El rapero cordobés Guerrita y el productor Manu Beats han publicado este viernes 13 de marzo Le Salon des Refusés, el primer adelanto de su próximo trabajo conjunto, un larga duración que llevará el mismo título que el single y que verá la luz a través de Ruanda Records, sello dirigido por el beatmaker cordobés Ciclo.

El tema se acompaña además de un videoclip dirigido y editado por Alejandro Valderas, que también se ha publicado este viernes. El título —y la propia canción— hace referencia al histórico Salón de los Rechazados, la exposición organizada en 1863 para mostrar las obras marginadas por el jurado oficial del Salón de París tras la polémica generada entre artistas y público. Aquella muestra paralela terminaría siendo clave en el nacimiento del Impresionismo y en el inicio de la modernidad artística.

E impresionista suena el piano que sirve de leit motiv de un single que ha sido mezclado por Ciclo y masterizado por Rafael Gomez en Maister Studio. En el videoclip participa además la actriz, pianista y cantante Noemi Moncrief, y se ha rodado en la Casa Museo Don Bosco.

Este proyecto supondrá el cuarto disco en solitario de Guerrita, tras 180º (2008), Loto y papiro (2017) y Metrópolis (2023). En su trayectoria reciente también destaca el trabajo publicado en 2025 junto al supergrupo We Ruanda, formado por Guerrita, Ciclo, Escandaloso Xpósito y Elphomega.

Después de su paso por Córdoba con motivo de Cosmopoética, festival durante el cual impartidó clases de rap, el artista volverá a a capital el próximo mes de mayo dentro de la gira Nunca muero que comenzará en febrero y que supone la vuelta a los escenarios.

En Córdoba, el sevillano ha agotado todas las entradas para su show, que se celebrará el 9 de mayo en la Sala M100 y que contará con artistas invitados.

Haze, Sergio López Sanz, comenzó su andadura en la música tras la elaboración artesanal y venta de su primera maqueta, Crónicas del barrio (2003), que disparó su trayectoria. Poco después le puso banda sonora a películas de éxito como 7 Vírgenes (2005) o Yo soy la Juani (2006). El flamenco lo acompañó cada invierno, en las plazoletas de su barrio, en las cansadas calles del extrarradio, donde también se encontró con las drogas, el delito y el cautiverio.

Tras varios discos profesionales y una carrera musical respetable, este 2026 vuelve a los escenarios para hacer un recorrido de toda su trayectoria artística. Desde Crónicas del barrio hasta Caín, repasando sus grandes éxitos, como Libertad, Gasolina, sangre y fuego, En esta celda, El Killo, Galopa, Dime qué es el miedo, Capitán Fariña, etc.

El artista sevillano, pionero e impulsor del rap flamenco, a día de hoy es profesor de Lengua castellana y Literatura de Enseñanza Secundaria en Andalucía. Además, ha publicado tres libros en los que se atreve con la poesía y con la prosa.

La artista catalana Queralt Lahoz llegará a Córdoba el próximo viernes 10 de abril de 2026 como parte de su nueva gira de salas, Favorosa Tour 2026, con la que recorrerá distintas ciudades de España y dará también el salto internacional hasta Londres. El concierto tendrá lugar en la Sala Impala, con apertura de puertas a las 20:00 horas.

Lahoz presentará en directo su segundo trabajo discográfico, 9:30PM, un álbum profundamente autobiográfico en el que la artista que sorprendió al público com Pureza, vuelve a demostrar su personalidad única y su capacidad para fusionar géneros.

En este nuevo proyecto conviven con naturalidad las raíces flamencas, el rap, los sonidos urbanos, la copla y la electrónica, consolidando un estilo propio que la ha convertido en una de las voces más singulares del panorama actual.

El impacto de 9:30PM ha traspasado fronteras. La radio pública norteamericana NPR ha incluido el disco entre los mejores álbumes de 2025. Los responsables de los reconocidos conciertos Tiny Desk han definido su propuesta como un ejemplo de “maximalismo energético, con ritmos insistentes e instrumentales impactantes que captan la atención”. Además, han destacado especialmente la voz de Queralt Lahoz, a la que califican de “imposible de ignorar”, “sensual y suave”.

Las entradas anticipadas para el concierto de Córdoba ya están disponibles desde 20 euros más gastos de gestión.

El mes pasado os comenté la hoja de ruta que voy a seguir en este blog. Habrá meses en los que publique todos los martes, otros donde publique dos o tres de ellos y, excepcionalmente, algunos donde publique una sola vez, como el pasado octubre. Según haga falta. Lo que sí que hace falta para hablar de Hip Hop es ir por orden, así que si este es un hotel, empecemos por el recibidor: el término en sí.

En lo etimológico, las palabras “Hip” y “Hop” han existido al menos desde el siglo XVII, pero hasta el siglo XIX solo aparecían en obras de teatro, refranes y algún poema. Fue sobre la mitad del siglo XX cuando se usó en el contexto que germinó la cultura que hoy lo nombra. Hay dos versiones de todo esto, y en ambas estaban presentes dos MCs: Keef Cowboy, del grupo Grandmaster Flash and the Furious Five (formado por los mencionados Keef Cowboy y Grandmaster Flash junto a Kidd Creole, Melle Mel, Scorpio y Rahiem) y Lovebug Starski.

La primera versión es que fue Keef quien acuñó el término, al ver a los militares formar filas y ponerle un “Hip” y un “Hop” vocalmente a cada uno de los pasos que daban, de manera burlesca. Esta es la más aceptada, porque la reunión de ambos se hizo como despedida de un amigo común que se iba al servicio militar, y además el patrón de palabras encaja con el uso de “Hip” y “Hop” como onomatopeyas de los movimientos corporales al bailar. La segunda versión es que fue Starski quien esbozó el término soltando frases mientras improvisaba. En cualquier caso, esto hizo que pasase a ser una jerga habitual en las block parties y en las jams. En esa época, durante los 60 y los 70, la música disco era la tendencia, y los DJs de las fiestas de música disco llamaban a los de las fiestas de los bloques por el nombre de hip hoppers peyorativamente, a lo que estos respondieron abanderándose el término como muestra de orgullo y usándolo como fortaleza en lugar de tomarlo como debilidad.

