El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) ha sumado este año a la XIX Bienal de Fotografía de Córdoba una de las muestras más sorprendentes y distintivas: la exposición Tramas y ficciones, en la que uno de los fotógrafos españoles más relevantes invita a repensar el poder narrativo de la imagen desde los fondos fotográficos del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC).

Hablamos del prestigioso fotógrafo Alberto García-Alix, comisario de una propuesta que articula una lectura iconoclasta, subjetiva y profundamente reflexiva sobre la fotografía contemporánea, perfecta para un emplazamiento como el Atrio del C3A, donde permanecerá hasta el 29 de junio.

Tramas y ficciones nace del diálogo entre García-Alix y el CAAC tras su reciente muestra en Sevilla, Diversidad en la colección del CAAC, todavía visible en el Claustrón Norte hasta mayo de 2025. Ambas exposiciones ofrecen perspectivas complementarias sobre los archivos del CAAC, subrayando la riqueza temática, técnica y conceptual de su fondo fotográfico.

La exposición en Córdoba desmantela la idea de la fotografía como documento neutro. En su lugar, presenta la imagen como fragmento narrativo: una historia potencial que nace entre el fotógrafo, el objeto retratado y la mirada del espectador. El recorrido incluye piezas de autores como Nan Goldin, Cristina García Rodero, Miguel Trillo, Carrie Mae Weems, José María Mellado, Carlos Pérez Siquier, Rogelio López Cuenca o Tete Álvarez, entre otros.

El espectador podrá transitar entre universos diversos: desde las imágenes de periferias urbanas captadas por José Guerrero hasta las crónicas de viaje de Leandro Katz, pasando por el cruce entre lo íntimo y lo político en la obra de Lotty Rosenfeld o las construcciones simbólicas de Matt Mullican. La muestra pone así en escena dos líneas clave: la fotografía como arte y la fotografía como documento, y su tensión permanente entre la verdad y la ficción.

Con Tramas y ficciones, García-Alix no solo selecciona obras: interpela al espectador a mirar más allá del encuadre, cuestionando lo que vemos, lo que se oculta y las historias que la fotografía —entre verdad y artificio— nos deja imaginar. “Sabemos que pocas cosas son tan ciertas y engañosas a la vez como una fotografía —reflexionaba García-Alix al hilo de la muestra—. El simple gesto de situar una imagen junto a otra ya provoca, por contagio, una historia nueva”.

Nacido en León en 1956, García-Alix es una figura clave de la fotografía española contemporánea. Su mirada, intensa y sin concesiones, ha retratado con crudeza la escena contracultural de la Movida madrileña y los márgenes sociales. Su obra forma parte de colecciones internacionales como las del Museo Reina Sofía, el Fonds National d’Art Contemporain (Francia) o la Deutsche Börse (Alemania). Ha recibido, entre otros reconocimientos, el Premio Nacional de Fotografía (1999), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2019) y el Premio PhotoEspaña a la Trayectoria (2022).

La exposición se enmarca en una Bienal que este 2025 ha desplegado 21 exposiciones y una intensa agenda de actividades organizadas por el Ayuntamiento de Córdoba y AFOCO. Desde su origen en los años 80, este encuentro se ha consolidado como una referencia nacional del medio fotográfico, en todas sus vertientes.

Entre el asombro y la contemplación. Así se percibe la exposición Japón, siglo XIX, una de las joyas de la presente edición de la Bienal de Fotografía de Córdoba, comisariada por la historiadora del arte Bárbara Mur. La muestra ofrece una ventana al Japón tradicional, ese que a finales del siglo XIX comenzaba a abrir sus puertas a los visitantes occidentales, tras siglos de aislamiento.

“Era un mundo desconocido, muy diferente, y por eso resultaba tan atractivo”, cuenta Mur a Cordópolis. Mur explica que, coincidiendo con la apertura parcial durante la era Meiji y con el auge de la fotografía como herramienta documental, artistas europeos y americanos se lanzaron a captar con sus cámaras ese país que parecía detenido en el tiempo. El resultado: imágenes en papel albúmina, coloreadas a mano por artistas locales, que capturan una cotidianidad tan fascinante como irrepetible.

El proceso técnico, como señala Mur, ya tenía su complejidad. El papel albúmina —sensibilizado con clara de huevo— servía de base para unas imágenes que luego eran transformadas por pintores especializados, muchos provenientes del mundo del ukiyo-e, el célebre grabado japonés. El resultado: fotografías coloridas, llenas de detalle, donde cada escena parece una pintura.

La exposición, que se puede visitar en el Centro de Arte Pepe Espaliú, se divide en varias secciones temáticas: la figura de la mujer, las escenas costumbristas —tiendas, vida rural, oficios—, los paisajes y las religiones que convivían en el archipiélago nipón. Autores como Felice Beato, uno de los grandes pioneros de la fotografía en Asia, conviven con imágenes anónimas que formaban parte de álbumes vendidos en Europa como auténticos tesoros exóticos. De hecho, a pesar de la notable belleza y calidad técnica de las imágenes, se desconoce la autoría debido a que los estudios fotográficos no incluían créditos en los álbumes.

“Lo que se buscaba era un Japón tradicional, el de la ceremonia del té, los templos, los rituales religiosos… Un contraste enorme con la imagen que hoy tenemos del Japón tecnológico y ultramoderno”, explica Mur, que remarca que, el país nipón aún tiene un importante legado cultural que hunde sus raíces en aquella época.

No obstante, aunque el país ha sabido preservar muchas de sus costumbres, el salto visual entre aquel Japón de la Dinastía Meiji y el actual resulta tan impactante como revelador. Así, la exposición no sólo es un viaje en el tiempo, sino también una reflexión sobre cómo se construye la imagen de un país hacia el exterior.

Además, es un testimonio del asombro mutuo entre dos mundos que comenzaban a mirarse de frente, cámara en mano. Hoy, persiste el asombro, aunque no cabe duda de que, en lo esencial, oriente y occidente están más contaminados por las respectivas culturas del otro.

Japón, Siglo XIX está abierta en el Centro Pepe Espaliú hasta el 25 de mayo de martes a domingos de 10:00 a 14:00.

Una imagen más real que miles de cuadros. Así es cómo nació la fotografía de viajes en el siglo XIX, como un nuevo medio para poder mostrar el mundo en su realidad, sin retazos artísticos ni licencias creativas. Una nueva técnica, que, aunque no tardó en ser considerada un arte, fue impulsada casi desde el principio como un incentivo para recorrer y captar el mundo.

Esa es la tesis de la conferencia que ha pronunciado la historiadora del arte y comisaria Bárbara Mur en el marco de la Bienal de Fotografía de Córdoba. Una charla que viaja a los inicios de la fotografía de viajes, cuando las primeras cámaras se usaban sobre todo para el retrato. En ese mundo que cambiaba, la técnica fotográfica permitía algo nuevo: captar con una fidelidad desconocida lo que antes solo podía imaginarse.

“El daguerrotipo se presenta en 1839, y con él no solo empieza la historia de la fotografía, sino también una nueva manera de conocer el mundo. Por primera vez se puede documentar lo que se ve con una precisión objetiva, sin depender de la interpretación de un grabador o de la pluma de un viajero romántico”, explica Mur en una charla con Cordópolis.

La suya no es una charla centrada únicamente en la fotografía: es más bien una invitación a partir hacia una época donde tomar una imagen era tan arduo como escalar una montaña —literalmente— y donde la fotografía se convirtió en un medio revolucionario para construir memoria y representación visual.

Las primeras “fotografías de viajes”

El primer gran proyecto fotográfico de exploración nació apenas unos meses después del nacimiento oficial del daguerrotipo. Lo impulsó un óptico francés, Noël-Marie-Paymal Lerebours, que ideó lo que llamó Excursiones 'daguerrianas': un ambicioso plan para enviar fotógrafos por todo el mundo con el fin de captar los monumentos y paisajes más notables del planeta.

“Estos fotógrafos, con equipos que hoy consideraríamos intransportables, recorrían Europa, Asia, África… y regresaban con daguerrotipos que luego se transformaban en litografías para una publicación que reunía 114 vistas del mundo conocido”, cuenta Mur.

Pero el daguerrotipo tenía un problema: era un positivo único e irrepetible. No había copias. Pronto surgirían nuevos procedimientos como el calotipo —un negativo en papel que permitía múltiples copias— y más adelante el colodión húmedo, que exigía una rapidez quirúrgica para sensibilizar, exponer y revelar la imagen antes de que se secara. Y todo ello, por supuesto, en condiciones de campo. “Los fotógrafos tenían que viajar con laboratorio incluido. No es una forma de hablar: llevaban literalmente un oratorio portátil. No es raro que, como en el caso de los hermanos Bisson, hicieran falta 25 porteadores para poder ascender al Mont Blanc con todo su equipo”, recuerda Mur.

