La ciudad de Córdoba recuperará a partir de este miércoles la figura del pintor Rafael Pineda (1931–2009). Lo hará con una propuesta expositiva que combina arte, patrimonio y tecnología: una ruta por el casco histórico con doce paradas y un total de 49 obras que, hasta ahora, permanecían guardadas en un almacén familiar, sin haber sido expuestas al público.

La iniciativa, producida por La Inaudita -que ya el año pasado organizó una pequeña muestra de inéditos-, se inaugurará este miércoles 15 de abril y se prolongará hasta el 30 de mayo, articulándose en torno a tres espacios principales —Casa 12PB, Palacio de Viana y La Inaudita— junto a nueve restaurantes y tabernas donde parte de la obra del artista ha convivido durante décadas de forma integrada.

Lejos de una exposición convencional, el proyecto propone al visitante un recorrido urbano en el que las piezas dialogan con la propia ciudad. “No es un artista redescubierto, sino alguien que nunca necesitó ser descubierto”, subrayan los organizadores sobre Pineda, nacido en el barrio de Capuchinos y fallecido en 2009 tras una vida dedicada silenciosamente a la pintura.

El itinerario permite contemplar por primera vez una parte significativa de su producción, compuesta por obras que han permanecido ocultas durante años. A ellas se suman otras piezas ya presentes en distintos establecimientos del casco histórico, configurando una exposición distribuida que invita a redescubrir Córdoba a través de la mirada del artista.

Como elemento diferencial, la ruta incorpora una aplicación web progresiva que guía al visitante sin necesidad de descarga ni registro. Mediante códigos QR situados en cada parada, el sistema ofrece contenidos literarios, orienta el recorrido y registra las obras visitadas, incluso sin conexión a internet. Disponible en seis idiomas, la herramienta recompensa a quienes completen el itinerario con un incentivo canjeable.

La inauguración tendrá lugar a las 20:00 horas en Casa 12PB, con un concierto en directo del guitarrista Chapi Pineda, hijo del pintor, en un acto que unirá música y pintura como homenaje intergeneracional. Comisariada por Juan Luis Piqueras Merino, la propuesta cuenta con la colaboración del Palacio de Viana y Casa 12PB, así como la participación de diversos establecimientos históricos de la ciudad.

La sede de la Fundación Cajasol en Córdoba acoge desde este jueves la exposición 'Humedales. El reino de las libélulas', una propuesta de la artista Julia Hidalgo que podrá visitarse hasta el 10 de mayo en la sede de la entidad, en la Avenida Ronda de los Tejares, 32, que reúne 21 obras fruto de su fuerte conciencia sobre la necesaria preservación el medio natural y reconocimiento de la capacidad resiliente de la naturaleza.

Así lo ha informado la Fundación Cajasol en una nota en la que ha detallado que, en la exposición, la autora “focaliza su atención en la fuerza regenerativa y el renacer de la vida que se genera en el fondo de los humedales y zonas encharcadas”.

Al acto de apertura de la muestra han asistido el delegado de la Fundación Cajasol en Córdoba, Juan Manuel Carrasco; el delegado de Cultura de la Diputación, Gabriel Duque, y la autora, Julia Hidalgo, que ha hecho un breve recorrido expositivo de la muestra.

Juan Manuel Carrasco ha destacado que con esta exposición se quiere “poner en valor el trabajo de Julia Hidalgo y un merecido homenaje a su trayectoria artística”. Asimismo, ha recordado el compromiso de la fundación con la promoción y defensa de la cultura en su ámbito geográfico de influencia.

El diputado de Cultura, Gabriel Duque, ha subrayado la importancia de “respaldar el arte cordobés de calidad, sin distinción de generaciones”, adelantando que dicha muestra será objeto de itinerancia por pueblos de la provincia de la mano de la Fundación Botí.

Por su parte, la artista, Julia Hidalgo, ha expresado su agradecimiento por la oportunidad de mostrar a los cordobeses y cordobesas su trabajo de los últimos tres años en los que “ha resurgido desde la base hasta ir regenerando su estado vital actual”.

'Humedales. El reino de las libélulas' permite acercar el ecosistema de marismas, charcas y riberas desde una mirada íntima y poética. Los cuadros no buscan describir un lugar concreto, sino evocar la atmósfera cambiante de los paisajes húmedos. En lugar de presentar el humedal como un espacio inhóspito, lo transforma en un territorio de calma y contemplación. Invita al espectador a una experiencia intuitiva.

La muestra puede visitarse de lunes a sábado, en horario de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00, con entrada libre hasta completar aforo. Por el contrario los domingos y festivos permanecerá cerrada.

Córdoba ha recuperado en los últimos años una ambición cultural que remite directamente a comienzos de siglo: la de situarse en el mapa internacional a través de grandes exposiciones temáticas capaces de atraer tanto turismo como producción científica. Ha sido una idea impulsada personalmente por el alcalde José María Bellido, quien decidió articular un modelo que combinara inversión pública, sedes patrimoniales de alto valor simbólico y relatos históricos con vocación internacional, todo ello, además, enmarcado en la temporada baja para el turismo, buscando un incentivo extra en los meses de menor ocupación.

Este martes se ha dado por concluida la segunda gran muestra organizada por el PP. El resultado, visto en perspectiva, permite ya trazar un primer balance comparativo entre tres hitos: el referente de Bellido, la muestra El esplendor de los Omeyas (2001); el primer aldabonazo, Cambio de era. Córdoba y el Mediterráneo cristiano (2023); y la segunda gran exposición El despertar a la vida. Infancia y adolescencia en el Antiguo Egipto (2025-2026).

