Ministros, destacando que el proyecto “nace también de la ilusión de dos familias”, compuestas por esposas, hijos y amigos con el objetivo de “rescatar valores” que consideran vitales frente a la “indiferencia hacia las personas mayores o la mujer”. E

Para garantizar que toda la juventud pueda disfrutar del evento, la Delegación de Juventud ha confirmado la disponibilidad de mochilas vibratorias para personas con discapacidad auditiva, que podrán solicitarse mediante reserva previa en la web oficial (juventud.cordoba.es) o a través de sus redes sociales.

El Laudamos Festival cierra un ciclo de conciertos en julio que incluye también una cita con el flamenco este viernes en el Parque del Flamenco y el festival Planeo Flama de música urbana el 17 de julio en la plaza de La Juventud.

El Instituto Municipal de las Artes Escénicas (IMAE) ha aprobado una resolución que declara que el festival Córdoba Live 2026 no está sujeto al pago de las tasas municipales por la ocupación del dominio público durante su celebración en el recinto ferial de El Arenal, entre el 19 de junio y el 18 de julio.

La decisión, publicada por el portavoz del Grupo Municipal Socialista Antonio Hurtado y facilitada a este periódico, se basa en que el IMAE defiende que existe una colaboración institucional y municipal con el evento. De hecho, el logo del IMAE y el del propio Ayuntamiento aparecen en la publicidad, aunque no como patrocinadores ni organizadores, sino como “apoyo institucional”.

El documento, fechado el 1 de julio y firmado por la presidenta del IMAE, María Isabel Albás, sostiene que Córdoba Live se encuentra en uno de los supuestos de “no sujeción” previstos en las ordenanzas fiscales municipales 400 y 406. Esto supone que el festival no tendrá que abonar las tasas por la ocupación del suelo público ni por la instalación temporal de estructuras desmontables vinculadas a los conciertos.

El documento subraya que no se trata de una exención o una bonificación tributaria, sino de la aplicación de un supuesto de no sujeción contemplado en las ordenanzas para actividades organizadas, coorganizadas o en las que colabore o patrocine el Ayuntamiento de Córdoba.

Para justificar esa colaboración municipal, la resolución enumera una serie de actuaciones realizadas por el Consistorio, entre ellas la habilitación de una parada específica de taxi, la participación de voluntarios de Protección Civil, la coordinación en materia de seguridad, movilidad y tráfico, actuaciones extraordinarias de limpieza a través de Sadeco y trabajos del Área de Parques y Jardines para ordenar el espacio donde se celebran los conciertos.

El IMAE sostiene además que el festival tiene interés cultural para la ciudad, contribuye a reforzar la programación cultural de Córdoba y favorece la difusión de la música en directo, argumentos que, junto a la colaboración de los distintos servicios municipales, justifican la aplicación del régimen de no sujeción.

La resolución precisa, no obstante, que esta declaración no sustituye las autorizaciones administrativas necesarias para la celebración del evento ni modifica las condiciones técnicas, urbanísticas, de seguridad o de aforo, sino que se limita exclusivamente a justificar la aplicación de los supuestos de no sujeción previstos en las ordenanzas fiscales.

El acuerdo será remitido al Órgano de Gestión Tributaria para que aplique los efectos derivados de esta declaración, de modo que Córdoba Live quede excluido del pago de las tasas municipales por la ocupación del dominio público contempladas en las ordenanzas fiscales 400 y 406.

“No han pagado nunca”, dice Hurtado, aunque el alcalde dijo que en 2025 lo harían

El año pasado, aunque el alcalde inicialmente dijo que las empresas promotoras tendrían que abonar sus tasas por la ocupación del espacio, desde el Consistorio no llegaron a aclarar si se pagaron. Este periódico llegó a preguntar directamente al concejal de Vía Pública, Jesús Coca, que afirmó desconocerlo, mientras que el portavoz socialista Antonio Hurtado también interrogó sobre esta cuestión, sin obtener una respuesta clara -aunque este lunes, insistía en que “no han pagado nunca”-.

En un post, Hurtado consideraba la exención de tasas “un trato de favor escandaloso”. “Córdoba Live además de la subvención de 300.000 euros que obtenga del IMAE, se le exime de pagar las ordenanzas fiscales municipales de utilización, durante más de un mes, del dominio público del Recinto del Arenal (OOFF 400 y 406), se le pone una parada de taxis, protección civil, Seguridad, Movilidad, Sadeco, parques y jardines…”, se quejaba en sus redes sociales, en las que lamentaba que todo ello para una cita que “le hace competencia al Festival de la Guitarra”.

Todo esto ocurre, además, mientras aún no se han publicado las bases por las que el IMAE quiere convocar un concurso público para subvencionar con 600.000 euros a festivales celebrados el año pasado y otros 600.000 para los que se celebran este año.

“España tiene una tradición y un sonido musical muy profundos”. Así arranca MonoNeon, alias bajo el que publica música y vídeos virales Dywane Thomas Jr., quien pasa por ser, con permiso de Thundercat, el bajista afroamericano más imprevisible de entre los surgidos en la última década. Lo dice desde Córdoba, donde con más de 40 ºC va a inaugurar este lunes su gira europea en el Festival de la Guitarra.

Y habla de la tradición española con cierto conocimiento, puesto que el bajista de Memphis ya ha dejado registrada una de las colaboraciones más insólitas de internet al improvisar junto a Jorge Pardo y Ximo Tebar en una jam flamenca que, según reconoce en una charla con Cordópolis, fue una experiencia que le “abrió los oídos”. Aquel encuentro con el lenguaje del flamenco encuentra ahora continuidad sobre un escenario español.

Lo dice un músico muy consciente precisamente de dónde viene y el papel que juegan sus raíces en su identidad sonora. Y eso que hay quien recela por su estética fluorescente, que completa con edredones convertidos en ropa y otros toques dadaístas que acaban por convertirlo en un personaje con poca competencia en el mundo del funk y el jazz. Dywane tampoco le otorga demasiada importancia y prefiere aclarar que es hijo de la iglesia y el afrofuturismo.

La charla tiene lugar antes de que el músico estadounidense haya inaugurado su gira europea en el Festival de la Guitarra de Córdoba con uno de los conciertos más abiertos e imprevisibles de esta edición. Antes de subir al escenario, conversa con este periódico sobre improvisación, inteligencia artificial, redes sociales, Prince, George Clinton y la persona que más ha marcado su manera de entender la música: su abuela.