La conferencia no solo repasa las técnicas y peripecias técnicas de estos pioneros, sino también su legado visual y cultural. Viajar en el siglo XIX no era algo cotidiano: era una empresa casi científica, a menudo apoyada por instituciones, academias o mecenas. En muchos casos, los fotógrafos iban acompañados de escritores y artistas que documentaban la experiencia, como Maxime Du Camp, que viajó por Egipto con su amigo Gustave Flaubert, el autor de Madame Bovary.

Las imágenes de estos viajes no solo deslumbraban al público europeo, también ayudaban a construir un imaginario colectivo de lo exótico, lo remoto, lo monumental. “El impacto de estas fotografías fue enorme. La gente podía ver por primera vez las pirámides de Egipto, los templos de la India o las ciudades de Oriente. Era como viajar sin moverse”, explica Mur. Pero esa “verdad” también era creativa: la fotografía de viajes reflejaba —y a veces fabricaba— un mundo acorde a los gustos, fantasías y prejuicios de la Europa del siglo XIX.

Andalucía: Oriente sin salir de Occidente

España, y particularmente Andalucía, ocupa un lugar destacado en esta cartografía visual. Lejos de ser una nota a pie de página, fue uno de los destinos predilectos de los fotógrafos y viajeros extranjeros que buscaban en Europa el exotismo de Oriente. “La arquitectura islámica, la luz, los colores, las costumbres… Andalucía ofrecía una imagen casi oriental, pero accesible, familiar y extraña a la vez. Era perfecta para alimentar ese deseo de otros mundos sin abandonar el continente”, subraya Mur.

No es casual que figuras como Jean Laurent —de origen francés— y Charles Clifford —británico— se instalaran en España y convirtieran su obra en auténticas empresas de exportación visual. Compañías que vendían sus imágenes en forma de álbumes a toda Europa. Las vistas de Córdoba, Granada o Sevilla eran especialmente populares. No solo por su belleza, sino por lo que representaban simbólicamente: una conexión con un pasado árabe que fascinaba al público romántico.

Un público que no siempre sabía el trabajo que había detrás de cada fotografía. Hoy, todo el mundo se cree capaz de colar una foto en National Geographic hecha con su móvil. Pero hace casi dos siglos, el trabajo era tremendamente laborioso. “Estos primeros fotógrafos eran auténticos artesanos de la luz. Tenían que dominar la química, la óptica, el arte de la composición, y además ser viajeros incansables”, concluye Mur.

El artista madrileño Javier Rego aprovechaba los paseos que se permitían durante los meses de confinamiento por la pandemia para robar algunas flores y montar bodegones en su casa. Aquella actividad fotográfica se convirtió en una exposición propia, pero también en una especie de germen de Antagonía, la muestra que ha inaugurado este viernes 25 de abril en Córdoba en el marco de la Bienal de Fotografía.

Una exposición que contrasta con buena parte del resto de la programación, más centrada en el fotoperiodismo o la fotografía de denuncia en blanco y negro. Frente a esas imágenes que el propio Rego considera más que necesarias, su Antagonía le parece un “soplo de aire fresco”. Es, además, su debut en esta cita, y lo hace con 16 obras de gran formato que componen un mosaico de naturaleza, memoria y contradicción.

Instalada en el Espacio Cajasol del 25 de abril al 25 de mayo, Antagonía es casi un manifiesto visual, un collage construido con 3.800 fotografías individuales en formato 9x12, que dialogan entre lo artificial y lo natural, entre la geometría urbana y el desborde orgánico de las flores, las raíces, las hojas que reclaman espacio en el paisaje domesticado.

El origen de lo antagónico

“Cuando me llamó José Gálvez para venir con esta exposición a la Bienal, me sorprendí mucho. Es un honor. Creo que la Bienal de Córdoba, junto con PhotoEspaña, son los dos eventos más importantes de fotografía en España”, cuenta Rego, minutos antes de la inauguración de una muestra, cuyo título hace alusión a la contradicción: “Empecé con una obra sobre bibliotecas, con fotos tomadas en París, Madrid, Guadalajara, Cuenca... Cada una es un estante, un lugar distinto. Luego, durante la pandemia, nació El ladrón de flores: salía en la hora de paseo, recogía flores de jardines, terrazas, y luego, encerrado en casa, hacía bodegones. Llegué a juntar unas 500 fotos”, recuerda.

La conexión entre esos mundos —la palabra y la flor, el encierro y la exploración— fue tan inesperada como fructífera. “Pensé, ¿por qué no hago un ramo con esas fotos y lo uno a la serie de la biblioteca? Fue entonces cuando todo empezó a cobrar sentido: lo antagónico era el motor”, explica el autor, que ha confeccionado una suerte de obras semipictóricas que van desde composiciones florales hasta imágenes de estructuras urbanas abandonadas, invadidas por el verde implacable de la vegetación.

El estilo de Rego no es nuevo, aunque sí ha evolucionado con el tiempo. “Llevo 35 años haciendo collage fotográfico. Empecé con Polaroid, inspirado por David Hockney, que era pintor y fotógrafo. Ahora, claro, la tecnología permite cosas que antes eran impensables”, explica Rego. Ese desarrollo técnico se nota en la precisión con que encaja las miles de imágenes que dan cuerpo a cada obra. El resultado es tan estético que algunos espectadores lo confunden con pintura.

“No es la primera vez que trabajo con esta técnica. Tengo una colección que se llama Abandono, con interiores de casas en pueblos vaciados de España. Pero Antagonía es otra cosa, tiene un lenguaje propio. La gente está alucinada con el color, con la vitalidad. Dicen: ‘Qué bonito, qué color, qué vida’”, cuenta con satisfacción.

La Bienal de Fotografía de Córdoba ofrece una oportunidad única para sumergirse en la mirada del fotógrafo húngaro Nicolas Muller a través de una exposición que destaca especialmente por ofrecer una decena de las imágenes que capturó en su visita a Córdoba a mediados de los años 50, con muchas de ellas inéditas, y que permiten vislumbrar la calidad técnica de un artista cuya mirada iba mucho más allá de las típicas imágenes de postal.

Viento norte, que se puede ver en la Casa Góngora hasta el 25 de mayo, coincide con otras tres exposiciones simultáneas del trabajo de Muller en España (Vigo, Cádiz y Madrid), y es una colección que ya se ha podido ver en otros lugares, con la particularidad de que, según explica José Ferrero, comisario de la exposición, allí donde se instala se incluyen fotografías específicas de ese lugar.

En el caso de Córdoba, se ha dedicado una pared entera a estas instantáneas, realizadas con la misma calidad que el resto de la exposición y que se han realizado en papel varitado, un material propio de la época, manteniendo así los estándares originales de la obra. El resultado es una inmersión en la mirada más profunda y menos convencional de Córdoba por parte de un fotógrafo que también firmó en su día varias postales promocionales.

Un encargo editorial

Aunque se conoce poco de la impresión que le causó la ciudad, Ferrero sí que sabe que su llegada fue por encargo. A Muller se le encargó la realización de doce libros sobre todo el territorio nacional, aunque finalmente solo se publicaron seis, incluyendo uno dedicado a Andalucía. Este trabajo surgió tras el reconocimiento que obtuvo por su libro España clara, que contaba con textos de Azorín y ya incluía algunas fotografías de diversas regiones españolas, aunque en una cantidad muy limitada, alrededor de cuatro o cinco por provincia.

La editorial Clave fue la encargada de este ambicioso proyecto, cuyo objetivo era mostrar una imagen atractiva de la España de la posguerra para fomentar el turismo y la inversión extranjera. A pesar del valor de estos libros, solo una pequeña parte del extenso trabajo de Muller vio la luz en su momento, aproximadamente un 10%. Esto ha motivado la recuperación de muchas fotografías inéditas, incluyendo las de Córdoba que ahora se pueden apreciar en la Bienal, que incluye instantáneas más atrevidas que las que se colaron en el libro Andalucía.

Técnicas artísticas

En este ámbito, Ferrero recordaba que las decisiones editoriales a menudo llevaban a descartar imágenes que no encajaban con la idea que se quería proyectar, como aquellas que mostraban movimiento. Un ejemplo destacado es la fotografía del Cristo de los Faroles de Córdoba, de la cual Muller realizó varias tomas, incluyendo una con figuras en movimiento que él consideraba más interesante, aunque la editorial optara por la otra.

Y la diez fotos que hay en la Casa Góngora no son todas las que hizo Muller, ni mucho menos. El comisario explica que existe un número mayor en el archivo de Müller, incluyendo imágenes de otros pueblos de la provincia y escenas como la recogida de la aceituna, que podrían dar para otra exposición.

Las que forman parte de Viento norte, además, han sido adquiridas y pasarán a formar parte de los fondos de la fototeca de Córdoba, ubicada en el Archivo Municipal, según detalla Pepe Gálvez, de la Asociación de Fotógrafos de Córdoba (Afoco). Gálvez ha subrayado la impresionante calidad que Müller conseguía trabajando con cámaras de formato medio, de 4x4 o 6x6, cuyos negativos cuadrados ofrecían una gran nitidez.