Pocos años después, a finales de los 70, uno de los tres padres de la cultura, el DJ Afrika Bambaataa, a quien aprovecho para señalar y condenar por sus delitos de abuso sexual infantil, fundó la organización Universal Zulu Nation, para congregar a todas las bandas del sur del Bronx y que tomaran una alternativa creativa y ociosa a la guerra callejera. En sus eventos llamaban a reunirse a quienes pintaban (graffiti), a quienes bailaban (breakers), a quienes pinchaban (DJs) y a quienes rapeaban, aunque aún no se llamase rapear (MCs). Sabiendo esto, si juntas las cuatro disciplinas artísticas y los haces habituales de tus eventos, pues voilá. Ahí lo tienes casi todo. La cultura Hip Hop y sus primeros cuatro elementos, los originales.

Hasta aquí todo es sencillo en lo referente a la etimología: Keef Cowboy y Lovebug Starski le ponen nombre a la cultura y Afrika Bambaataa junta los elementos que la definen. Pero ¿tiene significado “Hip Hop”, además de ser dos onomatopeyas juntas? Y cómo se escribe: ¿Hiphop, Hip Hop o hip-hop? Es más, ¿realmente importa cómo se haga? Bueno, de momento, yo te adelanto que sí, y que las tres son válidas, pero cada una tiene una definición y un nivel de importancia según nos cuenta el rapero KRS-One, conocido como «El Maestro» (The Teacher), y amigo y discípulo de los padres. Por supuesto, una voz más que autorizada del movimiento.

Este mes de noviembre se celebra por quinta vez el Mes de la Historia del Hip Hop desde que el Gobierno de Estados Unidos lo aprobara en julio de este 2021 mediante una resolución. En ella también se declaró el 11 de agosto como el Día de Celebración del Hip Hop y el mes de agosto como el Mes de Reconocimiento del Hip Hop. No te lo voy a poder enseñar todo en un mes porque estoy igual de lejos que tú de saberlo, aprendo cada día algo, pero creo que vas a disfrutar con las diferentes columnas que van a sucederse en los próximos martes, ya verás. Nos vemos la semana que viene con el significado de la palabra Hip Hop, sus tres niveles, y más sobre los fundadores de la cultura, que, por cierto, yo siempre pienso y digo que son cuatro. Cuídate.

Como cordobés que soy, al igual que para otras muchas y otros muchos, Fuengirola es mi “segunda casa”. La mayor parte de mi familia ha vivido toda mi vida allí, por lo que es habitual en mis recuerdos desde bien pequeño. Cuando voy a pasar tiempo con ellos, me gusta bajar a la playa, sobre todo en invierno. Es cuando más disfruto.

El camino que hago desde casa de mis abuelos y mis tíos hasta el paseo marítimo es todo recto, y cuando llego a la arena es por la conocida Playa del Castillo, justo donde desemboca el río Gomenaro. Este río tiene muchos nombres, de hecho, aunque el que menciono es el original, se le llama desde río Fuengirola hasta río de las Pasadas. Cada uno elige. Lo importante en todo esto es lo que se forma nada más chocar el agua dulce con el agua marina: un estuario.

Los estuarios son los lugares donde acaba el río y empieza el mar, y esa conjunción de dos lugares da pie a otro tercero. “Un lugar vivo con sus propias reglas, ritmos y posibilidades”, escribía en su propio Substack la columnista y política afroamericana Kendra Lara, en el quincuagésimo segundo aniversario del Hip Hop hace apenas dos meses. Utilizó este símil entre lo geográfico y lo histórico. En ese momento es cuando nació mi necesidad de abrir este espacio que hoy inauguro.

Hablar de Hip Hop en España parece ser un viaje en el tiempo 20 años atrás. El rap como binomio elemental entre dos de los elementos originales se ha comido en lo mediático a todos los demás (¿Hip Hop? ¿Elementos? Pero, ¿de qué me estás hablando?), y por si fuese poco, a menudo a quienes lo crean les da más vergüenza decir su nombre que a quienes lo toman. La “música urbana” se ha comido al Hip Hop. No es el fin del mundo y no hay que buscar a los culpables porque esto no viene ni de ahora ni de aquí abajo, está propiciado por entornos de poder capital. Somos víctimas que se han acomodado en una superficie que no flota ni toca fondo. Aquí es casi imposible morirse, lo que pasa es que ponerse de pie tampoco.

En este último año me he dado cuenta de dos cosas que me han hecho muy feliz: el tantísimo trabajo que hay por hacer en el aprendizaje, la conservación y la enseñanza de esta cultura que se nos ha prestado a la gran mayoría, y la enorme cantidad de críticos, divulgadores y estudiosos maravillosos que reman en esa dirección en España. Mi objetivo es unirme a ellos aquí, con una escritura lenta y reposada, con un mensaje sin adulterar y desde el principio. Empezar por lo teórico, como las etimologías de esta movida, y continuar por lo práctico, como el introducirse en ella con respeto y sin perderse permanentemente por el camino.

Quédate si esto resuena contigo. Si buscabas una forma de reconocer el Hip Hop sin estadísticas ni ruidos, esta es una buena oportunidad. Bienvenida. Bienvenido.

El rapero sevillano Haze lleva ya cinco cursos como profesor. Lo dice con naturalidad, como quien ha encontrado en la enseñanza una prolongación lógica de lo que siempre ha hecho en sus canciones: educar. “Siempre he tratado de dar buenos consejos en mis letras”, recuerda, evocando aquel estribillo de sus inicios (“siempre estás robando, tú no comprendes que eso no es bueno”).

A principios de los 2000, a Sergio, el chaval que se escondía detrás de Haze, se le miraba peyorativamente por hacer “rap para canis”. Más de 20 años después, los jóvenes de hoy están expuestos a través de la música urbana a una serie de mensajes que están en las antípodas del dibujo realista y esperanzador que hacía aquel artista sevillano de las condiciones materiales en los barrios de la periferia andaluza, en los que se escuchaba breakbeat, rap y flamenco.