“Siempre es increíble cruzar el charco y tocar mi música para la gente. Europa siempre me ha demostrado muchísimo cariño, y me hace ilusión empezar en Córdoba”, explica el multiinstrumentista y cantante, que ya avanzaba un repertorio que iba a recorrer distintas etapas de su carrera, aunque sin un rumbo fijo: “Siempre dejo mucho espacio para la improvisación. Me gusta que cada concierto sea una experiencia única tanto para mí como para el público”.

La improvisación, de hecho, tiene mucho que ver con una de las características más reconocibles de su lenguaje: la microtonalidad. MonoNeon la estudió en profundidad y, lejos de entenderla como un ejercicio académico, la describe de la forma más sencilla posible: “Consiste en explorar las notas que hay entre las notas. Te abre un mundo de emociones y colores que no siempre existen dentro de la afinación occidental estándar. Al final, para mí todo es blues, así que retuerzo y doblo las notas con esa sensibilidad”.

Ser autodidacta hizo que nunca me preocupara por seguir reglas

Aprender sin reglas

MonoNeon, de hecho, fue un músico autodidacta. Un joven prodigio. Luego sí pasó por la Berklee, la escuela más prestigiosa de músicos de Estados Unidos. Aunque reconoce que en su sonido pesa más su trayectoria personal, que lo académico: “Ser autodidacta hizo que nunca me preocupara por seguir reglas. Simplemente seguía mi oído y mi curiosidad, no solo con el bajo, también con mi forma de cantar”.

No obstante, no tarda en matizar que nunca ha recorrido ese camino completamente solo. “He tenido mentores como -el guistarrista- David Fiuczynski, -el cantante gospel- Shea Norman y Prince y George Clinton, que me han convertido en lo que soy ahora mismo”, apostilla.

Sobre estos dos últimos, dos leyendas del funk y la música afroamericana, se extiende un poco el joven músico, que pasa por ser el último bajista que contrató Prince antes de su muerte. “Podría contar muchísimas cosas de la época que pasé con Prince, pero lo único que puedo decir ahora mismo es que tanto George Clinton como Prince me enseñaron a no tener miedo y a confiar en mí mismo. Haz lo que te dé la gana con esta música y hazte dueño de ello”, explica.

Su relación con Clinton, además, sigue muy viva, como muestran algunos de los últimos singles que ha subido a su Bandcamp, que recoge decenas de referencias en poco más de una década en activo. “Últimamente he estado pasando mucho tiempo con George Clinton y hace poco colaboramos él, mi abuela y yo en algunas canciones. Estoy construyendo el espacio y el sonido en los que siempre quise estar”.

En los últimos años, sin embargo, ninguna colaboración ha resultado tan importante para él como la que mantiene con Grandma Liz. “Hacer música con mi abuela es algo muy especial y, sinceramente, es de lo único de lo que me siento realmente orgulloso”, confiesa un músico que intenta reservar un espacio para la voz de su abuela en cada canción que escribe.

Y en ello tiene mucho que ver el hecho de que su abuela convive con la enfermedad mental, pero, pese a ello, sigue manteniendo intactas sus cualidades musicales. “Incluso con la demencia que está atravesando, mi abuela nunca duda cuando canta. Y eso se ha convertido en el motor y la inspiración de todo lo que estoy haciendo ahora mismo”, afirma el cantante.

Del góspel al afrofuturismo

Aunque hoy su nombre suele asociarse al afrofuturismo, MonoNeon entiende ese concepto como una consecuencia natural de todo lo que vivió en Memphis. “El afrofuturismo me anima a imaginar nuevas posibilidades sin perder el vínculo con mis raíces. Habla de libertad, imaginación y de honrar la creatividad negra”, reflexiona, antes de enumerar una sucesión de recuerdos que funcionan como un mapa sentimental de su educación musical: su abuela cantando en la iglesia baptista, su madre, la influencia de su tío Curtis, sus primos escuchando a 8Ball & MJG, su primo Johnny Morrow tocando el órgano y la cercanía de The Bar-Kays.

“Todas esas cosas han dado forma a mi propio afrofuturismo”, añade, aunque reconoce que es justamente la iglesia el centro neurálgico de todas sus conexiones. “El góspel y la experiencia de la iglesia son una base enorme para mí. Allí aprendí que lo importante es tocar con sinceridad y no solo con técnica”. Su manera de cantar procede directamente de su abuela Liz; su forma de tocar el bajo, de observar a los organistas y pianistas de Memphis: “Gran parte de lo que sé viene de escuchar sus manos”.

La IA es otra herramienta más, pero no puede sustituir la experiencia vivida ni el sentimiento humano de verdad

Músicos como él son clave en un momento en el que las plataformas digitales empiezan a llenarse de música creada mediante inteligencia artificial. Sin embargo, MonoNeon no se muestra alarmista, aunque sí establece una diferencia muy clara. “La IA es otra herramienta más, pero no puede sustituir la experiencia vivida ni el sentimiento humano de verdad. Creo que la gente siempre va a conectar con la música, el arte y la moda que transmiten un auténtico espíritu humano”.

Una confianza parecida deposita en las redes sociales, donde algunos de sus vídeos domésticos se han convertido en fenómenos virales. “Las redes me han permitido llegar a gente de todo el mundo sin necesitar una gran discográfica. Son una forma genial de compartir ideas directamente y construir tu propio universo”. Incluso cuando la respuesta no acompaña, sigue encontrando sentido al proceso. “Crear algo y compartirlo siempre ha sido algo catártico para mí”, concluye.

La segunda semana del 45º Festival de la Guitarra de Córdoba concentrará algunos de los conciertos más esperados de esta edición, con una programación que volverá a reunir a grandes figuras de la guitarra clásica, el flamenco, el jazz, el rock y las músicas del mundo. El festival afronta su recta final con nombres internacionales como MonoNeon, Luz Casal o David Russell, además de propuestas únicas como el estreno del homenaje a Blanca del Rey y la celebración del 30 aniversario de Omega.

La programación de la recta final ha comenzado este 6 de julio con dos propuestas de gran personalidad. El Gran Teatro de Córdoba ha recibido a MonoNeon, una de las grandes referencias del bajo eléctrico contemporáneo. Paralelamente, el Teatro Góngora ha acogido Flamenco Moreno, del guitarrista Rycardo Moreno, una propuesta que gira en torno a su innovadora guitarra sin trastes y que combina tradición y vanguardia junto a un amplio elenco de artistas. Una deuda pendiente del festival con uno de los artistas clave en la guitarra flamenca actual.

El 7 de julio será el turno del bajista Juanfe Pérez, uno de los nombres más destacados de la nueva generación del flamenco y nominado a los Latin Grammy por su primer trabajo discográfico, amén de primer instrumentista ganador del Concurso Nacional de Arte Flamenco, que viene con un disco recién publicado. Esa misma noche, el Patio de los Naranjos acogerá Entrecuerdas, el encuentro entre Mozes Rosenberg y Bako Jovanović, un viaje musical entre el legado de Django Reinhardt, el gypsy jazz y las sonoridades balcánicas.