También remarca las postales de Córdoba que circulan con su firma. En este sentido, Gálvez explica que, en aquellos años, existían casas en Madrid y Barcelona dedicadas a la producción y distribución de postales, que eran un medio importante de comunicación y recuerdo en una época donde la radio era el principal medio y la fotografía tenía una distribución más limitada. De hecho, Afoco ya ha barajado la posibilidad de traer una exposición de postales del Centro Andaluz de Fotografía.

Es, sin duda, el plato fuerte del decano de los festivales de fotografía de España, la Bienal de Fotografía de Córdoba: Margaret Watkins, Black Light, que se puede ver en la Sala Vimcorsa hasta el 25 de mayo, es, además de un testimonio sobre la imagen del siglo XX, una inmersión en la mente de una mujer pionera, que se adelantó a muchos de los movimientos y corrientes que iban a acabar definiendo su profesión, mucho antes, además, de que ésta se convirtiera en un arte digno de ser expuesto en los museos.

Eso opina Óscar Fernández, coordinador de la Bienal, que explica a Cordópolis que la muestra de Watkins encaja perfectamente en la filosofía del festival, que busca combinar una sección oficial con fotógrafos internacionales y una sección paralela dedicada a recuperar a autores que han quedado apartados de la historia de la fotografía o del arte y que realmente merecen la pena reivindicar.

La oportunidad de traer esta exposición, que en España se ha podido ver un par de veces, surgió a través de una productora de exposiciones de fotografía europea reconocida como una de las mejores del sector. Esta empresa francesa, con sede y actividad internacional, posee una excelente red de contactos con galerías de Estados Unidos y colecciones privadas, lo que les permite llevar a Europa obras de fotógrafos que de otra manera serían difíciles de ver. DiCroma, responsable también de la exitosa exposición de Vivian Maier, propuso la obra de Margaret Watkins por reunir varias características clave que la Bienal tenía en mente.

La obra de Watkins cumplía con creces estos requisitos. El proceso para concretar la exposición ha sido complejo, si bien el resultado ha sido altamenta satisfactorio, tanto por la alta calidad de las fotografías como por el aliciente de presentar originales de época,realizados hace casi un siglo en Nueva York.

Misterio y anticipación

Óscar Fernández describe la obra de Watkins como poseedora de un halo de misterio y una capacidad sugerente interesantísima. Se perciben distintas fases en su trabajo, anticipando tendencias futuras. Al llegar a Nueva York, Watkins, originaria de Canadá, buscó conectar su trabajo con el ambiente que la rodeaba. Sus primeras fotografías muestran una inteligencia y delicadeza fantástica en composiciones con objetos cotidianos como elementos de baño o cocina, revelando un estudio de la forma cercano al bodegón cubista.

Posteriormente, su obra evoluciona hacia una estética más surrealista, con una conexión evidente con la obra de Man Ray y la estética de la revista Harper's Bazaar, jugando con el misterio y la ambigüedad en imágenes aparentemente sencillas pero evocadoras. Al trasladarse a Europa, Watkins se adentra en la fotografía constructivista, realizando estas fotografías simultáneamente o incluso antes de que se popularizaran como tendencia, lo que demuestra su sensibilidad especial y su intuición para captar lo que estaba sucediendo en su momento.

Todo ello está presente en una exposición que plantea una reflexión sobre el reconocimiento histórico de los fotógrafos y, en particular, de las mujeres. Como señala Fernández, la fotografía no fue considerada arte e incorporada a los museos hasta los años 50 o 60. Antes de eso, la fotografía era principalmente un trabajo por encargo para revistas, publicaciones o publicidad. Watkins montó su propio estudio en Nueva York, dedicándose a la fotografía de producto, comercial y de retrato, una práctica común en la época. Su identidad como artista no necesariamente se correspondía con la imagen contemporánea del artista.

Sin embargo, el auge de la fotografía en el mercado del arte en los años 70 y 80 llevó a la revalorización de muchos autores de épocas anteriores, que comenzaron a ser considerados artistas más allá de su labor profesional. En el caso de las mujeres, su reconocimiento a menudo se vio afectado por diversas circunstancias, incluyendo la pérdida o el almacenamiento de su obra, como ocurrió con Vivian Maier y la propia Watkins.

La historia del arte contada por los hombres

Aunque la guerra no fue el factor directo en el caso de Watkins (la Segunda Guerra Mundial la sorprendió en Europa), su vida cambió, y eventualmente dejó la fotografía, quedando su material guardado en una maleta que le entregó a un vecino, y que ha estado oculto hasta su redescubrimiento. Para Fernández, esto tiene mucho que ver con que la historia del arte tradicionalmente ha sido contada por hombres, relegando a menudo a la mujer a roles de musa o inspiración.

“La realidad es que las mujeres tuvieron una presencia significativa en la vida social y cultural desde finales del siglo XIX hasta el auge de los fascismos”, explica el comisario, que recuerda que, entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XX, las mujeres de familias acomodadas aprovecharon las oportunidades para estudiar y formarse, siendo incluso impulsoras del arte de vanguardia, como las hijas de los grandes millonarios americanos que llevaron el arte moderno a Nueva York.

Sin embargo, la historia del arte se ha contado de forma sesgada, invisibilizando a muchas creadoras.La exposición Margaret Watkins, Black Light en la Bienal de Fotografía de Córdoba se presenta así como una oportunidad crucial para reconocer la visión de una fotógrafa que no solo dominó las técnicas y estéticas de su tiempo, sino que también anticipó las transformaciones que la fotografía experimentaría a lo largo del siglo XX

Esta exposición retrospectiva de su obra, muestra 150 fotografías de la artista que datan entre 1914 y 1939, e incluyen retratos y paisajes, bodegones modernos, escenas callejeras, trabajos publicitarios y diseños comerciales. La exposición, comisariada por Anne Morin, se estructura en cinco bloques y ofrece una visión retrospectiva desde los orígenes del trabajo de Watkins, a sus retratos pasando por su trabajo en Nueva York entre 1915 y 1928, sus trabajos en Europa y sus fotomontajes. 

El Teatro Cómico Principal de Córdoba, dependiente de la Delegación Territorial de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, ha abierto sus puertas desde el día 3 de abril a la exposición fotográfica 'De la Antigüedad a la Modernidad' de Miguel Coleto Vizuete.

Según ha informado el Gobierno regional en una nota, esta muestra forma parte de la programación oficial de la XIX Bienal de Fotografía de Córdoba y podrá visitarse hasta el día 29 de junio. La exposición propone un recorrido visual por el patrimonio histórico-artístico de cinco ciudades europeas emblemáticas: Roma, Florencia, Venecia, París y Lisboa.

A través de una cuidada selección fotográfica, Miguel Coleto explora cómo el arte clásico ha evolucionado desde sus raíces en la antigüedad hasta su reinterpretación en la modernidad. Las imágenes destacan vestigios arqueológicos, arquitectónicos y escultóricos, además de elementos pictóricos que forman parte de las colecciones museográficas que preservan este legado.

En concreto, Miguel Coleto Vizuete es historiador del arte y técnico cultural natural de Villanueva de Córdoba. Con una destacada trayectoria académica y profesional, ha trabajado en proyectos relacionados con la gestión del patrimonio cultural y turístico. Su obra fotográfica refleja su pasión por documentar y preservar el legado artístico europeo.

El horario y el acceso es el mismo del Teatro Cómico Principal, ubicado en la calle Ambrosio de Morales, 15, en pleno centro de Córdoba. La apertura es de martes, miércoles, sábados y domingos de 11,00 a 14,00 horas, y jueves y viernes de 11,00 a 14,00 y de 18,30 a 21,00 horas.

La exposición tiene un catálogo en papel para los visitantes; cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Córdoba y forma parte del programa oficial de la XIX Bienal de Fotografía, un evento pionero que desde 1980 ha convertido a Córdoba en un referente nacional e internacional del arte fotográfico.

La Bienal de Fotografía de Córdoba, el festival de fotografía más longevo de España, se prepara para celebrar su 19 edición desde el 22 de marzo hasta el 25 de mayo de 2025. En su programa, más de 200 artistas y 1.000 fotografías distribuidas en 19 espacios expositivos de la ciudad, consolidando esta cita como uno de los eventos más importantes de la fotografía contemporánea.

Desde su creación en 1985, la Bienal de Fotografía de Córdoba ha sido un espacio clave para el intercambio cultural y la promoción de artistas internacionales. A lo largo de sus 19 ediciones, ha albergado más de 300 exposiciones, con la participación de más de 2.500 fotógrafos de más de 50 países, según se ha indicado en la presentación del programación.

Esta edición nos será distinta, pues combina obras de fotógrafos consagrados con propuestas de artistas emergentes, sin dejar de lado la importante participación de los colectivos locales que hacen de Córdoba un lugar único para la fotografía.