Para él, el rap nunca fue solo un desahogo o una pose, sino una forma de transmitir valores. Esa misma filosofía es la que lo ha traído a Córdoba, invitado por Cosmopoética, donde ha impartido un taller intensivo de creación rapera. El curso, condensado en este fin de semana y en dieciséis horas, reunió a jóvenes de distintos perfiles, unidos por la curiosidad y el respeto hacia un artista que marcó una época con su fusión de rap y flamenco.

La propuesta partía de lo más básico: diferenciar rima consonante y asonante, contar sílabas, explorar recursos retóricos como la hipérbole, el oxímoron o el paralelismo. Pero la intención iba mucho más allá de la técnica. Se trataba de construir un espacio donde la escritura poética dialogara con la vida cotidiana de los participantes. “Les pedí que escribieran cuatro versos sobre el amor o que incluyeran un memento mori en una composición. A partir de ahí hicimos una lluvia de ideas, decidimos un tema común y nos dividimos en grupos para redactar estrofas”, explica Haze a Cordópolis en un hueco durante el taller. Luego vino la prueba del algodón: enfrentarse al flow, poner ritmo y cadencia a las palabras.

Espíritu crítico

El resultado, asegura, ha sido esperanzador. Algunos llegaban con experiencia, incluso con años de escritura a sus espaldas; otros, en cambio, jamás habían intentado rimar una línea. Pero todos han coincidido en algo: sonar a gente con espíritu crítico, con ganas de cambiar las cosas. “A mí me gusta pensar que están conectados conmigo en la idea de que debemos convencer a la gente, a través de nuestras letras, de que es bueno ser buena persona”, resume el rapero.

Su defensa del “rap auténtico” se entiende mejor cuando se le escucha hablar del panorama actual. Haze distingue entre la raíz del género y las múltiples ramificaciones que hoy copan las listas: reguetón, trap, drill o dancehall. No los desprecia, pero insiste en que no deben confundirse con la esencia del hip hop. “Lo que está más de moda es algo más mainstream, más comercial. Pero nunca muere ese rap de mensaje o de vaciles. Ahí están SFDK, Toteking, Kase O o La Mala Rodríguez para demostrarlo”. Lo que sí cuestiona es cierta tendencia nihilista, un carpe diem mal entendido que asocia al espíritu de Kurt Cobain: vivir rápido y dejar un bonito cadáver.

Frente a esa pulsión, su taller propone otra manera de estar en el mundo: disfrutar, sí, pero con conciencia, con memoria y con crítica social. No es casual que lo haga en Cosmopoética, un festival que lleva dos décadas tendiendo puentes entre poesía y música, palabra y ciudad. Para Haze, el rap no es otra cosa que poesía popular. “Como el flamenco”, añade.

El que abre la puerta, se lleva un palo

Y ahí se reconoce como pionero: a principios de los 2000, al mismo tiempo que Junior, apostó de manera seria por mezclar ambos géneros, cuando otros (cita a Solo Los Solo y Mala Rodríguez) solo habían coqueteado anecdóticamente con la fórmula. Aquella decisión le costó palos dentro del underground, donde lo tacharon de comercial. Hoy, con el tiempo, el cruce de rap y flamenco se ha normalizado y multiplicado en las voces de artistas como Dellafuente o Maka. “Me adelanté a mi tiempo. Por eso recibí tantas críticas, pero abrí una puerta que después muchos han cruzado”, dice sin resentimiento.

Esa mirada hacia atrás se complementa con otra hacia adelante. Haze no descarte que el futuro del rap pase por una institucionalización semejante a la del flamenco, con escuelas y programas académicos específicos. Recuerda que en Estados Unidos ya existen cátedras universitarias de hip hop donde se estudian todas sus disciplinas, desde el graffiti hasta el breakdance, pasando por la poesía rapera. “Aquí tímidamente se están haciendo cosas, como este taller. Y es importante, porque no hay que olvidar que el rap es literatura. Es poesía de la calle”.

El debate sobre la pureza frente a la inmediatez tecnológica estuvo también presente en el taller. Hoy un chaval puede escribir letras en el móvil, grabarlas en un estudio casero y alcanzar un éxito global en cuestión de días. El ejemplo de RVFV, almeriense convertido en fenómeno viral, ilustra esa posibilidad. Pero Haze insiste en que la rapidez no debe sustituir al estudio de los maestros: “Siempre hay que revisar de dónde viene todo para aprenderlo y avanzar”. Como hizo Camarón cuando rompió moldes al grabar con la Filarmónica, recuerda.

Desde una mirada bastante reposada, aunque sincera, Haze reconoce que hoy la música urbana está varada entre la comercialización extrema y la reivindicación de la autenticidad. Pero también advierte de que el rap, más que una moda pasajera, sigue siendo una herramienta de educación sentimental y de resistencia cultural. Una manera de recordarnos que incluso en un carpe diem, cabe la conciencia.

Por cuarto año consecutivo, la Delegación Municipal de Juventud del Ayuntamiento ha programado la IV Almodóvar Urban Culture, que tendrá lugar mañana sábado 9 de agosto a partir de las 21:00 con una apuesta por el rap, hip hop, djs, batallas de gallos y graffitti, y con El Langui y Re de Rumba como artistas destacados.

Con entrada libre y gratuita, el recinto ferial de la localidad ofrecerá un festival centrado en la música y el arte urbano, con una exhibición de breakdance como novedad y un muro de expresión libre donde cualquiera podrá perfeccionar la técnica del graffiti.

Juan Manuel Montilla ‘El Langui’ (Madrid, 1980) es un artista polifacético que ha destacado en el mundo musical, el cine, la televisión y hasta la literatura, donde ha publicado tres libros. Su fama trascendió con el grupo de hip hop La Excepción y por su papel en diversas películas, hasta que en 2009 obtuvo dos premios Goya –Mejor Actor Revelación y Mejor Canción Original- por la película El truco del manco.

Además de su carrera artística, ‘El Langui’ es conocido por su activismo en favor de los derechos de las personas con discapacidad, ya que él sufre de espasticidad debido a una parálisis cerebral, y por su labor como conferenciante motivacional. Además, recientemente se ha hecho jugador de bochas (boccia) adaptadas.

El otro plato fuerte de la jornada lo ofrederá R de Rumba, el beatmaker y productor, artífice del sonido del grupo Violadores del Verso, y uno de los artistas españoles más importantes de la historia del hip hop.