La jornada del 8 de julio combinará tres propuestas de gran nivel. En el Gran Teatro, Juan Manuel Cañizares actuará junto a la Orquesta de Córdoba con un concierto dedicado al 150 aniversario del nacimiento de Manuel de Falla que incluirá el estreno absoluto de una nueva transcripción para guitarra y orquesta de Noches en los jardines de España. El Teatro Góngora recibirá al Cardamom Trio junto a Linda Alahmad, mientras que La Axerquía vivirá una de las grandes citas populares del festival con el concierto de Luz Casal, que presentará su nuevo trabajo Me voy a permitir. La velada se abrirá con la actuación conjunta de Nat Simons y Aurora Beltrán.

El 9 de julio, el guitarrista escocés David Russell, una de las grandes figuras mundiales de la guitarra clásica y ganador de un Premio Grammy, ofrecerá un recital en el Teatro Góngora. Esa misma noche, La Axerquía recibirá a Loquillo, que llegará a Córdoba con su gira Corazones Legendarios, un recorrido por casi cinco décadas de trayectoria dentro del rock español.

La programación continuará el 10 de julio con el proyecto Leo & Leo, protagonizado por Leonor Watling y Leo Sidran, una propuesta que mezcla jazz, pop y conversación escénica. Por la noche, La Axerquía acogerá Paco de Lucía Legacy, un homenaje al maestro algecireño que reunirá sobre el escenario a músicos que compartieron carrera con él, entre ellos Josemi Carmona, Chano Domínguez, Antonio Rey, Diego del Morao, Duquende, Sandra Carrasco, María Terremoto o Farru.

La clausura del festival llegará el 11 de julio con una jornada de marcado carácter simbólico. El Gran Teatro acogerá el estreno absoluto de La Reina Blanca, una gala concebida como homenaje a Blanca del Rey con motivo de su 80 aniversario. El espectáculo reunirá a artistas cordobeses y a destacados nombres del flamenco en una propuesta que también conmemora el 70 aniversario del Concurso Nacional de Arte Flamenco y el 40 aniversario de la reinauguración del Gran Teatro.

Como broche final, La Axerquía celebrará el 30 aniversario de Omega, la obra que revolucionó la historia del flamenco contemporáneo. El espectáculo reunirá a Lagartija Nick y Kiki Morente para revisitar uno de los discos fundamentales de la música española, donde confluyen la poesía de Federico García Lorca, el universo de Leonard Cohen y el flamenco más innovador impulsado por Enrique Morente.

Formación para seguir ampliando el universo de la guitarra

Junto a los conciertos, el Festival de la Guitarra mantiene durante su segunda semana una intensa programación formativa que reunirá a intérpretes y especialistas de primer nivel. Del 6 al 8 de julio, la guitarrista María Esther Guzmán impartirá un curso centrado en el repertorio de guitarra clásica, abordando aspectos como la producción del sonido, el fraseo, la digitación y la preparación del repertorio para el concierto.

El 8 de julio, la bailaora Inmaculada Aguilar ofrecerá la masterclass La bata de cola: técnica y estética en el baile por Soleá, dedicada a uno de los elementos más complejos y emblemáticos del baile flamenco. Ese mismo día comenzará también el curso del guitarrista Manolo Franco, La guitarra flamenca de acompañamiento al cante, que se desarrollará hasta el 10 de julio.

La oferta continuará el 9 de julio con dos actividades de una sola jornada. El bailaor y coreógrafo Javier Latorre dirigirá el curso Soniquete de Jerez, junto a Diego Carrasco, mientras que Hames Bitar impartirá una introducción al laúd árabe, en una actividad patrocinada por Casa Árabe. Finalmente, los días 10 y 11 de julio, David Russell ofrecerá el curso Interpretación y técnica en la guitarra clásica, poniendo el broche a la programación académica de esta edición.

Hay bandas que tardan años en encontrar su público. Siloé lo encontró rápido y lo convirtió en comunidad. El trío vallisoletano formado por Fito Robles, Xavi Road y Jaco Betanzos ha construido uno de los fenómenos de directo más llamativos de la escena española reciente: sold out en más de 35 fechas -Córdoba incluida-, ocho conciertos en La Riviera de Madrid en un año y más de un millón de oyentes en plataformas. Su nombre llegó incluso a los oídos de Coldplay, que recomendó su música en redes sociales. El grupo ha actuado en La Axerquía con Santa Trinidad como estandarte y el impulso de Las Palabras, su último single, que abre una nueva etapa creativa.

Cuatro premios Grammy y el título de NEA Jazz Master -la distinción más alta que Estados Unidos otorga a un músico de jazz- avalan la presencia de Stanley Clarke en el Gran Teatro. Figura fundacional del jazz fusión, fue el primer bajista en encabezar giras en solitario y cofundador de Return to Forever junto a Chick Corea, la banda que, con Romantic Warrior, redefinió los límites del género en los años 70.

En el concierto ofrecido este domingo en Córdoba, dentro del marco del Festival de la Guitarra, Clarke presentó su proyecto N•4EVER, centrado en ese legado musical. El programa recorrió la música de Return to Forever y otros grandes momentos de su trayectoria, interpretados junto a músicos de nueva generación que aportaron energía y frescura a un repertorio que ha resistido el paso del tiempo. Clarke alternó bajo acústico y eléctrico en un espectáculo que conectó los orígenes del jazz fusión con su presente, confirmando la vigencia de una de las figuras más influyentes del género.

El Ayuntamiento de Iznájar (Córdoba) ya prepara la tercera edición de 'Puestas de Sol Sonoras', una propuesta turística y cultural que, desde el próximo 10 de julio y hasta el 30 de agosto, vuelve a convertir los atardeceres de este municipio de la Subbética en una experiencia sensorial única, donde paisaje, música y emoción se funden en uno de los escenarios naturales más privilegiados de Andalucía.

Según la información publicada por el Consistorio de Iznájar en su web, consultada por Europa Press, esta iniciativa será inaugurada por el cantante iznajeño Juanan Caballero el próximo viernes, 10 de julio, a las 21:15 en el mirador de las Peñas de Iznájar, junto al depósito de agua.

Tras la “excelente acogida” de las ediciones anteriores, esta iniciativa regresa consolidada como una de las propuestas más singulares del verano andaluz, invitando a vecinos, visitantes y turistas a “detener el tiempo durante los últimos minutos del día para contemplar cómo el sol se despide sobre las aguas del mayor embalse de Andalucía, acompañado por una cuidada selección musical”.