La Sección Oficial

La Sección Oficial de la Bienal contará con un variado repertorio de exposiciones que invitan a la reflexión sobre temas tan diversos como la historia, la identidad y la sociedad actual. Entre las exposiciones más destacadas se encuentran:

La Inteligencia Artificial y la fotografía

Uno de los aspectos más innovadores de esta 19 edición será la presencia de la Inteligencia Artificial (IA) en la programación (está presente en la muestra de Bavari en el Colegio de Arquitectos, por ejemplo). Además, se celebrará un taller dedicado a la IA aplicada a la fotografía organizado por la escuela Black Kamera (Bilbao), el 3 de mayo. La Bienal también ofrecerá una serie de actividades complementarias que enriquecerán la experiencia de los visitantes. Entre ellas destacan:

Conferencias:

Talleres:

Mesa Redonda: El evento Fotonautas-III contará con la participación de Tino Soriano (15 de mayo), quien reflexionará sobre el futuro de la fotografía y su evolución en el mundo digital.

Portfolios y Proyecciones: Alessandro Bavari presentará su proyecto audiovisual Metachaos el 23 de marzo, mientras que la Bienal llevará su programación a la Filmoteca de Andalucía (9 de abril al 21 de mayo), donde se proyectarán cortometrajes y documentales de varios autores.

El Off Festival

Además de las exposiciones y actividades mencionadas, la Bienal contará con espacios alternativos en su Sección Off, donde las propuestas fotográficas más experimentales y de carácter local tendrán su espacio. Entre ellas, destacan:

La Bienal de Fotografía de Córdoba calienta motores para su 19 edición, que tendrá lugar entre marzo y mayo. Tras conocerse que, en el marco de esta cita, el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) se podrá ver una muestra de los fondos fotográficos del CAAC comisariada por el reconocido Alberto García-Alix, ahora se sabe la que será una de las exposiciones centrales del evento.

Se trata de la exposición Margaret Watkins, Black Light, que se podrá ver en la Sala Vimcorsa desde el 22 de marzo hasta el 25 de mayo. El Ayuntamiento ha adjudicado por 45.000 euros el contrato para la cesión de las 151 obras que configuran esta muestra, una inmersión en la obra de una pionera internacional de la fotografía.

De hecho, la exposición parte de un gesto cuanto menos curioso. Poco antes de morir en Glasgow, Margaret Watkins (Hamilton, Canada, 1884 - Glasgow, 1969) entregó a su vecino una caja negra sellada, repleta de fotografías y negativos. Aquella cesión constituye el germen de la exposición que llegará a la Sala Vimcorsa, una retrospectiva centrada en una creadora que contribuyó a forjar la historia de la fotografía de principios del siglo XX con sus singulares aportaciones, y que, en lo persona, se rebeló contra la tradición y los roles de género asignados a las mujeres.

Watkins desarrolló una carrera brillante en la década de 1920 y fue una de las primeras autoras en dedicarse a la fotografía publicitaria. Sus imágenes sobre objetos cotidianos se convirtieron en el paradigma sobre el que se forjaron los nuevos estándares de aceptabilidad. En su obra, la fotografía se transforma en “un verdadero instrumento de expresión que permite ver el mundo de manera diferente” (László Moholy-Nagy) y deja de ser un simple sustituto mecánico de la pintura.

PHotoESPAÑA y CentroCentro, que organizaron la muestra en 2021, destacaban que su estilo modernista anticipó las grandes revoluciones estéticas y conceptuales que vendrían después, y es palpable tanto en su obra personal como en sus trabajos publicitarios para agencias como Condé Nast o Reimers, y revistas como The New Yorker, Ladies’ Home Journal o Country, entre otras.

Esta exposición retrospectiva de su obra, muestra 150 fotografías de la artista que datan entre 1914 y 1939, e incluyen retratos y paisajes, bodegones modernos, escenas callejeras, trabajos publicitarios y diseños comerciales. La exposición, comisariada por Anne Morin, se estructura en cinco bloques y ofrece una visión retrospectiva desde los orígenes del trabajo de Watkins, a sus retratos pasando por su trabajo en Nueva York entre 1915 y 1928, sus trabajos en Europa y sus fotomontajes. 

Dos voces sin parangón dentro del cante jondo y pertenecientes a dos generaciones distintas se van a citar por primera vez en el marco de la 33 edición de la Bienal de Flamenco de Sevilla. Por un lado, El Pele, el cantaor cordobés, una voz única, miembro de la generación que alumbró a Morente, El Lebrijano, Menese y Camarón; y al otro, el toledano Israel Fernández, el más laureado y popular cantaor de la actualidad.

Este encuentro intergeneracional entre dos voces tan gitanas y poderosas lo ha propiciado la bailaora sevillana Manuela Carrasco, que se despedirá de los escenarios en la próxima Bienal de Flamenco de Sevilla con un espectáculo único que ha sido anunciado este martes.

Más allá de este encuentro, de la despedida de Carrasco se sabe que estará acompañada por otras primeras figuras del baile y del cante dirigidos por Ángel Rojas y que el concierto tendrá lugar el 29 de septiembre en el Teatro de La Maestranza, en un ciclo de la Bienal titulado Noches Únicas.

Paradójicamente, no será ésta la única noche de El Pele en la próxima Bienal, ya que el 20 de septiembre, en el Real Alcázar de Sevilla, el cantaor cordobés presentará Puro y Salvaje, un espectáculo de baile, toque y cante junto al bailaor Antonio Canales y el guitarrista José Antonio Rodríguez. 

Otros nombres cordobeses

Por su parte, Sergio de Lope (Priego de Córdoba) y Chico Pérez, dos figuras de la fusión flamenca, presentarán en el Pabellón de la Cartuja otro estreno absoluto el 4 de octubre. Se trata de Con acento XL, proyecto en colaboración con el Instituto Andaluz del Flamenco para la creación de una Big Band flamenca liderada por ellos con estudiantes de Conservatorio. 

En el Teatro Central actuarán, por su parte, Úrsula López (Montilla), que subirá al escenario el 16 de septiembre para presentar Comedia sin título, y Mercedes de Córdoba, que regresa a la Bienal con un estreno absoluto: Olvidadas (A las Sinsombrero), cuyo estreno está previsto el 28 de septiembre.

Toda la información referente a los espectáculos programados; así como, a la venta de entradas y al precio de localidades, se encuentran disponibles en la web de la Bienal de Flamenco (www.labienal.com).

El jurado de la X Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí, reunido recientemente en el Centro de Arte homónimo, ha acordado la adquisición de siete piezas del total de 30 que fueron escogidas en la fase de preselección.

Así, dicho jurado, al frente del cual estaba el presidente de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y delegado de Cultura en la Diputación, Gabriel Duque, ha resuelto proponer la adquisición de estas siete obras por un importe superior a los 43.000 euros. 

En concreto, ha señalado Duque, “proponemos la adquisición de la obra Trueno mate, de Álvaro Albadalejo, por su lenguaje escultórico que conjuga tradición y contemporaneidad; la obra Cuerpos variables, de Rosalía Banet, por su propuesta en torno a la pintura expandida; y La última voz del mundo, de Julia Llerena, por su capacidad para conectar la materialidad de lo textil con la invisibilidad de lo sonoro”. 

De igual modo, se han seleccionado las obras Educar es redimir. Escala 1:1, de Miguel Benjumea, por su capacidad para articular distintos lenguajes creativos; Groundshot (p-^vT.), de Juan López, por la reflexión que hace el autor sobre el espacio urbano y los distintos lenguajes; y Palette ASCII Paragraph #03.tríptico, de Almudena Lobera, por hacer una reflexión a partir del lenguaje pictórico sobre la comunicación y la tecnología. Se suman a estas obras la titulada Enjoy The Collapse (Bank of England), de Iván López Hernández. 

Tal y como ha recordado Duque, “a la Bienal presentaron sus obras unos 297 artistas y fueron preseleccionadas 30 obras que actualmente conforman una exposición que puede visitarse en el Centro de Arte Rafael Botí hasta el próximo domingo 24”.

La presidenta de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí en funciones, Salud Navajas, ha presentado este jueves la X Bienal de Artes Plásticas, exposición que podrá visitarse desde este viernes y hasta el 24 de septiembre en el Centro de Arte Rafael Botí.

En rueda de prensa, Navajas ha explicado que “la muestra se compone de un total de 30 obras, seleccionadas de las 297 propuestas artísticas presentadas. Un jurado, compuesto por los comisarios Jorge Díez, Oscar Fernández y Regina Pérez, y el director del Centro Guerrero de Granada, Francisco Baena, ha sido el encargado de elegir los trabajos seleccionados”.

“Como viene siendo habitual, esta Bienal servirá para enriquecer la colección artística de la Fundación Botí, puesto que el jurado, al que se unen la periodista cultural Laura Revuelta y la gestora cultural Ana María Perelló, seleccionará las piezas que posteriormente será adquiridas, contando para ello con una bolsa de compra de 45.000 euros”, ha añadido Navajas.

Para la también delegada de Cultura en funciones de la Diputación de Córdoba, “tendremos la oportunidad de visitar una muestra en la que estará presente lo más destacado del arte contemporáneo actual, artistas que han querido participar en un certamen que, año tras año, se ha consolidado en el panorama nacional de la creación artística contemporánea”.

