Dos pesos pesados de la industria audiovisual española, Rafael Cobos y Alberto Rodríguez; un productor de renombre, Domingo Corral (hasta ahora responsable de ficción en Movistar Plus); y una distribuidora que es sinónimo de calidad, HBO Max, están detrás de un proyecto audiovisual que rescata la vida y desaparición de El Nani, un quinqui que fue arrestado por una mafia policial en la España de los 80 y cuyo cuerpo nunca ha sido encontrado.

Una historia con todos los ingredientes que son del gusto de la pareja responsable de La isla mínima, El hombre de las mil caras o Anatomía de un instante y que, de nuevo, los puede traer a Córdoba (donde ya estuvieron para investigar la figura del enigmático Guimerá para su película sobre Paesa y Luis Roldán).

Y es que, aunque nunca se ha encontrado su cadáver, uno de los puntos más señalados en el mapa de la búsqueda del cuerpo del primer desaparecido de la Democracia española, es la provincia de Córdoba. Concretamente, tres zonas: los embalses de Puente Nuevo y Guadanuño y una extensa finca en el término de Obejo, propiedad de un aristócrata relacionado criminalmente con los policías responsables de la tortura de El Nani en dependencias policiales.

La historia y la desaparición de El Nani

Santiago Corella Ruiz, conocido como El Nani, nació en 1954 en Guadalajara y se trasladó siendo niño a Madrid, donde comenzó a trabajar muy pronto y entró en contacto con la delincuencia desde joven. Su trayectoria criminal se desarrolló en los márgenes de la sociedad de la época, en un contexto de precariedad que marcó su vida desde la infancia. Era lo que hoy se asocia como quinqui: un joven adicto a los opiáceos que atracaba joyerías y que entraba y salía de la cárcel.

El caso que desencadenó su detención fue un atraco a una joyería madrileña en 1983 en el que murió el propietario. Aunque inicialmente El Nani se había desvinculado del golpe, fue señalado por un testigo en unas condiciones irregulares, lo que derivó en su arresto el 13 de noviembre de ese mismo año por un grupo de policías entre los que se encontraba Victoriano Gutiérrez, El Guti, cabecilla de una mafia policial que estaba detrás de numerosos atracos a joyerías y al que El Nani había atropellado unos años antes.

Tras su detención, el joven fue trasladado a los calabozos de la Dirección General de Seguridad, donde, según relataron familiares y se probó posteriormente, fue sometido a torturas para que confesara el paradero de un oro robado en un golpe anterior en el que sí había participado. Los testimonios en el posterior juicio recogieron los interrogatorios violentos y las presiones a las que fue sometido durante horas en el interior de una comisaría de la que no se sabe a ciencia cierta si salió con vida.

El relato policial oficial fue que esa misma noche, varios agentes sacaron a El Nani gravemente herido y lo trasladaron a un descampado a las afueras de Madrid y que logró huir, a pesar de que había sido molido a palos unas horas antes. Sin embargo, la versión oficial de una supuesta fuga (que fue comunicada al resto de agentes tres horas después) fue desmontada posteriormente por la investigación judicial, que consideró imposible que pudiera escapar en el estado en el que se encontraba.

La cuestión es que, desde aquel día, nunca más se volvió a saber de él. Y que solo por el empeño de su esposa y sus hermanas, se logró activar una investigación judicial que acabó concluyendo que El Nani murió bajo custodia policial y que su cuerpo fue ocultado, y que también puso fin a la mafia policial responsable tanto de su muerte como de otros asesinatos y atracos cometidos en varios puntos de España.

La pista del aristócrata y la finca de Obejo (febrero de 1988)

Su cuerpo, eso sí, nunca ha aparecido. A lo largo de los años surgieron distintas versiones sobre su paradero -desde un enterramiento en cal viva en un descampado de Madrid hasta su traslado a Córdoba-, pero ninguna ha podido confirmarse, incluidas las que vinculan el entierro de su cuerpo en esta provincia, extraídas de una confesión a medias.

Esa confesión la había hecho Jaime Mesía Figueroa. Nieto del conde de Romanones, se le conocía como El Marqués en los ambientes delictivos de la España de la Transición. Pese a su origen privilegiado, su nombre apareció reiteradamente vinculado a investigaciones por atracos, secuestros y tramas criminales desde finales de los años setenta. Según diversas informaciones judiciales y periodísticas, habría actuado como cerebro o facilitador de golpes, aportando armas, contactos y datos sobre posibles víctimas -a menudo miembros acaudalados de la élite que él mismo conocía-. Incluso se le relacionó con el espectacular atraco a una sucursal de Banesto en 1985, para el que supuestamente proporcionó planos y garantizó cierta impunidad gracias a sus conexiones.

Su nombre emergió en la investigación de la desaparición de El Nani a raíz de varios testimonios que lo vinculaban indirectamente. Mesía Figueroa pertenecía a una familia histórica de la élite española, con patrimonio agrario relevante, entre el que destacaba la finca Campo Alto, entre los términos municipales de Obejo y Espiel, con miles de hectáreas y donde eran habituales las cacerías de la alta sociedad -y los advenedizos policías, como se contó en el juicio-. Hasta estas 4.000 hectáreas de terreno dirigió las pesquisas el aristócrata debido a unas declaraciones realizadas desde Brasil a la revista Interviú, en las que afirmó haber enterrado el cadáver de El Nani tras su muerte, aunque matizó que no lo había hecho en su finca cordobesa.

A pesar de negarlo, dos semanas después de estas palabras, se inició una investigación policial discreta en Campo Alto en febrero de 1988, en busca de indicios que confirmaran esa posibilidad. Según la información publicada por Juan José Echeverría y José Luis Rodríguez en El País, varios testigos sí que situaron en su entorno a agentes implicados en el caso. En particular, los guardas de su finca identificaron a un inspector conocido como “don Víctor” -presuntamente Victoriano Gutiérrez Lobo- como visitante habitual del lugar, donde acudía a cazar con el propio Mesía. Estas visitas, a veces nocturnas y en compañía de otros hombres, alimentaron las sospechas en torno al uso de la finca. Sin embargo, pese a estas sospechas y a los indicios recabados, nunca se detectaron movimientos concluyentes ni pruebas que confirmaran la presencia del cadáver en la finca.

El rastreo en los pantanos (julio de 1988)

Meses después, en julio de 1988, la búsqueda se trasladó a los pantanos de Puente Nuevo y Guadanuño, también en la provincia de Córdoba, y en las inmediaciones de la finca. La Audiencia Provincial de Madrid ordenó el rastreo tras nuevas declaraciones que situaban el cuerpo en uno de estos embalses, toda vez que la búsqueda en la hacienda del aristócrata había sido infructuosa.

El operativo movilizó a miembros de los Grupos Especiales de Actividades Subacuáticas (GEAS) de la Guardia Civil, procedentes de varias unidades, que comenzaron a explorar el pantano de Puente Nuevo, de gran profundidad y extensión. Las condiciones eran complejas: aguas turbias, presencia de residuos y hasta 37 metros de profundidad en algunas zonas.

Los equipos centraron la búsqueda en áreas cercanas a las presas, consideradas los puntos más accesibles para arrojar un cuerpo. Posteriormente, se desplazaron al embalse de Guadanuño, más pequeño y menos profundo, para continuar las labores sin interrumpir el operativo.

Sin embargo, tras dos días y medio de rastreo intensivo, los submarinistas no encontraron ningún resto humano ni indicio que confirmara la hipótesis. La acumulación de lodo, la escasa visibilidad y la complejidad del terreno dificultaron enormemente el trabajo, que concluyó sin resultados, dejando el caso, una vez más, sin respuestas definitivas y sin que la familia de El Nani pudiera recuperar el cuerpo, ni los jueces pudieran condenar por asesinato a los autores de su muerte, que sí que fueron condenados a penas superiores a 29 años por los delitos continuados de falsedad y de detención ilegal con desaparición forzada.

El caso ya se convirtió en película a finales de los años 80, coincidiendo con el inicio del proceso judicial. Se tituló Matar al Nani y se vendió como una peli quinqui, lo que no ayudó a su éxito. Más justicia al caso le ha hecho el documental Pacto de silencio, de Ángela Gallardo, disponible en RTVE, y que muestra material de archivo inédito. Los siguientes serán Cobos y Rodríguez, una pareja que ha demostrado solvencia de sobra a la hora de retratar la corrupción y las sombras de la modélica Transición española, cuyo primer desaparecido oficial fue El Nani.

