La Universidad de Córdoba (UCO) ha inaugurado este lunes la exposición de la XIII edición del Premio Bienal Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler, un galardón que cuenta con la colaboración de la Fundación Cajasol y que se ha convertido en una de las convocatorias de referencia en el ámbito de la creación fotográfica contemporánea. Concretamente, la muestra, que recoge la obra de los quince fotógrafos y fotógrafas reconocidos como finalistas de entre más de medio centenar de propuestas nacionales e internacionales, podrá visitarse en el centro UCOCultura hasta el próximo 12 de abril, en horario de 09:00 a 18:00 de lunes a viernes y de 11:00 a 18:00 en domingos y festivos.

La inauguración ha contado con la presencia del ganador de esta edición, José Quintanilla; el director General de Cultura de la Universidad de Córdoba, Fernando Lara; la comisaria de la exposición, Cristina Coca; el delegado de la Fundación Cajasol en Córdoba, Juan Manuel Carrasco; la delegada de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Córdoba, Isabel Albás; el vicerrector de Estudiantes y Cultura de la UCO, Israel Muñoz; y el rector de la Universidad de Córdoba, Manuel Torralbo. Además, también han acudido a la inauguración de la muestra algunos de los finalistas del concurso como Ana Amado, Estela de Castro, Carma Casulá, Gloria Oyarzábal, Verónica Domingo, Magdalena Correa o Tete Álvarez.

Las piezas reunidas en este catálogo reflejan la diversidad de lenguajes y preocupaciones que atraviesa hoy la fotografía contemporánea. En este sentido, la exposición no trata solo de exhibir imágenes, sino que también intenta ofrecer un espacio de pensamiento, de invitación al encuentro y de diálogo entre artistas y públicos.

De esta forma, la obra galardonada en esta edición, 04#Giberny, de José Quintanilla, propone una investigación sobre el paisaje que apuesta por subrayar la subjetividad de la percepción, desarticulando el espectro cromático de la fotografía analógica y emulando técnicas de estampación propias de las artes gráficas.

Junto a la propuesta ganadora, y formando el cuerpo de esta edición, se ha desplegado el trabajo de 14 artistas finalistas con distintas propuestas en las que se exploran una gran variedad de temáticas como la construcción del paisaje y la relación entre naturaleza e imagen; las realidades latinoamericanas; la construcción del imaginario africano y los discursos de género; derechos humanos y protección animal; política y memoria histórica; los efectos de las tecnologías de la comunicación o la caligrafía; y el arte asiático.

Concretamente, las obras expuestas son De continuo lo inestable, de Antonio Guerra; Mi sueño es morirme, de Martin Weber; Paisaje Continuo _ Bosque Secundario, de Carma Casulá; Usus Fructus ABUSUS_La blanche et la Noire XVIII, de Gloria Oyarzábal; La Ventana, de Ana Amado; Empty Rooms – La Familia, de Ana María McCarthy; Zepdos, de Estela de Castro; Iván Denísovich, de Roberto Aguirrezabala; El Boyero, 2025, de Tete Álvarez; ST_06Isla Torolla, 2022, de Juan Baraja; Refugio Puentes de Algorta, de Verónica Domingo; Nereidas en la Alameda, Ciudad de México, 2021, de Paola Bradago; Metamorphosis, de Francisco González;  y KOS, de Magdalena Correa.

Todas estas obras, según recoge el catálogo de la exposición, recuerdan que la imagen es simultáneamente archivo y especulación, vestigio y posibilidad. Los artistas seleccionados han desplegado así una capacidad para situarse en ese borde donde lo visible se desborda y reclama nuevas formas de interpretación. En ese sentido, este premio se erige como un laboratorio privilegiado para observar cómo la fotografía ensaya otras gramáticas, otras sensibilidades y otros modos de narrar lo contemporáneo.

El jurado del XXVI Concurso Nacional de Fotografía Ciudad de Córdoba, Premio Mezquita 2026, se ha reunido en la Sala Góngora y ha acordado por unanimidad que el galardón de esta edición recaiga en el madrileño Jesús Umbría Brito, con su colección de temática libre titulada 'Retaguardia'.

Según ha informado el Ayuntamiento, junto al ganador del Premio Mezquita 2026 se ha anunciado el nombre de las otras seis colecciones seleccionadas por el jurado. En la categoría de temática cordobesa, han sido premiados Francisco Javier Carmona Jurado, con su colección titulada 'Almas en tránsito'; José Antonio López Rico, con 'Alguien te sueña' y Santiago Alonso Sagredo, con 'Busta transfigurata'.

En temática libre, además del ganador han sido seleccionados María Julia González Liebana, con 'Mímesis', y Francisco Javier Arcenillas Pérez, con 'Christoland'. En la temática de Inteligencia Artificial, el seleccionado ha sido Tomás José Marín Ceballos, con 'Infalivles'. Las siete colecciones adquiridas pasarán a la Fototeca de Córdoba que se conserva en el Archivo Municipal de la Ciudad.

En el XXVI Concurso Nacional de Fotografía Ciudad de Córdoba, Premio Mezquita 2026, han participado 433 autores de 38 provincias y 142 localidades. En total, se han registrado 461 colecciones, 268 del tema libre y 107 del tema Córdoba, con una suma de 1.299 fotografías. De dichas colecciones quedaron 33 previamente seleccionadas por el jurado, de las que han salido los premios reseñados anteriormente.

El jurado ha estado presidido por la teniente de alcalde delegada de Cultura, Isabel Albás, e integrado por José María García Conesa, Rosa Muñoz Tarín y Juan María Rodríguez Caparrós; actuando como secretarios con voz y sin voto, José María Casas Pérez, coordinador de Programas del Ayuntamiento de Córdoba, y José Francisco Gálvez Jurado, presidente de la Asociación Fotográfica Cordobesa (Afoco).

Honor, lucha y un desenlace cruel. El Córdoba Patrimonio de la Humanidad rozó la gesta ante el Palma Futsal, vigente tricampeón de Europa, en un Vista Alegre entregado, pero acabó cediendo ante la jerarquía del rival y los pequeños detalles. Un encuentro que fue una montaña rusa de emociones: de la celebración rabiosa del gol de Murilo y la esperanza del descanso, a la tensión de la expulsión de Pescio y la impotencia final ante la pegada balear. El Córdoba Patrimonio se marcha ahora a unas 'vacaciones' por el parón del Europeo, y con un buen regusto a pesar de una derrota que logró evitar durante gran parte del partido.

A una semana de su celebración, Moguera 2025, II Congreso de Fotografía y Vídeo organizado por la Asociación Profesional de la Imagen de Córdoba (Aproima), ultima los preparativos para convertir el Rectorado de Córdoba en punto de encuentro de profesionales del sector los días 18, 19 y 20 de noviembre de 2025.

El congreso contará con tres jornadas de ponencias, actividades formativas, zona expositiva y espacios de convivencia pensados para fotógrafos y videógrafos de boda.

La programación de Moguera 2025 se estructura en torno a tres días de congreso y una jornada previa de talleres.

Lunes 17 de noviembre

Jornada de talleres intensivos de 9:00 a 19:00, impartidos por Christian Cardona y Be Here Project – Tae.

Martes 18 de noviembre

El congreso comenzará con las acreditaciones y la presentación oficial, seguidas de las ponencias de Christian Cardona y Ana Marina, además de la intervención de Tae por la tarde.

La jornada combinará el programa formativo con la visita a la zona de expositores, los espacios de la Zona Aproima y las actividades del Speaker Corner.

Miércoles 19 de noviembre

La segunda jornada incluirá las ponencias de Robert Marcillas, Carlos Félix, un ponente sorpresa y Keko Rangel, junto con nuevos turnos de visita de expositores, Zona Aproima y Speaker Corner.

Este día finalizará con la ceremonia de los Premios Azahar y por la noche, se celebrará la Fiesta de Convivencia.

Jueves 20 de noviembre

El programa del último día contará con las intervenciones de Paula El Zarrio y Mauricio Arias, además de un desayuno y actividades en Zona APROIMA y Speaker Corners. La jornada concluirá con la clausura del congreso.

Zona Aproima y Speaker Corners

Durante las tres jornadas, la Zona Aproima se mantendrá activa junto al escenario principal como espacio de encuentro entre asistentes, ponentes y marcas colaboradoras.

En paralelo, los Speaker Corners ofrecerán presentaciones y demostraciones de producto a cargo de empresas del sector. Entre las firmas que intervendrán figuran, según el programa oficial, Bindinart, Floricolor, Dreamsbook, Fotoestudio, Kinafoto y 3F Álbumes, además de espacios reservados para otros proveedores.

Moguera 2025, epicentro de la fotografía y el vídeo nupcial en España

Con esta segunda edición, Moguera reafirma su compromiso con la excelencia, la formación y la colaboración entre profesionales de la imagen. Durante tres jornadas, el congreso reunirá a referentes del sector, marcas especializadas y nuevos talentos que comparten una misma pasión: contar historias a través de la cámara.

Córdoba se prepara para acoger un encuentro que inspira, conecta y proyecta el futuro de la fotografía y el vídeo nupcial en España.

Cuatro profesionales de la imagen de la provincia han sido nominados en la 11ª edición de los Premios Luces de Granada – Premio Internacional de la Imagen, uno de los certámenes más prestigiosos del país en el ámbito de la fotografía artística y profesional.

Los nominados son Juanma Rodríguez y Xino Pérez, ambos finalistas en la categoría Boda; Fraco Álvarez, en Infantil y Newborn; y Juanpe García, en Proyecto Personal e Inteligencia Artificial.

Además, todos ellos forman parte de la Asociación de Fotógrafos y Videógrafos Profesionales de Córdoba (Aproima).