Navajas ha concluido señalando que “la Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí se ha convertido en una seña de identidad de la Fundación Botí, un referente para los artistas nóveles y consolidados que nos eligen como escaparate de promoción y puesta en valor de su obra”.

El comisario de la exposición, José Álvarez, ha afirmado que “supone un logro para una institución pública dar continuidad temporal a un proyecto cultural de la envergadura de la Bienal de Artes Plásticas”.

Según Álvarez, “no tenemos más que echar un vistazo a los distintos catálogos que se han editado para observar la evolución de las corrientes artísticas y creativas a lo largo de todos estos años”.

“En su X edición, la Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí cuenta con una nómina de 30 artistas que suponen una amplia representación de la creación local y nacional de este momento, con nombres emergentes, pero también consolidados”, ha matizado Álvarez.

El comisario de la exposición ha concluido haciendo referencia a que “se trata de una muestra en la que tienen cabida distintas técnicas, a través de las cuales se trabaja el volumen y el espacio, y en la que se tocan temas sociales y de actualidad”.

La Bienal de Fotografía de Córdoba ha cerrado su decimoctava edición con una importante afluencia de público, que ha sumado un total de 64.607 personas entre el 15 de abril y el 18 de junio.

Todas ellas han tenido la oportunidad de disfrutar de un amplio programa de exposiciones y actividades complementarias que han convertido a la ciudad en un referente de esta disciplina artística. Más de 63.600 personas se han sumergido en las diferentes exposiones presentadas en la decimoctava edición del festival.

La programación ha incluido catorce exposiciones en total, de las cuales once han sido producidas por el Ayuntamiento de Córdoba y las restantes tres han sido organizadas por entidades invitadas como Casa Árabe y la Fundación La Caixa, consolidando así un evento cultural de gran envergadura. Las actividades complementarias también han contado con una excelente acogida, con la participación de 988 personas. Estas actividades enriquecen la experiencia de los asistentes, brindándoles la oportunidad de profundizar en el mundo de la fotografía a través de conferencias, mesas redondas, talleres y proyecciones.

Exposiciones más concurridas

Entre las exposiciones de producción propia más concurridas destacan la muestra ‘1001’, de Isabel Muñoz, que ha registrado 4.350 visitas en la Sala Vimcorsa. Así mismo, las exposiciones ‘Armonía’, de Ana Palacios; y ‘Nilo Blanco, de Ana María Robles, han cautivado en la Casa Góngora a cerca de 2.800 visitantes por su enfoque único y su capacidad para transmitir emociones a través de las imágenes.

También es reseñable la afluencia cosechada por la exposición ‘Barbara para siempre’, de Ouka Leele, con más de 2.100 visitas en la Sala Pepe Espaliú. Así mismo, la exposición ‘Zoocosis’ de Estela de Castro, exhibida en la sede de la Fundación Cajasol, ha recibido la visita de alrededor de 2.000 personas.

Por otro lado, la exposición ‘Fuera del mapa’, de Hanna Harzabek, presentada en la sede de la Fundación Caja Rural, ha atraído a 1.900 visitantes. Finalmente, 1.100 personas han pasado por la sede de AFOCO para ver la exposición ‘Queens of Fantasy’, de José Antonio Buzón. Entre las muestras fotográficas organizadas por entidades invitadas, sobresalen especialmente las dos alojadas en la sede de la Casa Árabe, que han superado las 42.000 visitas. En concreto, la ‘Exposición de arte Marroquí. Córdoba 1946 atrajo a 20.794 visitantes, y ‘Bagdad, un lugar moderno (1958-1978)’, ha registrado 21.754 visitas.

Además, cerca de 2.500 personas han visitado la exposición ‘Women in Photo’, organizada por el Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) de la Junta de Andalucía en el Teatro Cómico. En esta una muestra se han podido contemplar ochenta fotografías de diez fotógrafas de diferentes países que reflejan las realidades de hombres y mujeres en diversos lugares del planeta.

A estos datos hay que añadir las visitas que han generado las exposiciones ubicadas en espacios públicos, que no se han podido contabilizar. Ese es el caso de la muestra ‘Emires y Sultanas. Príncipes del Toreo’, instalada por Antonio Cabello en la fachada del Museo Taurino de Córdoba, y la exposición ‘De Polo a Polo. Fotógrafos de National Geographic’, presentada por la Fundación La Caixa en el Bulevar de Gran Capitán. Esta última muestra, al igual que las que se encuentran en la sede de Casa Árabe, podrá verse todavía hasta el 14 de julio. El programa de la bienal también ha incluido una serie de actividades complementarias, como conferencias y una mesa redonda, que se han llevado a cabo en el salón de actos de Vimcorsa.

Además, se han impulsado dos acciones formativas con formato de taller en la sede de AFOCO. La presentación del libro ‘Polisemia’ de Manuel Jesús Pineda también tuvo lugar durante la Bienal, al igual que una salida fotográfica a Zuheros dirigida por el reconocido fotógrafo de viajes Gonzalo Azumendi. En el contexto de la Bienal de Fotografía también se han programado un total de siete proyecciones, dos de ellas en colaboración con el CAF dentro del programa 'Plano a Plano' , y todas en colaboración con la Filmoteca de Andalucía. Estas proyecciones han ofrecido al público la oportunidad de disfrutar de obras audiovisuales relacionadas con la fotografía.

Las actividades complementarias también han tenido una gran acogida por parte del público. Las proyecciones 'Sacro' de José Antonio Buzón y 'Séneca y Lucano. La virtud del Imperio' de Fátima y Miguel Ángel Entrenas contaron con la presencia de 300 y 150 asistentes respectivamente. El preestreno de 'El Caballo Español' de Francisco J. Fernández Bordonada atrajo a 90 personas, mientras que la proyección 'Retratos del alma' de Sandra Balsells y 'La Mirada de Ouka Leele' de Rafael Gordon contaron con la presencia de 70 asistentes cada una. Dentro de su oferta cultural, la bienal también ha brindado su apoyo al concurso de fotografía joven ‘Mírame’, impulsado por la Delegación Municipal de Juventud, que ha organizado una exposición al aire libre en la calle Gondomar para mostrar las imágenes ganadoras.

Esta edición ha sido especialmente significativa, ya que ha rendido homenaje a dos figuras importantes para la Bienal de Fotografía. Por un lado, se ha recordado y valorado el legado de Ouka Leele, que tuvo una estrecha relación con Córdoba y que formó parte del jurado del Concurso Nacional de Fotografía “Ciudad de Córdoba” en 2020. Por otro lado, se ha rendido homenaje a Juan Carlos Limia, recientemente ha fallecido, quien estuvo muy involucrado en la organización de la bienal desde el Ayuntamiento de Córdoba. La Bienal de Fotografía de Córdoba, que nació en la década de los 80 gracias a la colaboración entre el Ayuntamiento de Córdoba y AFOCO, se ha consolidado como uno de los festivales de fotografía más veteranos de España y ha sido pionero en la promoción y difusión de este lenguaje artístico.

A lo largo de sus 18 ediciones, ha acogido más de 1.000 autores, convirtiéndose en un espacio de encuentro para fotógrafos tanto emergentes como consagrados. En esta edición, ha contado con la colaboración de la Junta de Andalucía, el Colegio Oficial de Arquitectos de Córdoba, la Fundación La Caixa, la Fundación Caja Rural del Sur, la Fundación Cajasol y Casa Árabe.

La decimoctava edición de la Bienal de Fotografía de Córdoba encara sus últimos días con una conferencia titulada 'Mirar, sentir, pensar. La mirada estética y conceptual en las fotógrafas andaluzas del siglo XXI', a cargo de Elena Pedrosa, artista visual especializada en narrativa fotográfica contemporánea.

A lo largo de la charla, que tendrá lugar este sábado 10 de junio a las 19,30 horas en la Sala Vimcorsa, la estudiosa analizará las narrativas, “desde dónde y para qué fotografían, cómo es la expresión de la fotografía andaluza en la mirada de las mujeres artistas del siglo XXI”.

Según informa el Ayuntamiento en una nota, la entrada a la conferencia, que presentará el fotógrafo cordobés Antonio Jesús González, es libre hasta completar aforo.

En su decimoctava edición, la Bienal de Fotografía de Córdoba propone hasta el 18 de junio un recorrido por 14 exposiciones y un amplio programa de actividades complementarias, con el trabajo de grandes mujeres fotógrafas como inspiración.

El programa expositivo cuenta con la colaboración de entidades como la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, a través del Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), la Fundación Cajasol, el Colegio Oficial de Arquitectos de Córdoba, Casa Árabe y la Fundación La Caixa. Toda la información está disponible en la web 'bienaldefotografia.cordoba.es'.

La Filmoteca de Córdoba estrena este jueves el corto Sacro, una historia sobre un monje templario que mezcla venganza, guerra y amor a través del tiempo. El estreno se enmarca en el ciclo de la Bienal de Fotografía y estará presentado por Rafael Patiño, productor y escritor.