En este mundo de trincheras identitarias, el mercado ha encontrado un nicho perfecto en lo LGBTIQ+. La industria audiovisual, que más allá de lo creativo no busca sino consumidores ávidos de productos, se está dejando llevar por esa corriente en la que podemos encuadrar películas y series que nos dibujan una realidad sin aristas. Empaquetada con papel de colores y purpurina. Sin recato alguno en la reproducción de roles y estereotipos, además de continuista con respecto a las pautas y valores del ecosistema heteronormativo, contra el que se supone que estábamos luchando. En muchos casos pareciera que con reducirlo todo a amores y desamores, músicas nostálgicas y acontecimientos eufóricos, el producto habría pasado el filtro de lo políticamente correcto y, en consecuencia, y es algo que nos debería hacer sospechar, es capaz de recabar audiencias exitosas. Lo cual significa que incluso quienes no están por la labor de desmontar el orden binario de género, sino más bien al contrario, se han sentido a gusto con la propuesta. Entre otras cosas, porque han encontrado un equilibro conservador que les permite incluso avalar su intención de acudir a las marchas del orgullo, donde bailar al ritmo de la reaccionaria Alaska, de la mano de la Mariliendre de turno.

Es por todo ello que disfrutar de una propuesta como Una perra andaluza, de la que se acaba de estrenar su segunda temporada en Filmin, resulta para mí motivo de celebración, el mejor que podría recomendar para un 28J que me temo descafeinado y sin fuerza vindicativa. Con escasos medios y unos intérpretes noveles, la serie creada por Pablo Tocino tiene la gran virtud de mostrarnos a seres imperfectos, la mayoría de ellos en ese período tan cruel que suele representar el tránsito a la madurez (hacerse mayor es una guarrada, es cierto), que viven en contextos precarios y que se enfrentan al amor y al sexo, y también a su propia identidad, a su quebradiza imagen, en espejos que se clavan y no desde los áticos lujosos de quienes parecen vivir un paraíso habitado por influencers y enganchados al gimnasio.

Por el contrario, Una perra andaluza, además de ubicarse en esa periferia urbana que no suele ser escenario de las historias de disidencia sexual más taquilleras, tiene el gran mérito de mostrarnos a individuos rotos, frágiles, dubitativos y en permanente cuestionamiento. En relaciones donde no siempre el sexo es vivido como una fiesta y en las que también existen violencias, humillaciones o insatisfacciones. Incluso en uno de los capítulos la serie se atreve con el debate del consentimiento en una relación homosexual. Aunque la serie nos hace reír y sonreír, esta producción tan andaluza, en el mejor de los sentidos, no renuncia a mostrarnos el lado más amargo de unas identidades en precario, de unas vidas que en muchos casos arrastran los traumas de una infancia vivida desde la rareza, de una fragilidad socioeconómica que dificulta la autonomía y de una soledad, más extendida de lo que pensamos en estos tiempos de redes sociales y aplicaciones de ligoteo, que nos hace cada vez más vulnerables.

Y, todo ello, al fin, vivido en viviendas pequeñas y sin lujos, donde los personajes no abren una botella de vino nada más llegar a casa, en las que no vemos estanterías cargadas de libros tal vez sin abrir, y en las que no hay ni baños gigantes ni camas que parecen alfombras voladoras. Al contrario, en esta serie percibimos los olores de la precariedad, la aspereza de las sábanas baratas y, por supuesto, ese cariño que teje vínculos afectivos elegidos, tan importantes para los sujetos no normativos, aunque también, y con un par de personajes imprescindibles, Tocino no renuncie a mostrarnos un clásico: la madre del maricón.

Una perra andaluza no tiene la perfección formal de otros productos que nos venden, ni cuenta con estrellas televisivas en el reparto ni con intérpretes que tengan a sus espaldas una larga trayectoria. Ni falta que le hace. Justamente en su radical honestidad, y en su valentía por mostrarnos una realidad que es mucho más compleja de lo que se nos muestra habitualmente, reside el valor de esta propuesta. Una apuesta que crece en la segunda temporada, la cual desemboca en un emocionante y bellísimo capítulo final, en la que, además de seguir riéndonos con unos personajes que se hacen querer, somos atravesados por las heridas que arrastran, por sus dudas e incertidumbres, por su nómada estar en una sociedad tal vez rica en tolerancia pero todavía torpe en reconocimiento. Y es ahí, en ese contradictorio espacio, donde vemos luchar por encontrar su lugar en mundo a seres humanos que nos demuestran que todos somos monstruos, y que la normalidad acaba siendo una suerte de normatividad.

Todo eso acompañado de una contextualización pop – esos carteles de las habitaciones – y muy sevillana – esas Vírgenes que no existirían sin maricones que les gritaran “guapa” - , y de una banda sonora que ya quisieran otras series que solo reciclan éxitos de Operación Triunfo, además de una valiente manera de mostrar los cuerpos, fundamentalmente masculinos, sin ese recato moralista, y en el fondo muy homófobo, que muestran la mayoría de los productos gayfriendly. En ese sentido, estoy seguro de que Una perra andaluza será del agrado de los autores del clásico Políticas anales. De la misma manera que las mujeres lesbianas, binarias o curiosas se sentirán bien reflejadas y contadas en una serie que intenta no ser falocéntrica.

En fin, un maravilloso regalo en este mes de manifestaciones que más bien son desfiles y de pancartas a las que sobran siglas de partido y connivencias con activistas estelares, y que nos recuerda que el sexo, como el amor, se mueve siempre entre el placer y el peligro. Y que en esa tensión, todos, todas y todes, imperfectos como somos, no hacemos sino malabarismos para no acabar como Virginia Woolf en el Guadalquivir. Al menos yo quisiera pensar que, además de para otras muchas cosas, Una perra andaluza puede ayudar a que muchos sujetos se sientan como Samu, uno de los protagonistas, en esa suerte de bautizo andaluz que le abre un horizonte de posibilidad. Una especie de Orlando capaz de reinventarse. Un niño raro, al fin, convertido en una perra andaluza.

Los cines Axion de Córdoba estrenan el 15 de marzo los cinco episodios que componen la serie Aula 423, una producción netamente cordobesa que ahonda en un tema tan profundo como la salud mental en los jóvenes, y que ha sido dirigida por Manuel Giráldez.

Creada y escrita por F.J. Rodríguez y bajo la producción de Blue Moon Films, contando con la dirección fotográfica de Manuel Chacón y música de Jesús Villanueva, Aula 423 narra la historia de seis adolescentes cuyas vidas han tocado fondo por distintas razones. Cada uno de ellos llega a una terapia grupal buscando respuestas, enfrentando sus mayores miedos y las heridas del pasado. Con la guía de Jorge, un terapeuta con un enfoque empático y poco convencional, descubrirán que aunque sus historias parecen irreconciliables, están más conectados de lo que imaginan.

En este camino, no solo enfrentarán sus demonios internos, sino que también vivirán historias que marcarán sus vidas. La amistad verdadera, el amor, el miedo ante el rechazo social, las consecuencias de las decisiones que se toman sin meditar o la identidad de género son algunos de los temas que se exploran en esta serie que cuenta con cinco capítulos.

La serie explora las consecuencias de una sociedad que se preocupa poco por la salud mental en los adolescentes, pero también celebra la fuerza del espíritu humano, el valor de la amistad y la posibilidad de superar las adversidades. A medida que comparten sus experiencias y enfrentan desafíos juntos, aprenderán que a veces la oscuridad solo puede ser iluminada por quienes están dispuestos a caminar a tu lado.

Un interesante elenco de actores forma parte de la serie: Ángel Varo que encarna a un entrenador con pocos escrúpulos y Cristina Perea, una madre que reaparece al cabo de muchos años en la vida del hijo que abandonó, acompañan a los jóvenes actores, Félix Camacho, Sergio Reif , Carlos Nicot, Alejandra Carretero, José Fernández, Ana Muñoz, Julio Torres, Pedro Prieto, Raúl Ruiz, y Guillermo Rodríguez que protagonizan y dan vida a unos complejos personajes. 

Una serie que ha sido rodada en distintos puntos de la capital cordobesa, teniendo como punto central el IES Fidiana, rodándose algunas escenas en el club Ángel Casado, Viveros La Cañada y en los hoteles Averroes y Riad Arruzafa. Además de contar con colaboraciones de firmas como Silbon y Only One.

El estreno de los cinco capítulos tendrá lugar en Cines Axion del Centro Comercial El Arcángel el sábado 15 de marzo, para el que ya se han agotado las invitaciones.

Cada vez es más común que los espectadores, fascinados por una película o serie, decidan viajar a los lugares donde se rodaron sus escenas favoritas. Este fenómeno, conocido como turismo cinematográfico, ha experimentado un crecimiento significativo en las últimas décadas. Se estima que en 2018 más de 80 millones de turistas viajaron con esta motivación, consolidando este tipo de turismo como una industria en expansión.

Pero más allá del impacto económico, la industria audiovisual transforma la imagen de los destinos y modifica la forma en que son consumidos. En algunos casos, la llegada masiva de visitantes ha impulsado la economía y revitalizado ciertas zonas. En otros, ha generado problemas de masificación, gentrificación y alteración de la identidad local, que puede resentirse de un consumo superficial, basado en la instantaneidad, la curiosidad por la escena sin contexto y el desinterés por la historia o la cultura local.