Una vez se entreguen los premios, las obras seleccionadas serán expuestas en la sede central de la Fundación Caja Rural Granada (Avda. Don Bosco, 2), donde se celebrará también la entrega de distinciones el próximo 1 de noviembre de 2025.

La Asociación Fotográfica Cordobesa (Afoco) retoma su programación habitual, tras el largo parón estival, y como en años anteriores abre temporada expositiva en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba con dos muestras protagonizadas exclusivamente por miembros de la entidad, con las muestras 'Exploraciones en Color' y 'Cajón de sastre'.

Según informan desde la asociación, 'Exploraciones en Color', en la Galería Ignacio Barceló, es una exposición colectiva de miembros de Afoco, comisariada por Stephanus Meyer, que introduce con criterio en la narrativa y aspectos más interesantes de la Street Photography. La inauguración será el jueves 16 de octubre, a las 20,30 horas.

Mientras, 'Cajón de sastre', en la Sala Gris, es una exposición de Jerónimo Tinoco, que realiza un ejercicio de revisión intemporal de sus trabajos de los últimos años, con múltiple temática y empleo de diversos materiales a modo experimental. La inauguración se celebra el jueves 23 de octubre, a las 20,30 horas.

Por otra parte, recuerdan la convocatoria del XXVI Concurso Nacional de Fotografía 'Ciudad de Córdoba' Premio Mezquita 2026 por el Consistorio, que además de las dos secciones clásicas --Tema Córdoba y Tema Libre-- habrá una tercera dedicada a trabajos con Inteligencia Artificial (IA). El plazo de inscripción será hasta el 29 de diciembre y el fallo presencial, el 7 de marzo de 2026, 'Día Local de la Fotografía' en Córdoba.

Asimismo, desde Afoco convocan a las instituciones públicas y privadas, a los medios y a los colectivos fotográficos de la ciudad a participar en la celebración del 200 aniversario de la invención de la fotografía (1826-2026).

Al respecto, destacan que “Córdoba es uno de los principales referentes fotográficos del país y no se debe dejar pasar una efeméride de capital importancia como esta sin llevar a cabo todos los proyectos que sean posibles”. Así, se ofrecen para “coordinar las actividades que se propongan desde todos los ámbitos culturales de la ciudad para realizar en 2006, con la experiencia, responsabilidad y rigor organizativo que siempre ha demostrado Afoco en sus 44 años de vida social”.

La Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba ha abierto el plazo de inscripción al XXVI Concurso Nacional de Fotografía ‘Ciudad de Córdoba’. Premio Mezquita de Fotografía 2026, dotado con 16.000 euros en premios.

Los fotógrafos interesados podrán inscribirse y presentar las colecciones de tres fotografías hasta las 23.59 horas del día 29 de diciembre de 2025 atendiendo a tres temáticas. Además de las modalidades de tema libre y tema Córdoba, las bases incluyen una nueva modalidad para fotografías creadas con Inteligencia Artificial. Las personas interesadas podrán consultar las bases, inscribirse en el concurso y presentar sus colecciones fotográficas a través de las páginas web.

El jurado del concurso en fallo público otorgará al autor ganador del Premio Mezquita 6.000 euros y trofeo. Además, el Ayuntamiento de Córdoba le propondrá la organización de una exposición individual. Otras cinco colecciones fotográficas, seleccionadas de entre las 30 finalistas, serán premiadas con 1.500 euros y diploma a cada una de ellas. El jurado otorgará un premio de 1.500 euros y diploma a una de las tres colecciones finalistas en esta modalidad.

La primera edición del Concurso Nacional de Fotografía ‘Ciudad de Córdoba’. Premio Mezquita de Fotografía se celebró en el año 1983 y desde su inicio ha contado con la colaboración de la Asociación Fotográfica Cordobesa (Afoco). “Después de más de 40 años de la primera convocatoria, el Ayuntamiento de Córdoba impulsa la vigésimo sexta edición de uno de los concursos de fotografía que es un referente de los concursos fotográficos a nivel nacional para los profesionales y aficionados a la fotografía de nuestro país”, ha indicado la teniente de alcalde delegada de Cultura, Isabel Albás. Esta afirmación está avalada por algunos datos que evidencian la importancia del concurso en sus veinticinco ediciones anteriores, como el hecho de que han sido más de 5.000 los autores que han participado en el mismo.

Las fotografías premiadas a lo largo de su historia actualmente forman parte de los fondos fotográficos del Archivo Municipal de Córdoba, generándose una de las colecciones fotográficas municipales más importantes del país. Más aún considerando que algunos de los ganadores del premio son actualmente referentes en el mundo de la fotografía, como Antonio Corvasí, Jesús Jaime Mota, López Saguar, José María Mellado, Lester Po Fun, Juan Vacas, Lola Araque o Manuel Lama. Ena última edición del concurso el ganador del Premio Mezquita fue otorgado a José Antonio Grueso por su colección ‘Día de Feria’.

En la última edición del concurso (2024) se recibieron 1.283 fotografías de 351 fotógrafos que presentaron sus colecciones (138 al tema Córdoba y 333 al tema libre).

El Premio Mezquita se ha distinguido desde sus primeras ediciones por la selección de jurados, profesionales de reconocido prestigio, que proceden de mundos artísticos y creativos distintos al exclusivamente fotográfico, lo que le confiere una cualificada valoración artística de las imágenes premiadas.

El Concurso Nacional de Fotografía ‘Ciudad de Córdoba’ permite comprobar a lo largo de su trayectoria la evolución de la fotografía llamada de “concurso”, que se distingue de otros por la libre experimentación tanto técnica como conceptual en muy reducido número de obras y por la innovación sin límites. Otra característica que da prestigio a este concurso de fotografía, además de su importante dotación económica, es que las obras premiadas y finalistas, son exhibidas en una cuidada exposición y de la propuesta de una exposición individual al fotógrafo ganador del Premio Mezquita.

El buen trabajo siempre es valorado, por unas instituciones u otro tipo de personas. Y así le ha ocurrido a dos profesionales de la fotografía cordobesa. La Asociación de Fotógrafos Profesionales de Castilla La Mancha (Afocam) publicó el pasado 16 de septiembre las nominaciones de los fotógrafos candidatos para alzarse con el Premio Nacional Quijote 2025 en la gala que se celebrará el próximo 9 de octubre y ahí aparecen tanto Rafael Badía como Manu Gálvez.

Para poner en contexto, los Premios Quijote son premios nacionales de fotografía organizados anualmente por Afocam, para los que pueden concursar fotógrafos profesionales de cualquier nacionalidad. Cada año, se otorgan en diversas categorías, como Bodas, Retrato, Paisaje, entre otras, y el premio para el ganador consiste en una obra escultórica que reproduce la figura de Don Quijote.

Y ahí es donde aparece Rafael Badía. Según aparece en las redes sociales oficiales de la organización, el fotógrafo cordobés ha sido nominado a los Premios Quijote -los cuales cumplen este 2025 su 20º aniversario- en la categoría de Bodas. “Un reconocimiento a la sutileza, la elegancia y la sensibilidad con la que logran capturar instantes que se vuelven eternos”, explica sobre este apartado Afocam.

Por su parte, la organización también ha nominado una obra del cordobés Manu Gálvez en la categoría de Retrato. Dos designaciones a dos profesionales de la fotografía cordobesa que lucharán por levantar este singular premio.

El mundo de la música no es fácil, sobre todo por la gran competencia que existe, más aún si lo que intentas es dedicarte profesional a ello. Pero, sin embargo, los que alimentan a esta industria son los que lo hacen por hobbie, los que buscan expresarse creativamente y compartir sus emociones, como es en este caso. El fotógrafo Fernando Sendra ha creado El Mar en Llamas, un seudónimo porque no quiere que se le vincule directamente con su nombre. Este proyecto busca que el artista disfrute, muestre un poco lo que piense. En los últimos 32 años el género musical siempre ha estado presente en su vida, aunque no ha ganado protagonismo hasta la actualidad.

De hecho, el propio Fernando Sendra define a El Mar en Llamas como su voz propia. Tras recorrer locales de ensayo y aportar su voz a distintos proyectos amateurs, decidió convertir estas vivencias en canciones propias. Hoy escribe, graba y produce cada tema, hilando la energía del rock y la calidez del pop con ligeras corrientes electrónicas. Y así nació su primer sencillo Que nos tiemble la voz. La primera expresión de su sentimiento, de una honestidad como carta de presentación.

Sendra ha atendido a Cordópolis para explicar en detalle en qué consiste este nuevo proyecto. “Mi campo es el de la fotografía, publicidad y el arte, pero en la música siempre he estado metido. Ha sido algo más aficionado o amateur”. Tanto es así que lleva desde los 15 años tocando instrumentos como el bajo o cantando con amigos. “Te juntas, empiezas a probar y te pica. Tengo muchísimos amigos que se dedican a esto de manera profesional, pero mi camino fue para otro lado. La música era mi escape creativo”.

Esa mezcla de diferentes muchos ha hecho que nazca El Mar en Llamas. “Esto era algo más para divertirme y mostrar un poco lo que pienso. Quiero seguir componiendo música”, y tampoco cree que el mundo profesional sea algo vital a estas alturas de la vida. “Tengo 47 años y mi intención no es ganarme la vida con la música. Es algo que hago con gusto. No sabes por dónde te va a llevar. Antes estaba pensando más en exposiciones de fotografía y ahora en la música”.

Hasta ahora, Fernando Sendra ha desvelado un single, pero tiene ya preparados otros cuatro más que irá desvelando de manera escalonada hasta enero. A partir de ahí, hasta donde la composición de la música le lleve. Desde entonces, el fotógrafo tendrá en su vida a la música como protagonista.