Además, les acompañarán en el escenario otros artistas del movimiento urban como Kursiva, Bicho, Lasole, Zylah, Blood & Fiah, DJ y DJ Luci.

Brujo Cantillo, nombre artístico de Daniel Domínguez López, se despide. No del todo, pero sí de una parte esencial de su trayectoria. Con Semillas del alma, el compositor y productor cordobés pondrá punto final a una década de exploración artística y emocional bajo el personaje que lo vio crecer en la música. Este nuevo disco, más que una obra, es un ritual: un adiós íntimo, un puente entre el ayer y el porvenir.

“Este disco no es solo una colección de canciones. Es una despedida, un ritual de cierre, una carta escrita con el alma”, confiesa Brujo en declaraciones a Cordópolis. Las palabras que acompañan el lanzamiento revelan un proceso profundo de transformación personal. Semillas del alma es la cosecha de un viaje artístico, pero también espiritual, donde la música se convierte en medicina, memoria y testimonio.

A sus 30 años, y con una carrera que lo ha llevado a colaborar con figuras como Juan Magán, Mala Rodríguez, David Bisbal, Karol G, Fuego, Lérica o Abraham Mateo, Cantillo elige parar. Y mirar atrás. Desde el barrio de la Fuensanta hasta los estudios de élite, su firma ha estado en decenas de hits, pero ahora su brújula apunta a otro destino: formarse como terapeuta humanista.

“El verdadero valor está en el barrio, en los chavales, en quienes ponen corazón y caminan con sentido”, afirma. Ese espíritu guía este álbum, que se aleja del escaparate comercial para convertirse en legado. Un trabajo dedicado especialmente a las nuevas generaciones que le han inspirado, como Zakyo, Eazy, N4ph, Alexyoo y la actriz y compositora Andrea Navas. A ellos les entrega un testigo simbólico, cristalizado en el track 8: Nueva Generación, única colaboración del disco junto a Arun Claros y Alex Barbado.

Detrás de la producción está Issy, productor de Algeciras con una sensibilidad sonora que Brujo califica como “clave” en este proceso. La visión gráfica ha sido desarrollada por Virginia, diseñadora con una mirada que, según el artista, “traduce en imagen lo que vive en el alma”. La masterización corre a cargo de Sher y Tom, técnicos que han trabajado con artistas de talla internacional como Feid, Maluma y Lil Pump.

El disco verá la luz el 8 de agosto. Esa fecha marca el aniversario de su abuela, una figura central en su vida. “Un día que siempre supo a despedida... y que hoy quiero transformar en celebración”, explica.

El “maestro de maestros” del rap en español está de vuelta. Juaninacka, figura clave en la historia del hip hop nacional, lanza Buenos tiempos, su nuevo álbum, esta vez de la mano del sello malagueño Ruanda Records, que dirige el músico y productor cordobés Ciclo.

Ciclo, de hecho, ha producido íntegramente este trabajo, en el que se ha encargado de la dirección musical con la precisión y sensibilidad que lo han convertido en uno de los nombres más respetados en la escena, como demuestra la publicación, este mismo año, del disco We Ruanda, junto a Elphomega, Guerrita y Escandaloso Xposito.

Buenos tiempos, que ha salido en edición física y digital, cuenta con 12 canciones que transitan entre lo íntimo y lo filosófico, arropadas por el círculo musical de confianza de Ciclo, entre los que se encuentran nombres como Gregorio Herreros, Zak Nelson o Amber Window.

Por su parte, Juaninacka despliega una lírica madura y serena, que apunta directamente al corazón de los tiempos que corren. “Es un disco que mira de frente y contesta sin tapujos a la necedad de la hipocresía, el cinismo, la banalidad e individualismo de esta sociedad, en la que el algoritmo y la IA sustituyen las necesidades e inquietudes más esenciales”, se lee en el texto que acompaña la edición física, firmado por Sebastián Arteaga.

El álbum propone un recorrido tan existencial como sonoro: de Las nubes de Aristófanes a El tiempo de la promesa de Marina Garcés. Como si Byung-Chul Han escribiera La sociedad del cansancio sobre un beat, pero esta vez con un samurái al micro, dispuesto a recordarnos que aún es posible “aprender a mirar-se”.

Todas las letras han sido escritas por Juaninacka, salvo las colaboraciones, que incluyen aportes líricos de sus intérpretes invitados. En cuanto a la producción, Ciclo firma todos los beats, mezclas incluidas, realizadas en Ruanda Records (Málaga). El mastering ha corrido a cargo de Rafael Gómez.

Entre los arreglos más destacados del álbum se encuentran las cuerdas de Zak Nelson en Venganza, el talkbox y la guitarra en Valor es por Sholo Truth y Martin Vereda, así como los teclados, bajos y sintes de Gregorio Herreros en varios cortes. El arte visual ha sido creado por Sergio Albarracín, con fotografías de Alejandro Valderas y diseño de mockups por Takumi Tomita.

Cuando vi el cartel de Cruz Cafuné en Córdoba me quedé absorto. Los últimos conciertos de rap a los que he ido en la ciudad, han sido en estas salas míticas de Chinales que, una vez cada 10 años, hacen rebranding y, pese a ello, nunca nadie les llama por el nombre actual.

Me sorprendió, dada su posición hasta hace un par de años y como oyente suyo desde 2018. Pero, instantáneamente, y haciendo un recap de estos últimos dos años, abrí los ojos: Cruzzi ya no es el obviado del underground; Cruzzi posiblemente sea el rapero con el catálogo más fuerte de España esta década.

La gente que se reunió en El Arenal haciendo cola desde las tres de la tarde compartirá un pensamiento parecido. No sé qué sentirá un canario al venir a la capital de provincia más calurosa de España, pero el tiempo debe pasar para él más despacio, y no solo por venir de otro huso horario.

Entre cristales clavados en el escenario como si fuesen kriptonita, y él Lex Luthor, apareció a la hora anunciada el rapero bajo los gritos de la gente. Es la primera vez que viene aquí, y en las tres primeras canciones pudo y pudimos corroborar las ganas que tenía la juventud cordobesa de que su voz sonase.