Lo primero es partir de la base de que son tres exposiciones con escalas, presupuestos y rendimientos distintos, pero que comparten una misma estrategia: convertir la cultura en motor de atracción en temporadas bajas y reforzar la marca Córdoba a nivel internacional. También es difícil comparar porque, salvo en el caso de la última de ellas, los datos de visitas se limitaron a una aproximación. No obstante, solo las dos últimas exposiciones organizadas por el PP, suman casi 3,5 millones de euros de inversión pública. Estos son los datos detrás de esa inversión.

El Mediterráneo Cristiano: la gran apuesta

La exposición Cambio de era. Córdoba y el Mediterráneo cristiano, organizada por Eulen Art, marca, hasta ahora, el mayor éxito reciente en términos de público, con más de 350.000 visitas -según se dijo en su día-, prácticamente al nivel de la icónica muestra de los Omeyas. Su diseño fue clave: tres sedes (Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A, Vimcorsa y, especialmente, la Mezquita-Catedral), un fuerte componente internacional con préstamos de instituciones como los Museos Vaticanos o el Museo Nacional de Cartago, y más de 200 piezas, con equilibrio entre fondos nacionales e internacionales.

El elemento diferencial, sin duda, fue la Mezquita-Catedral como espacio expositivo: un enclave con capacidad de atracción propia que explica en gran medida el volumen de visitantes; aunque no se ofrecieron cifras desglosadas, este periódico ha podido saber que la Sala Vimcorsa alcanzó 19.000 visitas, una pequeña fracción del total (y un tercio de las que ha recibido en la exposición sobre Egipto).

Con un presupuesto aproximado de 2 millones de euros, el coste por visitante de aquella exposición puede estimarse en torno a 5,7 euros, un dato que permite analizar la eficiencia de la inversión cultural en términos económicos y de alcance (Este cálculo, sin embargo, no puede aplicarse a El esplendor de los Omeyas, debido a que se trataba de otra época y contaba con financiación mixta público-privada, por lo que cualquier comparación directa resultaría engañosa).

Desde el punto de vista estratégico, la exposición cumplió varios objetivos: desestacionalización turística, proyección académica con impacto en publicaciones europeas y un momentáneo posicionamiento internacional de Córdoba, especialmente en el mundo eclesiástico (llegó a visitarla el nuncio apostólico en España).

El Egipto de la vida cotidiana: especialización a menor escala

Por su parte, la exposición El despertar a la vida. Infancia y adolescencia en el Antiguo Egipto, también organizada por Eulen Art, ha representado un giro hacia un modelo más especializado. Con 96.133 visitantes y un presupuesto de 1,2 millones de euros, ha supuesto un contraste interesante respecto a la muestra anterior, que contaba con el respaldo del siempre todopoderoso Cabildo. Sus claves fueron 190 piezas centradas en un tema muy concreto, dos sedes (Vimcorsa como principal y Orive) y un carácter pionero, siendo la primera exposición en España dedicada exclusivamente a la infancia en la civilización faraónica.

Si se cruzan datos, el coste por visitante se sitúa en torno a 12,5 euros, más del doble que en el caso del Mediterráneo Cristiano. De nuevo, la exposición ha logrado maximizar el rendimiento de un espacio expositivo tradicional. Para el alcalde, las 96.000 visitas se han visto lastradas por los problemáticos meses de enero y febrero a nivel turístico, aunque se ha mostrado muy satisfecho por el resultado. En esta ocasión, eso sí, se han dado los datos por espacios que no se dieron hace tres años, por lo que el balance, aunque pueda parecer triunfalista, es, al menos, más honesto que el de Cambio de era.

En cualquier caso, el alcalde nunca ha negado que toda la estrategia actual tiene como espejo El esplendor de los Omeyas (2001), la gran exposición que marcó un antes y un después en la política cultural de la ciudad, y que supuso un enorme esfuerzo diplomático que, por el momento, no se ha podido repetir en las últimas grandes muestras organizadas desde el Ayuntamiento.

Con 300 piezas vinculadas a Medina Azahara y un presupuesto aproximado de 1,8 millones de euros actuales, financiado al 50% por la entidad Cajasur, El esplendor de los Omeyas combinaba un relato identitario fuerte, concentración temática y alto impacto mediático. Su inauguración contó con la presencia de los Reyes de España y del presidente de la República Árabe de Siria, Bashar al-Asad, y su efecto en términos de visitantes se estima comparable al de Mediterráneo Cristiano, aunque no se hayan facilitado las cifras precisas para ninguna de las dos.

La siguiente gran exposición ya está en marcha. Se titulará Córdoba Romana. La ciudad oculta ha sido diseñada por todo un experto -Desiderio Vaquerizo-, y cuenta con un presupuesto mucho menor (428.454 euros, casi un tercio de la última). Su estrategia también está pendiente de ejecución. No obstante, su importancia puede ser capital, en tanto a que coincidirá con los primeros compases de 2027, año en el que la ciudad de Córdoba será la Capital Mediterránea de la Cultura y del Diálogo.

La Facultad de Filosofía y Letras acoge desde este miércoles 8 de abril la muestra 'Going Extreme: cómo las narrativas extremistas están destruyendo las democracias', una acción vinculada al proyecto europeo ARENAS (Analysis of and Responses to Extremist Narratives) que propone una reflexión crítica sobre la expansión de los discursos extremistas y su impacto en las democracias contemporáneas.