El fotógrafo Antonio Morales presentará el próximo 17 de septiembre su libro Ala y Raíz, “un viaje visual y poético” sobre la fibromialgia, en la sede de la Fundación Cajasol en Córdoba.

Según ha indicado la entidad en una nota de prensa, se trata de una obra que invita a la “reflexión profunda” sobre “la resiliencia humana, la memoria y la confrontación de la adversidad” a través de un viaje poético que documenta la convivencia con el dolor crónico mediante “un lenguaje íntimo y simbólico”.

Así, el próximo miércoles, 17 de septiembre, a las 20:00, los asistentes podrán sumergirse en una obra que aborda la fibromialgia desde “una perspectiva profundamente personal y artística”.

Ala y Raíz es el resultado de un proyecto fotográfico gestado en julio de 2024 en Granada, donde Antonio Morales acompañó a Miryam en su experiencia vital con la fibromialgia. El libro es un testimonio “crudo y poético” de cómo la enfermedad afecta el cuerpo y el espíritu, pero también de cómo la mirada artística “puede capturar la esencia de la lucha y la búsqueda de libertad”.

“La obra nos sumerge en el viaje de Miryam, marcado por la fatiga, el dolor y el aislamiento, pero también por la promesa de un retiro en Granada que buscaba, a través del lente de Morales, inmortalizar su relación con la dolencia. Desde la odisea de llegar hasta esos días, hasta los momentos de intimidad capturados en un apartamento granadino, es una invitación a explorar la privacidad, la vulnerabilidad y la fuerza interior”, han señalado desde la Fundación.

Antonio Morales, con su particular lenguaje visual, “logra transformar el sufrimiento en una cartografía del pensamiento y del imaginario colectivo, donde el cuerpo se convierte en el protagonista de una tradición cultural en constante cambio”. El libro a su vez se convierte en objeto contenedor, el acercamiento en este caso a un libro de autor en un camino intermedio entre la edición y las artes plásticas.

Además, se trata de una edición limitada de cien ejemplares, elaborados artesanalmente que, desde la cubierta en cartón, la encuadernación en espiral metálica, los elementos visuales y matéricos, permiten “una experiencia textual alternativa”, que se acompaña de textos y “la interactividad visual, sonora, táctil e incluso olfativa”.

“Quisimos, cada uno por distintas razones, más que nunca escapar, conscientes de lo frágil que era nuestro mundo. Las imágenes y los textos que las acompañan construyen un relato sobre la intimidad, la memoria y el poder transformador del arte”, ha comentado el autor.

El evento contará con la presencia del autor, Antonio Morales, quien compartirá con los asistentes las claves de un proyecto que él mismo define como una “búsqueda interior”. La presentación está dirigida a cualquier persona interesada en la cultura, la memoria y en miradas artísticas que proponen nuevas formas de entender realidades complejas.

El fotógrafo cordobés Juan Luis Seco ha fallecido. Se trata de una figura muy querida dentro del mundo de la fotografía cordobesa, ganador de decenas de premios nacionales y un autor que ha difundido la imagen de Córdoba por todo el mundo a través de revistas y redes sociales.

Autodidacta de formación, Seco dedicó décadas de su vida a capturar la esencia de lo cotidiano y lo extraordinario a través de su lente. Su primer encuentro con una Nikon D60, a los 15 años, marcó el inicio de su trayectoria, en la que ha sido reconocido en múltiples certámenes de fotografía, destacando en concursos como los de Patiosgram, Semana Santa de Córdoba y Esencia Judía.

Su palmarés, recogido en su web, incluye primeros premios, menciones de honor y distinciones tanto a nivel local como nacional, reflejo del impacto y la calidad de su trabajo artístico.

Además de su faceta como fotógrafo, Juan Luis Seco fue un generoso formador y divulgador. Participó activamente en exposiciones, tertulias, charlas y cursos, siempre dispuesto a compartir su experiencia y conocimientos. Desde 2018 fue miembro de la Asociación de Fotógrafos Cofrades de Córdoba (Fococor), donde ejerció un papel clave en la promoción de la fotografía cofrade, así como en la formación de nuevas generaciones de fotógrafos.

Apasionado de la “fotografía total”, Juan Luis abordó con igual dedicación géneros diversos como el retrato, la naturaleza, la arquitectura, el documental o la fotografía artística. Su perfil de Instagram era un buen expositor de una mirada que abrazaba las nuevas tecnologías para difundir su amor por la imagen.

A partir de las 17:00 de este lunes se podrá acompañar a la familia en la sala Julio Romero del tanatorio de El Granadal, mientras que la misa por el descanso del fotógrafo será este martes a las 10:00 en la Iglesia de San Nicolás.

El Círculo Cultural Juan 23 de Córdoba celebra el próximo sábado una noche dedicada a la historia, el orgullo y la riqueza cultural del continente africano. La Asociación El Mundo y África Trabajan (EL MAT) está detrás de la actividad, una exposición fotográfica titulada La grandeza de África, que se inaugura a a partir de las 20:30 horas en este espacio de la calle La Palma.

Según ha difundido la organización, esta muestra es un homenaje visual a la fuerza, el legado y la belleza de África, destacando el impacto de hombres y mujeres africanos que han dejado una profunda huella en la historia, la cultura y la identidad de sus pueblos. A través de cada imagen, se busca visibilizar su sabiduría y orgullo, recordando que África es cuna de civilizaciones.

La programación de la noche incluye, a las 21:00 la presentación fotográfica, seguida a las 21:30 por la proyección del documental sobre Patrice Lumumba, una figura clave en la lucha anticolonial del Congo y símbolo del panafricanismo.

Además, los asistentes podrán disfrutar de una cena solidaria compuesta por brochetas de pollo o cerdo con patatas fritas por un precio simbólico de 3, y bebidas a precios populares. Para cerrar la jornada, habrá una pista de baile libre hasta las 23:00, promoviendo el encuentro y la celebración colectiva.

“Te esperamos. Tu voz también construye el cambio”, afirman desde la organización. Una invitación abierta a toda la ciudadanía para celebrar, reflexionar y compartir una noche llena de cultura africana en el corazón de Córdoba.

Córdoba es vista desde muchos ojos a lo largo de un año, un mes o incluso de un día. La capital cordobesa es objeto de deseo de muchos turistas gracias a los numerosos Patrimonios de la Humanidad que alberga en su territorio: los Patios de Córdoba, la Judería, Medina Azahara, la Mezquita-Catedral... Son varios los reclamos que tienen los ciudadanos foráneos y eso hace que las fotografías viajen por todo el mundo. Es por ello que la ciudad puede encontrarse en países inhóspitos, y a veces esas imágenes tienen un valor incalculable. Gracias a esto, el fotógrafo AJ González ha conseguido recabar una colección de instantáneas que este 11 de junio ha anunciado que ha vendido al Archivo Municipal de Córdoba.

Por un lado, a esta presentación han acudido Isabel Albás, teniente de alcalde y delegada de Cultura por el Ayuntamiento de Córdoba, y el propio fotoperiodista AJ González, mientras que Ana Verdú, la directora del Archivo Municipal, se ha sentado junto a los periodistas y también ha participado activamente en la exposición de una obra que cuenta con 2.100 fotografías. El profesional de la fotografía comenzó a adquirir las instantáneas desde 1999 y a partir de ahí ha logrado una colección que recoge imágenes de personas, actos, noticias de la provincia y puntos icónicos de la ciudad.

Por su parte, las fotografías datan desde 1850 hasta 1960, por lo que muchas de ellas tienen 175 años de historia. Gracias a esto, su conservación es más especial de lo normal, y desde el Archivo Municipal de Córdoba, en colaboración con González, han seguido un protocolo estricto para evitar el desgaste de la obra, así como su posible oxidación. Asimismo, las imágenes son todas originales y la gran mayoría están identificadas con fecha y ubicación.

Y es que las fotografías, como ya se ha mencionado anteriormente, viajan a todos los lugares del mundo merced a la gran cantidad de turistas que han visitado y están visitando en la actualidad la capital cordobesa. Por ello, el trabajo para recopilar las imágenes ha sido duro, tal y como cataloga AJ González. Además, en estos inicios no existía internet como tal, por lo que la búsqueda se complicaba aún más. Francia, Alemania, Estados Unidos, Austria... estos son algunos de los lugares de procedencia de algunas fotografías.

El legado patrimonial que supone para Córdoba

Este trabajo ha tenido un coste significativo y AJ González tenía una oferta por más de su valor para entregarlas a una entidad privada. Sin embargo, el fotoperiodista decidió que era necesario que su colección fuera de dominio público. “Es de agradecer lo que ha hecho, porque encima lo hemos comprado a precio de coste”, explica Ana Verdú. Y es que esta obra se considera un legado patrimonial para Córdoba e Isabel Albás ha invitado a toda Córdoba a visitarlo. “Lo compramos en 2024 y queremos que la población vea el gran tesoro que tenemos en el Archivo Municipal”.

Por su parte, el profesional de la fotografía ha explicado que las instantáneas, en su mayoría, datan del siglo XX, aunque su gran obra es de 1850. Además, estarán disponible la totalidad de las imágenes en un espacio breve de tiempo en el Archivo Municipal de Córdoba, aunque, por el momento, se puede visitar de manera física. “Yo hice esto por orgullo de fotógrafo. A mí la asignatura de la carrera que menos me gustaba era Historia de la Fotografía y mirad cómo estoy ahora”, ha explicado un AJ González.

Además, ha adelantado que el turista siempre busca “la Mezquita” y que el trabajo de buscar la fotografía ha cambiado mucho desde los inicios en 1999 hasta la actualidad. “Lo que antes te podía costar 20 euros, ahora, en el mejor de los casos, se ha multiplicado por diez su valor. Aunque hay que saber buscar”, ha apuntado un AJ González que ha logrado una colección no antes vista en Córdoba. Su historia, en 2.100 fotos.