De esta forma, los miradores y balcones naturales de Iznájar volverán a transformarse en auténticos escenarios al aire libre. Espacios emblemáticos como la Playa de Valdearenas, la Cruz de San Pedro, el Paseo de las Canteras y otros rincones privilegiados del municipio ofrecerán una experiencia diferente cada tarde, donde la música servirá de hilo conductor para realzar la belleza de uno de los paisajes más reconocibles del interior andaluz.

Con esta propuesta, el Ayuntamiento iznajeño continúa apostando por la creación de experiencias turísticas innovadoras que ponen en valor los recursos naturales y patrimoniales de Iznájar, generando “nuevas formas de disfrutar del destino y reforzando su posicionamiento como referente turístico en el corazón de Andalucía”.

'Puestas de Sol Sonoras', que nació con la vocación de convertir un momento cotidiano en una experiencia memorable, se consolida como una iniciativa pionera en la comarca de la Subbética y en la provincia de Córdoba, capaz de atraer la atención de quienes buscan “un turismo auténtico, sostenible y ligado a las emociones”.

Durante los minutos finales de cada jornada, la música acompañará el descenso del sol sobre el horizonte, creando una atmósfera única en la que naturaleza, cultura y bienestar se encuentran. Un espectáculo sencillo y, al mismo tiempo, extraordinario, que invita a contemplar, sentir y conectar con el entorno.

Desde el Ayuntamiento de Iznájar se anima también al sector turístico local --alojamientos, restaurantes, terrazas y establecimientos de hostelería-- a sumarse a esta iniciativa, incorporando la experiencia de los atardeceres sonoros a su oferta y contribuyendo a enriquecer la estancia de quienes visitan el municipio durante la temporada estival.

Iznájar, reconocido por la singularidad de su paisaje, su patrimonio, su gastronomía y el encanto de sus calles blancas, encuentra en sus atardeceres uno de sus mayores tesoros. Con 'Puestas de Sol Sonoras', el municipio vuelve a reivindicar ese instante mágico en el que la luz se funde con el agua y el cielo, convirtiéndolo en una seña de identidad y en un atractivo turístico de primer nivel.

José Antonio Rodríguez encarna una de las figuras más representativas de la guitarra flamenca actual. Premiado con el insigne Bordón Minero en el Concurso del Cante de las Minas de La Unión a la temprana edad de 17 años, una extensa discografía y sus innumerables colaboraciones con figuras reconocidas muestran su lugar consolidado en el panorama musical. Su trayectoria refleja innovación y amplitud de miras que conecta con las raíces, un concepto muy importante para el guitarrista actual, ya que para crear algo nuevo es necesario poseer un conocimiento profundo acerca de la tradición.

La disposición del escenario comunica al público la interacción propia del quinteto que tendrá lugar durante todo el evento, que más que acompañar, se siente como un encuentro entre artistas que rebasan fronteras con un sello propio. José Antonio abre el concierto tocando solo, con obras que engloban buena parte de su trayectoria discográfica: 'Anartista', 'Adiós Muchachos', 'McCadden Place', entre otros. Sus toques evidencian su técnica y limpieza exquisita, con unas afinaciones o 'scordaturas' que comunican una personalidad artística curiosa que busca en nuevas sonoridades las máximas posibilidades expresivas. En la interpretación de su obra 'Guadalcázar' puede palparse la frescura de la guitarra flamenca actual que mira en la tradición su fundamento.

El quinteto demuestra ser una formación impecable, con unos músicos que se envuelven en el momento y con una complicidad exquisita. El virtuosismo de Diego Villegas, Giraldillo al Mejor Instrumento Solista en la Bienal de Sevilla 2020, desplegando melodías con la flauta, el saxo y la armónica que envolvían al público en una atmósfera vibrante. El peso armónico otorgado por el bajista Sergio Di Finizzio, con un sonido majestuoso y grandes dotes interpretativas mostradas en sus apariciones improvisando con el instrumento. El dominio en la destreza rítmica podíamos apreciarlo en un tándem imbatible, compuesto por Patricio Cámara ‘Pachi’, con gran maestría en la precisión rítmica y la voz, junto con la polifacética Sabrina Romero, quien fascinó a los asistentes moviéndose con total soltura entre la percusión, el cante y el baile, imprimiendo de carácter cada intervención que navegaba entre las tres disciplinas.

Ante un evento tan vibrante de profundidad artística, el público reacciona con emoción, fascinación y con ganas de más a un concierto cargado de sensibilidad. El desarrollo y el final de cada tema causa un gran efecto entre los asistentes, arrancándoles así un intenso aplauso. La elegancia y personalidad artística de José Antonio Rodríguez nos recuerda que la música no tiene fronteras, que el flamenco nos abre las puertas a los rincones artísticos más sublimes con nuestra identidad siempre presente. Dicho en otras palabras: tocamos mucha música y nos expandimos a diferentes formas de expresión precisamente porque somos flamencos. Perfiles artísticos como el de José Antonio Rodríguez son inspiradores por su versatilidad, apuntando hacia un futuro muy positivo al mundo de la guitarra flamenca.

Hay conciertos que se escuchan y conciertos a los que se vuelve. Lo del sábado en El Arenal pertenece a la segunda categoría, porque buena parte de los varios millares de personas que colmaron el recinto del Córdoba Live no venían solo a ver a La Oreja de Van Gogh. Venían a comprobar si aquellas canciones que sonaban en el discman, en el coche de los padres o en el autobús del instituto seguían diciendo lo mismo veinte años después. Y la respuesta, coreada por miles de gargantas desde el primer acorde, fue que sí. Público de todas las edades -aunque con una amplia mayoría instalada en la treintena- y una noche que amenazaba con ser un horno y acabó regalando brisa, se juntaron para casi dos horas de celebración colectiva.

La cita llegaba envuelta en un contexto que trasciende lo musical. Amaia Montero dejó la banda en 2007 para emprender su carrera en solitario y su regreso, anunciado a finales de 2025 tras la salida de Leire Martínez, convirtió la gira 'Tantas Cosas Que Contar' en el acontecimiento pop del año en España: fechas agotadas por todo el país, 90.000 entradas vendidas solo en Madrid y un periplo que se extenderá hasta 2028. Aunque el esperado retorno no ha estado exento de ruido. Las dudas sobre el estado vocal de Montero en los primeros conciertos de mayo alimentaron el debate y las críticas, pero ha sido la propia gira, sus actuaciones y los hechos los que han ido apagando el hate a base de noches como la de este sábado en Córdoba.