Promovida por la Cátedra de Memoria Democrática de la Universidad de Córdoba, la información difundida sobre esta muestra señala cómo las narrativas extremistas y los discursos de odio se difunden cada vez más en Internet y las redes sociales, llegando a los ordenadores y los móviles de millones de personas. En muchos casos, estas narrativas y estos discursos se han normalizado y se han convertido en mainstream. Las dinámicas que se dan en el mundo digital se entrelazan con lo que pasa en la vida real, provocando una continua retroalimentación difícil de regular. En la última década, el auge de partidos de extrema derecha y de líderes antidemocráticos en todo el mundo ha acelerado la difusión de estos discursos y ha favorecido su legitimación.

Así, un sinfín de páginas web y perfiles en las redes sociales, así como medios de comunicación tradicionales y políticos ultraderechistas, se dedican a difundir no solo bulos y teorías de la conspiración, sino también discursos racistas, xenófobos, islamófobos, antisemitas, homofóbicos, machistas o aporofóbicos, poniendo en cuestión las bases de la convivencia democrática y, a largo plazo, la misma supervivencia de nuestras democracias. Además, cada vez más hay influencers, con centenares de millares de seguidores, que se presentan como transgresores, provocadores y cool y que viralizan estas ideas. Pero no existen solo los llamados fachatubers: estos discursos se cuelan también en contextos inesperados, como en los vídeos de las influencers de moda y cocina, llegando a un público aún mayor que puede acabar asumiéndolos sin ni siquiera darse cuenta.

Recorrido por las narrativas extremistas en Europa

En la exposición Going Extreme se presenta un recorrido por las narrativas extremistas que circulan en la actualidad en Europa y se alerta de su influencia, su impacto y sus consecuencias. ¿Qué es una narrativa extremista? ¿Cuáles son sus patrones y formatos?¿Cómo han evolucionado y cómo se han adaptado durante el último siglo? ¿Cómo podemos detectarlas? Estas son algunas de las preguntas a las cuales se ha intentado ofrecer una respuesta, centrándose en los ejes temáticos de la nación, el género y la ciencia.

La exposición presenta los primeros resultados del proyecto de investigación ‘Analysis of and Responses to Extremist Narratives’ (ARENAS), financiado por el programa Horizon Europe de la Unión Europea, del cual Steven Forti, profesor de Historia Contemporánea de la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB), es el coordinador local en España. Comisariada por el mismo Forti, Going Extreme ha sido coordinada por los investigadores Sergi Soler y Nathalie Paris y realizada en colaboración con un grupo de alumnos del grado de Historia, Política y Economía Contemporáneas de la UAB.

Going Extreme: cómo las narrativas extremistas están destruyendo las democracias ha sido posible gracias a la financiación del proyecto ARENAS y ha contado con el apoyo dela Facultad de Filosofía y Letras y del Departamento de Historia Moderna y Contemporánea de la Universitat Autònoma de Barcelona, así como del Centro de Estudios sobre Dictaduras y Democracias (CEDID). La versión española de la exposición ha estado financiada por el Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática del Gobierno de España y 'Celebración de los 50 años de España en libertad'.

La exposición, promovida por la Cátedra de Memoria Democrática de la Universidad de Córdoba (CMD), se inaugurará el miércoles 8 de abril a las 18:00 en el hall de columnas de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Córdoba. El acto contará con la presencia del Decano de la Facultad de Filosofía y Letras de la UCO, Javier Martín Párraga; el director de la CMD de la UCO, Francisco Acosta Ramírez; y el comisario de la exposición, Steven Forti.

La exposición El Despertar a la vida. Infancia y adolescencia en el Antiguo Egipto, que ha permanecido abierta en Córdoba del 4 de diciembre de 2025 al 5 de abril de 2026, ha echado el cierre con un balance de 96.133 visitas, consolidándose como una de las grandes apuestas culturales del Ayuntamiento en los últimos años.

La muestra, que contaba con un presupuesto de 1,2 millones de euros y que ha sido la primera en España —y una de las escasas en el mundo, según sus organizadores— dedicada exclusivamente a explorar las etapas más tempranas de la vida en la civilización faraónica, ha “superado las expectativas” tanto por su calidad artística como por su capacidad de atracción de público, según la valoración que ha hecho este martes el alcalde de Córdoba, José María Bellido.

Durante la presentación del balance de los datos, el alcalde ha destacado que la exposición ha supuesto “un importante reto por su temática, la calidad de las piezas expuestas y su carácter formativo”, subrayando además que el objetivo principal era dinamizar la oferta cultural y reforzar el turismo en temporada baja. En este sentido, valoró muy positivamente los resultados obtenidos, que reflejan “un auténtico éxito, más allá de la calidad artística, que ya estaba garantizada”.

La exposición se ha desarrollado en dos sedes (Sala Vimcorsa y Sala Orive), registrando 52.524 visitantes en la primera y 43.609 en la segunda. Según el alcalde, se trata de la muestra más visitada en los 25 años de historia de la sala Vimcorsa, superando en más de 10.000 asistentes a la exposición de Julio Romero de Torres celebrada en 2003.

Bellido también hizo referencia a las dificultades registradas durante los meses de enero y febrero, marcados por la falta de Alta Velocidad y al intenso carrusel de borrascas que, en algunos días, obligó incluso a cerrar los accesos al Jardín de Orive, impidiendo el disfrute de la parte inmersiva de la muestra.