Juan José Romero (Rute, 1965) revelaba las fotos en líquido amniótico. Las gestaba con un disparo de luz y tiempo, fecundaba el óvulo de celulosa y lo sumergía en un mar de química y silencio que protegía el embrión de su película. Removía en el tanque el negativo, lo mecía con rigor y, finalmente, daba a luz el retrato que ya soñaba cuando pulsó el obturador de su cámara.

La vida se puede parecer demasiado a ese cuarto oscuro donde nacen las fotografías. Algunas se velan. Otras, se rebelan. Lo peor de todo es que quien las piensa, las desea y las crea, luego las descuide, las maltrate, las traicione o las olvide.

Durante los últimos años, el trabajo de Juanjo estuvo inevitablemente marcado por la huella del castigo. Él mismo sabía que la sentencia era justa, por más que la causa estuviese alimentada por un veneno invencible. El dolor, del que no podía ni quería escapar, tiene el sabor del miedo, pero puede convertirse en un motor. Entonces, cuando intentaba mirar hacia delante, el peso de la culpa lo devolvía al infierno de su pecado. Y ese fuego hizo que sus obras, como sus días, se agitasen constantemente en una espiral infinita, en un huracán fértil, pero herido de muerte.

Fotógrafo de los limbos

“Es la primera vez que un fotógrafo me dice que me ponga unas gafas de sol para hacerme una foto. Los otros siempre me piden que me las quite. Y además siendo ya de noche… ¡Qué cabrón! Este es de los míos”. Así reconocía Enrique Morente la complicidad inmediata que trabó con Juanjo Romero en los jardines del Alcázar. Fue durante la primera sesión de fotos para la portada del Especial Flamenco de la revista Boronía. No se puede entender la segunda etapa de esta publicación sin la presencia y el nervio de Juanjo. Su estilo marcó la identidad de esas páginas que, desde 2009 a 2014, se dedicaron a agitar la creación contemporánea.

Para Juanjo, aquellos tiempos no solo fueron el cénit de su creatividad, sino que le permitieron conocer y trabajar con muchos artistas a los que admiraba: el propio Morente, Vicente Amigo, Los Planetas, Fosforito, Los Evangelistas, Soleá Morente… y contactar con otros muchos de sus ídolos como Antonio Arias, Ana Curra, etc.

Pintura de cámara

Juanjo se hizo fotógrafo porque no sabía pintar (quería ser Picasso, Giotto, Goya, o Balthus) y fue un poco Diógenes y bastante Sísifo, clon de Patti Smith por las mañanas, sosias de Lou Reed cuando fumaba y ponía ojitos de Alain Delon sin afeitar. Inquieto, rojo, insaciable, callejero, presumido, verborréico, punki, elástico, golfo, capaz.

Una de sus últimas sesiones fue con Sarah Lee Guthrie, en El Último Tango, para la revista Rockdelux (posiblemente se publicará en breve). Así contó ese encuentro: “Si esta mañana al levantarme me hubiesen dicho que el final de la jornada sería fotografiar a la nieta del gran Woody Guthrie, que con su guitarra y sus canciones, de forma literal, podía matar fascistas, no me lo hubiese creído ni por todo el oro del mundo (…) El respeto que me imponía retratar a la nieta del primer músico que inspiró a Bob Dylan, uno de mis héroes, me intimidaba un poco (…) hasta que llegó el momento que me pregunté que cojones me pasaba cuando Sarah se estaba prestando a mi juego y mis desvaríos y ya iba hacia el lado más lascivo (…) Gracias, Sarah, y que los tiempos vuelvan a cambiar y nos saquen de estas aguas putrefactas llenas de la peor calaña o que vuelva el abuelo Woody guitarra en mano y nos abra los ojos a golpes con ese sonido que cambió su tiempo. Bendita aquella gente que lucho y murió por hacer de este mundo un lugar mejor”.

Quizá en otro lugar, quizá en otro tiempo…

Juanjo nació 30 años (y un día) después que el gran fotógrafo checo Jan Saudek. Puro Tauro con denominación de origen. Como él, su objetivo era capturar todas las cosas que conocía y amaba. Saudek, y Joel-Peter Witkin fueron probablemente sus referencias internacionales más evidentes. En España, sin duda, el inquietante David Nebreda y sus adorados Alberto García-Alix y Ouka Leele.

Pero todos los que lo conocieron bien saben que su auténtico lugar en el mundo debería haber estado en las oficinas del sello discográfico londinense 4AD. Es imposible contemplar los cuadros de Juan José Romero y no acordarse de las portadas de Cocteau Twins, Dead Can Dance, This Mortal Coil y, especialmente, las de The Pixies.

Las fotos de la demolición

Más de medio centenar de exposiciones, colaboraciones en prensa y, revistas especializadas, trabajos interdisciplinares, portadas, carteles… El legado artístico de Juan José Romero es un bien patrimonial de esta ciudad y representa una actitud radical y extrema de entender o aceptar la existencia.

Urge recuperar su archivo, proteger y clasificar su obra, y darle el lugar y la proyección que se merece. Porque si el grano es ahora ruido, el silencio nunca será fruto.

“Que mis huesos y mi pellejo sean dados a la ciencia”

Las últimas semanas, en la calle y en las redes, Juanjo hablaba de Tijuana, de Odesa, de África, de Marte. Estaba dispuesto para el viaje, sin duda. Hace un año expuso en el Barbaridad “Los días oscuros”, una colección de pequeñas fotografías enmarcadas en latas de atún. La muerte fue siempre su inspiración y, quizás por eso, lo pilló trabajando. A su última exposición la llamó, de manera escalofriante y premonitoria, “La sombra al acecho”. Fue en la Librería La Inaudita. Allí, este sábado 7 de junio, justo un mes después de su inauguración, se descolgarán sus fotografías a las doce en punto del mediodía.

Será un buen momento para ofrecerle un poco de ese tiempo que alguna vez no supimos darle.

Epílogo

Nunca se sabe, pero no es difícil imaginar que, en algún momento, mientras escuchaba una canción de, por ejemplo, Echo And The Bunnymen, Juanjo Romero decidió ser el cronista visual de su adicción. Cuando la guerra interior atraviesa el cristal de una lente y se estampa en la retina del creador, la rendición puede llegar a parecer una tregua. La redención, un abismo. La imagen resultante es siempre un pacto tácito entre el recuerdo y el germen. Porque en el mismo sendero en el que se busca la muerte, se excava el surco donde habitan las semillas.

El fotógrafo Juan José Romero (Rute, Córdoba, 1965) ha fallecido dejando tras de sí un legado visual profundamente íntimo y brutalmente honesto, marcado por su mirada única sobre los márgenes, la música y sus propios demonios. Su muerte le ha llegado cuando su última exposición, La sombra al acecho, sigue activa en la galería La Inaudita hasta el próximo 8 de junio.

Romero fue una figura esencial de la escena cultural cordobesa desde los años 80, cuando se convirtió en uno de los principales cronistas visuales de la movida local en los años del Varsovia. Además, logró dar el salto y captar con su objetivo a artistas como Vicente Amigo, Los Planetas, Enrique Morente o Ana Curra. Trabajó también como fotoperiodista en medios como Diario Córdoba, aunque su trabajo trascendía los márgenes del reportaje.

Protagonizó numerosas exposiciones, aunque también pasó periodos de silencio, marcados por su devenir vital. En sus últimos años, su obra se tornó aún más personal, íntima y desgarradora. Su muestra Los días oscuros, que se exhibió el año pasado en Iznájar tras nueve años de silencio expositivo, es testimonio de una travesía vital marcada por la adicción a la heroína.

Romero pasó varias temporadas en Proyecto Hombre. De esa experiencia, de ese intento de redención y recomposición, nace también La sombra al acecho, que se puede ver hasta el 8 de junio en La Inaudita. Con ella, el fotógrafo ahonda en la memoria y el cuerpo, transformando la sombra propia —la adicción, la caída, el miedo— en un lenguaje estético tan bello como brutal. Imágenes analógicas y digitales dialogan entre sí en un ejercicio de exorcismo y autoconocimiento.

Romero nunca se consideró un gran fotógrafo. “Me vale con ser mediocre”, decía en una publicación reciente. Pero su obra desmiente cualquier falsa modestia: más de 50 exposiciones —entre individuales y colectivas—, una forma de preparar cada imagen desde la reflexión, y una pasión que nunca abandonó, ni siquiera en los momentos más oscuros. “Soy y seré un yonqui que captura imágenes”, escribió hace un año.

La fotografía, su droga incurable, fue también su redención. El artista ha fallecido dejando un inmenso legado fotográfico por el que convendría que alguna administración pública se interesara, en tanto a que su cámara ha sido testimonio de la contracultura cordobesa de las últimas cuatro décadas.

En palabras de la periodista y crítica cultural Carmen K. Salmerón, “Juan José Romero sabe de demonios, de angustias, de infiernos —los que ha vivido— y del ojo mecánico como extensión del ojo fijo”.

Este sábado a las 12:00, habrá un homenaje de amigos y conocidos en La Inaudita, según indican fuentes del entorno de Romero.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) ha sumado este año a la XIX Bienal de Fotografía de Córdoba una de las muestras más sorprendentes y distintivas: la exposición Tramas y ficciones, en la que uno de los fotógrafos españoles más relevantes invita a repensar el poder narrativo de la imagen desde los fondos fotográficos del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC).

Hablamos del prestigioso fotógrafo Alberto García-Alix, comisario de una propuesta que articula una lectura iconoclasta, subjetiva y profundamente reflexiva sobre la fotografía contemporánea, perfecta para un emplazamiento como el Atrio del C3A, donde permanecerá hasta el 29 de junio.