Son factores contrapuestos de un debate clave para muchas ciudades, que buscan equilibrar los beneficios del turismo con la sostenibilidad.

Turistas leales repartidos en el tiempo

A pesar de que en muchas ocasiones el fenómeno turístico, eje tractor principal para la economía de España, puede desembocar en situaciones desfavorables, el turismo cinematográfico, si se gestiona bien, actúa como reclamo y elemento desestacionalizador.

Los espectadores prestan atención a los lugares mostrados en pantalla, lo que despierta su interés en conocerlos. Además, buscan comparar la imagen construida a través de la serie o la película con la realidad y vivir experiencias auténticas. Esto refuerza el impacto del cine y la televisión en las decisiones de viaje y su potencial como herramienta de marketing territorial.

Otro aspecto positivo del turismo cinematográfico es que contribuye a redistribuir los flujos turísticos a lo largo del año. El resultado de esta mayor actividad en los momentos de menor demanda turística tiene varias consecuencias deseables. Por un lado se dinamizan los espacios al tiempo que se mantiene el interés por el lugar, lográndose un reclamo sostenido, con un mayor crecimiento económico y un menor impacto social, cultural y ambiental.

El turismo de matriz cinematográfica también implica un grado mayor de lealtad al destino. Esto permite que el turista establezca un vínculo, asociado al deseo de volver a visitar el lugar. A menudo, los propios viajeros se encargan de difundirlo a través de redes sociales o se vuelven prescriptores que lo recomiendan.

La autenticidad juega un papel decisivo en este sentido, pues transmite esa posibilidad de hacer sentir al turista emociones y cautivarlo. La conexión emocional es clave para generar esa motivación por el lugar y esa lealtad.

Estas conclusiones se derivan de los estudios que viene llevando a cabo el equipo multidisciplinar del Centro de Análisis y Prospectiva del Turismo (CAPT) de la Universidad de Córdoba. Una investigación que ha tenido el cuenta el perfil sociodemográfico del turista cinematográfico y sus principales intereses y motivaciones.

Dubrovnik antes y después de ‘Juego de Tronos’

El cine y la televisión tienen el poder de cambiar la percepción de un destino y de convertir espacios cotidianos en lugares icónicos. Dubrovnik, por ejemplo, experimentó un aumento exponencial del turismo tras convertirse en Desembarco del Rey, la capital de los siete reinos en Juego de Tronos.

Lo que antes era un destino de nicho en Croacia pasó a recibir un 40 % más de turistas en pocos años, generando tanto oportunidades económicas como desafíos logísticos para la ciudad.

En España, lugares como Córdoba, Sevilla, Barcelona, Almería y el País Vasco han sido escenarios de grandes producciones. La Plaza de España de Sevilla apareció en Star Wars: El Ataque de los Clones, el desierto de Tabernas en Almería ha sido utilizado en múltiples películas del género western, y San Juan de Gaztelugatxe (Vizcaya) se convirtió en el castillo de Rocadragón en Juego de Tronos. Estos rodajes han contribuido a reforzar la imagen internacional de España como destino turístico y han generado ingresos millonarios.

Pero la masificación turística también puede generar conflictos con los residentes y alterar la esencia del destino. Barcelona, que ha servido de escenario para películas como Vicky Cristina Barcelona y El Perfume, afronta problemas de gentrificación y aumento de precios en viviendas y comercios, lo que ha llevado a protestas contra el turismo descontrolado.

La Spain Film Commission y su papel en la industria

Desde 2001, la Spain Film Commission ha trabajado para consolidar al país como un destino de referencia para rodajes internacionales. Su labor ha sido clave para atraer grandes producciones y fomentar la industria audiovisual en diversas regiones. La estrategia no solo ha permitido diversificar la oferta turística, sino que también ha generado empleo y ha impulsado la economía local.

Sin embargo, la presencia de rodajes y su posterior explotación como destino plantean desafíos: ¿cómo se puede gestionar el impacto de estos flujos turísticos? En muchas ciudades, el turismo cinematográfico se ha convertido en una espada de doble filo. Si bien genera oportunidades económicas, también puede fomentar un modelo de consumo de los destinos basado en la instantaneidad, donde los visitantes buscan reproducir escenas sin un interés genuino en la historia o la cultura local.

¿Quién es el turista cinematográfico?

Para comprender mejor el impacto del turismo cinematográfico, el Grupo de Investigación “Economía del Turismo” de la Universidad de Córdoba ha analizado el perfil de estos viajeros. Los estudios indican que la mayoría son jóvenes de entre 18 y 35 años, con un alto nivel educativo y una renta media-alta. Sus motivaciones principales incluyen el entretenimiento, la evasión de la rutina y el interés cultural.

Este perfil sugiere que el turismo cinematográfico tiene el potencial de atraer un turismo de mayor valor añadido. Sin embargo, también plantea retos: ¿cómo garantizar que estos visitantes se involucren con la cultura local más allá de los escenarios de sus películas favoritas?

El impacto en la identidad y la transformación urbana

Uno de los efectos menos estudiados del turismo cinematográfico es su impacto en la identidad cultural y en la estructura urbana de los destinos.

Cuando un lugar se asocia fuertemente con una producción audiovisual, puede generar un cambio en la percepción del espacio, tanto para visitantes como para residentes.

Un ejemplo claro es Notting Hill, en Londres. Tras la famosa película del mismo nombre, este distrito experimentó un cambio en su demografía y un aumento en el costo de la vivienda, desplazando a parte de su comunidad original. Este fenómeno de gentrificación inducida por el cine ha sido objeto de debate en muchas ciudades que han servido de escenario para producciones de gran éxito.

Asimismo, algunos destinos han optado por adaptar su urbanismo para responder a la demanda turística cinematográfica. En Nueva Zelanda, el set de El Señor de los Anillos se ha convertido en una atracción permanente, con infraestructuras diseñadas para recibir visitantes de forma controlada. Este tipo de iniciativas permiten capitalizar el fenómeno sin comprometer la habitabilidad del destino.

¿Hacia dónde va el turismo cinematográfico?

El gran desafío actual es transformar el turismo cinematográfico en un modelo sostenible. Algunas estrategias exitosas incluyen:

El cine y la televisión seguirán inspirando viajes, pero la clave está en gestionar sus efectos para que los beneficios no vayan en detrimento de la identidad y el bienestar de los destinos. Si se implementan estrategias adecuadas, el turismo cinematográfico puede ser una herramienta poderosa para el desarrollo cultural y económico sin comprometer la sostenibilidad de los lugares que lo hacen posible.

La plataforma SkyShowtime ha anunciado el inicio de la producción de Nails, su tercera producción original en España. La serie, una comedia cuyo rodaje se llevará a cabo entre Madrid y Bilbao, estará protagonizada por Fernando Tejero y Cristina Castaño, quienes volverán a compartir pantalla tras su paso por La que se avecina.

Los actores coincidieron en la popular serie de Telecinco durante cuatro temporadas y ahora se reencuentran en este nuevo proyecto, cuya showrunner es la guionista cordobesa Araceli Álvarez de Sotomayor, que en este caso, además, da el salto a la dirección.

Nails narra la historia de cuatro mujeres de diferentes edades y estratos sociales que se conocen en un salón de manicura. Sus encuentros recurrentes darán lugar a una amistad inesperada que las convertirá en cómplices, llevándolas a tomar la decisión más importante de sus vidas: recuperar su identidad y convertirse en mujeres “como las de antes”.

El elenco de Nails se completa con nombres como Marimar Vega (Las trampas del deseo), Gracia Olayo (La Mesías), Teresa Cuesta (Machos Alfa), Javier Antón (Vaya semanita), Juanjo Cucalón (Amar es para siempre) y Raúl Mérida (Regreso a Las Sabinas).

Así, tras haber participado en el guion de exitosas producciones como Muertos SL, Machos Alfa o La que se avecina, Nails supone su primer proyecto en solitario de Álvarez de Sotomayor, en el que también ejerce como directora y productora ejecutiva creativa, junto a Mario Montero.

Desde el pasado miércoles, la parrilla televisiva cuenta con una nueva apuesta de la televisión pública: la serie Cicatriz, un thriller de acción homónimo basado en el best seller de Juan Gómez-Jurado y que está coprotagonizado por el actor cordobés Juanlu González y Milena Radulović. Además de engrosar su experiencia con un nuevo papel protagonista, Cicatriz supone para el cordobés la vuelta a TVE tras su participación en Dos vidas y La otra mirada.

Aunque ha sorprendido a muchos que TVE haya estrenado un nuevo producto en agosto, la televisión pública ha dado a esta crítica asegurando que el mejor plan para disfrutar de los últimos días de este es “engancharse a una nueva ficción”.

González y Radulović dan vida a Irina y Simón, quien posee una mente extraordinaria, capaz de resolver los algoritmos más intrincados, pero enfrentarse al mundo exterior siempre le resulta complicado. Es tímido, ansioso e inseguro. Mientras que interactuar con otros hombres ya le supone un desafío, la idea de relacionarse con mujeres le provoca un pánico aún mayor.