El impacto educativo también ha sido relevante, con 2.690 escolares procedentes de 31 centros educativos participando en las visitas organizadas, así como 11 charlas que reunieron a 550 asistentes, a pesar de la cancelación de una de ellas en febrero.

Interés de “instituciones norteamericanas”

Por su parte, la directora nacional de Eulen Art, Felicia Galindo, ha puesto en valor la dimensión internacional del proyecto, afirmando que “Córdoba ha demostrado que puede situarse en el circuito internacional de grandes exposiciones”. Galindo destacó también la respuesta positiva de expertos y comisarios, quienes han subrayado “el nivel del proyecto, la coherencia del relato y la calidad de las piezas expuestas”, junto a un componente audiovisual que ha aportado una experiencia sensorial al visitante.

En esta línea, ha avanzado que diversas instituciones de Estados Unidos -y que operan en dicho país, Canadá y Sudamérica- han mostrado interés en la posible itinerancia de la exposición. “No ha sido una estrategia de comunicación, sino una percepción real de interés”, ha señalado, aunque sin querer dar los nombres de las instituciones ni precisar si en estos momentos hay negociaciones abiertas para llevar la muestra a otros países. Tampoco se han dado datos específicos del impacto crítico en grandes medios de comunicación o suplementos culturales.

No obstante, desde el Ayuntamiento han dejado clara su satisfacción con el resultado de su apuesta por este tipo de iniciativas culturales, especialmente en un contexto en el que Córdoba se prepara para ser Capital Mediterránea de la Cultura el próximo año. En este marco, Bellido anunció que la próxima gran exposición será Córdoba Romana, que se celebrará del 5 de noviembre de 2026 al 7 de febrero de 2027.

El espacio cultural Limbo (calle Juan Rufo) acoge estos días una propuesta artística que invita a mirar la realidad desde otro ángulo. Bajo el sugerente título ¿Sufres pesimismo? ENTRETENTE, la artista cordobesa MariaLin presenta su primera exposición individual, una colección de collages analógicos que apuestan por el juego visual y la reinterpretación de imágenes como vía de escape frente al desánimo.

La muestra reúne distintas piezas originales pertenecientes a una misma serie, en las que Lin explora composiciones caleidoscópicas cargadas de color, contraste y simbolismo. A través de la técnica del collage, la artista construye nuevas narrativas visuales a partir de fragmentos, generando obras que invitan al espectador a detenerse, observar y encontrar múltiples lecturas.

La inauguración tuvo lugar el pasado jueves 26 de marzo, congregando a público interesado en descubrir el universo creativo de la autora. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 10 de abril, ofreciendo una oportunidad para acercarse al trabajo de una creadora singular dentro de la escena local.

MariaLin, natural de Córdoba, da así un paso importante con esta primera muestra en solitario que, además, coincide con su participación en la retrospectiva Boronía inaudita (1988–2014), que aún puede visitarse en La Inaudita

La cultura cordobesa continúa consiguiendo eventos de alto calibre para un futuro a corto plazo. La Junta de Gobierno Local (JGL), celebrada el pasado lunes en el Ayuntamiento de Córdoba, ha aprobado el expediente de contratación para los servicios necesarios de la exposición 'Córdoba Romana. La ciudad oculta', que se celebrará en la sala de exposiciones Vimcorsa entre finales de 2026 y principios de 2027. Esta iniciativa ya fue presentada en otra sesión de la JGL, pero esta vez se han anunciado los detalles y su presupuesto total.

La muestra, que cuenta con el comisariado del profesor Desiderio Vaquerizo, del Departamento de Historia del Arte y Arqueología de la Universidad de Córdoba, tiene como objetivo acercar al gran público la evolución de la ciudad desde sus orígenes turdetanos hasta la etapa clásica. Para llevar a cabo este proyecto, el Consistorio ha autorizado un presupuesto total de 428.454,08 euros (IVA incluido), desglosado en tres lotes principales que cubren desde el diseño museográfico hasta la seguridad de las piezas.

El expediente aprobado contempla una inversión de 175.205 euros para el diseño y suministro de elementos museográficos, que incluirán tecnologías de vanguardia como piezas audiovisuales monocanal y un audiovisual inmersivo. Además, se destinan más de 150.000 euros al transporte nacional e internacional y al seguro de las obras.

Gracias a la relevancia del legado histórico que se exhibirá, el seguro denominado como 'clavo a clavo' de las piezas alcanza un valor estimado de 8.346.500 euros. El transporte será realizado por personal especializado en obras de arte, utilizando vehículos con suspensión neumática y control de temperatura para garantizar la integridad de los bienes culturales.

Como ya se ha mencionado anteriormente, la exposición se ubicará en la sede de Vimcorsa, en la calle Ángel Saavedra, y su apertura al público está programada para el 5 de noviembre de 2026, permaneciendo abierta hasta el 7 de febrero de 2027. No obstante, los trabajos de montaje comenzarán el 19 de octubre de 2026, periodo durante el que la sala contará con vigilancia las 24 horas del día, un requisito indispensable exigido por los museos e instituciones prestadoras de las obras.

La Fundación Cajasol ha inaugurado en su sede de Córdoba las dos exposiciones que clausuran el ciclo 'Tramos de Cuaresma' en la capital cordobesa, en este caso mediante una propuesta singular, la que supone el diálogo entre la memoria fotográfica cofrade y la recreación volumétrica de la Pasión.