Tramas y ficciones nace del diálogo entre García-Alix y el CAAC tras su reciente muestra en Sevilla, Diversidad en la colección del CAAC, todavía visible en el Claustrón Norte hasta mayo de 2025. Ambas exposiciones ofrecen perspectivas complementarias sobre los archivos del CAAC, subrayando la riqueza temática, técnica y conceptual de su fondo fotográfico.

La exposición en Córdoba desmantela la idea de la fotografía como documento neutro. En su lugar, presenta la imagen como fragmento narrativo: una historia potencial que nace entre el fotógrafo, el objeto retratado y la mirada del espectador. El recorrido incluye piezas de autores como Nan Goldin, Cristina García Rodero, Miguel Trillo, Carrie Mae Weems, José María Mellado, Carlos Pérez Siquier, Rogelio López Cuenca o Tete Álvarez, entre otros.

El espectador podrá transitar entre universos diversos: desde las imágenes de periferias urbanas captadas por José Guerrero hasta las crónicas de viaje de Leandro Katz, pasando por el cruce entre lo íntimo y lo político en la obra de Lotty Rosenfeld o las construcciones simbólicas de Matt Mullican. La muestra pone así en escena dos líneas clave: la fotografía como arte y la fotografía como documento, y su tensión permanente entre la verdad y la ficción.

Con Tramas y ficciones, García-Alix no solo selecciona obras: interpela al espectador a mirar más allá del encuadre, cuestionando lo que vemos, lo que se oculta y las historias que la fotografía —entre verdad y artificio— nos deja imaginar. “Sabemos que pocas cosas son tan ciertas y engañosas a la vez como una fotografía —reflexionaba García-Alix al hilo de la muestra—. El simple gesto de situar una imagen junto a otra ya provoca, por contagio, una historia nueva”.

Nacido en León en 1956, García-Alix es una figura clave de la fotografía española contemporánea. Su mirada, intensa y sin concesiones, ha retratado con crudeza la escena contracultural de la Movida madrileña y los márgenes sociales. Su obra forma parte de colecciones internacionales como las del Museo Reina Sofía, el Fonds National d’Art Contemporain (Francia) o la Deutsche Börse (Alemania). Ha recibido, entre otros reconocimientos, el Premio Nacional de Fotografía (1999), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2019) y el Premio PhotoEspaña a la Trayectoria (2022).

La exposición se enmarca en una Bienal que este 2025 ha desplegado 21 exposiciones y una intensa agenda de actividades organizadas por el Ayuntamiento de Córdoba y AFOCO. Desde su origen en los años 80, este encuentro se ha consolidado como una referencia nacional del medio fotográfico, en todas sus vertientes.

El fotógrafo Braulio Valderas expone 'Miradas al alma' en la galería Espacio Gala de la Fundación Antonio Gala, en la calle Ambrosio de Morales, número 20, que supone un repaso por 30 años de retratos a personajes, famosos y anónimos, que han pasado por el objetivo de su cámara. Estará abierta al público hasta el día 11 de mayo.

El propio Valderas define así la muestra 'Miradas al alma': “La fotografía siempre ha sido un reflejo del momento, una ventana hacia la realidad de los otros”, de modo que “con esta exposición, no sólo busco capturar la esencia de mis sujetos, sino también reflejar el duro perfil del alma del ser humano”.

Según transmite el autor, “cada retrato que he tomado es, en su núcleo, un acto de resistencia y de visibilidad, especialmente en tiempos donde tantas voces se desvanecen en el ruido colectivo”. “Mis retratos no son simplemente imágenes, son testigos de realidades que muchas veces se ignoran o se marginan”, asegura.

“Como fotógrafo, mi compromiso no está simplemente en la técnica, sino en el mensaje que cada imagen transmite”, asevera Valderas, quien declara que a través de sus lentes, intenta “poner frente a la cámara a aquellos que están en los márgenes, a los olvidados, a los que luchan día a día por un lugar en la sociedad”, porque “en cada rostro hay una historia, en cada gesto hay una reivindicación”.

En su opinión, “en estos tiempos de polarización y de constante cambio, la fotografía se convierte en una arma poderosa para la denuncia”, a lo que añade que “no se trata de capturar una imagen estéticamente agradable; se trata de visibilizar las luchas, de dar espacio a las identidades que han sido históricamente silenciadas”.

Además, subraya que “desde los ojos sin futuro de un desheredado hasta la mirada nostálgica de un escritor al final de su vida, cada retrato que he capturado lleva consigo una carga emocional y política, invitando al espectador a reflexionar sobre las estructuras de poder que perpetúan la desigualdad”.

Por tanto, manifiesta que “este proyecto es una exposición de retratos y una invitación a ver más allá de la superficie; a mirar a las personas no sólo como individuos, sino como parte de una historia colectiva que está siendo escrita ahora mismo”. “El compromiso social y político en mi trabajo no es sólo una elección estética, sino una necesidad”, remarca.

Ante ello, Braulio Valderas relata que siempre ha entendido la fotografía como “una herramienta de denuncia, una forma de mirar hacia donde otros no son capaces y así sentirme como el girasol que mira hacia el ocaso”.

Entre el asombro y la contemplación. Así se percibe la exposición Japón, siglo XIX, una de las joyas de la presente edición de la Bienal de Fotografía de Córdoba, comisariada por la historiadora del arte Bárbara Mur. La muestra ofrece una ventana al Japón tradicional, ese que a finales del siglo XIX comenzaba a abrir sus puertas a los visitantes occidentales, tras siglos de aislamiento.

“Era un mundo desconocido, muy diferente, y por eso resultaba tan atractivo”, cuenta Mur a Cordópolis. Mur explica que, coincidiendo con la apertura parcial durante la era Meiji y con el auge de la fotografía como herramienta documental, artistas europeos y americanos se lanzaron a captar con sus cámaras ese país que parecía detenido en el tiempo. El resultado: imágenes en papel albúmina, coloreadas a mano por artistas locales, que capturan una cotidianidad tan fascinante como irrepetible.

El proceso técnico, como señala Mur, ya tenía su complejidad. El papel albúmina —sensibilizado con clara de huevo— servía de base para unas imágenes que luego eran transformadas por pintores especializados, muchos provenientes del mundo del ukiyo-e, el célebre grabado japonés. El resultado: fotografías coloridas, llenas de detalle, donde cada escena parece una pintura.

La exposición, que se puede visitar en el Centro de Arte Pepe Espaliú, se divide en varias secciones temáticas: la figura de la mujer, las escenas costumbristas —tiendas, vida rural, oficios—, los paisajes y las religiones que convivían en el archipiélago nipón. Autores como Felice Beato, uno de los grandes pioneros de la fotografía en Asia, conviven con imágenes anónimas que formaban parte de álbumes vendidos en Europa como auténticos tesoros exóticos. De hecho, a pesar de la notable belleza y calidad técnica de las imágenes, se desconoce la autoría debido a que los estudios fotográficos no incluían créditos en los álbumes.

“Lo que se buscaba era un Japón tradicional, el de la ceremonia del té, los templos, los rituales religiosos… Un contraste enorme con la imagen que hoy tenemos del Japón tecnológico y ultramoderno”, explica Mur, que remarca que, el país nipón aún tiene un importante legado cultural que hunde sus raíces en aquella época.

No obstante, aunque el país ha sabido preservar muchas de sus costumbres, el salto visual entre aquel Japón de la Dinastía Meiji y el actual resulta tan impactante como revelador. Así, la exposición no sólo es un viaje en el tiempo, sino también una reflexión sobre cómo se construye la imagen de un país hacia el exterior.

Además, es un testimonio del asombro mutuo entre dos mundos que comenzaban a mirarse de frente, cámara en mano. Hoy, persiste el asombro, aunque no cabe duda de que, en lo esencial, oriente y occidente están más contaminados por las respectivas culturas del otro.

Japón, Siglo XIX está abierta en el Centro Pepe Espaliú hasta el 25 de mayo de martes a domingos de 10:00 a 14:00.

Una imagen más real que miles de cuadros. Así es cómo nació la fotografía de viajes en el siglo XIX, como un nuevo medio para poder mostrar el mundo en su realidad, sin retazos artísticos ni licencias creativas. Una nueva técnica, que, aunque no tardó en ser considerada un arte, fue impulsada casi desde el principio como un incentivo para recorrer y captar el mundo.

Esa es la tesis de la conferencia que ha pronunciado la historiadora del arte y comisaria Bárbara Mur en el marco de la Bienal de Fotografía de Córdoba. Una charla que viaja a los inicios de la fotografía de viajes, cuando las primeras cámaras se usaban sobre todo para el retrato. En ese mundo que cambiaba, la técnica fotográfica permitía algo nuevo: captar con una fidelidad desconocida lo que antes solo podía imaginarse.

“El daguerrotipo se presenta en 1839, y con él no solo empieza la historia de la fotografía, sino también una nueva manera de conocer el mundo. Por primera vez se puede documentar lo que se ve con una precisión objetiva, sin depender de la interpretación de un grabador o de la pluma de un viajero romántico”, explica Mur en una charla con Cordópolis.

La suya no es una charla centrada únicamente en la fotografía: es más bien una invitación a partir hacia una época donde tomar una imagen era tan arduo como escalar una montaña —literalmente— y donde la fotografía se convirtió en un medio revolucionario para construir memoria y representación visual.

Las primeras “fotografías de viajes”

El primer gran proyecto fotográfico de exploración nació apenas unos meses después del nacimiento oficial del daguerrotipo. Lo impulsó un óptico francés, Noël-Marie-Paymal Lerebours, que ideó lo que llamó Excursiones 'daguerrianas': un ambicioso plan para enviar fotógrafos por todo el mundo con el fin de captar los monumentos y paisajes más notables del planeta.