Sin embargo, en su entorno más cercano, Simón se transforma. Este círculo íntimo se limita a su amigo y socio, Tomás, y a su hermano Arturo. Por Arturo es capaz de superar todos sus temores, enfrentándose tanto a burócratas para conseguirle un fisioterapeuta como a cualquier persona que se atreva a burlarse de él. Es increíblemente leal y noble, y su moral es tan firme y clara como los códigos que escribe.

Simón disfruta profundamente de su trabajo. Ama programar y encuentra placer en la lógica pura de los algoritmos, descubriendo belleza en su precisión. Sus ídolos de juventud no eran estrellas de rock ni deportistas, sino figuras como Steve Jobs, Larry Page, Bill Gates y Elon Musk, a quienes admiraba no por su riqueza, sino por sus contribuciones al mundo. Aunque humilde, Simón cree que ha alcanzado ese Olimpo con su propia creación: LISA, una aplicación diseñada para reconocer emociones.

Con este personaje, el actor se convierte por primera vez en el protagonista de una serie después de haber sido uno de los personajes principales de la película Políticamente incorrectos, una comedia española que vio la luz a principios de este año. Junto a este éxito, con Cicatriz, González regresa a la televisión pública tras Dos vidas y su más que especial paso con La otra mirada, una serie de Boomerang para TVE que estuvo encabezada por Macarena Gómez, Patricia López Arnáiz y Ana Wagener.

La otra mirada supuso para González, licenciado en Arquitectura, su primer acercamiento al mundo de la actuación y la confirmación de su enorme talento. En ella encarnó el papel de Ramón, el responsable de mantenimiento del centro de enseñanza de posguerra donde trascurre la serie.

Entre el rodaje de la primera y la segunda temporada de esta serie, el actor fue unos de los protagonistas del corto Detox, el poder de la red, un experimento de Vodafone dirigido por Daniel Monzón con guion de Daniel Sánchez Arévalo. Rodado en Madriguera, el reparto se completó con Jesús Rubio, Andrea Dueso, Esperanza Guardado, Juanma Lara y Enric Benavent para contar la historia de un grupo de amigos que se va un fin de semana a una casa rural en un pueblo con el objetivo de desconectar del mundo y poner en práctica lo que comúnmente se conoce como Detox digital.

El año 2020 llegó con otro proyecto para el actor. Durante tres temporadas se convirtió en Borja en la adaptación que Netflix realizó de la saga Valeria, de la escritora Elísabet Benavent. Aunque la plataforma anunció que la tercera temporada iba a ser la última, en febrero de este año comunicó que habría una cuarta en la que González también aparecerá.

El debut de este actor cordobés en la gran pantalla vino en 2021, cuando dio vida al guitarrista Ortiguilla en la comedia de Mediaset Operación Camarón. Se trató de un remake de la italiana Song é Napule (Antonio y Marco Manetti, 2013), con guión de Josep Gatell y Manuel Burque, centrada en una banda de flamenco trap de la isla de toda la vida, llamada Los Lolos, en la que se infiltra un policía novato cuando van a tocar en la boda de la hija de un traficante local. Durante este año también volvió a TVE bajo el papel de Leo en la serie Dos vidas.

Tras este salto cualitativo, González regresó en 2023 a las series con La Caza. Guadiana en el papel secundario de Diego Sotelo. La vida de un pequeño pueblo a orillas del río Guadiana, en Huelva, se ve dramáticamente alterada un domingo de mercado. Después de una crisis maníaca, Mario, un chaval de 19 años, llevará a cabo una matanza que acabará con la vida de tres personas. Doce años después, con Mario recluido en el psiquiátrico penitenciario de Sevilla, un nuevo suceso reabrirá las viejas heridas del pueblo dando pie a una nueva investigación. De nuevo, los investigadores Sara Campos y Víctor Gamero, además del teniente Selva, serán los encargados de resolver el misterio.

Resto del elenco de 'Cicatriz'

En este nuevo trabajo, González está acompañado de Luis Fernández (Servir y proteger), que encarna a Tomás, mejor amigo y socio del cordobés en la ficción, y Julen Serrano, que da vida a su hermano Arturo.

Además, el actor serbio Stefan Kapicic (Deadpool, Better call Saul) interpreta a Boris, uno de los capos más respetados de la mafia rusa en España; Mladen Sovilj, reputado actor en los Balcanes, será Vanya, criminal vocacional y mano derecha de Boris. Goran Susljik, cineasta, actor y productor serbio, interpretará a El Afgano, personaje clave en el pasado, presente y futuro de Irina.

Netflix estrenará el próximo viernes 1 de marzo la película documental No estás sola: la lucha contra La Manada, dirigida por Almudena Carracedo y Robert Bahar, un film que aborda “de manera completa, rigurosa y respetuosa” no solo los hechos de aquel 6 de julio de 2016 en Pamplona sino también lo que sucedió alrededor del mediático caso.

No estás sola: la lucha contra La Manada entreteje tres historias de violencia hacia las mujeres a través de la voz, ficcionada, de la víctima de los Sanfermines, de una segunda víctima de La Manada en Pozoblanco y por último, de Nagore Laffage, asesinada en los Sanfermines de 2008, mediante el testimonio de la madre.

“Lo que hemos querido crear era un puzle, una especie de mosaico en el que se van montando todas las piezas, vamos entretejiendo historias, en este caso de las tres víctimas, pero también de miles de víctimas cuando llegamos a Cuéntalo -un hashtag que invita a las mujeres a relatar las agresiones sufridas- para tejer este relato universal de dolor y de resiliencia”, ha señalado Carracedo a la prensa sobre el sentido del documental.

No obstante, gran parte del documental se centra en lo ocurrido en Sanfermines en 2016, los procesos judiciales que siguieron después y las manifestaciones que llenaron las calles contra las sentencias y que coreaban “no es abuso, es violación”, hasta llegar a la Ley solo sí es sí.

“Lo que diferenciaba esta historia de otras de violencia sexual era la respuesta social que había generado, que realmente de ahí cambió todo, la percepción que teníamos sobre la violencia. Nos pareció interesante tener esa versión completa que no existía”, explica Carracedo.

“No estás sola”

Con 60 horas de entrevistas, 50 horas de material audiovisual y casi mil de material de archivo, la película documental se gestó durante tres años y medio y a través de 18 personas entrevistadas entre policías, trabajadoras sociales, la fiscal, el abogado del Ayuntamiento de Pamplona, su alcalde Joseba Asiron --que por aquel entonces también ostentaba la alcaldía--, activistas y periodistas.

“Todas estas personas, con vidas y caminos distintos, piensan lo mismo y han compartido este viaje. Esta idea de acompañamiento, que recoge el título 'no estás sola', todas estas personas han ayudado en este proceso”, ha destacado el director Bahar. Es más, el título representa tres ideas, según Carracedo: “No estás sola porque nos ha pasado a muchas; porque tienes acompañamiento por ley; y porque somos miles y millones junto a ti”. De esta forma, el título representa “esa esperanza” para poder hacer este tipo de documentales, ha afirmado la directora.

Los elementos cinematográficos de las escenas y la música que suena de fondo se fusionan con el “rigor” del documental, que cuenta “los hechos probados”, según ha indicado Bahar, y de esta forma se evita “la revictimización y el sensacionalismo”.

Los directores han denunciado cómo se impuso en la sociedad una “versión distorsionada” de lo ocurrido en Pamplona, hecho que les empujó a “retomar el relato que había permanecido para contar lo que había pasado”. Han explicado que al principio había “reticencia” entre las personas contactadas para participar en el documental pero que una vez se les explicó el punto de partida y que no se pretendía abordar el tema desde “el morbo y el sensacionalismo”, el proyecto salió adelante. Es más, “la película comenzó”, según los directores, una vez contactada la familia de la víctima de los Sanfermines y por su “respuesta positiva”, aunque la víctima no ha participado en el documental directamente.

Las citas textuales de la víctima que aparecen en los 140 minutos de documental son declaraciones en sede judicial y palabras que escribió en cartas remitidas a los medios de comunicación en el pasado. La víctima de Pozoblanco, en cambio, sí ha participado en el documental a través de una entrevista de audio, tal y como han confirmado los directores. Ambos testimonios son relatados en primera persona e interpretados por actrices.

Tratamiento de las imágenes

Debido a la repercusión mediática, judicial y social de este caso, en el que además se difundieron la identidad de la víctima y material audiovisual de la agresión sexual, los directores no han incorporado dichas imágenes y han tratado de explicar los hechos preservando la identidad e integridad de todas las víctimas.

Por ejemplo, para narrar e ilustrar una escena que ocurrió con la víctima de Pozoblanco en un coche, se grabó la sombra de un automóvil en movimiento. “No era necesario visualizar nada más, esas decisiones también van con el planteamiento de la película”, ha remarcado Bahar.