La jornada arrancó mucho antes del plato fuerte. Las puertas de El Arenal se abrieron a las 20:00 y el encargado de caldear el ambiente fue RO1, el alter ego musical del cantante gallego Roi Méndez, conocido por su paso por Operación Triunfo 2017 y reinventado ahora bajo este proyecto lanzado en 2025 que se articula en trilogías de canciones. El gallego repasó sus temas más populares, como Perfecto desastre o Dime si vas a venir, en los preludios del concierto ante un recinto que se iba llenando poco a poco.

Una celebración en veintidós canciones

A las 22:14, con apenas un cuarto de hora de cortesía sobre el horario previsto, las luces se apagaron, las pantallas comenzaron su juego y una plataforma elevadora hizo emerger del suelo del escenario a una Amaia Montero vestida de rosa con los primeros compases de '20 de enero'. Córdoba entera se puso a cantar desde el primer verso y ya no paró, con los gritos de “Amaia, Amaia” abriéndose paso entre canción y canción desde el arranque. Tras 'Deseos de cosas imposibles' llegó una de las declaraciones de intenciones de la noche: 'El último vals', la canción con la que debutó Leire Martínez en la banda y una de las dos únicas huellas de aquella etapa en el repertorio, que Montero defendió con una solvencia que hace dos meses parecía impensable.

Porque esa fue quizás la gran noticia de la noche. Quien viniera buscando a la Amaia frágil e insegura de los primeros conciertos de la gira se encontró con una artista suelta, entregada y en su mejor momento vocal de la gira, bromas incluidas: “Un secreto, ahí arriba se está mucho más fresquito”, soltó entre risas tras cantar 'Mariposa' subida a la plataforma elevadora. El repertorio, volcado en la primera etapa del grupo, fue encadenando 'Nadie como tú', 'Dicen que dicen', 'La chica del gorro azul' y una 'Dulce locura' especialmente celebrada por el público, además de 'Todos estamos bailando la misma canción', el single publicado en diciembre de 2025 que abre la nueva etapa de la formación.

El momento más emotivo llegó pasadas las once de la noche, cuando Xabi San Martín se quedó a solas con el piano para arrancar 'Tan guapa', la canción que el teclista compuso originalmente para Amaia y que ambos convirtieron en un dueto delicado, rematado con un largo abrazo entre los dos. De ahí, la traca: 'París' levantó una de las mayores ovaciones de la noche, 'Cuéntame al oído' la cantó el público casi en solitario y 'Pop' transformó El Arenal en una discoteca noventera mientras la grada le dedicaba a la cantante un “guapa, guapa y guapa, reina, reina y reina” que ella recibió visiblemente emocionada.

'Rosas' a capela y confeti para cerrar

Tras 'La playa', otra de las más esperadas y coreadas de la velada, y los rescates de 'El 28' y 'Soledad', llegó el clímax anunciado. 'Rosas' convirtió El Arenal en un coro gigantesco que se marcó hasta dos bises del estribillo a capela, con la banda en silencio y el público llevando el peso de uno de los himnos indiscutibles del pop español de este siglo. El grupo amagó con marcharse, la grada respondió con el clásico “otra, otra” y la propina llegó en forma de bloque final: 'Perdida', 'Cuídate' y 'Muñeca de trapo' encadenaron el desenlace. Antes del cierre hubo tiempo para un último gesto de complicidad. “Me hace mucha ilusión citar a un técnico. Es el cumpleaños de uno del equipo, de Álvaro. ¿Le cantamos cumpleaños feliz?”, propuso Amaia, y El Arenal entero le cantó el cumpleaños a un miembro del equipo de la gira.

Después, 'Puedes contar conmigo' puso el broche justo cuando el reloj marcaba las doce de la noche, con los cinco músicos agradeciendo juntos el cariño del público mientras las pantallas dedicaban los créditos a todo el equipo técnico. Casi dos horas después de emerger vestida de rosa, Amaia Montero abandonó el escenario con una camiseta del mismo color lanzada desde la grada. La cantante había recordado durante la noche que la banda le debía una a Córdoba desde que la lluvia obligara a suspender su primera cita con la ciudad, un mes de mayo. Esta vez la única lluvia que cayó sobre El Arenal fue de confeti. Bueno, y la de alguna lágrima que se escapó entre el público.

El concierto de Los Planetas en el Festival de la Guitarra (FGC) llegó 25 años tarde. Los señores de las guitarras distorsionadas, ruidosas, emocionantes ya se habían convertido en 2001 en la espina dorsal del indie rock en España, una época en la que esa etiqueta aún guardaba tantas capas como las canciones de los granadinos. Y el FGC de aquellos años bien los hubiera merecido, tal y como los recibía con locura entonces festivales como Sonorama o el FIB.

En aquel segundo año del siglo XXI, los de Jota ya habían publicado Unidad de desplazamiento, tras la bomba de Una semana en el motor de un autobús (1998), demostrando que eran mucho más que un fenómeno pasajero de los 90. Pero en Córdoba, donde son conservadores hasta los comunistas, los programadores de la cita con la guitarra, por lo que sea, no les han visto cabida hasta ahora.

Recuerdo en los dosmiles argumentos tan peregrinos para no contratarlos como el de que habría que crear un escenario “joven” para estas bandas, que solo venían a tocar a garitos por entonces (B18, Surfer Rosa). Era como querer mandarlos a un lugar antisistema de tan serio y señoro festival.

El caso es que tal vez Los Planetas ya han entrado en el territorio gerontocrático que da caché a este festival, o, tal vez, alguien ha pegado un puñetazo en la mesa para saldar esta deuda histórica. La realidad es que hemos tenido que esperar a que la banda haya hecho su viaje de ida y vuelta al flamenco, a tener todos un móvil con redes sociales en la mano, al fin de la socialdemocracia, a tener la inocencia del todo perdida, al feminismo revisando sus rencorosas letras para ponerlas en su sitio, y, sobre todo, a tener un cuarto de siglo más, para vivir una noche planetera junto al Guadalquivir.

Y a Florent se le rompió la guitarra como agravio poético. Pero vayamos por partes.

Para empezar, honradez: el titular de esta crónica homenajea (copiando, claro) al gran Paco Camero y su maravilloso artículo sobre la noche de celebración del 30 aniversario de Los Planetas en el CAAC de Sevilla. Íntimamente, muchas nos pusimos la camiseta de los dosmiles en Córdoba para revivir aquellos maravillosos años -nostalgia, sí ¿qué pasa?- e hicimos algunas cosas que ya no hacemos, como cantar a voz en grito mientras saltábamos en una noche de brisa en la colina del teatro. Oh, milagro.