“Estos fotógrafos, con equipos que hoy consideraríamos intransportables, recorrían Europa, Asia, África… y regresaban con daguerrotipos que luego se transformaban en litografías para una publicación que reunía 114 vistas del mundo conocido”, cuenta Mur.

Pero el daguerrotipo tenía un problema: era un positivo único e irrepetible. No había copias. Pronto surgirían nuevos procedimientos como el calotipo —un negativo en papel que permitía múltiples copias— y más adelante el colodión húmedo, que exigía una rapidez quirúrgica para sensibilizar, exponer y revelar la imagen antes de que se secara. Y todo ello, por supuesto, en condiciones de campo. “Los fotógrafos tenían que viajar con laboratorio incluido. No es una forma de hablar: llevaban literalmente un oratorio portátil. No es raro que, como en el caso de los hermanos Bisson, hicieran falta 25 porteadores para poder ascender al Mont Blanc con todo su equipo”, recuerda Mur.

La conferencia no solo repasa las técnicas y peripecias técnicas de estos pioneros, sino también su legado visual y cultural. Viajar en el siglo XIX no era algo cotidiano: era una empresa casi científica, a menudo apoyada por instituciones, academias o mecenas. En muchos casos, los fotógrafos iban acompañados de escritores y artistas que documentaban la experiencia, como Maxime Du Camp, que viajó por Egipto con su amigo Gustave Flaubert, el autor de Madame Bovary.

Las imágenes de estos viajes no solo deslumbraban al público europeo, también ayudaban a construir un imaginario colectivo de lo exótico, lo remoto, lo monumental. “El impacto de estas fotografías fue enorme. La gente podía ver por primera vez las pirámides de Egipto, los templos de la India o las ciudades de Oriente. Era como viajar sin moverse”, explica Mur. Pero esa “verdad” también era creativa: la fotografía de viajes reflejaba —y a veces fabricaba— un mundo acorde a los gustos, fantasías y prejuicios de la Europa del siglo XIX.

Andalucía: Oriente sin salir de Occidente

España, y particularmente Andalucía, ocupa un lugar destacado en esta cartografía visual. Lejos de ser una nota a pie de página, fue uno de los destinos predilectos de los fotógrafos y viajeros extranjeros que buscaban en Europa el exotismo de Oriente. “La arquitectura islámica, la luz, los colores, las costumbres… Andalucía ofrecía una imagen casi oriental, pero accesible, familiar y extraña a la vez. Era perfecta para alimentar ese deseo de otros mundos sin abandonar el continente”, subraya Mur.

No es casual que figuras como Jean Laurent —de origen francés— y Charles Clifford —británico— se instalaran en España y convirtieran su obra en auténticas empresas de exportación visual. Compañías que vendían sus imágenes en forma de álbumes a toda Europa. Las vistas de Córdoba, Granada o Sevilla eran especialmente populares. No solo por su belleza, sino por lo que representaban simbólicamente: una conexión con un pasado árabe que fascinaba al público romántico.

Un público que no siempre sabía el trabajo que había detrás de cada fotografía. Hoy, todo el mundo se cree capaz de colar una foto en National Geographic hecha con su móvil. Pero hace casi dos siglos, el trabajo era tremendamente laborioso. “Estos primeros fotógrafos eran auténticos artesanos de la luz. Tenían que dominar la química, la óptica, el arte de la composición, y además ser viajeros incansables”, concluye Mur.

El señor de la imagen ha dado la vuelta al mundo en moto. Ha visitado 40 países y recorrido 130.000 kilómetros en nueve años y medio. Que se dice pronto. En su hoja de servicios, figuran tres World Press Photo: 2007, 2009 y 2010. Sus imágenes rezuman humanidad en estado puro. Ha inmortalizado el dolor, y también la alegría, de los hombres y las mujeres que pueblan el planeta. Desde el caos multicolor de la India a la frialdad gélida de Noruega. Nada escapa de su ojo fotográfico.

Quiso desnudar la violencia universal contra las mujeres y puso su mirada escrutadora sobre cuatro países de cuatro continentes. El resultado fue demoledor. La segunda semana de abril participó en el Seminario Permanente de Periodismo Julio Anguita Parrado que cada año reconoce la labor de un reportero en zona de conflicto. Walter Astrada compartió en Córdoba su larga experiencia como fotoperiodista para denunciar la violencia sexual como arma de guerra.

Nos espera pacientemente en la cafetería de un hotel cercano al Rectorado. Tomamos asiento en un cómodo sofá de la planta baja. Astrada nació en Buenos Aires en 1974. Pero pronto voló con una cámara al cuello por medio mundo.

PREGUNTA (P). Su primer trabajo fue en el periódico argentino La Nación.

RESPUESTA (R). Me decidí por la fotografía a los 13 años en una muestra de fotos de prensa. Había habido un intento de golpe de Estado en 1987. Fui a una manifestación con mis padres y luego la Asociación de la Prensa organizó una exposición con fotos con un balance de todo ese año. Y viendo las fotos sientes cosas. Pero no le puedes decir a tu madre a los 13 años que quieres ser fotógrafo o periodista.

La violencia sexual es usada como arma de guerra

P. ¿Se formó en fotografía?

R. Yo soy mecánico de aviones. Estudié en el secundario y cuando terminé tenía una beca para trabajar en una compañía aérea. A los dos meses me contrataron y con 19 años pasé a tener un sueldo de 2.500 dólares, que está muy bien. Eso te da la independencia. Hice un curso de fotoperiodismo sin saber manejar la cámara y luego otro en la Asociación de la Prensa de Argentina. Al final daban pasantías en diarios y me tocó La Nación.

Agarré mi portfolio y recorrí todos los diarios y agencias de Argentina. Todos me decían: “Te falta un poco. Estás verde.” Lo típico. Decidí renunciar a la compañía aérea e irme a viajar. Llamé al editor de la Nación. El tipo ve mis fotos y me propone hacer una prueba. Me contrató. Tenía 21 años. Arriba estaba la oficina de Associated Press y les hacía también fotos de deportes.

P. Hacía fotos de fútbol para AP.

R. Claro. Y las hacía bien. Me mandaban a cubrir a Boca o River. Me quedé trabajando dos años ahí y luego ya decidí irme.

P. Dio el salto a Bolivia y Paraguay.

R. Me agarré mi mochila y me fui a Brasil, a Salvador de Bahía, con la idea de hacer un trabajo sobre fiestas religiosas.

P. Ya tenía la conciencia clara de que iba a ser fotógrafo.

R. Yo ya era fotógrafo. Generalmente la gente es free lance y trata de que la contraten. A mí me sucedió al revés. Tenía un trabajo fijo y no lo quería.

P. Para usted, un fotógrafo en un periódico es como un pájaro en una jaula.

R. Depende. Ahora lo tomaría distinto, pero entonces tenía 22 o 23 años y veía que no tenía posibilidades de expandirme.

P. ¿Ahora volvería a meterse en una redacción?

R. No como fotógrafo, sino como editor. Pero ese puesto ya no existe. Eso es lo que hago yo en mis talleres con los fotógrafos que estudian conmigo. Y es lo que me gustaría hacer ahora. Ya no existe esa profesión, pero era lo que yo tenía cuando trabajaba. Por eso el aprendizaje mío fue mucho más rápido. Tenía un editor al lado que me cagaba pedo. “Tío, esto es una mierda”, me decía. Tenías tu aprendiz al lado y le enseñabas. Eso se ha perdido. Es una pena. Y en periodismo también.

En Guatemala es más fácil matar a una mujer que separarte de ella

P. Hoy el jefe de sección también hace la labor de editor.

R. Todo eso se va perdiendo un poco.

P. Y entonces se fue usted a Brasil.

R. Me fui a Brasil y empecé a viajar haciendo fotos de fiestas.

P. ¿Por qué se fue? ¿Huía de Argentina?

R. No, no, no. Yo quería viajar y hacer fotos básicamente. Y quería hacer temas que me parecían importantes. Siempre pensamos que la historia está en China y el chino piensa que la historia está aquí. Y vamos yendo y viniendo todo el rato. Pero tienes historias alrededor tuyo que, si las ves, las puedes hacer. Cuando tienes 23 años no lo ves porque tienes mucho ímpetu. En Brasil, me rompieron una cámara de fotos. Antes de viajar, el editor de AP me dio una libreta con todas las direcciones y teléfonos de los fotógrafos de la agencia en Latinoamérica. Cuando se me rompió la cámara, llegué a Bolivia, fui a la oficina de AP y me ayudaron a arreglarla. Fui a un diario local en Bolivia con mi portfolio. Necesitaba trabajar porque me estaba quedando sin ahorros.

P. Hablamos de La Paz.

R. Sí, de La Paz. Y empecé a fotografiar. Recuerdo que el fotógrafo de Reuter dijo: “Nunca vi un fotógrafo de AP que trabajara tanto.” Yo trabajaba todo el tiempo. Veía cualquier cosa, la fotografiaba y la mandaba. Me llamó mi jefe de Buenos Aires y me dice: “Walter, está el puesto libre en Asunción, Paraguay. Si quieres, te lo damos y vemos qué tal”. Me fui a vivir a Asunción y ahí estuve 3 años, pero me aburrí, renuncié y me vine a España.

P. En el año 2006.

R. No. En 2003. Cuando llegué me dijeron que había un puesto en Dominicana y me presenté. A partir de entonces fui haciendo mis proyectos. Pero, claro, no tienes todo el tiempo que quieres. Dije: “Bueno, pues free lance”. Todavía se podía ser free lance. Ahora es más complicado. Trabajé un año y medio para AP, luego otro año de free lance y finalmente me mudé a España en 2006. Fue entonces cuando empecé con el proyecto de Guatemala.