Así y según ha informado la Fundación Cajasol en una nota, en su sede de la Ronda de los Tejares, 32 de Córdoba han abierto sus puertas el 'Memorial Juan Luis Seco. XLIV Concurso de Fotografía de la Semana Santa de Córdoba', que constituye la primera edición celebrada a título póstumo del fotógrafo fallecido en julio de 2025, y 'Dioramas de Pasión', una muestra que aplica tecnología de impresión en 3D al arte belenista, para dar vida a diez escenas del drama de la Pasión.

Al acto de apertura, celebrado ayer lunes, han asistido el delegado de la Fundación Cajasol, Juan Manuel Carrasco; el presidente de la Agrupación de Hermandades y Cofradías de Córdoba, Manuel Murillo, y el presidente de la Asociación Cultural Belenista de Córdoba, Javier Barcones.

La Agrupación de Hermandades y Cofradías de Córdoba rindió este año un homenaje especial a Juan Luis Seco de Herrera (1964-2025), un fotógrafo autodidacta que supo captar la esencia más íntima de las celebraciones y tradiciones cofrades. Vinculado durante décadas al mundo de las hermandades, fue referente para varias generaciones de aficionados y profesionales de la fotografía cofrade, y su fallecimiento el pasado verano motivó que esta convocatoria, en su edición número 44, adoptara su nombre como memorial permanente.

La muestra reúne 51 obras dedicadas a las hermandades y cofradías de Córdoba y su provincia, y construye, en palabras del presidente de la Agrupación de Hermandades y Cofradías de Córdoba, “un relato colectivo en el que se entrelazan arte, fe y tradición”.

Entre las imágenes presentes figuran instantáneas del Magno Vía Crucis de la Diócesis de Córdoba, celebrado el pasado 11 de octubre con motivo del VI Centenario del primer Vía Crucis de Occidente, instaurado por el beato Álvaro de Córdoba en Scala Coeli, y que congregó 35 pasos procedentes de la capital y de distintas localidades de la provincia.

Por su parte, frente al instante detenido por el objetivo, 'Dioramas de Pasión' despliega un recorrido escultórico en tres dimensiones. Organizada por la Asociación Cultural Belenista de Córdoba en colaboración con la Fundación Cajasol, la exposición aplica la técnica belenista al relato de la Pasión mediante figuras elaboradas con impresión 3D por Copycor3d y el artista Luis Toledano.

Las diez escenas que componen el itinerario abarcan desde la 'Entrada triunfal' hasta el 'Traslado hasta el sepulcro', pasando por la 'Oración en el huerto', el 'Prendimiento', 'Jesús ante Caifás', la 'Presentación al pueblo', la 'Coronación de espinas', el 'Despojado de sus vestiduras', escena que evoca el misterio de la Hermandad de la Paz y Esperanza de Córdoba, la 'Conversión del buen ladrón' y la 'Buena muerte'. La muestra es, según la describe su propio texto, “una de las citas imprescindibles de la Cuaresma cordobesa”.

El ciclo 'Tramos de Cuaresma' reúne cada año la programación cultural de la Fundación Cajasol en torno a la Pasión en sus sedes de Sevilla, Córdoba, Cádiz, Huelva y Jerez. Con estas dos inauguraciones, la edición cordobesa de 2026 llega a su fin. Ambas exposiciones permanecerán abiertas hasta el próximo 5 de abril en horario de 11,00 a 14,00 horas y de 17,00 a 20,00 horas, con entrada libre.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), ubicado en Córdoba y dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, prepara, con motivo del décimo aniversario de su apertura, la gran exposición 'Ciudad de quién', una muestra que se inaugurará el 12 de junio y que podrá visitarse hasta el mes de enero del próximo año 2027.

Según informa el C3A en su web, consultada por Europa Press, dicha muestra, que estará conformada por una amplia selección de obras procedentes de la colección CAAC/C3A, girará en torno a la idea de “lo urbano como una suma de capas, tanto físicas como espectrales y que conforman una visión poliédrica, a veces romantizada y otras tantas conflictiva, de lo que es habitar una ciudad”.

Así pues, la exposición buscará a través del diálogo entre obras --históricas, de otras colecciones y de nueva creación por encargo--, pensar el propio papel del C3A en Córdoba. Con todo ello el centro busca “abrirse de manera autocrítica y compartida a la ciudadanía de Córdoba y Andalucía”.

Además, la muestra estará “en constante activación”, pues está previsto que a lo largo del año se propongan “acciones, intervenciones y programas públicos que dialogarán con las piezas”, lo que permitirá que el centro se mantenga “en permanente movimiento, renovando su energía y su relación con la comunidad”.

Cabe recordar que el C3A se inauguró en diciembre de 2016 con intención de convertirse en un centro de referencia para la creación y producción artística. Adscrito al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y sede en Córdoba del CAAC desde ese momento, ha llevado a cabo en estos años una completa programación conformada por exposiciones, actividades, cursos, talleres, performances, conciertos y residencias artísticas de producción, que han posibilitado que se vaya forjando como lugar de encuentro y desarrollo de las distintas disciplinas artísticas.

A diferencia de otros museos o centros de arte contemporáneo, el C3A se dedica fundamentalmente en la producción, creación y experimentación, siendo una de sus características diferenciadoras el poner el acento no solo en las obras acabadas, sino también en el proceso creativo, para posteriormente acercar su resultado al público. Por ello tienen gran relevancia en su programación las residencias artísticas y las artes en vivo.