Sacro está dirigido por José Antonio Buzón y, además, cuenta hasta el 16 de junio con una muestra fotográfica en el Ilustre Colegio de la Abogacía de Córdoba, donde han expuesto instantáneas del rodaje a cargo del director de fotografía del film, Juan Gaitán. El evento estuvo presentado por el presidente de la Asociación Fotográfica Cordobesa (Afoco), José Gálvez.

La banda sonora del film está a cargo de Juan Manuel Mantecón, quien, según explica en una entrevista, ha optado por un “sonido con un marcado carácter personal”, para lo que han usado instrumentos turcos, israelíes o egipcios, todo relacionado con el contexto de la historia que se narra. El músico asegura que es importante tener en cuenta la personalidad y la emoción de los personajes en cada escena para poder crear la banda sonora.

El protagonista de este corto es el actor Ulises Tzolkin, que interpreta al monje guerrero templario Sibelius. Además, el elenco de este corto lo componen Gonzalo Cortés, Irene Lázaro, Juan Antonio Díaz Recasens, Gonzalo Cortés Pepe Aguayo, Ana Belén Ramírez, Chus Villafranca y Rafael Rodríguez.

La Bienal de Fotografía de Córdoba ha inaugurado este jueves la exposición De Polo a Polo, un viaje a los grandes paraísos naturales, una muestra en colaboración con la Fundación La Caixa y el Ayuntamiento de Córdoba. Está ubicada en el Bulevar del Gran Capitán y cuenta con 52 instantáneas de la National Geographic Society que exponen la situación de especies y hábitats que se han visto afectados por los efectos de la crisis climática actual.

El comisario de la exposición, Jaume Marlès, ha explicado en la inauguración que esta serie de fotografías “abre una ventana a estos entornos donde vemos especies emblemáticas o en peligro de extinción”. El trabajo de fotógrafos internacionales traslada al público desde el ártico a la Antártida, pasando por los bosques, islas y desiertos de los cinco continentes.

Asimismo, ha aludido a la actual crisis climática que supone cambios y peligros para la migración de algunas especies como la mariposa emperador. Marlès ha expuesto los efectos de esta situación ambiental que ya pueden comprobarse. “Existe una disminución de la población de vertebrados, han desaparecido la mitad de los arrecifes y cada minuto desaparece un área de bosque similar a 27 campos de fútbol”, ha dicho al respecto.

En representación de la entidad colaboradora, la delegada en Andalucía de la Fundación La Caixa, Yolanda López, ha puesto en valor la presencia en Córdoba de diversas exposiciones y programas sociales y educativos. “Estamos convencidos de que la cultura es una herramienta de crecimiento personal”, ha señalado.

Esta exposición forma parte del programa Arte en la calle, con el que pretenden acercar la ciencia, la naturaleza y la cultura a todo el público fuera del marco de museos y salas de exposiciones. Con este objetivo, han preparado visitas guiadas alrededor de esta muestra para explicar todo aquello que recogen las imágenes.

Por su parte, el director del Área de Negocios de Caixabank en Córdoba, José Manuel Almagro, ha resaltado las actuaciones que realizan en la ciudad en beneficio de personas en situación desfavorable a través de cursos de formación o colaboraciones con otras entidades como el Banco de Alimentos.

La delegada de Juventud del Ayuntamiento de Córdoba, Cintia Bustos, ha estado presente en la inauguración donde han descubierto una fotografía sobre el deshielo en los polos. Además, ha señalado que desde el consistorio son “fieles defensores de la colaboración público-privada para llegar más lejos”.

El poblado marroquí construido en Córdoba hace 77 años vuelve a la ciudad a través de una muestra fotográfica del arquitecto municipal Víctor Escribano Ucelay, custodiada por el Archivo Municipal de Córdoba. La Exposición de Arte Marroquí. Córdoba, 1946 forma parte de la Bienal de Fotografía y se puede visitar en la Casa Árabe hasta el 14 de junio.

Este poblado, ubicado en el entorno del actual hotel Córdoba Palace, fue una extensión de la tradicional Feria de Nuestra Señora de la Salud, que se celebró entre el 24 de mayo y 2 de junio de 1946. Se concibió con “la idea de generar un lugar de intercambio cultural y turístico entre ciudadanos de ambos lados del Estrecho”.

Paseo acompañado de música

El recorrido comienza con los cuadernos de apuntes del arquitecto, quien viajó previamente a Marruecos e investigó sobre arte islámico. En estas páginas pueden verse los primeros esbozos de arcos de herradura y diferente ornamentación que más tarde conformaría la medina. Asimismo, se deduce que aquella exposición propiciaba la interacción entre los visitantes y los artesanos marroquíes que elaboraban sus productos y los vendían en este espacio.

La música marroquí acompaña durante el recorrido de esta muestra, que narra a través de bocetos, instantáneas y un vídeo del NO-DO las actividades y encuentros que se dieron en aquellas callejas. Además, se emitieron en Radio Córdoba y Radio Tetuán varios acontecimientos musicales de la mano de la Orquesta Arábigo-Andalusí del Conservatorio de Música Hispano-Marroquí de Tetuán.

Estas actuaciones formaban parte de “un plan más ambicioso del Protectorado Español: la difusión y puesta en valor de la música andalusí como símbolo de la hermandad hispano-marroquí y como forma de legitimar el colonialismo”. Por ello, esta muestra que revive aquellos días debe contextualizarse “en ese escenario de control colonial y de relaciones de poder asimétricas existentes en la época”, según se detalla en el texto ubicado al inicio de la exposición.

Esta iniciativa estuvo oficialmente promovida por el cronista cordobés José María Rey Díaz y contaba con una sala de exposiciones donde los visitantes podían ver de cerca elementos de artesanía como alfombras, cerámicas o mosaicos, traídos directamente de Marruecos. “Córdoba se proyectaba como un lugar perfecto para dar visibilidad a la hermandad hispano-marroquí”.

Cuenta Isabel Muñoz (Barcelona, 1951) que no le resultó fácil tener acceso al mundo que retrata en su exposición 1001, que decora las paredes de la Sala Vimcorsa con motivo de la Bienal de Fotografía de Córdoba. La artista, de hecho, llevaba acariciando años la idea de captar el mundo detrás del butoh, la danza japonesa que surgió tras la masacre de Hiroshima y cuyos guardianes son, en muchos casos, miembros de la Yakuza.

Pero, como ocurre con su mirada (la física y la artística), la terquedad es cuestión de paciencia más oportunidad. Así, tras siete viajes a Japón entre 2017 y 2020, Muñoz, una de las fotógrafas más importantes de España, logró penetrar en ese universo, que ha retratado en tonos ceniza salpicados de impactantes toques de color.

Medalla de oro de las Bellas Artes y premio World Press Photo entre otros muchos galardones, Muñoz habla con un tono muy templado, pausado, que sólo sube de volumen cuando habla de amor, que considera el motor de su trabajo. Lo dice una de las pioneras del fotoperiodismo español, que además ha sabido dotar a sus imágenes de una belleza inesperada, incluso cuando lo que hay frente al objetivo es una tragedia oculta.

PREGUNTA. ¿Por qué el predominio del blanco y negro en esta exposición?

RESPUESTA. La verdad es que el blanco y negro siempre está presente en mi obra, en mi vida y en mi forma de mirar. Para los japoneses, como para los españoles, de alguna manera, la luz y la oscuridad está siempre presente, como muchas otras cosas que he ido descubriendo. Pero, en este caso, la exposición habla de la intemporalidad, habla de lo eterno, del tiempo que no existe. Hay una distancia. El pueblo japonés guarda sus secretos de forma particular. Hay imágenes también en color pero porque quieres contar otra cosa. Pero, este es un trabajo que me pedía el blanco y negro.

No podemos vivir sin amor

P. Viendo la exposición, casi que pensaba más en el color ceniza. Por aquello de que es una tradición hija de Hiroshima.

R. También. Pero, fíjate, aparte de que las cenizas vuelven otra vez al cuerpo, de alguna manera. Pero, una de las cosas que hay es que siempre me han fascinado lo japonés. Y me he dado cuenta de que ellos también sienten una fascinación especial por España y por su cultura. Y yo decía: ¿por qué, si somos tan distintos? Y cuando empecé a trabajar con los bailarines de butoh, me empecé a dar cuenta, de que todas las expresiones de esos cuerpos eran también un paseo por España, por el barroco español. Por Goya, por Zurbarán o incluso por Caravaggio, que también es barroco aunque no sea español. Y entonces empecé a ver esos colores. Y me di cuenta de que muchas imágenes tenían que ser en color, porque es una forma de mostrar esa pasión. Porque tanto ellos como nosotros somos apasionados, lo que pasa es que ellos, por su cultura, no pueden expresar esos sentimientos, mientras que nosotros sí. Allí está la diferencia. Pero, cuando vas a los orígenes, al amor, a los sentimientos, a los orígenes mitológicos, incluso espirituales, tenemos mucho en común.

P. A priori, uno siempre piensa en Japón y España como dos planetas distintos. Siempre me fascina imaginar cómo sería el primer encuentro entre ambas civilizaciones.