Da igual donde mirases, todo eran grupos con camisetas customizadas alternando entre portadas del mixtape Moonlight922, los álbumes Maracucho Bueno Muere Chiquito y Me Muevo Con Dios y la ya viralizada en Twitter camiseta del Inter de Milán con el nombre y logo del artista. Nunca sabremos por qué el anónimo vendedor de estas eligió ese equipo, pero que sepa que le ha puesto equipación a una religión contemporánea.

El show transcurrió con momentos distintos a la gira del último disco, clausurada en 2024. Es de las primeras veces que interpreta piezas de blu€s en directo, su EP más reciente, y deja atrás otras como VISIÓN TÚNEL o cáncer, capricornio, virgo. Aunque es de esperar que parte del repertorio se quede fuera en un espectáculo que duró en torno a una hora.

Los asistentes se quedaron con ganas de más después del cierre, para el que escogió Cangrinaje. Con ella, una cruz acristalada deja al artista a contraluz: un Carlos al que se le vio más adulto que hace un disco. Y el motivo expreso es justo estar en proceso de acabar otro, prometido en aquel fin de gira del Recinto Ferial -pero esta vez el de Tenerife- en abril del año pasado.

No perdemos las esperanzas de que vuelva a nuestra ciudad y nos ofrezca, ahora sí, un setlist que repase toda su carrera y demuestre por qué está donde está. Como él mismo dijo al cerrar: “Que el del piso de arriba nos dé salud para volver el año que viene con un disco nuevo bajo el brazo”.

Que así sea, Cruzzi.

El impacto de la rapera y poeta cordobesa Gata Cattana (1991 - 2017) en la escena cultural, musical y poética española es algo tan vivo, que todavía hoy su figura sigue siendo objeto de homenajes, guiños, reediciones o actos conmemorativos, mientras su rostro decora las paredes grafiteadas de decenas de ciudades, y sus frases se siguen leyendo allí donde hay manifestaciones por los derechos de los más desfavorecidos.

Pero es que, además, la fuerza de sus ideas, su claridad expositiva y también su capacidad para adelantarse a discursos que hoy son predominantes, pero sobre los que ella escribía cuando eran minoritarios, la han convertido en una figura digna de ser estudiada como alguien que trasciende los géneros creativos en los que destacó -la poesía y el rap-, de manera que, desde hace tiempo, el mundo académico ha vuelto su mirada hacia aquella muchacha que se marchó demasiado pronto.

“La cuestión es que nos sobrevivirá a todos, Gata Cattana es universal”, apostilla al respecto Susana Pinilla Alba, profesora asociada en la Universidad de Wuppertal (Alemania), y autora de varios trabajos doctorales y académicos sobre la artista.

Cordobesa, como lo era Ana Isabel García Llorente, Pinilla ha estado este jueves en Córdoba en un acto que ha servido para presentar la Poesía completa de la escritora, y en el que ha podido charlar con su madre, Ana Llorente, una figura clave en la difusión del pensamiento y la obra de aquella niña que empezó bailando flamenco en su pueblo, comenzó a rapear en serio en Granada y empezó a brillar en Madrid, donde le llegó una muerte inesperada en el año 2017 que la privó de disfrutar -si es que eso estaba en sus planes- del estrellato al que estaba destinada.

Pinilla, sin embargo, llegó a la obra de Gata Cattana algo más tarde. Fue en 2019, cuando decidió centrar su tesis doctoral en el análisis del rap desde los estudios literarios. En su investigación, descubrió la potente escena del rap feminista en España y encontró en Gata Cattana una de sus voces más representativas. “Desde ahí empezó mi interés por Gata. Primero por su rap, y luego también descubrí que tenía poesía, que tenía relato, ensayo, etcétera. Y nada, me fascinó desde que la escuché”, confiesa a Cordópolis la investigadora quien, además, se identificó profundamente con su mensaje, no solo por su condición de mujer cordobesa -ella nació en Rute- y migrante en Alemania, sino también por la formación humanística que ambas compartían.

El trabajo de Pinilla ha permitido llevar la obra de Gata Cattana al ámbito académico, explorando sus aportes desde diferentes perspectivas: la literatura, la filosofía, el feminismo y los estudios culturales. “Conectaba mucho con lo que yo sentía en ese momento”, explica, recordando la influencia que tuvo en su investigación especialmente la primera maqueta de la artista, Los siete contra Tebas.

Un rap que fusiona calle y biblioteca

Uno de los aspectos más distintivos de Gata Cattana, a su juicio, fue su capacidad de combinar elementos del rap callejero con referencias clásicas y filosóficas, un híbrido que difuminó los límites entre ambos mundos. “No veo tanto esos extremos, sino que es una hibridez totalmente formada y un mestizaje muy bien hecho”, sostiene Pinilla, que mantiene que, sin su influencia, no se entienden a artistas y grupos como Las Ninyas del Corro, Carmen Xía y Tribade. 

Además, aclara que el impacto de Gata Cattana no se limita a España. En el extranjero, su obra también ha despertado interés académico, especialmente en universidades que abordan los estudios culturales con una visión amplia. Pinilla destaca que en la Universidad de Wuppertal, donde imparte clases en el área de literatura, el rap y la música urbana generan gran interés entre los estudiantes. “Cada vez hay más tesis doctorales, trabajos de fin de grado y de fin de máster sobre estos temas”, señala.

Asimismo, resalta su impacto en el movimiento feminista que la convirtió en icono a pesar de sus tesis eran tremendamente profundas y muy poco amigas de lo superficial. Pinilla recuerda que, desde mucho antes del gran estallido feminista, Gata Cattana ya abordaba las violencias estructurales hacia las mujeres.

“El feminismo de Ana iba más allá del eslogan y las redes sociales”, reflexiona la investigadora, que reconoce que, si hubiuera tenido la oportunidad de conversar con la artista, habría hablado con ella sobre política, un tema en el que ambas compartían intereses. 

“Creo que nos hubiéramos llevado bien, porque tenemos cosmovisiones muy similares”, explica la autora de El legado poético de Gata Cattana para el feminismo. Sin embargo, también reconoce que el trabajo filológico está acostumbrado a lidiar con autores que ya no están, y que lo importante es la interpretación textual de su obra, que sigue ganando vigencia a cada año que pasa.