Para las primeras, el centro cordobés cuenta con más de 1.000 m2 de talleres para la creación visual y laboratorios para el audiovisual. Esto permite desarrollar proyectos en el ámbito de la pintura, la escultura en metal y madera o el trabajo con cerámica, así como otros que requieren tecnología digital, como la fotografía y el vídeo. Además, cuenta con equipamiento 'medialab' como impresora y escáner en tres dimensiones. Desde su creación, y con vocación de convertirse en el centro de referencia en este ámbito dentro de Andalucía, las residencias artísticas de producción son uno de sus ejes fundamentales de actuación del C3A.

A ello se suma la Caja Negra, un lugar para la confluencia con otras disciplinas como la performance y la música experimental, con una programación propia anual. Además, se inició en 2018 una línea de conciertos en el exterior con vocación de continuidad.

También tiene especial relevancia la formación artística, para lo que se desarrollan talleres y cursos para todos los públicos o para públicos específicos, además de un amplio programa educativo. Las propuestas educativas de talleres y cursos a distintos niveles de públicos han tenido un incremento significativo a lo largo de la vida del C3A.

Finalmente, el C3A cuenta con un programa anual de exposiciones temporales en el que se incluyen propuestas nacionales e internacionales que acerquen a la ciudad de Córdoba las últimas tendencias del arte contemporáneo, además de centrar otra línea de su programación en artistas andaluces y en la muestra de los trabajos resultantes de los programas de producción.

La Universidad de Córdoba (UCO) ha inaugurado este lunes la exposición de la XIII edición del Premio Bienal Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler, un galardón que cuenta con la colaboración de la Fundación Cajasol y que se ha convertido en una de las convocatorias de referencia en el ámbito de la creación fotográfica contemporánea. Concretamente, la muestra, que recoge la obra de los quince fotógrafos y fotógrafas reconocidos como finalistas de entre más de medio centenar de propuestas nacionales e internacionales, podrá visitarse en el centro UCOCultura hasta el próximo 12 de abril, en horario de 09:00 a 18:00 de lunes a viernes y de 11:00 a 18:00 en domingos y festivos.

La inauguración ha contado con la presencia del ganador de esta edición, José Quintanilla; el director General de Cultura de la Universidad de Córdoba, Fernando Lara; la comisaria de la exposición, Cristina Coca; el delegado de la Fundación Cajasol en Córdoba, Juan Manuel Carrasco; la delegada de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Córdoba, Isabel Albás; el vicerrector de Estudiantes y Cultura de la UCO, Israel Muñoz; y el rector de la Universidad de Córdoba, Manuel Torralbo. Además, también han acudido a la inauguración de la muestra algunos de los finalistas del concurso como Ana Amado, Estela de Castro, Carma Casulá, Gloria Oyarzábal, Verónica Domingo, Magdalena Correa o Tete Álvarez.

Las piezas reunidas en este catálogo reflejan la diversidad de lenguajes y preocupaciones que atraviesa hoy la fotografía contemporánea. En este sentido, la exposición no trata solo de exhibir imágenes, sino que también intenta ofrecer un espacio de pensamiento, de invitación al encuentro y de diálogo entre artistas y públicos.

De esta forma, la obra galardonada en esta edición, 04#Giberny, de José Quintanilla, propone una investigación sobre el paisaje que apuesta por subrayar la subjetividad de la percepción, desarticulando el espectro cromático de la fotografía analógica y emulando técnicas de estampación propias de las artes gráficas.

Junto a la propuesta ganadora, y formando el cuerpo de esta edición, se ha desplegado el trabajo de 14 artistas finalistas con distintas propuestas en las que se exploran una gran variedad de temáticas como la construcción del paisaje y la relación entre naturaleza e imagen; las realidades latinoamericanas; la construcción del imaginario africano y los discursos de género; derechos humanos y protección animal; política y memoria histórica; los efectos de las tecnologías de la comunicación o la caligrafía; y el arte asiático.

Concretamente, las obras expuestas son De continuo lo inestable, de Antonio Guerra; Mi sueño es morirme, de Martin Weber; Paisaje Continuo _ Bosque Secundario, de Carma Casulá; Usus Fructus ABUSUS_La blanche et la Noire XVIII, de Gloria Oyarzábal; La Ventana, de Ana Amado; Empty Rooms – La Familia, de Ana María McCarthy; Zepdos, de Estela de Castro; Iván Denísovich, de Roberto Aguirrezabala; El Boyero, 2025, de Tete Álvarez; ST_06Isla Torolla, 2022, de Juan Baraja; Refugio Puentes de Algorta, de Verónica Domingo; Nereidas en la Alameda, Ciudad de México, 2021, de Paola Bradago; Metamorphosis, de Francisco González;  y KOS, de Magdalena Correa.

Todas estas obras, según recoge el catálogo de la exposición, recuerdan que la imagen es simultáneamente archivo y especulación, vestigio y posibilidad. Los artistas seleccionados han desplegado así una capacidad para situarse en ese borde donde lo visible se desborda y reclama nuevas formas de interpretación. En ese sentido, este premio se erige como un laboratorio privilegiado para observar cómo la fotografía ensaya otras gramáticas, otras sensibilidades y otros modos de narrar lo contemporáneo.