En poco más de un mes dará comienzo el rodaje de la serie Aula 423, dirigida por Manuel Giráldez y con guión de Fernando Rodríguez. Se trata de “una emocionante producción” de la firma cordobesa Blue Moon que “promete atrapar a todo el que la vea”, según informan en un comunicado.

Sobre el trabajo, explican que el grupo de jóvenes actores que conforma el elenco de Aula 423 ha demostrado un talento excepcional. Cada uno de ellos ha sido seleccionado cuidadosamente para interpretar a sus respectivos personajes y su química en pantalla será evidente. La diversidad de personalidades y estilos de actuación enriquecerá aún más la serie, haciéndola más auténtica y realista.

La serie cuenta la historia de un grupo de jóvenes de diferentes orígenes y personalidades que se encuentran en un aula común. A medida que la trama se desarrolla, los espectadores podrán ver cómo cada uno de ellos deja una huella en la vida de los demás. Historias diferentes cada una de ellas que son reflejo de nuestra sociedad y que calan muy profundamente en la vida y desarrollo personal de los jóvenes.

El rodaje se desarrollará en Córdoba capital y contando con un equipo de rodaje lleno de ilusión. 

La cordobesa María Morales, nominada a mejor actriz en los Premios Goya 2014 por Todas las mujeres de Mariano Barroso, cuenta con una dilatada carrera en cine, teatro y televisión. Recientemente ha estrenado Honor, la nueva ficción de Atresmedia TV en la que da vida Verónica Potón, la inspectora de la policía judicial en Sevilla que no se rendirá hasta descubrir la verdad.

Honor es la adaptación española de la exitosa serie israelí Kvodo, popularizada por la versión estadounidense protagonizada por Bryan Cranston, Your Honor.

Sinopsis

Martín Romero es un juez íntegro y reputado cuya vida cambia por completo cuando su hijo Álex comete un atropello y se da a la fuga. La víctima es miembro de una familia de la mafia y Romero es consciente de que, si trasciende la culpabilidad de Álex, será condenado de un modo u otro.

Comenzará entonces un arriesgado plan para protegerlo, que pondrá a prueba todas sus convicciones morales y profesionales con tal de salvar a su hijo.

Verónica lleva años trabajando con el juez Romero, al que admira. Ella se toma muy en serio su trabajo y ambos comparten un objetivo común: acabar con la violencia que provocan los Aguilar y los Muñoz.

Aparte del trabajo, les une una buena amistad, nacida de Sonia, la mujer de Romero y amiga de Verónica. Gracias a Sonia, que le puso en contacto con Romero, pudo encontrar su sitio profesional cuando pidió el traslado a Sevilla, tras separarse de su pareja.

Tras un año en el que Romero y Verónica apenas han coincidido, la investigación del accidente de Hugo Aguilar los conecta de nuevo. El hecho de estar involucrado el coche de Sonia, introduce a Romero en el caso desde el inicio. Después, el interés que Romero va mostrando por Verónica, le hará sentirse halagada.

María Morales

María Morales es una de las grandes actrices de España además de una auténtica todoterreno. La hemos visto encima de las tablas con los mejores directores escénicos como Pablo Messiez, Andrés Lima o Pascal Rambert. Nominada a Mejor actriz en los Premios GOYA 2014 por “Todas las mujeres” de M. Barroso. Ha trabajado con Almodóvar en “Los amantes pasajeros”, con Daniel Sánchez Arévalo en “Gordos”, con Manuel Martín Cuenca en “La Hija”, con Paco Caballero en “Dónde Caben Dos”, entre otros muchos éxitos.

En la pequeña pantalla la hemos visto en series como “Vis a Vis”, “Las chicas del cable”, “Criminal”, “Amar es para siempre”, “La Línea Invisible”, “Las de la última fila”, “Apagón”, “Desaparecidos”, “Entrevías”, “Valeria”, entre otras.

Formó parte de la obra teatral “Shock 2 (La Tormenta y la Guerra)” dando vida a personalidades como Laura Bush, Lynne Cheney, Yamila, Margaret Thatcher, Olga Rodríguez, Corista, Sargento J. P. K. y Coro. Recientemente estrenaba la película “Como Dios Manda” y tiene pendiente de estreno las ficciones “Invisible” (Disney+), “La Red Púrpura” (Atresmedia). Se encuentra rodando “Serrines, Madera de Actor” (Mediaset) y “Operación Barrio Inglés” (RTVE).

La vuelta del verano parece que trae regalos para la actriz cordobesa, Macarena Gómez, quien se ha consolidado como productora cinematográfica al crear en 2019, junto al cineasta, Kiko Prada, su propia empresa de producción bajo el nombre de Cilantro Films, con el objetivo de “visibilizar el talento emergente”.

En los meses de septiembre y octubre, Gómez trae varios estrenos a nivel nacional e internacional. El 22 de septiembre llega Desmadre incluido, una comedia dirigida por Miguel Martí, quien “encierra” a sus personajes y como consecuencia se desatarán “pasiones, terrores e instintos”.

En el mes de octubre, continúa como productora y protagonista de dos películas de terror, Deep Fear y Tabula rasa, dirigidas por el inglés Marcus Adams y los españoles Juanfer Andrés y Esteban Roel, respectivamente.

Además, llega el estreno de la segunda temporada de la serie de Álex de la Iglesia 30 monedas que arrasó en la plataforma HBO Max con su primera temporada. Hace escasos días anunciaron que realizarán el estreno mundial en la 56º edición del Festival Internacional de Cinema de Catalunya, dentro de Proyecciones Espaciales de la Sección Oficial.

La cordobesa Macarena Gómez fue protagonista de una de las series más vistas de España, La que se avecina, aunque cuenta en su carrera con más de 27 películas. Y se incluye una nominación en 2015 a los Premios Goya en la categoría de Mejor Interpretación Femenina por su trabajo en Musarañas dirigida por los mismos directores de su próximo trabajo Tabula rasa.

El escritor y guionista cordobés, Antonio Rojano, ha sido nominado en los Premios Iris en la categoría de Mejor Guion de Ficción por la serie Las noches de Tefía, que en total ha recibido cuatro nominaciones. Rojano es coautor del guion junto al, también director, Miguel del Arco.

La serie, estrenada hace apenas un mes en la plataforma Atresplayer, mezcla drama y comedia para contar la historia de los presos en el campo de concentración de Tefía (Fuerteventura) durante la dictadura franquista. A este lugar, conocido como Colonia Agrícola Penitenciaria de Tefía, enviaban a los condenados por la Ley de vagos y maleantes que, a partir del 1954, fue modificada para incluir también a los homosexuales. Estos presos recurren a su imaginación para escapar de esta situación y por las noches fundan el Tindaya, un music hall en el que pueden ser ellos mismos sin ningún peligro.

Esta producción, a cargo de Buendía Estudios, ha sido nominada en cuatro categorías: Mejor Ficción, Mejor Actor -Patrick Criado-, Mejor Guion de Ficción y Mejor Producción de Ficción. Para conocer a los ganadores habrá que esperar hasta el 21 de noviembre cuando se celebre la ceremonia de entrega de premios.

Residente en la Fundación Gala

El escritor formó parte de la segunda promoción de jóvenes creadores de la Fundación Antonio Gala, donde escribió el texto Sueños de Arena que fue galardonado en 2005 con el Premio Nacional de Teatro Calderón de la Barca del Ministerio de Cultura. Años más tarde, con el texto de la obra de teatro Furiosa Escandinavia recibió el premio Lope de Vega y consiguió cinco nominaciones a los premios MAX.

Además, también ha publicado un libro con la editorial cordobesa Almuzara titulado El libro de Toji que trata sobre una investigación acerca de la identidad y la memoria alentada por documentos de la Guerra Civil española.

Rafael Cobos citó una idea poética de Pablo García Casado en la premiere sevillana de El Hijo zurdo, la serie que ha creado y que está a punto de estrenarse: “Como dijo el poeta, las cosas más interesantes ocurren en las afueras”, expresó micrófono en mano. Fue el pasado jueves en la fiesta, con musicón de la banda sonora de Bronquio y Dalila en directo, celebrada en el Puerto de Sevilla. 

Rodar una serie para Movistar + en Sevilla ya significa estar en la periferia del lugar desde donde suelen narrarse esta clase de historias urbanas para plataformas. Pero a lo que Cobos se refería es a cómo las secuencias de esta miniserie salen del casco histórico y muestran la Sevilla de la gente, no la de la postal y los turistas. Por eso estar en las afueras significa estar dentro de esta historia.

Una serie de seis episodios que se estrena el próximo jueves 27 y que se inspira en la novela del mismo título, escrita por la onubense Rosario Izquierdo. El hijo zurdo logró alzarse la pasada semana con el premio a la Mejor Miniserie en la sección Short Form de Cannesseries. “Rafa, algo bien hemos tenido que hacer para estar aquí”, le dijo la protagonista, María León, a Rafael Cobos al recoger el premio y ante las risas del público que llenaba el Teatro Lumière.