P. Sobre violencia contra las mujeres.

R. Sí. Eran cuatro capítulos. O sea, cuatro países: Guatemala, Congo, India y Noruega. El que está en la muestra de Creadores de conciencia, aquí en Córdoba, es el de Guatemala.

Hice un viaje en moto por el mundo durante 9 años y medio

P. Usted trabaja ahora como free lance.

R. Sí.

P. La libertad es su estado natural.

R. Hombre, ahora está complicado.

P. Económicamente.

R. Claro. Para ser libre tienes que tener dinero. Eso es algo que aprendí con el tiempo también.

P. Y usted no tiene dinero.

R. No tanto como para ser libre completamente. Pero así y todo me hice un viaje de 9 años y medio en moto. En 2010 decidí que necesitaba un descanso de todo lo que había cubierto y dije: “Voy a viajar en moto”. Pero no tenía ni moto, ni carné, ni nada. Empecé todo el proceso y tardé tres años. Jugando al fútbol me rompí la rodilla. Los ligamentos cruzados. Me tuve que operar y terminé saliendo en mayo de 2015.

P. Antes de este viaje ganó el World Press Photo en 2007.

R. Sí. También en 2009 y en 2010.

P. Lo ganó con una fotografía de Guatemala de una mujer que yace en el suelo. ¿Cómo fue aquella experiencia?

R. Tenía un proyecto que incluía varios países. Lo presenté a una beca y no me la dieron. Salí segundo. Entonces dije: “Lo empiezo con mi dinero”. De todos los países que yo había escrito, Guatemala era el más fácil económicamente porque era un billete más cercano. No necesitaba traductor y tenía muchos amigos de la agencia. Pasé por México primero, fui a Guatemala, estuve un mes, que era para lo que me alcanzaba el presupuesto, y luego volví a México. Mis compañeros de AP me contrataron para que me ayudara en la cobertura. Y con ese dinero tuve la posibilidad de poder estar en Guatemala haciendo las fotos.

Allí hice contactos con los bomberos que son los que llegan primero cuando un cuerpo aparece. Un día me llamaron y me dicen: “Walter, apareció el cuerpo de una mujer”. Fui con el taxista y estaba el cuerpo tapado con una sábana. Habían marcado la zona y como ya había hecho otras escenas del crimen sabía desde donde iba a tener determinadas fotos. Tenía tres horas para tomarla. Empecé a ver si me podía subir a algún lado para tomar un ángulo distinto. Pedí permiso al poli, pero no me dejaba pasar porque supuestamente iba a contaminar la escena. Y decidí golpear en las casas para que me dejaran pasar al patio de atrás. Desde arriba esperé a que llegaran los peritos. Destaparon el cuerpo y empezaron a marcar los disparos. Había 16. Eso significa que hay una relación entre el asesino y la víctima. No era un robo y había alevosía. Empecé a hacer fotos y con la linterna los policías alumbraron la cara. Volví a Madrid, intenté publicar el proyecto y envié el material al World Press Photo. Eligieron esa foto. En esa época daban 1.500 euros y con ese dinero decidí volver a Guatemala.

En Congo violan a 40 o 60 mujeres al día

P. El proyecto incluye a varios países.

R. Sí. Guatemala, Congo, India y Noruega.

P. Eso lo estableció previamente.

R. No. Previamente había puesto Guatemala. Luego me fui a vivir a Uganda a cubrir África del Este para France Press.

P. ¿Por qué Uganda?

R. Tuve la posibilidad de cubrir la región para la agencia como independiente. Y, justo cuando iba a ir, en Kenia hubo elecciones. Se produjo fraude y empezaron las protestas. Fui directamente a Kenia a trabajar para otra agencia y de ahí me fui a Uganda para cubrir toda la región. Allí retomé el proyecto de violencia contra las mujeres. Decidí hacerlo en Congo y me dieron una beca. Luego, con otra beca, hice el proyecto de India y finalmente fui a Noruega, que es la parte europea.

P. ¿Por qué eligió la violencia contra las mujeres?

R. Por nada en particular y por todo en general. Cuando estuve en Dominicana, hice un proyecto sobre población haitiana. Me vine para España y leyendo un día la prensa vi un proyecto de Médicos sin Fronteras haciendo operaciones de fístula para mujeres que habían sido violadas en Liberia durante la guerra civil. Me puse a investigar y a leer informes. Terminé con mi mesa llena de papeles y de estadísticas. Era todo el mundo básicamente. Había informes de Latinoamérica, de Europa, de África, de Asia, de Oceanía. Pensé en hacer un país de cada continente para mostrar diferentes tipos de violencias, diferentes tipos de contextos, hasta diferentes religiones.

P. ¿Y qué punto en común tiene la violencia machista en cada uno de los continentes que ha retratado?

R. Lo común es que son mujeres. Y, en algunos casos, los hijos y las hijas de esas mujeres. En el genocidio de Ruanda muchas mujeres fueron violadas. En la guerra de los Balcanes muchas mujeres fueron violadas. En África, empiezo a ver si la violencia sexual es utilizada dentro de un conflicto. Y en Congo violan 40 o 60 mujeres al día. Para que no parezca que solamente son países del tercer mundo me voy a Noruega.

P. ¿Qué vio en Guatemala?

R. En Guatemala documenté feminicidio básicamente. Todavía no se llamaba feminicidio. Era asesinato de mujeres y ya está. Esa definición se había empezado a utilizar en México, pero en Guatemala todavía no. Allí matan dos mujeres al día aproximadamente.

P. ¿Por qué?

R. Porque son mujeres. Y porque las pueden matar.

Para ser libre como free lance tienes que tener dinero

P. ¿Simplemente porque son mujeres?

R. La mayoría de los casos son parejas o ex parejas. Es violencia de género, como vemos aquí. Aquí tenemos 60 casos al año, pero en Guatemala son dos al día en una población de 11 millones. 700 mujeres es un montón de mujeres. Muchas son asesinadas en la calle. Como no se investiga demasiado, es más fácil matar a tu mujer que separarte de ella. Es muy duro.

P. Es terrible.

R. Si el cuerpo no es identificable, está tres días en la morgue y nadie lo reclama, ese cuerpo se mete en una fosa común. Y nadie más investiga. Hay muchas armas en Guatemala.

P. ¿No se investiga porque son mujeres o no se investiga porque es un país donde la impunidad impera?

R. Hay mucha impunidad, que viene arrastrada también de la guerra civil. Haciendo fotos del levantamiento de pruebas he escuchado a la policía decir: “Fíjate, si ves que tiene las uñas despintadas, seguro que es prostituta”. Y, si es prostituta, para qué vamos a investigar. Seguro que se lo ha buscado. Ese tipo de discurso está en la gente que tiene que investigar. Imagínese hacia abajo. O, por ejemplo, si el cuerpo no tiene bragas. Porque aparte de matarlas, las violan. Y entonces dice la policía: “Si no tiene bragas, seguramente que era prostituta”. Siempre están tratando de justificar.

P. Y no les merece la pena investigar.

R. Claro. Se lo habrá buscado. O cosas tontas como si usa o no sandalias o si tiene un preservativo en la cartera.

P. ¿Qué se siente la primera vez que se ve un cadáver muerto violentamente?

R. Yo había hecho varios antes. Mi primer cadáver fue un obrero de la construcción en Argentina. Y no lo tuve cerca. Empecé a fotografiar muertes en Dominicana, pero no por violencia, sino por un huracán o algún accidente de coche. Luego en Haití cubriendo la crisis de 2003 y 2004. Allí mataban a muchísima gente. Si ve la foto del World Press de este año, hay un chico haitiano que lo ganó con fotos de la crisis. Muchas son fotos que yo tengo o parecidas.

P. ¿Se llega uno a acostumbrar a la muerte?

R. No. Y la verdad es que lo pasaba mal. Y peor fotografiando velatorios. El muerto es duro. Pero ya está. Ha muerto alguien y ahí se acaba. Pero en un velatorio tienes a la familia llorando. Hay toda una tensión. Si es un accidente hay pena porque es un accidente, pero si lo han matado hay como una idea alrededor de que han cometido una injusticia. Y además nadie va a investigar. Y tú estás ahí con tu cámara haciendo fotos.

Fotografiar un muerto es duro. Peor es fotografiar un velatorio

P. Te sientes un intruso en esos momentos.

R. Un poco, pero siempre he tenido el permiso de la gente para estar ahí. Lo que trataba era de no moverme mucho. Pasar lo más desapercibido posible. Hacer muy pocas fotos y lo menos intrusivo que pueda.

P. En Congo las violan como arma de guerra y luego son rechazadas por la propia familia.

R. Y esto sigue pasando. Ahora en algunos países se tiene más repulsa por el violador y más compasión por la víctima, pero durante mucho tiempo no era así. Si eras violada te habían quitado tu honor y ya no servías en la sociedad. Eso antes en Congo era así. Sobre todo, si es alguien de la otra etnia, como pasó en los Balcanes o en el genocidio de Ruanda. Que venga el otro bando y te viole, además de dejarte embarazada rompen tu cadena genética, por decirlo de alguna forma. El cuerpo de la mujer termina siendo un terreno de pelea.

P. ¿La mujer es la primera víctima de la barbarie?

R. No sé si la primera. Los niños y las niñas también. En los conflictos cuando empiezan los tiros hay un grupo de personas que son los más afectados, generalmente mujeres, niños, niñas y personas mayores.

P. Siete de cada 10 violaciones en Noruega se cometen en domicilios particulares. ¿Se le cayó el mito de la civilidad europea cuando pisó Escandinavia?