La primera alegría fue ver a Eric. El mítico batería de la banda, el de los cuatro millones de golpes, apenas suele acompañar las últimas giras del grupo. Aquí tuvimos suerte. Verlo tocar la batería es de reclinatorio: un espectáculo en sí mismo. No en vano la tocaba en el pasado bajo palio literal, algo que hoy no permitirían los Abogados Cristianos. Su crescendo en ese temón llamado La caja del diablo sigue poniendo los pelos de punta.

Pero eso fue al final. Para comenzar dispararon con Segundo Premio, la canción que dio nombre a la película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez y que nos desveló que en sus letras, no solo fueron campeones del rencor con sus parejas, sino también entre ellos mismos.

Problemas varios de sonido después, una guitarra de Florent que no paró de darle la noche, Jota cantando para dentro como marcan los cánones o temas que se deberían replantear en directo como Espíritu olímpico, el concierto levantó el vuelo tras una etapa valle oscura, psicodelicamente calmada, muy Jesus and Mary Chain, llena de Corrientes circulares en el tiempo y con Fosforito dejando de asomarse a la reja. Un gran homenaje.

Así explotaron los grandes hits, poniendo banda sonora a unos vídeos y gráficas tan fantásticas y coloristas como acostumbran: David y Claudia, Un buen día, De Viaje, Alegrías del incendio -Fosforito de nuevo, que las diosas del flamenco tenga en su gloria- o Pesadilla en el parque de atracciones. Mendieta volvió a marcar un gol realmente increíble aquí, para qué engañarnos.

Una tormenta de guitarras para un festival. Un gran concierto pese a las circunstancias. Una espinita menos de tantas que nos hemos quitado con un grupo, que, entiendan señores, levanta tantos sentimientos de amor/odio para cualquier mujer fan de su generación. Pero celebremos que siguen vivos. Que estamos vivas.

Aunque 25 años después, te juro que es peor.

Teddy Bautista, mítico fundador de Los Canarios, regresa a la música y vuelve a sorprendernos en el 45 Festival de la Guitarra de Córdoba con el estreno absoluto de de El periplo de las heroínas, inspirado en el libreto original, que acompaña al último trabajo discográfico Ciclos 5.0. El resultado, estrenado esta pasada noche en el Gran Teatro, es lo que sus creadores definen como una ópera electrónica, un género inédito que, siguiendo la tradición operística, se apoya en el libreto del disco para construir una narración escénica, que adquiere una tercera dimensión a través del movimiento coreográfico concebido aquí como una abstracción poética de las sensaciones que genera la música. La historia traza el viaje de mujeres desde Oriente hasta Occidente en diálogo con el imaginario de Marco Polo.

Una obra que viene a dar un paso en su carrera musical. Tras los anteriores lanzamientos Que nos tiemble la voz, Un solo segundo, Y aún y Volver a ver, El Mar en Llamas presenta una nueva canción que habla del camino que existe entre el arrepentimiento y la esperanza. Ahí entra en escena Un latido más, que reafirma la identidad musical del proyecto creado por Fernando Sendra. Desde el pasado 3 de julio ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Con una producción cuidada y un sonido que se mueve entre el rock alternativo y el pop rock, Un latido más apuesta por una interpretación cercana y por una instrumentación que acompaña el mensaje de la canción sin artificios. “Guitarras atmosféricas, una base sólida y una producción equilibrada construyen un tema donde la emoción prevalece sobre la grandilocuencia”, explica el autor en una nota remitida a los medios de comunicación.

Por otro lado, El Mar en Llamas nace como un proyecto musical de autor en el que Fernando Sendra compone, interpreta y desarrolla cada canción desde una perspectiva completamente personal, sin responder a fórmulas ni tendencias concretas. Cada lanzamiento forma parte de un mismo recorrido creativo, donde la música evoluciona de manera natural y coherente, buscando siempre conectar con quien escucha desde la sinceridad.

Álvaro Fuentes Ibarz (Guecho, Vizcaya, 17 de septiembre de 1975) es el bajista original de La Oreja de Van Gogh y uno de los cinco músicos que dieron forma a una de las bandas más exitosas de la historia del pop español. Integrante del grupo desde 1996, afronta ahora una de las giras que más expectación ha levantado de los últimos años, marcada por el regreso de la formación original (especialmente de la cantante, Amaia Montero) a los escenarios y por la enorme expectación que ha despertado entre varias generaciones de seguidores.

La cita de este sábado en el Córdoba Live tendrá, además, un significado especial para él. Aunque nació en el País Vasco, parte de su familia reside en Córdoba y aprovechará el concierto para reencontrarse con su hermana, su cuñado y sus sobrinos. Antes de subirse al escenario, conversa con Cordópolis sobre el éxito de una gira que se prolongará hasta 2028, la vigencia de unas canciones que han sobrevivido al paso del tiempo y los planes de futuro de la banda.

Una cosa es lo que imaginas en el local de ensayo y otra lo que ocurre cuando lo llevas al escenario

PREGUNTA (P.). Ya lleváis una decena de conciertos. ¿Qué balance haces de este regreso a los escenarios?

RESPUESTA (R.). Las sensaciones son muy positivas. Ya hemos superado los nervios de los primeros conciertos y empezamos a coger la inercia propia de una gira. Cada vez estamos más cómodos sobre el escenario y disfrutamos más. Además, la respuesta del público está siendo espectacular.

P. Es una de las giras que más expectación ha generado en la música española en mucho tiempo. ¿Eso añade presión?

R. Más que presión, lo interpretamos como una enorme responsabilidad. Si la gente tiene tantas ganas de vernos es porque espera mucho de nosotros y queríamos estar a la altura. Por eso hemos trabajado muchísimo. Una gira normal se prepara en un mes y medio aproximadamente; esta la llevamos preparando desde hace un año y medio.

P. Cuando echas la vista atrás y recuerdas el éxito con el que irrumpió La Oreja de Van Gogh, ¿qué diferencias encuentras con aquel Álvaro de finales de los noventa?

R. La verdad es que el tiempo ha pasado muy rápido. Seguimos teniendo las mismas ganas, la misma ilusión y el mismo deseo de hacer las cosas lo mejor posible. Tenemos la sensación de que todavía nos quedan muchos conciertos por dar y muchas canciones por escribir. Es que, sinceramente, somos unos privilegiados por poder dedicarnos desde hace tantos años a lo que más nos gusta.

P. ¿El repertorio de la gira está completamente cerrado o va mutando en cada concierto?

R. No. Vamos haciendo pequeños cambios. Una cosa es lo que imaginas en el local de ensayo y otra lo que ocurre cuando lo llevas al escenario. Además, cuando hacemos dos conciertos seguidos en una misma ciudad cambiamos alguna canción para que cada actuación tenga algo diferente.