Es la primera vez que Cobos tiene tanto poder frente a un proyecto. Director creativo, guionista y realizador de dos capítulos (de los otros cuatro es director Paco R. Baños), cuando hasta el momento, Rafael era conocido por su trabajo en el guión de películas de Alberto Rodríguez como La isla mínima y El hombre de las mil caras, con las que fue premiado con un Goya, la reciente Modelo 77, además de 7 vírgenes, After y Grupo 7. También trabajó en las dos temporadas de La peste, en la segunda como director creativo, más como guionista en un episodio de Apagón, ambas series para Movistar +.

Casi todos estos proyectos han tenido a la ciudad de Sevilla como escenario tan recurrente como icónico de su cine, aunque aquí se nota su mano en solitario en el ritmo, las capas de los personajes, el uso de la música o lo emocional por encima de la trama.

La de El hijo zurdo es una historia sobre la identidad y la maternidad. Fue la mujer de Cobos quien le sugirió al director que en la novela de Izquierdo podía estar la historia que estaba buscando rodar. La autora del libro perseguía “abordar la maternidad en ese momento de la adolescencia en el que surgen los conflictos entre madres e hijos. Se tiene miedo a que tu hijo se enfrente a ti y todo lo que has construido se venga abajo de un día para otro”, algo con lo que se queda Cobos. “En los últimos años busco conocerme un poco más y para eso es fundamental saber de dónde vienes y, en mi caso, proyectarlo en el tema de la paternidad, ser padre es otro reflejo en el que te buscas, te reconoces y donde proyectas cosas maravillosas y también grandes miedos”, explica su creador.

La serie también aborda el asunto de las segundas oportunidades y el cómo nos relacionamos con los que están a nuestro alrededor. “Cómo nos escuchamos a nosotros mismos realmente es cómo tratamos a los demás”, opina María León, refiriéndose al efecto de espejo madre-hijo que plantea la serie. “Cómo buscar a un hijo significa poder encontrarse a una misma”, añade.

El resultado de este viaje, tanto de Cobos a la dirección como del espectador al interior de los dos personajes protagonistas, madre e hijo, está por encima de la acción y de lo que ocurre, además de alejarse del cine al que acostumbran las películas de Rodríguez y Cobos.

El hijo zurdo significa ser distinto, cuestionar la normalidad y convertir el proceso de la maternidad en otro de autoconocimiento. Nunca ha habido en el cine del tándem sevillano un personaje femenino tan complejo como el de Lola Izquierdo (María León), que posea tantas capas en las que poder bucear. Tal vez la Ana (Blanca Romero) de After (2009) sea el personaje más cercano a los conflictos de estos personajes de la serie, que tienen más importancia que la propia trama.

Marisol Membrillo y Susana Córdoba, en la pantalla; Nita, en la banda sonora

A una inmensa María León la acompañan en el reparto de esta historia la gran Tamara Casellas, junto a Alberto Ruano, y los jóvenes Hugo Welzel, Numa Paredes y Germán Rueda. A ellos se añaden las cordobesas Marisol Membrillo, encarnando a la madre de la protagonista, y Susana Córdoba, en el papel alcaldesa de Sevilla, nada más y nada menos.

Ambas actrices, que aún no han podido ver el resultado final en la serie completa, coinciden en que ha sido “un regalo” poder trabajar con Rafael Cobos y se encuentran emocionadas tanto con el estreno de la serie como por el premio en Canneseries. “Es absolutamente merecido”, confiesa Marisol Membrillo.

La actriz asegura que se enamoró de su personaje de madre de la protagonista nada más leer el guión. “Era como si el personaje estuviera plasmado ahí en los folios”, asegura. Cuando los directores vieron su secuencia de casting ,“vieron al personaje, lo tuvieron claro, y eso creo que es porque la secuencia está muy bien escrita”. Su papel es el de una convencional señora de sevillanas maneras, que además tiene dinero y poder.

El poder político lo encarna Susana Córdoba como alcaldesa de Sevilla. La actriz pudo meterse de lleno en su papel en el propio despacho de la alcaldía hispalense, gracias a la complicidad del actual alcalde, Antonio Muñoz (PSOE). “A mí esta historia me atravesó desde la primera frase”, cuenta la actriz, quien pronostica que “es una historia que va a llegar mucho”. Susana Córdoba ha podido rodar con los dos directores -Rafa Cobos y Paco Baños- “de una manera tan minuciosa y tan detallista y tan esclarecedora, la que poseen ambos”, celebra sobre un rodaje donde confiesa haber sentido “cosas nuevas”.

Y añade la anécdota de cómo el alcalde de Sevilla se pasó a saludar mientras el equipo de rodaje “ocupaba” su despacho. “Me comentó que él nunca se sentaba en el sillón. O que no se solía sentar. Y le dije,  pues con tu permiso yo hoy lo voy a hacer”, ríe.

Por su parte, la cantante de Fuel Fandango, Nita, también participa en la banda sonora de una serie en la que la música tiene una gran importancia estética y se encarga de recordar el subtexto que posee la propia serie. En ella participan artistas como Rocío Márquez, Bronquio, Dalila y Julio de la Rosa.

Equipo SOPA

El equipo creativo que ha desarrollado el mundo visual de la serie está formado por tres cordobeses, los hermanos Álvaro y Luis León, junto a Virginia Velasco. Con larga experiencia en el universo audiovisual, ya habían trabajado en series de Movistar + como Arde Madrid y Vida perfecta, además de en La peste, donde coincidieron por primera vez con Rafael Cobos. Aquel fue un proyecto que intervino las calles de algunas ciudades con arte público lleno de ratas doradas y calaveras.

En El hijo zurdo han trabajado “todos los sistemas visuales y algunos verbales de la serie”, tanto dentro como fuera de la pantalla. Sus diseños acompañan la obra antes de que el público la vea, en los carteles o los códigos gráficos, por ejemplo. “Conversamos mucho con Rafa y también trabajamos con él dentro de la propia obra, en esos rótulos que aparecen en la serie en rojo punk, esos cambios de plano del formato apaisado al formato cuadrado que están en la serie”, explica Luis León, de SOPA.

En los soportes estáticos se juega mucho con los desenfoques, donde ves y no ves a alguno de los protagonistas, y en la serie en sí también han participado, “en muchas piezas de vídeo que juegan con la pantalla partida, con esa banda sonora tan potente y que son practicamente piezas audiovisuales, casi como videoclips que van ahí apareciendo. Creo que han terminado de contribuir a esa personalidad de la obra tan tan chula”, añade.

El equipo SOPA, repartido entre Córdoba y Madrid, también fue el encargado de diseñar la premiere del pasado jueves en el Puerto de Sevilla. Una antigua nave con iluminación roja acogió photocall y cóctel con música en directo de Bronquio y Dalila, tras la proyección de los tres primeros episodios de la serie. Entre el público, equipo, amigos, periodistas cinéfilos y hasta Carmina Barrios, madre de la artista. “Nadie quería un estreno convencional”, confiesa Luis.

Parte de los rótulos diseñados para la serie forman ya parte del fajín que ahora luce la novela de Rosario Izquierdo, El hijo zurdo (Comba), que vive una nueva vida. Cobos se basó libremente en sus páginas y ambas, libro y serie, tienen personalidades y lenguajes distintos con un sustrato común. 

Este resurgir de la novela gracias a la serie, traerá a Córdoba a su autora el jueves 11 de mayo. Conversará con Octavio Salazar y Marisol Membrillo a partir de las 19:30 en Ostin Macho. “Me interesaba la deriva ultraderechista de la juventud, y cuando leí la noticia de un chico neonazi que se había enamorado de una chica de color y había sufrido las represalias de su grupo, empecé a darle forma a la historia”, cuenta la autora sobre la semilla que inspiró su novela.

Y mientras tanto, entre ficción y ficción, y según el poeta, “seguirán amaneciendo los restos del amor en las afueras”,

El zoólogo y divulgador científico cordobés Alberto Redondo ha presentado este martes en Córdoba el proyecto Fauna ibérica, una serie documental que emitirá Televisión Española y a la que ha dedicado tres años de rodaje y edición.

El Salón de Actos Juan XXIII se ha convertido esta mañana en una improvisada sala de cine, presidida por una enorme pantalla en la que se ha podido ver uno de los seis capítulos de la serie documental Fauna Ibérica, dirigida por este profesor de Zoología de la Universidad de Córdoba.

Ante más de 200 personas y en presencia del rector, Manuel Torralbo, buena parte de ellas personal y alumnado de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Córdoba, cuya decana, María Paz Aguilar actuaba como anfitriona, Alberto Redondo ha explicado el significado que para él ha tenido esta obra después de tres años de rodaje y trabajo y claramente inspirada en la mítica serie El hombre y la tierra de Félix Rodríguez de la Fuente.