“Tenía tantos frentes desde los que se la puede analizar, que es una figura verdaderamente apasionante”, concluye la investigadora, autora de La obra total de Gata Cattana: Composición y recepción del rap en la era transmedial.

El Centro Andaluz de las Letras celebra durante febrero y marzo de 2025 un nuevo programa con el rap como centro de interés, titulado Rap: el arma es la palabra. Se celebrará en las ocho provincias andaluzas, y en estas ocho sesiones se indagará en los orígenes del género y en las conexiones entre la literatura y el rap, prestando una especial atención a las mujeres creadoras.

El ciclo está comisariado por la doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada Olalla Castro. En Córdoba, participarán Percless y La Syra. Percless es cordobés, rapero referente de la zona, sus temas buscan siempre contar una historia y esa narratividad le da un sello personal frente al resto, creando un ambiente único en los conciertos. 

Lasyra residente en Pozoblanco (Córdoba) es una rapera caracterizada por su estilo boom bap, y es vocalista de las banda Dreadsistance y XpresidentX. Empezó en octubre del 2005 a plasmar sus primeras letras en bases y desde entonces ha sido su primera vía de escape para dar rienda suelta a sus emociones.

La cita será el miércoles 12 de marzo a las 19.00 horas en la Biblioteca P. Grupo Cántico (Av. América, s/n), con entrada libre hasta completar el aforo.

Ellos lo llaman AOR (Adult Oriented Rap), un ingenioso juego de palabras a partir de uno de los géneros rockeros más denostados (el AOR de los Eagles, Survivor o Fleetwood Mac). Pero para el común de los mortales, los que hacen We Ruanda en su primer disco se puede traducir como rap para puretas. Aunque hay mucho más en Bantú, el LP del supergrupo formado por el beatmaker cordobés Ciclo y los raperos Guerrita (también cordobés), Elphomega y Escandaloso Xpósito.

Hablamos de uno de los trabajos más potentes del año -y no solo en su género-, y que ya se puede adquirir en vinilo en la web de Ruanda Records, el influyente sello de hip-hop independiente dirigido por el productor cordobés Ciclo, responsable también de buena parte del sonido que hay en un disco que ve la luz en una edición limitada de 250 copias que van a volar, y que se ha publicado en las plataformas digitales este 28 de febrero -una fecha que no está escogida al azar-.

We Ruanda es un paso natural para Ruanda Records, el sello de Ciclo, instalado en Málaga, pero que apunta cada vez más alto. Y también para sus autores, cuatro de los nombres más importantes de la escena independiente hip hop de España. Rap para raperos también puede ser una buena -y simple- forma de catalogar este trabajo, formado por 12 cortes que condensan todo un universo propio en 40 minutos.

Además, Bantú y el propio grupo nacieron a partir de la conexión humana y artística entre los cuatro. Tras haber lanzado sus propios trabajos bajo el sello Ruanda Records y realizar una pequeña gira juntos en 2024, los artistas decidieron unir sus fuerzas para crear este proyecto. Las jams se hicieron con más asiduidad y comenzó a surgir material nuevo.

Al supergrupo se han unido, no obstante, otros productores como Manu Beats, Lost Twin y Zak Nelson, quienes aportan su toque personal al sonido lofi del disco, y que acaban de redondear un álbum cuyo título hace referencia a la palabra africana que significa “gente” o “pueblo”.

Bantú refleja perfectamente el espíritu de este trabajo: un homenaje al sonido de Ruanda, que fusiona ritmos contemporáneos, melodías orgánicas y colores que van del soul al jazz, con claras influencias de la golden era del hip-hop. En este sentido, Bantú se aleja de los fuegos artificiales y del rap superficial para centrarse en lo que realmente importa: lo humano, lo cotidiano y la honestidad del mensaje.

Cada corte del disco destila madurez y la dilatada experiencia de estos cuatro artistas, quienes destacan por su naturalidad en el discurso, alejada de la pose que, más que probablemente, ellos mismos se impusieron cuando comenzaban en el mundo del rap. Asimismo, es un disco que pone de manifiesto la importancia de la comunidad sobre el individualismo y la simplicidad como un valor primordial en tiempos de excesos y ruido.

La cantante cordobesa India Martínez ha deslumbrado en la 37 edición de los Premios Lo Nuestro, celebrada este jueves en el Kaseya Center de Miami, en una ceremonia que se inauguró con la primera puesta en vivo de First love, el tema que ha unido a esta joven natural de Las Palmeras, con la superestrella Will Smith.

La canción, presentada hace una semana, pero que nació cuando los artistas se conocieron en Ibiza el pasado verano, se presentó con unas imágenes en las que se fabula con una encuentro entre Smith y Martínez siendo niños.

De esa imagen se pasa a la cantante en mitad del auditorio, abriendo el tema con un quejío flamenco que da paso a la entrada de Smith, antes de que ambos se unan sobre el escenario, con la cantante esquivando teatralmente un beso del actor y rapero. Junto a ellos, el guitarrista Marcin, como el tercer protagonista de la función.

La gala también contó con la participación especial de DJ Khaled, Thalía y Miami Sound Machine, quienes se unieron en una interpretación de Miami y Conga, rindiendo homenaje a la ciudad anfitriona y celebrando la diversidad musical.

Conducida por Alejandra Espinoza, Laura Pausini y Thalía, la ceremonia destacó por la variedad de actuaciones y la presencia de destacados artistas. Becky G y Carín León lideraron las nominaciones con 10 cada uno, mientras que Shakira y Myke Towers les siguieron con 9. Además, la ceremonia rindió tributo a la fallecida Paquita la del Barrio, con una emotiva interpretación a cargo de Pepe Aguilar y sus hijos.

Ruanda Records, el influyente sello de hip-hop independiente dirigido por el productor cordobés Ciclo, ha lanzado el primer adelanto del álbum Bantú, debut discográfico de We Ruanda, el supergrupo formado por el propio beatmaker, y los raperos Guerrita (también cordobés), Elphomega y Escandaloso Xpósito.