El Palacio de Viana de Córdoba suma a su oferta cultural la exposición 'El susurro de las fuentes', una colección de 22 acuarelas de la artista Made Gallardo, que invita al espectador a “sumergirse en la riqueza ornamental y el valor histórico de las fuentes de Córdoba, capturadas con la delicadeza técnica” que caracteriza a la autora.

Según informa la Fundación Kutxabank en una nota, a diferencia de una interpretación puramente estética, las obras presentadas “son el fruto de un exhaustivo estudio de investigación”. Gallardo ha trabajado con archivos históricos, captaciones de detalles y material fotográfico para rescatar “la esencia de las fuentes originales de la ciudad, destacando su valor patrimonial y su presencia en el imaginario cordobés”.

La exposición se podrá visitar en la Sala Polivalente de Viana desde este viernes, 6 de marzo, hasta el próximo 22 de marzo, de martes a sábado, entre las 10:00 y las 19:00, y los lunes y domingos de 10:00 a 15:00.

Made Gallardo, nacida en Barcelona y licenciada en la Facultad de Bellas Artes, se trasladó a Córdoba en 1996. Con una larga trayectoria en la enseñanza artística, dirige actualmente la escuela de arte Ánfora. Tras haber expuesto de forma individual y colectiva en diversos espacios, regresa ahora con esta serie monográfica inspirada en el agua y la piedra.

El pasado jueves 26 se inauguró con gran éxito de público la exposición Paisaje y memoria. Tres décadas de pintura. Es una amplia retrospectiva de la obra del artista Francisco Escalera (Córdoba, 1965), se exhiben en total 39 obras de este creador, procedentes de las diversas series pictóricas que ha realizado a lo largo de su trayectoria y que lo confirman como uno de los principales paisajistas españoles actuales y exponente de la pintura paisajística contemporánea en Andalucía. 

El acto fue presentado por Francisco Mantecón (Director del Museo), el delegado de Cultura, Patrimonio, Christopher Rivas y la delegada de Hacienda Ángeles Ballesteros. También asistió al acto la concejal del PP en Alcalá de Guadaíra, María José Carrascosa.

El río Guadalquivir, las grandes ciudades históricas italianas o una nueva serie sobre el río Guadaíra son los protagonistas de Paisaje y memoria, que permite observar la evolución de Escalera tanto en su técnica y su temática como en el cromatismo de su paleta. La muestra y el catálogo reflejan también el pensamiento que subyace en la obra del artista, que se aleja del realismo para crear atmósferas muy personales, de fuerte carga psicológica y en las que se reflexiona sobre la relación del hombre con su entorno o sobre la transformación que el ser humano produce en la naturaleza.  

El pintor Francisco Escalera explica lo importante que es para él poder reunir en una exposición obras de sus distintas etapas con el fin de que se pueda observar un recorrido amplio de su labor creadora. Allí reconoce por ejemplo que su pintura está influida por Edward Hopper, Giorgio de Chirico, la Escuela de Londres o la Escuela de Vallecas, así como por artistas abstractos como Piet Mondrian o Mark Rothko y por el cine negro o el neorrealismo italiano. Se incluyen sus diferentes ciclos pictóricos y series muy relevantes en su carrera como Paisajes de paso, Territorios de agua o Italia. Según explica Escalera, “intento despertar el interés del espectador sobre la necesidad de implicarse en la obra, de adentrarse en ella, prestando atención a las formas”. “Creo que existe una interrogación constante sobre cómo miramos, cómo percibimos y cómo ordenamos esta visión”, añade. 

La muestra Paisaje y memoria. Tres décadas de pintura podrá verse de forma gratuita desde el 26 de febrero hasta el 5 de abril. El horario es de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00. y el sábado y domingo de 12:00 a 14:00 y de 19:00 a 21:00.

Cambia el escenario, pero no la propuesta. Aunque el protagonista también es distinto. La Agrupación de Hermandades y Cofradías de Córdoba promueve la exposición ‘Imago Fidei: la pintura sacra de Jonathan Sánchez Aguilera’. Se trata de una muestra sobre la obra del cartelista de la Semana Santa de 2026, que a diferencia del pasado año acoge la Fundación Cajasol, la otra institución organizadora.

La sede de la segunda entidad, en Ronda de los Tejares, reúne desde este jueves parte significativa del trabajo del artista sevillano. Sánchez Aguilera, natural de Coria del Río, es uno de los autores hiperrealistas más destacados del panorama andaluz. Su firma la puso a no pocos carteles para corporaciones tanto de Gloria como de Penitencia, si bien su trabajo va más allá de ese ámbito.

El eje central de la muestra, que supone la continuación de una iniciativa anterior de la Agrupación, se sitúa en cinco bocetos. Son en concreto los originales del coriano en su proceso creativo para la realización del cartel de la Semana Santa de Córdoba de este año. Cabe recordar que esa obra muestra a Nuestro Padre Jesús Nazareno Rescatado sobre el casco histórico de la ciudad y con estampas añejas en su contorno.

Tras su inauguración en la tarde de este jueves, la muestra permanecerá abierta hasta el 19 de marzo. Forma parte, por cierto, del programa ‘Tramos de Cuaresma’ que lleva a cabo la Fundación Cajasol. Con acceso gratuito, quien desee conocer la imagen de la fe (imago fidei) a través del arte de Sánchez Aguilera podrá hacerlo de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00.

Nueve artistas cordobesas son las protagonistas de Andaluzas, una exposición que se inaugura este viernes y que explora, a través de diversas disciplinas, el concepto de identidad, el territorio y el legado cultural del sur.