R. Bueno, sabes que aquí vino, no me acuerdo en qué siglo, una delegación japonesa.

P. Claro, los Japón Sevilla, los de Coria Del Río.

R. Claro, eso. Luego han hecho esa película que muestra a los Japón como una gente muy seria, que iba precisamente huyendo de la persecución.

P. Luego hay otra cosa que nos une, y es que creo que Tokio es la ciudad con más escuelas de danza de flamenco.

R. Ah, eso no lo sabía. Pero no me extraña. Y fíjate porque a mí el flamenco me apasiona desde pequeña, que lo he trabajado mucho. Nosotros no teníamos televisión y ponías la radio y era todo copla y canción popular. Y me acuerdo cuando estuve haciendo un trabajo sobre flamenco, y estuve precisamente aquí en Córdoba. Hay una academia, Amor De Dios creo que se llamaba, era muy antigua, y había una japonesa y era (gesticula reflejando el impacto que le produjo). Era muy interesante verla. Porque tú puedes aprender la técnica a la perfección, pero como no tengas el duende, como no tengas el alma, eso que te hace ¡pum!… Es curioso, pero es así

El fotógrafo o el periodista cuenta sus historias para que sirvan a la humanidad

P. ¿Eso que acabas de decir vale también para la fotografía? ¿Se puede ser buen fotógrafo sólo con muchos conocimientos técnicos? 

R. Yo creo que existe el duende en la fotografía. Y en la que habla de la vida, más aún. ¿Porque claro, qué es el duende? Para cada uno eso significará algo. Y yo creo que para mirar también es importante. Yo creo que para la fotografía es importante ser uno mismo, porque es un trabajo sobre el ser humano. La fotografía transmite sentimientos. La fotografía no miente. Bueno, seguro que hay quien piensa de otra manera, pero yo sí creo que existe eso en la fotografía.

P. ¿Y el ojo se entrena?

R. Yo creo que hay muchas cosas que se pueden entrenar, pero lo que pasa es que el ojo manda una serie de ondas al cerebro que pasan también por el corazón y por el estómago. Entonces, el ojo son muchas cosas hasta que la imagen nos llega.

P. ¿De todos los países a los que has viajado, cuál es el que estéticamente te ha parecido más deslumbrante? 

R. Es curioso, porque yo tengo que enamorarme de mis trabajos y, de hecho, me enamoro todo el rato. Y necesito ir al sitio. Cuando estoy haciendo un trabajo, me enamoro del país. Así que, en este momento, el último país es Turquía y, entonces, estoy enamorado de ese país. Pero me he enamorado del Congo, de Camboya… 

P. O sea que el amor es la base de tus proyectos.

R. Creo que no se puede vivir sin amor. Es muy difícil vivir sin amor, lo que pasa es que cada uno lo expresa a su manera. Creo que no podemos vivir sin el otro y sin amar al otro. Lo que pasa es que hay palabras que tanto usarlas se gastan. Y fíjate, con toda esta inteligencia artificial que me fascina y que estoy utilizando en mis proyectos, te cuestionas muchas cosas.

No podemos juzgar a quien retratamos, cada uno somos producto de lo que socialmente nos ha tocado

P. Antes de hablar de IA, me gustaría saber en qué momento te picó el gusanillo ese de desplazarte cargando con cámaras y carretes a cuestas. Porque hablamos con alguien que ha sido testigo de toda la revolución tecnológica.

R. Yo vengo de una época en la que no existía acceso al conocimiento fotográfico. Al menos como lo hay ahora. En mi caso, yo vivía en Madrid -bueno, de hecho, mis primeros cursos fueron a distancia con la CEAC, y luego estudié en el Photocentro de Madrid. Pero yo he sido autodidacta y, la verdad, para mí la libertad ha sido esencial a la hora de hacer una carrera. Incluso cuando he aceptado encargos, que me encantan, porque son una forma de salir de tu mundo. Yo, además, necesito salir de mi zona de confort. Y llegó un momento en que la imagen fija para mí no era suficiente, por lo que me puse a investigar sobre imagen en movimiento. Y cada vez que viene algo nuevo, me fascina. Yo desde el 2000 llevo ya en el mundo digital. O sea, 23 años. Pero es que me gusta coger todo lo que haya y que contribuya a hacer más fuerte mi discurso. Y también llega un punto en el que, por más que quieras, te das cuenta de que todo no lo puedes hacer. Últimamente sí que estoy investigando mucho en la inteligencia artificial.

P. ¿Y qué te parece que se haya utilizado en temas periodísticos, como se ha hecho hace poco en El mundo?

R. Lo desconozco. La inteligencia artificial es muy interesante, aunque tiene una parte oscura, porque toca cosas que me preocupan, como es la manipulación. Yo creo, que de alguna manera, hay que legislar la inteligencia artificial. Porque puede hacer mucho daño. A mí me preocupan mis nietos, y me gustaría que ellos sientan la emoción que yo puedo sentir, que podemos sentir o que hemos sentido, de que se te ponga la carne de gallina, esa sensación de poder tocar. Y sobre todo de pensar. El pensamiento y la libertad de actuación está en peligro si no se regula todo el avance tecnológico. Creo que hay que hacerlo y también hay que preparar al ser humano para hacer un buen uso de todas estas herramientas.

P. Es que la tecnología va muy por delante de los gobiernos.

R. Va muy por delante de lo que nos podamos imaginar. El mundo de los científicos es maravilloso, pero, si hablas con alguien que realmente conoce este tema -yo no soy una experta, no estoy muy metida-, te sorprendes.

P. Claro, la cuestión es mirar a largo plazo. Hay ya generaciones que, a diferencia de nosotros, han nacido con un móvil en la mano. Pero, al mismo tiempo, no se les está educando filosóficamente en lo que eso significa. 

R. Es muy complejo. Yo que valoro tanto la libertad, lo que percibo es que es un arma muy peligrosa en manos del poder.

Hay que legislar la inteligencia artificial, porque tiene una parte oscura

P. ¿La fotografía para ti es un arte o tiene más que ver con la historia?

R. Fíjate, para mí, si es arte o no, lo tendrá que decir otro el día de mañana. Para mí, el arte es aquello que se hace con amor y que es capaz de transmitir al otro emociones. Yo creo que la fotografía, como la escultura, el cine y tantas otras cosas, es una forma de llegar al otro. De transmitir al otro mi emoción. 

P. ¿Alguna vez has descartado una imagen por ser demasiado bella para retratar el tema que estabas contando? 

R. Pues mira, siempre he tenido mis problemas con esta cuestión. Ya sabes que existe la belleza en lo que no es bello y eso no me preocupa realmente, porque cada uno se va a emocionar o va a valorar una imagen de manera distinta. Y yo siempre me planteo qué es ser demasiado bello. El ser humano no puede vivir sin esperanza y sin belleza y la belleza en el arte a mí me ayuda. Pero, ¿cómo mides la belleza, cómo mides el dolor, cómo mides el amor? Es que hay cosas que no se pueden medir.

P. Me imagino que habrás estado en algunas situaciones en la que cualquiera puede juzgar tu trabajo como una explotación del dolor cuando en realidad lo que haces es exponerlo tal cual lo viste.

R. Y, de hecho, yo estoy totalmente en contra de la explotación del dolor. Muchas veces somos nosotros quiénes juzgamos las imágenes. Aquí tenemos muchas imágenes que pueden juzgarse de esa manera. Y llevo muchos años investigando sobre esa cultura, que además está entre el dolor, el placer y el misticismo. Es curioso, que es una constante que he podido testimoniar a través de estos hombres y a través de las distintas religiones. Y es algo que tenemos todos los seres humanos. Nosotros aquí también. Eso está en la Semana Santa. Y no podemos negar que hemos tenido místicos como Santa Teresa o San Juan de la Cruz. O lo místicos sufís. Pero, tú ves algunas de estas imágenes y te das cuenta de que son la formas que tiene el hombre de llegar a eso y que, además, tiene una explicación. Llega un momento en que toca una parte del cerebro y convierten el dolor en placer. Y eso es algo que se va repitiendo a través de los siglos y se va repitiendo en las distintas culturas. 

P. Aquí estamos viendo unas imágenes espectaculares, que seguramente han tenido un proceso de preparación complejo del que muchas veces ni siguiera se habla. Es la parte más invisible del fotógrafo. 

R. Cuando se ve tu trabajo, aquí por ejemplo, que es una exposición de la que yo estoy muy orgullosa, la gente no se da cuenta de todo el trabajo que hay detrás de una exposición. No es sólo cómo lo preparas. Es cómo consigues contar lo que tú quieres contar. Y sí, detrás de algo así hay mucho trabajo. Yo ya sólo hago un trabajo o dos al año. Porque, detrás de cada copia, hay un trabajo de investigación, hay un trabajo de producción… Yo necesito tocar para conseguir que el otro pueda tocar. Seleccionas, haces la edición, eliges el soporte, cómo lo vas a contar, hay una trayectoria larga… Lo que tú has visto aquí es un trabajo de años. Pero, bueno, a mí eso no me importa. Vale, el tiempo es muy importante, sobre todo ahora que cada vez tenemos menos, pero a la hora de la verdad, yo no escatimo el tiempo en mi trabajo, porque lo importante es lograr lo más parecido a lo que quieres transmitir.