La presentación de la serie ha estado al cargo del periodista andaluz José María Montero que ha destacado no sólo la calidad técnica y divulgativa de la serie, sino el valor personal de su creador, Alberto Redondo, del que ha subrayado su curiosidad, su capacidad de asombro, atrevimiento y generosidad.

El capítulo estrenado en la Universidad de Córdoba lleva por título Viviendo juntos y es un destacado ejercicio divulgativo sobre las estrategias de cooperación, competencia y coexistencia de diferentes especies ibéricas, entre ellas y con el ser humano. La serie completa podrá verse en breve en Televisión Española.

La escritora rambleña Guayarmina Pedraza y el director y productor montillano Dany Ruz han producido la serie documental Alfarería, alma de La Rambla, seis capítulos en formato cortometraje producidos Imprevisible Films y financiados por el Ayuntamiento de la Rambla, y que retoman y amplían el trabajo que ambos llevaron a cabo en el documental Alfahar, una vida en el barro, estrenado en 2022.

Así, el sábado 18 de marzo, víspera del Día del Artesano, tendrá lugar en La Rambla el estreno de esta nueva serie documental, que recoge los testimonios de alfareros y ceramistas de la localidad que han mantenido vivos procesos y técnicas ancestrales que, a pesar de haber sobrevivido a milenios, ya apenas se utilizan debido a la irrupción de las máquinas y las nuevas tecnologías en el sector, pero que han sido la base sobre la que se han afirmado las nuevas generaciones que están llevando la cerámica y el nombre de La Rambla por todo el mundo.

Alfarería, alma de La Rambla cuenta con la participación de veintinueve artistas, artesanos y artesanas del municipio, que se han dedicado o se dedican en la actualidad al oficio, así como de la doctora cordobesa Elena Salinas, especializada en arqueología andalusí y cerámica islámica medieval, el historiador rambleño Ángel Ruiz Gálvez y Javier Lopez Rider, doctor en historia medieval procedente de la vecina localidad de Santaella, que ha estudiado en profundidad la alfarería de La Rambla desde sus orígenes.

Según el alcalde de La Rambla, Jorge Jiménez, después de la producción Alfahar, una vida en el barro “quedamos prendados del trabajo de Guayarmina Pedraza y Dany Ruz, y sobre todo nos quedamos con ganas de ver más, de conocer más y profundizar más sobre la historia, las técnicas y los hombres y mujeres que han hecho grande y legendaria a nuestro oficial más ancestral, la alfarería”.

La serie se estrenará el sábado 18 de marzo a las 18:30 en la Casa de la Cultura Alcalde Diego León de La Rambla. 

Con tan solo 20 años, el actor cordobés Javier Córdoba ha participado en La chica invisible, la nueva serie de Disney Plus, la primera de su carrera. Este proyecto de ocho capítulos vio la luz el 15 de febrero. Es una inspiración de la trilogía escrita por Francisco de Paula, más conocido como Blue Jeans.

El actor, que reside en Córdoba, es un apasionado de la música ya que durante su niñez acudió al Conservatorio donde estudió percusión. Además, también comenzó a estudiar interpretación en la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Córdoba, aunque solo durante un curso.

Antes de su salto a la plataforma, Javier Córdoba participó en Yalla, un corto de Carlo D´Ursi, que fue nominado a los Goya en la categoría de Mejor Cortometraje de Ficción y galardonado con el premio a Mejor Cortometraje en los Premios Forqué en 2021. El joven actor se estrena en una serie de televisión interpretando a Emi, compartiendo reparto con actores como Daniel Grao.

PREGUNTA. Has estudiado en la ESAD ¿qué tal fue esa experiencia?

RESPUESTA. Sí, estuve el primer año, no la hice entera, porque me salió la serie en mitad del año y decidí que los años siguientes quería formarme a través de cursos fuera de la ciudad. 

P. ¿Resides actualmente en Córdoba?

R. Si, nací aquí y con 15 años me fui a Madrid. Estuve allí unos cuatro años y ya he vuelto.

P. ¿Siempre has querido ser actor o tenías otras alternativas en mente?

R. Yo siempre he querido ser actor. Estuve en el Conservatorio de Música, concretamente en percusión, y fueron diez años. Decía que quería ser actor y músico. Siempre me ha ido la rama del artisteo.

P. ¿Has tenido algún referente?

R. Bueno, mi madre es actriz, más referente que mi madre ya ves tú. (Hace referencia a la actriz cordobesa Susana Córdoba, conocida por participar en El príncipe o El Ministerio del Tiempo). Siempre me han inspirado muchas actrices y actores.

P. ¿Qué tal viviste la experiencia de participar en el cortometraje de Yalla y cómo te tomaste sus nominaciones en distintos premios del cine? 

R. Muy bien, estuvo nominado al Goya y se llevó el premio Forqué. Fue algo así como “el empezar en un proyecto así más profesional”. Cuando llegué allí al set fue como ¡wow! Este corto era muy profesional y fue una maravillosa experiencia.

P. Cuéntame entonces qué sentiste cuando diste el salto a una serie de Disney Plus, ya que es la primera serie de televisión en la que has trabajado.

R. Todavía no te sabría ni responder a eso. Ha sido un salto enorme pero yo lo he llevado como algo muy normal, dentro de lo poco normal que podría ser. Lo he sentido como un trabajo más y crear un personaje como he hecho otras veces, dentro de un equipo y de una producción muchísimo más grande, más coordinado, pero luego hemos trabajado como si fuéramos una familia. En ese sentido, me he sentido muy arropado.

P. ¿Cómo te enteraste de que estabas seleccionado?

R. Tuve varias fases de casting. El final, en Madrid, fue muy intenso y me avisaron superpronto. Si te llaman pronto siempre piensas que es no, pero para mi sorpresa fue que sí.

P. ¿El reparto era también muy joven, no?

R. Claro, de jóvenes que estaban empezando como yo, que era su primer proyecto así como tal. Esto ha hecho que aprenda de la gente que ya tenía muchos proyectos, Daniel Grao por ejemplo y también de relacionarte con chicos como tú que están empezando.

P. ¿Qué peso tenía la caracterización del personaje a la hora de interpretarlo?

R. Pues yo creo que la caracterización ha ayudado un montón, es tan peculiar el pelo azul, largo… Y es mi pelo, no es peluca. El personaje en sí tenía unas peculiaridades que fui trabajando y hablando con los directores, haciendo un dibujo determinado de él que me fue ayudando. Llevaba un par de semanas y ya me sentía muy en el personaje, que al principio siempre cuesta arrancar.

Además el figurista que se encarga de vestuario es Fernando García que ha ganado el Goya por Modelo 77 y es una maravilla. Y en maquillaje y peluquería, que son Yolanda Piña y Felix Terrero, también lo han ganado por la misma película. Son unos maquinones y unas personas maravillosas.

P. ¿Cómo se ha sentido Javier interpretando a Emi?

R. Pues me siento hiperafortunado y agradecido porque ha sido un personaje muy interesante. Muy feliz aunque también sentí bastante miedo al ser un proyecto de tal envergadura. Es un personaje que ya la gente se imaginaba (haciendo referencia al libro de Blue Jeans), aunque nunca he tenido muy presente de que el personaje no pudiera gustar respecto a la imagen que se había hecho la gente de él. Lo he trabajado siempre desde cero, aunque obviamente sí con un poco la típica inseguridad de empezar en un proyecto así con un personaje con tanta presencia. Pero luego, con mucha felicidad.

P. ¿Has tenido la oportunidad de conocer a Blue Jeans, el escritor de la trilogía en la que se inspira la serie?

R. Blue Jeans ha venido varias veces al rodaje. Yo lo conocí la primera semana que estábamos rodando en el instituto y estábamos todos los actores jóvenes. Yo creo que para él fue muy emocionante ver a los personajes que él había creado en persona. Tener el respaldo del escritor también te tranquiliza y yo me sorprendí con la personalidad de él, me dio superbuena vibra.

Sentí bastante miedo al ser un proyecto de gran envergadura

P. ¿Has empezado a vivir ya ese 'fenómeno de masas' o estás viviendo notoriedad entre el público? ¿Cómo están siendo éstos días posteriores al estreno?

R. Por suerte o por desgracia, no lo sé (vuelve a sonreír),, pero no estoy viviendo nada de un boom sino de una forma progresiva. Sí es verdad que el hecho de que haya salido la serie me da un poco de vértigo o me daba los primeros días, porque al ser una cosa que ha sido tuya y del equipo durante tanto tiempo, ahora que de repente en un día es de la gente… La gente puede comentar, puede decirte lo que haces bien y lo que mal. Eso tiene su parte buena porque aprendes, pero luego te da ese respeto. Pero bueno, aprenderé, si la serie gana más popularidad o yo gano más popularidad aprenderé a lidiar con eso.

P. ¿Qué otro tipo de personajes te gustaría interpretar?

R. Pues, fíjate, después de haber hecho este personaje tan contenido, tan dramático, con una historia detrás, un pasado, te diría que me gustaría hacer algo más tranquilo. Aunque también me gustan los personajes que te retan a enfrentarte a realidades nuevas y aprender de ellas.