El single se titular Políticas humanas, y llega acompañado de un videoclip dirigido por Alejandro Valderas. Con letras a cargo de Elphomega, Escandaloso Xpósito y Guerrita, el track destaca por su lírica aguda y combativa, que invita a la reflexión sobre la realidad política y social. El beat, creado por Ciclo, fusiona bases clásicas con toques modernos que encajan perfectamente con la energía de los raperos, mientras que el saxofón de Escandaloso Xpósito añade una capa de soul y jazz suave a la producción.

Es el último lanzamiento del sello Ruanda Records, nacido en el corazón de Málaga y dirigido por el productor Ciclo, que ha logrado consolidarse como una de las discográficas más importantes del hip-hop en español. A lo largo de los años, ha mantenido un fiel compromiso con la esencia pura del género, mientras sigue evolucionando para conectar con públicos tanto clásicos como nuevos, tanto en España como en Latinoamérica.

Políticas humanas llega tras una serie de conciertos bajo el nombre de We Ruanda, en los que Guerrita, Escandaloso Xpósito y Elphomega tomaron los escenarios para ofrecer una puesta en escena única en la que Ciclo se encargó de los ritmos. Ese bagaje se ha volcado en un LP titulado Bantú, que verá la luz en 2025.

Ni en el recinto privado al otro lado de la autovía, ni en la zona pegada al estadio donde se han celebrado varios conciertos de gran formato, como el de Ricky Martin. El festival Córdoba Live, organizado por Riff y Concert Tour el próximo verano en El Arenal, se celebrará en pleno recinto ferial.

Según la web del festival, la localización donde se celebrarán los más de 12 conciertos ya anunciados será la calle Corredera del recinto ferial. Es decir, en pleno corazón de El Arenal.

El proyecto final de cómo será el recinto que montarán la promotora no está aún presentado, señalan fuentes municipales, pero, por el momento, a partir de las entradas que han salido a la venta habrá pistas y dos gradas (una de fondo y otra, mucho más cara, frente al escenario). En algunos casos también se colocarán sillas o butacas, para ver algunos directos.

Detrás de Córdoba Live están dos de las promotoras más importantes de España: la cordobesa Riff Producciones, la número 1 del sector, de hecho; y el grupo Concert Tour, que es una de las más relevantes.

Por el momento, ya han confirmado su presencia en el escenario de Córdoba Live Juan Magán (14 de junio), Cantajuego (15 de junio), Rels B (19 de junio), JC Reyes (20 de junio), Cruz Cafuné (26 de junio), Maka (27 de junio), Pecos (28 de junio), Cano (4 de julio), Amaral (05 de julio), Ca7riel y Paco Amoroso (9 de julio), Nicky Jam (10 de julio), Jhayco (11 de julio) o Manuel Carrasco (12 de julio).

Se llevaban apenas tres años. Las dos nacieron en una provincia andaluza de la periferia y crecieron como artistas fuera. Son dos de las voces más importantes que ha dado la música cordobesa en la última década, pero una de ellas falleció inesperadamente justo el año en el que la estrella de la otra comenzó a brillar en el panorama musical.

Hablamos de Gata Cattana (Adamuz, 1991-2017) y María José Llego (Pozoblanco, 1994). Las dos voces nunca llegaron a coincidir en un escenario, aunque Llergo siempre ha reivincidado a la poeta y rapera como alguien de enorme influencia en su trayectoria.

Ahora, Radio 3 ha juntado la voz de Maria José Llergo y los versos de Gata Cattana en un especial dedicado a este última. Ha sido en el programa Generación Ya, que ha contado también con otras voces como Sara Socas, Teo Lucadamo, Alejandra Martínez De Miguel, Nico Miseria y Laura San para recitar versos extraídos de la poesía de la artista de Adamuz.

En el caso de Llergo, ha optado por No voy a mentirte, un poema que representa a la perfección a ambas mujeres (“yo no soy de la calle, yo vengo del campo, canto por la sierra como mis ancestros”). El mini recital está en un vídeo que ha subido a Instagram la cuenta de Generación Ya.

Es uno de los discos más influyentes de la música española de lo que llevamos de siglo y un testimonio tristemente irrepetible de la singularidad de una voz que se apagó demasiado pronto. Acumula millones de reproducciones en plataformas y el CD, único formato físico en el que se editó en su día, está agotado y las copias que salieron se venden de segunda mano por el triple de precio. 

Pero el formato en el que nunca vio la luz es el vinilo, a pesar de que ha sido una reclamación constante entre los aficionados rendidos ante Banzai, el debut discográfico y, a la vez, disco póstumo de la artista cordobesa Gata Cattana.

Ahora, siete años después de que Banzai llegara a las plataformas, las plegarias de los melómanos del vinilo han sido atendidas. El disco se editará en vinilo. Será una edición limitada con una nueva portada e imagen, pero con el mismo tracklist que el CD que se publicó en octubre de 2017.

Banzai, fue un disco autoeditado y producido por la propia Gata Cattana (con David Unison), y que contó con las colaboraciones vocales de Bejo y Scarface Johanson, además de Hielo y Nico Miseria. 

Tras su salida, rápidamente fue saludado por la crítica como uno de los mejores trabajos del año 2017. Revistas musicales de referencia como Mondosonoro lo colocaron en el cuarto puesto entre las grabaciones más importantes hechas en España en 2017, y meses después, fue el Mejor Álbum de Música Urbana en la décima edición de los Premios MIN de la Música Independiente.

Desde entonces, el estatus de culto de ese disco no ha parado de crecer, de forma análoga a la figura de su creadora, nacida en Adamuz y fallecida el 14 de marzo de 2017 a los 26 años, precisamente en plena producción de esta obra que, ahora, va a vivir una nueva vida en uno de los formatos predilectos para los melómanos.

El disco ya se puede pedir, aunque no llegará hasta la primavera de 2025 (si la planta de producción cumple su agenda). El enlace para adquirirlo es el siguiente: https://tumerchan.com/producto/preventa-vinilo-banzai-gata-cattana/

Las actividades del festival Cosmopoética, que a partir de este viernes vivirá su 21 edición, volverán a salir un año más de los recintos culturales o educativos con la finalidad de extenderse por otros ámbitos cotidianos. Las calles, los establecimientos hosteleros o diversos enclaves patrimoniales serán protagonistas con propuestas vinculadas tanto con la literatura como con el arte o con géneros musicales contemporáneos en los que la palabra o lo poético son fundamentales.