R. No creo que seamos tan civilizados. Eso es un mito. Anoche volví caminando aquí y no iba asustado. En Europa se han hecho muchas barbaridades también y no hace mucho tiempo. Yo le llamo mitos rotos. La gente tiene en la cabeza que nosotros somos civilizados y los otros son bárbaros. Históricamente siempre ha sido así. Todo lo que no era romano era bárbaro. Tenemos la idea de que Noruega es el lugar perfecto y, si empiezas a raspar un poco, aparecen cosas. Que maten 8 o 10 mujeres al año es como si en España mataran 80 o 100. Proporcionalmente es un montón. La gente tiene en la cabeza que un lugar bárbaro es Congo.

P. Todo lo que no somos nosotros.

R. Bárbaro es Ruanda, pero no Ucrania. Y en Ucrania tuvimos no sé cuántos millones de refugiados.

P. Ha dado vuelta al mundo en moto.

R. Sí.

P. Y durante muchos años.

R. Nueve años y medio. Se me fue la olla.

El mundo es más seguro de lo que aparenta

P. ¿Cuántos países ha visitado?

R. Cuarenta.

P. ¿Con qué planeta se ha topado?

R. A lo contrario de lo que pareciera, yo soy bastante optimista todavía, aunque me cuesta. Hay que hacer autocrítica. Generalmente cubrimos noticias cuando pasa algo malo, pero las buenas es muy difícil que aparezcan. O si aparecen es como entretenimiento o para cerrar el telediario como nota de color. ¿Cómo es el dicho este?

P. Si no son malas noticias, no hay noticia.

R. Exactamente. Antes del viaje yo sabía que el mundo es mucho más seguro de lo que aparenta. ¿Por qué? Porque si no estaríamos extintos ya. Imagínese si todo el mundo fuese malo de verdad. ¿Qué quedaría? No consideraba que iba a viajar por un lugar completamente hostil. Cuando pasé por Turquía, estaba la guerra de Siria todavía y veía gente refugiada que estaba pidiendo en los semáforos. Hice el proyecto de violencia contra las mujeres en India y luego volví con la moto, pero ya no iba buscando casos específicos de alguien que sufriera violencia. Nunca consideré que el mundo sea hostil per se. Hay lugares puntuales donde puede llegar a pasar lo mismo que en una ciudad. Aquí podemos estar muy bien ahora pero tal vez haya un barrio peligroso en Córdoba.

P. ¿Hacer fotografías es una práctica de riesgo?

R. Depende de qué fotografías.

P. Las que usted ha hecho.

R. Sí, claro. El proyecto de violencia contra las mujeres o el de esclerosis múltiple no es peligroso en cuanto a físico, pero sí mental. Tienes que hablar y documentar gente que está en una situación muy complicada. En un conflicto puede ser mental y físicamente porque corres el riesgo de que alguien te pegue un tiro. En los otros proyectos, aunque sea un lugar donde matan gente, lo más seguro es que no te pase directamente a ti. En el viaje no hay ningún riesgo salvo que alguien te quiera robar la cámara.

P. ¿Ha estado en el límite alguna vez?

R. Si ve algunas fotos mías se da cuenta de que no era un lugar muy tranquilo. Pero yo siempre he tenido mucha suerte. Nunca tuve una herida o un ataque más allá de algún empujón de un poli que está reprimiendo una manifestación.

Un fotoperiodista en zona de conflicto se expone a la muerte por 60 euros

P. ¿Es más fotógrafo o más periodista?

R. Yo no estudié periodismo. Y creo que, a veces, no hace falta estudiar periodismo para ser periodista. Yo uso las fotos para hablar de temas que me parecen interesantes. Pero la foto, sin un pequeño texto que acompañe y ponga en contexto, no sirve de nada. Soy fotoperiodista y hago todo un trabajo de investigación. Hago fotos para contar historias.

P. Un fotógrafo que trabaja en un medio de comunicación ya es un periodista.

R. No, porque los roles están muy divididos. Cuando voy a un lugar tengo que hacer el trabajo de un periodista también. Para poder hacer un proyecto fotográfico necesito saber y preguntar igual que usted pregunta. Yo he hecho el proyecto, por ejemplo, de Congo y una amiga mía es la que escribió el texto. Yo hacía mi investigación para poder hacer mis fotos y ella hacía la investigación para poder hacer su texto. Luego yo edité mis fotos y ella escribió el texto y los dos contamos la historia.

P. Hay medios que pagan hoy 60 euros por crónica y foto en zona de conflicto.

R. Eso es una burrada completamente. Ya no es tanto que vayas a un lugar donde te puedan matar por 60 euros, que ya me parece grave por sí. Lo que me parece peor es que por 60 euros no dedicas el tiempo que tiene que dedicarse a hacer bien el trabajo. No tienes el tiempo de poder preguntar y esperar que las personas entren en confianza para poder contarte bien la historia. Esos 60 euros repercuten en la calidad del trabajo. Si no tienes los elementos para poder hacer bien tu trabajo, terminarás informando mal. Me gustaría trabajar de editor para poder manejar el grupo de fotógrafos y decirles: “Tienes un día, o dos, o tres para hacer un reportaje”.

P. ¿Hoy se puede vivir del fotoperiodismo?

R. Yo vivo porque doy talleres de fotografía y charlas a fotoperiodistas. Hace 9 años y medio decidí que me iba a ir a viajar. Eso significa también que decidí que me iba a salir del ambiente de cubrir conflictos.

P. ¿Y de qué ha vivido estos 9 años y medio?

R. He dado clases. Y he vendido algunas fotos del viaje.

P. Ha pasado hambre.

R. Sí, un poco [risas]. Me he preocupado a veces. He dado clases en escuelas o universidades, aunque eso ya lo hacía también antes del viaje.

Si fuera millonario, cerraría todas mis redes sociales

P. Usted ha dicho: “Los medios manipulan”. ¿Por ejemplo?

R. Vamos a aclarar: no todos los medios manipulan. La misma noticia, si tú tomas dos periódicos que tienen ideologías distintas, van a tener una opinión distinta. Los periódicos se han transformado en medios de opinión y no en medios de información.

P. ¿Cómo será el periodismo de mañana?

R. ¡Buah! Está jodido. Lo que yo hice en Guatemala no lo puedo hacer ya. Sería inviable. Yo intenté en el viaje vender reportajes que iba haciendo. Por ejemplo, vendí dos notas: una sobre el carnaval del Chaco Paraguayo, en Paraguay, y otra sobre una fiesta en Bolivia en honor a la Pachamama. Los vendí al Washington Post. Tienen un blog de internet y van poniendo cosas por 350 dólares. Si yo estuviese en Madrid y quiero ir a hacer esa historia, me gasto 1.500 euros de billete de avión, no sé cuánto más para llegar al lugar, más la comida y el alojamiento. Unos 2.000 euros por lo bajo. Y, si gano 350 dólares, cualquier negocio se fundiría.

P. ¿Redes sociales: oportunidad o problema?

R. Si yo fuese millonario cerraría todas mis redes sociales.

P. ¿Por qué?

R. Porque no me aportan nada.

P. ¿No es un espacio para compartir su trabajo?

R. Sí, pero si soy millonario no necesitaría compartirlo. Podría hacer la exposición que yo quisiera en cualquier lado. El problema con las redes sociales es que ahora la gente se informa a través de ellas. Es más: hay medios de comunicación en las redes sociales poniendo sus notas. Yo sigo muchas agencias o medios de comunicación a través de sus redes sociales.

P. ¿Blanco y negro o color?

R. Yo no tengo problema con eso. Todos mis proyectos han sido a color menos el del viaje, aunque tiene una lógica: son fotos sueltas de diferentes lugares y fue la forma que encontré de aglomerarlas todas para que fuera un proyecto homogéneo. Parece como si fuese el mismo país y lo que cambian son algunos rasgos físicos. Es más fácil fotografiar en blanco y negro. Eso sí. Porque no tienes que estar pendiente de los colores.

P. En fotografía, ¿si no hay personas no hay vida?

R. No. Tengo fotos de cosas, pero siempre hubo en algún momento alguna intervención humana. Me cuesta muchísimo fotografiar solo paisajes. Me gusta verlos. Creo que tengo uno o dos paisajes muy puntuales en mis proyectos. Y todos tienen algún elemento humano.

Me cuesta muchísimo fotografiar solo paisajes sin personas

P. Recuerdo una foto suya de unas salinas enormes con un coche al fondo.

R. Siempre hay algo. Es muy difícil que yo fotografíe algo que no tenga alguien presente, aunque sea chiquitito.

P. ¿Próxima estación?

R. Vivo en Madrid desde septiembre.

P. ¿Y qué tiene en la cabeza?

R. Primero sobrevivir. Estoy tratando de acomodarme todavía. Estar en un lugar fijo, a veces es más complicado. Voy dando charlas o talleres online. Y me gusta leer mucho. Me encantaría tener un puesto de editor en algún medio, que me diera la libertad de poder mandar a un fotógrafo un día entero.

P. ¿Qué quiere contar con sus fotos?

R. Antes contaba historias que eran terribles. Ahora en el viaje he contado cosas del día a día. Para la prensa puede ser aburrido, pero a mí me parecía muy interesante. Es difícil hacer buenas fotos de algo cotidiano.

P. ¿El viaje ha terminado ya para usted?

R. Mi moto está en Uruguay. Vuelvo en julio durante un mes y, de paso, voy a visitar a mi madre. Tengo que sacar la moto de Uruguay y estoy pensando en traerla a España. Lo único que me quedó pendiente del viaje sería hacer algo de África, pero enviar la moto desde Uruguay me costaba muchísimo dinero. Y es un dinero que no tengo. Si en algún momento gano la lotería, iré a Sudáfrica a comprar una moto para hacer un par de países.