P. Uno de los aspectos que más llama la atención de este retorno es comprobar cómo canciones escritas hace casi tres décadas siguen conectando con nuevos públicos.

R. Es una de las cosas que más ilusión nos hace. En los conciertos ves a padres, hijos, abuelos... Familias enteras cantando juntas. Han pasado casi treinta años y esas canciones siguen encontrando nuevos oyentes. Eso es algo maravilloso.

Nuestra propuesta siempre ha sido muy clara: canciones que hablan de experiencias humanas

P. Y eso que la industria musical ha cambiado por completo. Vivimos en la era del algoritmo y de la inteligencia artificial. ¿Os sorprende que vuestra propuesta siga teniendo tanto impacto?

R. No especialmente, porque nuestra propuesta siempre ha sido muy clara. Hacemos canciones que hablan de experiencias humanas que cualquiera puede vivir, independientemente de quién sea, de dónde venga o de cuáles sean sus circunstancias. Son historias muy humanas y creo que eso facilita que la gente las haga suyas. A mí me gusta decir que son canciones que podrías tocar solo con una guitarra delante de una hoguera y seguirían funcionando. Nuestros conciertos están pensados para que el público pueda cantar desde el primer minuto porque esas canciones hablan de emociones y vivencias compartidas.

Yo quiero pensar que este tipo de canciones son más personales y es más fácil que la gente las incorpore a su vida que una que diga “por la mañana café y por la tarde ron”. Por poner un ejemplo. Quiero pensar que no toda la música tiene el mismo efecto sobre el que la escucha, ni la misma función en un sentido profundo, ¿sabes? Hay música que es para divertirse en el momento y bailar, otra que es para cantar, otra que es para reflexionar. No sé, no se puede comparar con tanta facilidad

P. El sonido del pop español desde luego también ha cambiado mucho. Hoy prima lo urbano frente a las guitarras. ¿Hay artistas actuales en los que os veáis reflejados?

R. Sí. De hecho, en esta gira nos acompañan grupos como 21, Supercremalleras o Merino, que comparten una manera de entender la música muy parecida a la nuestra: bandas, guitarras, letras con mensaje... El mercado se ha diversificado muchísimo, pero no creo que nuestra propuesta haya perdido vigencia. Es una forma de hacer canciones que funciona desde la época de los Beatles y que seguirá funcionando.

P. El rock y el pop llevan décadas escuchando que van a desaparecer.

R. Exacto. Siempre ha habido algo que supuestamente iba a acabar con ellos. Estamos en lo de siempre, y aquí seguimos.

P. Esta gira también parece abrir la puerta a nueva música.

R. Sí. Cuando se produjo el regreso de Amaia al grupo, la expectación fue tan grande que empezamos a preparar canciones nuevas. Solo nos dio tiempo a grabar una, pero tenemos más escritas. La gira, si todo va bien, llegará hasta 2028. Hasta ese año no podemos plantearnos hacer un disco al uso. Igual, antes que eso, grabamos alguna canción por separado, porque, como te digo, ya tenemos algunas escritas, pero son planes a futuro eso. No no te puedo confirmar más.

P. Después de tantos años de carretera, ¿los viajes pesan más?

R. Claro que pesan. Sobre todo porque dejas atrás a la familia y porque ya llevamos unos cuantos millones de kilómetros encima. Eso también se nota. Pero sigue compensando completamente.

Hubo un tiempo en que algunos productos en los pueblos se anunciaban con azulejos. Antes de que las marquesinas, los leds y los algoritmos decidieran qué debíamos mirar, las fachadas de los almacenes agrícolas lucían orgullosas aquellas placas, entre otras, de Nitrato de Chile, auténticos collages cerámicos donde una tipografía imposible prometía cosechas más abundantes. Eran publicidad, sí, pero también una declaración de principios: aquí se trabaja la tierra. Aquí todavía merece la pena quedarse.

Sanguijuelas del Guadiana ha entendido mejor que nadie aquella estética. No es casualidad que la hayan convertido en bandera gráfica de una banda que ha hecho exactamente lo mismo que aquellos anuncios: reivindicar el terruño sin convertirlo en un decorado de postal ni en un lamento permanente. Han cambiado el fertilizante por canciones y el esmalte por Instagram, pero el mensaje sigue siendo el mismo.

Para pegar con fuerza los azulejos de la memoria colectiva, hace falta una masa que resista el paso del tiempo. Nada mejor para eso que el cemento rudo, industrial y de toda la vida de la fábrica Asland. Justo allí, a la sombra gris de sus silos, tenían hace ya muchos años su local de ensayo Los Aslándticos.

Y la jugada en el Festival de la Guitarra fue perfecta. Si la noche necesitaba un aglutinante definitivo para que la fiesta no se desmoronase, los cordobeses pusieron la mezcla exacta. Jugar en casa siempre tiene ese plus de electricidad en el ambiente.

Arrancó la noche con el equipo local en estado de gracia. No era para menos: Los Aslándticos están de celebración. Veinte años desde aquel El mundo está fatal de los nervios se dice pronto, pero mantenerse con esa frescura en el panorama independiente exige una resistencia estoica, casi de obrero del metal. La banda celebra este aniversario redondo con 20 Años fatal de los nervios, un disco que combina revisiones de sus temas más emblemáticos con canciones inéditas que demuestran que la maquinaria sigue perfectamente engrasada. La banda de Bueno Rodríguez, Alberto Invernón y Jorge Carmona defiende —y demuestra con creces directo tras directo— que, por encima de la nostalgia facilona, este cumpleaños funciona como una reafirmación de identidad absoluta.

Salieron a morder el escenario con esa energía indomable que los caracteriza, demostrando que su fórmula de vitalismo ilustrado sigue tan viva como el primer día. Lo de Los Aslandticos es otro tipo de collage: el de la Córdoba periférica, la que no sale en los folletos turísticos de la Mezquita pero que late con una fuerza descomunal en los barrios.

Desplegaron su artillería habitual de optimismo canalla y ritmos cruzados, hilando un setlist donde De momento, Mi primer día o La receta funcionaron como auténticas inyecciones de dopamina para un público que ya estaba entregado a la causa del baile.

Verlos conectar con la plaza es entender que el cemento de su antigua fábrica no solo sirvió para levantar bloques de pisos; sirvió para fraguar un sonido propio, inconfundible, que se adhiere a la piel y te obliga a saltar aunque el termómetro pida clemencia.