Es el caso por ejemplo de las dos actividades que se han programado este fin de semana para acercar la poesía a los más jóvenes y a los barrios de la ciudad, ofreciendo alternativas de ocio saludable y expresión artística. En ambas propuestas, la Asociación Juvenil Benefip-hop colabora con el objetivo de recoger alimentos en beneficio del Comedor Social.

En primer lugar, este sábado 28 de septiembre de 2024 a las 20:00 en el Anfiteatro del Zoco tendrá lugar el Duelo de Poetas Urbanos. En esta actividad los participantes compiten por alcanzar el reconocimiento del público y la distinción como Poeta Urbano de Cosmopoética 2024. Con este evento se pretende acercar la poesía a la juventud y el ‘freestyle’ rap a toda la población.

El Duelo de Poetas Urbanos cuenta con 32 seleccionados con amplia trayectoria en las batallas de ‘freestyle’ del panorama nacional e internacional como Mr. Ego, Jesús LC, Fabiuki, CDFlex, JMD.420, Pitu Dood o Perropeligro. Además, participan los mayores exponentes de Córdoba, caso de Santi, Tiago, Nathan, Jiro, Espacio en Blanco, Kape G, Seta, Sebbas y Khalos.

Por otro lado, el domingo 29 de septiembre de 2024 a las 12:00 en la Avenida de la Viñuela tendrá lugar la Exhibición de Freestyle Rap. En este evento, el artista internacional BLON (campeón nacional de Red Bull Batalla de los Gallos) comparte escenario con los cordobeses Sebbas y Khalos. Previamente, se sucederán breves conciertos de varios artistas locales como Clásiko, Sensa, Davelo, Alex Aceka, Kape G, Marchante, Eva Kobos, Troyano, Luna374 y Maleni Delgado.

Arte y mucho más

El festival Cosmopoética también apuesta este año por el arte contemporáneo, con dos propuestas que estarán protagonizadas por el artista cordobés Goval y por el colectivo Nadie. El primero de ellos plantea con sus ‘Cajitas Poéticas’ un universo que invita a la reflexión sobre asuntos como la guerra, el amor, el progreso o la sociedad de consumo utilizando para ello objetos de la vida cotidiana pero alterando su uso habitual. Esta instalación se podrá visitar en el hall de la Sala Orive durante todo el festival.

El grupo Nadie propone por su parte el proyecto ‘En el aire', que capta con este nombre la esencia de la poesía que flota libremente y se mezcla con el entorno urbano. Se trata de globos elevados que representan cómo los versos pueden estar literalmente en el aire, accesibles a todos, y transmiten la idea de que la poesía está presente en cada rincón de la ciudad y en el ambiente que nos rodea. Se podrá disfrutar el día 4 en el Pasaje de Orive y el 5 de octubre en la Calleja de la Hoguera y la Puerta del Puente.

Tampoco faltan en la 21 edición del festival las ya clásicas Cosmoservilletas, que desde hace varios días se pueden ver en diferentes establecimientos hosteleros de Córdoba. Este año se han impreso 300.000 ejemplares en los que aparecen versos de poetas presentes en Cosmopoética 2024 como Hollie McNish, Antonio Díaz Mola, Azahara Palomeque, Liudmyla Diadchenko, Elvira Sastre o Joaquín Pérez Azaústre. Otra propuesta en el mismo sentido son los Cosmobalcones, que a través de diversos carteles logran que la poesía se suba un año más a los balcones y rejas de diversos barrios.

Actividades paralelas

Otra característica del festival que se repite en 2024 es que el espíritu de esta propuesta se ‘contagia’ a otras instituciones, que también promueven proyectos que permiten que Córdoba muestra su potencial cultural y su diversidad de espacios y propuestas. La Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, el Centro de Arte Contemporáneo C3A de la Junta de Andalucía, los molinos de Martos y de la Alegría o el Palacio Episcopal serán algunos de los espacios en los que también se podrá disfrutar del espíritu abierto y diverso que caracteriza a Cosmopoética.

En ese contexto, regresa por ejemplo al festival un año más el ciclo Moliendo Versos, organizado por el Instituto Municipal de Gestión Medioambiental (Imgema) bajo idea de la poeta y periodista Pilar Sanabria. Para este año, en el que alcanza su séptima edición, se cuenta con poetas que llegan desde varias localidades de la provincia. Este séptimo ciclo de Moliendo Versos toma este año como referencia y homenaje al poeta francés André Breton, ya que se cumple el centenario del ‘Manifiesto al Surrealismo’. Este viernes a partir de las 20:30 se podrá disfrutar en el Molino de la Alegría del Botánico de la primera sesión con Alberto Díaz-Villaseñor, Mari Cruz Garrido y David González Lago. El sábado el ciclo se traslada al Molino de Martos con Gema Albornoz, Eva Durán y María José Mures. El viernes 4 se retoma de nuevo en el Molino de Martos con Antonio José Muñóz Béjar, José María Molina Caballero y Soledad Raya, mientras que la clausura será el 5 de octubre en el Molino de la Alegría con Antonio Agudelo, Rafael Calero y Jacob Lorenzo.

El C3A de la Junta de Andalucía también se sumará a Cosmopoética el día 28 desde las 20:30 con una propuesta de la bailaora e investigadora chilena Javiera de la Fuente. Se trata en este caso de una ‘performance’ en la que presentará una nueva pieza que clausurará el programa público de septiembre de la exposición ‘Ecologías de la paz’. Al día siguiente, el 29, el Palacio Episcopal también se sumará a Cosmopoética con la presentación de una antología de poesía espiritual de autores andaluces, que se presenta bajo el título de ‘Luz de tu rostro’ y que ha coordinado las poetas Mariluz Escuín y Araceli Sánchez Franco. Por último, el 30, el espíritu de Cosmopoética llegará a la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores con una nueva edición del Vermut Poético, que este año estará protagonizada por los escritores Ben Clark, Juan de Beatriz y Raquel Vázquez.

La programación y los horarios concretos de cada actividad se puede consultar en: https://www.cosmopoetica.es/