Estoy totalmente en contra de la explotación del dolor

P. Pero me imagino que te habrá costado acceder a ciertos estamentos, simplemente por ser mujer.

R. Bueno, bueno, bueno, sí. Yo lo digo siempre, soy feminista y me alegra ser mujer. Y valoro todos los derechos que hemos ido adquiriendo porque vengo de una generación que no los tenía. Y siempre me ha molestado que el hecho de ser mujer me impedía tener acceso a algunos temas que a mí me han interesado. Y los he perseguido. Porque, por un lado, para mí era importante llegar a ellos y poder compartirlos con otras mujeres. Pero también tengo que decir que hay algunos temas que culturalmente me han sido más accesibles por ser mujer. Me he podido acercar a algunas mujeres que se han abierto a mí de una forma que no hubiera sido la misma de ser hombre. 

P. ¿Dirías que tu fotografía es femenina?

R. Pues hasta hace poco he luchado contra esa idea. Porque la fotografía no es femenina ni masculina, sino que representa a la persona que la hace. Pero tengo que decir que hay temas que una mujer los toca de una forma distinta y los siente de una manera distinta y, por tanto, los va a transmitir de una forma distinta. Entonces, creo que no hay fotografía femenina, pero sí hay temas. 

P. Has tocado temas violentos y complejos. Estoy pensando ahora mismo en tu trabajo con las maras en Latinoamérica. No sé si alguna vez has deseado que tu cámara fuera una pistola al disparar al que tenías en frente.

R. (Sonríe) No, nunca. Tengo que decir que ha sido complicado para mí fotografíar ciertos temas. Yo no hago guerras, no había estado nunca en cárceles... Y, como te he dicho antes, yo necesito amar. Entonces, cuando uno hace estos trabajos… Fíjate, sí que he sentido algo así cuando trabajé sobre el tráfico de niños y la esclavitud en el Sudeste asiático y fotografiaba a los proxenetas, a los que van en las motos y entregan a las niñas. Ahí sentí algo especial. Pero también me di cuenta de una cosa: que no podemos juzgar, que cada uno somos producto de lo que socialmente nos ha tocado. Y, en este caso, Camboya es un pueblo que tuvo que vivir la invasión, la tragedia de los Jemeres rojos y no puedes juzgar nada sin tener en cuenta todos estos acontecimientos. Pero la vida me ha enseñado a no juzgar a la ligera. ¿Cómo juzgas a otra cultura? Aunque tú te prepares mucho, es que la cultura es algo muy intrínseco. Tú puedes conocer una cultura si te implicas en profundidad, pero no tienes ninguna vivencia que te haga comprenderla en plenitud.

P. ¿Qué crees que dice tu archivo personal de imágenes de ti?

R. Yo sí que creo que el fotógrafo, como el escritor, está en todo lo que ha hecho. Tanto de las obras de las que está contenta, como de las que no. Y creo que, para hablar de mí, estáis mejor vosotros. 

La fotografía no es femenina ni masculina, sólo representa a la persona que la hace

P. Casi pensaba más en tus fotos personales, en las que tienes en tu casa o tu despacho o en el móvil.

R. Es que detrás de cada foto hay una historia. Para mí están vivas en mi imaginario y mi corazón cada una de esas personas que ha retratado. Vives con ellas, bailas con ellas por las noches. Sí, esos archivos eres tú. Yo siento terror ante la idea de perder el archivo. Porque ya no es el dolor de perder una foto, es que detrás de cada foto hay ilusiones e historias.

P. Yo sí que creo que tus imágenes hablan de ti como antropóloga.

R. ¿Pero qué es una antropóloga? Una antropóloga es una persona que ama al ser humano. En el fondo, creo que todos los fotógrafos lo son. Porque, a parte de ese amor, tenemos esa curiosidad por el de en frente. Yo te acabo de conocer y no paro de mirarte a los ojos. Quiero saber más. Yo creo que el fotógrafo o el periodista cuenta sus historias para que sirvan a la humanidad. 

La Casa Árabe de Córdoba expone, en el marco de la Bienal de Fotografía, la exposición Bagdad, un lugar moderno (1958-1978), que muestra un centenar de imágenes tomadas por el fotógrafo iraquí Latif Al Ani que invitan a la reflexión y la contenplación.

En Bagdad, un lugar moderno, comisariada por Pedro Azara, las imágenes en blanco y negro de los 50, 60 y 70 tomadas la capital iraquí constituyen un testimonio de gran valor de las aspiraciones de modernidad y desarrollo a raíz del descubrimiento del petróleo, antes de la llegada de Saddam Hussein, en los años 80.

Latif Al Ani es, posiblemente, el fotógrafo iraquí más importante hasta la fecha. Activo desde los años 50 hasta finales de los 70, sus fotografías retrataron un país y una sociedad que se urbanizaba, sin obviar el carácter tradicional de maneras de ser y de obrar, afectadas ante los rápidos cambios que se produjeron en este período. Recurrió en múltiples ocasiones a la ironía, mostrando a los primeros turistas extranjeros acaudalados, ajenos al país, posando ante las ruinas del pasado, convertidas en un decorado o un trofeo de caza.

Al Ani trabajó para el Ministerio de Información y la agencia de noticias iraquí, y para una publicación ilustrada de la Iraqi Petroleum Company, documentando la industrialización del país, en unas vistas en ocasiones aéreas, despegadas de la realidad, buscando una imagen que coincidiera con las aspiraciones de una sociedad que accedía a la independencia, después de siglos de dominación otomana y británica.

Con la llegada de Saddam Hussein al poder y la devastadora guerra entre Iraq e Irán en 1980, se prohibió a Latif al Ani realizar fotografías en el espacio público. Su nombre y su obra desaparecieron, así como los archivos públicos, destruidos durante el bombardeo de Bagdad en 2003. Algunos, sin embargo, donados a la Arab Image Foundation de Beirut, tras la mediación de la fotógrafa marroquí Yto Barrada, se han salvado.

Fallecido en noviembre de 2021, la figura de Latif al Ani emerge, desde una primera exposición antológica, en la Bienal de Arte de Venecia en 2015, revelando una imagen de Bagdad y de Iraq a menudo olvidada o desconocida, que quiebra la imagen del país y de la ciudad que hoy impera. La muestra que ahora se presenta en Doha, dedicada a la ciudad de Bagdad, al igual que la exposición en Casa Árabe, recogen gran parte de este legado fotográfico.

La muestra estará abierta hasta el 14 de julio en horario de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:30 a 20:30.

El fotógrafo jerezano Manuel Jesús Pineda presentará su segundo libro, titulado 'Polisemia', mañana miércoles en el marco de la Bienal de Fotografía de Córdoba. El acto, que tendrá lugar a las 20.30 en la sede de AFOCO (C/Alcalde de la Cruz Ceballos, 7), contará con el presidente de AFOCO, Pepe Gálvez, como maestro de ceremonias.

'Polisemia' es un retrato heterogéneo de la ciudad y sus moradores a través de los espacios de tránsito y espera. Pineda cuenta con más de medio centenar de premios nacionales e internacionales, así como exposiciones, publicaciones, conferencias y ponencias. Se trata de su segundo fotolibro publicado, tras el primero titulado ‘Ausencias’.

Exposiciones en la Casa Árabe

Además, la Casa Árabe de Córdoba abrirá excepcionalmente sus dos exposiciones este fin de semana y el siguiente en horario de 11.00 a 14.00 y de 18.00 a 22.00, excepto el domingo 14, cuando se podrán visitar hasta las 20.30h.

La primera exposición es ‘Exposición de arte marroquí. Córdoba 1946’, comisariada por Matthew Machin-Autenrieth, que presenta una muestra fotográfica sobre el pasado de la ciudad de Córdoba y las relaciones de amistad hispano-marroquí de la época.

La segunda exposición es ‘Bagdad, un lugar moderno (1958-1978)’, de Latif Al Ani, comisariada por Pedro Azara. La exposición está compuesta por fotografías del fotógrafo iraquí más importante hasta la fecha, que retrata un país y una sociedad que se urbanizaba, sin obviar el carácter tradicional de maneras de ser y de obrar, afectadas ante los rápidos cambios que se produjeron en este período. La muestra ha sido cedida por La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona.

La Bienal de Fotografía, que se inauguró el pasado sábado 15 de abril, alcanza la mayoría de edad en una decimoctava edición que, en recuerdo de la fallecida Ouka Leele, pone el foco en el trabajo de algunas de las fotógrafas contemporáneas más reconocidas en el ámbito nacional e internacional.

A este programa expositivo se suma hasta el 18 de junio un amplio programa de actividades complementarias formado por conferencias, talleres, proyecciones de documentales y una salida fotográfica. Toda la información y formularios de inscripción están disponibles en la web bienaldefotografia.cordoba.es.