Entre Córdoba y Casas de Don Pedro apenas hay un cambio de pigmento. Donde Andalucía luce el verde, blanco y verde, Extremadura cambió hace siglos ese último color verde por el negro heredado de la taifa de Badajoz. Lo demás es una conversación interminable entre pueblos que comparten dehesas, jornales, emigraciones, bares donde el café sigue costando poco y esa sospecha permanente de que el talento siempre tiene que marcharse para que alguien lo tome en serio.

De pronto aparece un grupo como Sanguijuelas del Guadiana desde la siberia extremeña y dinamita el relato. Una escenografía que reproduce su cochera del pueblo con un cartel de Se vendía y un frigorífico lleno de latas de cerveza.

No venían al Festival de la Guitarra a demostrar nada. Eso ya lo hicieron hace meses llenando salas por todo el país. Venían a confirmar que lo suyo ha dejado de ser una promesa para convertirse en un fenómeno popular. Y eso se notó desde 100 amapolas, donde el público ya cantaba como quien vuelve a casa después de demasiado tiempo. Yesca hizo exactamente lo que promete su nombre: prender fuego a cualquier distancia entre escenario y patio de butacas.

Hay grupos que mezclan estilos. Sanguijuelas mezclan geografías. En una misma canción caben la verbena, el drum'n'bass, la rumba, un sintetizador pasado de vueltas, la sombra de Extremoduro, una tarde de feria, Los Chichos, una litrona caliente y el orgullo de pronunciar “Casas de Don Pedro” delante de cientos de personas sin pedir perdón por el acento. Lo suyo no es folklore actualizado. Es costumbrismo mutante.

Mientras sonaban El estandarte, Quiero parecer o Jaribe, daba la impresión de que el Festival de la Guitarra se había mudado durante una hora a cualquier plaza extremeña un sábado de agosto. Después llegó La brecha, y aquello dejó de parecer un concierto para convertirse en una romería electrónica donde daba igual venir de Córdoba, de Villanueva de Córdoba, de Pozoblanco o de la Siberia Extremeña. Durante un rato todos hablamos el mismo idioma.

Y entonces apareció Revolá. Poco que decir cuando temblaba el recalentado suelo del Teatro de la Axerquía con más de 1.500 personas botando. Es probablemente la mayor victoria de Sanguijuelas del Guadiana: haber conseguido que miles de chavales vuelvan a pronunciar el nombre de sus pueblos con la cabeza alta.

Acercándose el final, con Llevadme a mi Extremadura no sonó como un ejercicio de nostalgia. Sonó como una frontera que desaparecía delante de nuestros ojos. Porque si algo quedó claro en Córdoba es que Andalucía y Extremadura llevan siglos compartiendo mucho más que una raya en el mapa. Comparten el mismo barro en las botas, el mismo humor de supervivencia y la misma manía de convertir la precariedad en fiesta.

Hubo una comunión total entre la propuesta cruda y rural de las Sanguijuelas y la explosión urbana y colorida de los cordobeses. Dos formas de entender la resistencia cultural que, al final de la noche, terminaron encajando como piezas de una misma estructura.

Tenemos azulejos que mirar y cemento de sobra para aguantar el tirón.

Programación del Festival de la Guitarra

El primer finde del Festival de la Guitarra de Córdoba ofrecerá una gran variedad de estilos en los siete conciertos que hay programados. Este viernes, en el Gran Teatro a las 20:30, Teddy Bautista presentará El Periplo de las Heroínas. Más entrada la noche, el Teatro de la Axerquía vibrará con el sonido indie de Los Planetas a partir de las 22:30.

El sábado la guitarra flamenca tomará protagonismo con José Antonio Rodríguez Quinteto en el Gran Teatro a las 20:30. Para los amantes de los sonidos más potentes, el Teatro de la Axerquía acogerá la Noche de Metal con las actuaciones de Warcry y Angelus Apatrida a las 22:00.

El domingo cerrará el fin de semana con tres propuestas de alto nivel. A las 20:30, habrá una doble cita: la guitarrista clásica Mª Esther Guzmán actuará en el Teatro Góngora, mientras que el legendario bajista Stanley Clarke presentará su espectáculo N• 4EVER en el Gran Teatro. Finalmente, el grupo Siloé llegará, con entradas agotadas, al Teatro de la Axerquía a las 22:30 con su Campo Grande Tour.

La Oreja de Van Gogh, en concierto

Córdoba Live traerá este sábado en concierto a La Oreja de Van Gogh tras el sonado regreso de Amaia Montero como vocalista. Tantas Cosas Que Contar es el nombre elegido para este tour que, además de rendir homenaje a uno de los grupos españoles más aclamados en todo el mundo, supone un guiño a uno de sus álbumes más emblemáticos, El viaje de Copperpot, que este año cumple 25 años. El espectáculo incluirá grandes éxitos de La Oreja de Van Gogh como Cuídate, La playa, Puedes contar conmigo, Rosas o 20 de enero.

Cine

Toy Story 5 llega este viernes al Coliseo de San Andrés en una única sesión a las 22:15. Además, en este mismo cine se podrá ver La asistenta tanto el sábado como el domingo y el lunes, también en una única sesión a las 22:15.

Por otro lado, Valdeolleros inicia este viernes su cine de verano en la plaza del barrio. Y lo hará con Spiderman: cruzando el multiverso a partir de las 22:00. También el viernes, en el campo de fútbol de la calle Poeta Antonio Gala, podrá verse la película El casoplón a partir de las 22:00.

Además, la Filmoteca de Andalucía proyectará este viernes, a partir de las 20:00, Toni Erdmann; y en este enlace puedes conocer los estrenos en las salas de cine de Córdoba.

Teatro

Y si lo tuyo es el teatro, el Palacio de Viana continúa este viernes con su ciclo de teatro al aire libre de la mano de Producciones Avanti y su obra Jodidas pero contentas; una reflexión divertida y mordaz sobre la complejidad de ser mujer en la actualidad, abordando lo exigente y mil veces contradictorio del rol femenino. La protagonista se enfrenta a las situaciones cotidianas de cualquier mujer y nos cuenta cómo sobrevive a ellas. Una obra cargada de muchísimo humor diseñada para provocar auténticas carcajadas.

Flamenco

El Quiosco Joven acogerá este viernes, a partir de las 21:00, el Concierto de Zarzuela Flamenco, una actuación especial dedicada a la memoria de Antonio Muñoz Caravaca. Este evento destaca por fusionar la tradición de la zarzuela con la profundidad del flamenco, ofreciendo una propuesta cultural diferente en el corazón de la ciudad.

Por otro lado, el ciclo Café Cantante traerá este sábado en concierto a la bailaora Carmen Álvarez, que actuará a partir de las 22:00 en la Posada del Potro.