P. Entre el personaje del corto y el de la serie, ¿hay mucha diferencia?

R. Muchísima. En el corto no he tenido muchísima preparación. Si es verdad que fue un trabajo mucho más visceral en cuanto a emoción, además el personaje no hablaba, en el corto solo se dice Yalla. En el caso de Emi, he trabajado un personaje más estructurado y un diálogo con muchas más capas.

P. Y fuera de la serie, ¿qué es lo que te gusta hacer en tu tiempo libre?

R. Pues en mi día a día tengo una vida tranquila. Estoy muy metido en la música, toco el piano además de la percusión. Me encanta ir al cine, creo que es lo que más hago, pero luego también me estoy formando. Estoy dando clases de canto, también estoy en un grupo de teatro aquí en Córdoba, escribo mucho… Me estructuro mi día a día porque, en esta profesión, no estás trabajando siempre pero no significa que estés parado, estás cultivándote todos los días.

Siento que la vida solo hay una y que hay que luchar, aunque suene a cliché

P. ¿Qué crees que es lo que la gente más desconoce de tu profesión?

R. Yo creo que precisamente lo que no se ve, obvio. Se tiende a juzgar mucho desde fuera cuando ves a un actor trabajando y no sabes que detrás hay un trabajo muy grande y que los actores día a día se enriquecen con todo lo que hacen.

P. ¿Qué consejo le darías a cualquier persona que quiera comenzar a estudiar interpretación?

R. Pues que la estudie, por favor, que luche. Siento que solo hay una vida y que hay que luchar, aunque suene a cliché. Hay que luchar por los sueños de cada uno, estar en la tierra y ser consciente de lo que conlleva esta profesión pero, por supuesto, tirar para delante.

P. Y mirando un poco al futuro… ¿Cómo te ves en unos años?

R. Pues espero que trabajando mucho y viviendo las cosas como las vivo ahora.

La serie documental Arqueología de lo jondo, basada en el libro escrito por el profesor Antonio Manuel y editado en Almuzara, se estrenará el próximo 27 de febrero en Canal Sur, en el marco del Día de Andalucía.

Según ha informado la productora Plano Katharsis, el próximo lunes comenzarán a emitirse los cuatro episodios de esta serie a las 19:00, en Andalucía TV. La emisión será los días 27 y 28 de febrero y 1 y 2 de marzo a las 19:00. Según indican, Arqueología de lo jondo es “un viaje a las raíces andalusíes, moriscas, sefardíes, gitanas, negras y americanas del flamenco”.

El escritor cordobés Antonio Manuel es el narrador de la serie, dialogando con expertos y artistas en sus actuaciones como sutura sonora, gestual y visual del relato, de los palos flamencos y de la propia historia. La serie se desarrolla en espacios históricos, principalmente la Mezquita de Almonaster la Real, en peñas flamencas, pueblos de Andalucía y espacios naturales. Se compone de cuatro capítulos de 50 minutos cada uno, titulados El origen del origen, El árbol de las palabras, Ay y ole, y Nosotras. La naturaleza de lo rebelde.

La productora sevillana Plano Katharsis ha encomendado las labores de dirección a José Antonio Torres, que ya contó con Antonio Manuel como fuente en el documental El complot de Tablada, y cuenta con las intervenciones de la cantaora Rocío Márquez y el guitarrista y compositor Manolo Sanlúcar, recientemente fallecido, que ya prologó el libro en el que se basa la serie.

Arqueología de lo jondo, publicado por Almuzara en 2018, es un libro que busca ofrecer una respuesta hacia muchas de las dudas que existen en torno al origen del arte flamenco, y cuyo autor vincula con la huella andalusí, morisca, negra y gitana.

He estado estos días comiendo con las amigas de siempre. Que si la jubilación de una, que si la recuperación de un ictus, que si los hijos que se han casado, que si los que se independizan y vuelan solos. Los mejores brindis fueron por la vida. Sin más. Por estar vivas y por lo que aún nos queda. Mujeres de cierta edad y con vidas normales que darían para una serie de Netflix o, al menos, para un manual de psicología de supervivencia femenina.

No conozco a nadie que haya visto la serie Machos alfa que no le haya gustado. Todos le reconocemos su gracia y confesamos habernos reído a carcajadas con esos hombres tan reconocibles como certeros, que ponen en crisis su masculinidad porque creen estar perdiendo los privilegios que siempre tuvieron sobre las - sus - mujeres. El privilegio de ser el triunfador con éxito, el del poder del dinero, el de mandar en la cama … e incluso en las camas ajenas. “Mi polla es la que manda dentro y fuera”. Punto y final.

Y hablando con mis amigas de los machos alfas de nuestras vidas, con las noticias de fondo de los Premios Feroz y el Sr. Alvés, ya saben, dije de repente: “Que levante la mano a la que le hayan tocado el culo alguna vez sin ella querer”. La respuesta fue demoledora. Todas sin excepción. Doce de doce. En el cine, en el autobús, en la calle, un amigo, un jefe, en el ascensor … y no una, sino muchas veces.

Ahí me vine arriba y seguí preguntando. No sé si por los efectos del buen vino, o porque a ciertas edades la sinceridad es el premio de la vida, el caso es que las respuestas me dejaron anonadada. A todas menos dos nos habían tocado, además, una teta alguna vez. Tipo bocina. Ya sabes, llega el tío y sin mediar palabra te la agarra como si fuera la pera de goma de una bocina. A la mayoría nos habían “restregado la cebolleta” muchas veces. Bailando, en el metro, o simplemente en una cola y también a la mayoría nos habían metido boca sin querer. En una fiesta, al llegar al portal de tu casa y hasta a plena luz del día. Incluso señores bien respetables que abusaron claramente de una supuesta superioridad. La de ser y creerse “macho alfa”.

Hubo tres confesiones que fueron más allá. Un ginecólogo que se propasó con una, otra que se zafó como pudo en moto de una agresión segura y una tercera que cayó ante una cruel manada. Este fue el sorprendente y escalofriante resultado de doce mujeres, doce, que nunca denunciaron, que nunca estuvieron en ninguna estadística y que aquello pasó... como si nada.

Detrás de todos los machos alfa y por supuesto de los abusadores que se han atrevido a tocarnos sin permiso cualquier centímetro de piel, hubo mujeres mega ¿saben por qué? Porque “mega” significa un millón y ahora sé que fueron millones de veces las que lo aguantamos y porque “mega” significa también “grande” y hay que ser muy grande para sobrevivir a todo eso sin guardar nada. Solo las ganas de brindar por la vida y por lo que nos queda.

Ahora algo ha cambiado. Las mujeres, las que nos siguen, se atreven a denunciar, aunque sea “solo” por una teta. Porque esa teta, sus tetas, son solo nuestras tetas. De nadie más.

“1913. El mundo entero está al borde del abismo, pero hay remansos de paz aislados de los conflictos. Como el Palacio La Promesa, en el valle de Los Pedroches, propiedad de los Marqueses de Luján, uno de los mayores terratenientes del país”. Así arranca la sinopsis de La Promesa, la gran serie de Televisión Española que se estrenó este jueves y que tiene una curiosa relación con Córdoba.

La serie, una especie de Downton Abbey a la española, se refiere a un palacio imaginario en la comarca del norte de la provincia de Córdoba que además es propiedad de unos marqueses que tampoco existen. Al contrario, el palacio en el que se ha rodado la serie es propiedad de Tamara Falcó, heredera del marqués de Griñón. En Los Pedroches no existe un edificio así, ni en el fondo ni en la forma, ni tampoco consta un marquesado de esas dimensiones.

Pero la serie sí que cuenta con cordobeses. Uno de los actores del elenco es Rafa de Vera, que interpreta al sargento Conrado Funes, “un sabueso de primera”, como él mismo señala a través de sus redes sociales en las que da las gracias a todo el equipo y a los productores por contar con él.

La serie se emite de lunes a viernes a la hora de la sobremesa, de 16:30 a 17:30, llamada a heredar las audiencias y tendencias de otras series históricas similares también producidas por Televisión Española y dirigidas al mismo público generalista.

La Promesa es una serie dirigida por Miguel Conde, Javier Pulido, Eva Bermúdez y Alberto Pernet, y producida por Ramón Campos, Teresa Fernández-Valdés y Alberto Báez.

El Rincón es el nombre real de la finca y Tamara lo heredó de su padre, el Marqués de Griñón, después de que este muriera de coronavirus en los primeros días de la pandemia. 

Se trata de una fortaleza del siglo XIX situada en Madrid, en Aldea del Fresno. En sus más de 150 años de historia el palacete ha visto desfilar por allí a diferentes miembros de la realeza, de hecho Alfonso XIII organizaba allí cacerías y se sabe que, tanto el rey emérito, como Felipe VI se han alojado allí.