Las creadoras que participan en esta muestra colectiva, concebida como “un diálogo entre la gastronomía y el arte en el corazón de Córdoba”, son Ángeles Invernón, Begoña Castillejo, Chio Guerra, Clara Gómez Campos, Elena V. Cordón, Eva Llamas, Gala Expósito, María Díaz y Violeta Cejas.

El evento tendrá lugar en Mestiça, un espacio ubicado en la calle Reyes Católicos, que fusiona la cocina de raíces con una estética vanguardista, y cuyos responsables quieren configurar como un punto de encuentro donde la tradición se mezcla con lo contemporáneo.

“Es una filosofía que encaja a la perfección con el espíritu de la muestra Andaluzas. La exposición busca habitar este entorno cotidiano para elevarlo, transformando el local en una galería viva donde el público puede conectar con la obra de manera orgánica”.

Según detallan, la exposición destaca por la diversidad de estilos y trayectorias de sus participantes. Además, el espacio se caracteriza por su apoyo activo a la comunidad artística local, utilizando sus paredes como lienzo para dar visibilidad al talento andaluz. 

La inauguración es este viernes a las 20:00, con entrada libre hasta completar aforo.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía y ubicado en Córdoba, inaugura este viernes, a las 19:00, la temporada expositiva 2026 con la apertura de las exposiciones 'Travesías de una lágrima', de Sofía Salazar Rosales, y 'Partir el corazón de la serpiente', de Joshua Serafin. Además, la obra 'Ximenawa' de Haegue Yang se incorpora al programa de instalaciones 'Plaza Pública'.

Tal y como ha indicado la Junta de Andalcuía en una nota, la inauguración contará, además, con la performance 'Relics: An Eye Once Blind', a cargo del artista Joshua Serafin que tendrá lugar en la Caja Negra a las 19,30 horas, con entrada libre hasta completar aforo.

La artista Sofía Salazar Rosales presenta en el Atrio 1 'Travesías de una lágrima', una muestra comisariada por Jimena Blázquez Abascal que reúne doce obras creadas mayoritariamente durante su residencia en Córdoba. El proyecto propone un itinerario espacial que aborda las relaciones entre cuerpo, estructuras y memoria, en las que el recorrido personal del visitante y la atención a los detalles son los elementos centrales de la experiencia expositiva. La exposición podrá visitarse hasta el 26 de abril de 2026.

En 'Travesías de una lágrima' el camino se inicia con un camino de rejas de cartón que marcan el primer desplazamiento. Estos elementos, que culturalmente estructuran el espacio y filtran la luz y las miradas, en la práctica de Salazar Rosales, funcionan como elementos que remiten a fronteras, movilidad y permeabilidad. La muestra genera un paisaje expositivo donde las obras van apareciendo ante el visitante como una estructura global que habita el espacio y lo activa.

La visita a la exposición es una experiencia de tránsito, donde la atención y el desplazamiento establecen una vivencia única para cada visitante.

En la Sala T4, el C3A presenta 'Partir el corazón de la serpiente', primera exposición individual institucional de Joshua Serafin, acompañada por los textos de Inti Guerrero. La muestra reúne videoinstalaciones y esculturas que parten de su obra performativa 'Void', presentada en la Bienal de Venecia 2025. A través de este proyecto, el artista explora la memoria del pueblo filipino, las cosmologías indígenas y las huellas del colonialismo en las identidades contemporáneas.

Coincidiendo con la inauguración, a las 19,30 horas, Serafin realizará la performance 'Relics: An Eye Once Blind' en la Caja Negra del C3A. La exposición podrá visitarse hasta el 30 de agosto de 2026.

La apertura de la temporada se completa con la incorporación de 'Ximenawa', de Haegue Yang, al programa 'Plaza Pública', línea dedicada a instalaciones que activan los espacios arquitectónicos del centro, que en este caso se ha realizado en colaboración con el Centro Cultural Coreano en España. La obra, ubicada en el atrio de entrada del C3A, toma como referencia el 'shimenawa', una cuerda ritual de la tradición shintoista para delimitar espacios sagrados y simbolizar la protección espiritual.

Yang reinterpreta este elemento dentro de su práctica escultórica contemporánea, creando un objeto que aparece como símbolo expandido y estableciendo un diálogo entre el rito, lo ancestral y la abstracción. La obra se incorpora al programa 'Plaza Pública' continuando con la línea de intervenciones en el espacio del museo que amplían la experiencia expositiva más allá de las salas.

Actualmente, el ciclo reúne, además, la obra 'Sin título (Intruso II)' de Christian Lagata producida en 2024 para la exposición 'Tablao. Escenario de formas en el arte contemporáneo andaluz' del CAAC que está depositada en la colección del museo, junto a las obras 'Transfigured Schönberg' (2009) de Dionisio González y 'Habitación vegetal III' (2000) de Cristina Iglesias.

Con esta triple inauguración, el C3A abre el calendario expositivo de 2026 reforzando su posicionamiento como espacio de referencia para la creación contemporánea en Córdoba, combinando producción específica para el centro, presencia internacional y activación de sus espacios arquitectónicos a través del programa 'Plaza pública'.

Sofía Salazar

Sofía Salazar (Quito, Ecuador, 1999) es una artista cuya práctica se sitúa en el cruce entre la escultura, la instalación y la arquitectura, con un interés específico por los procesos de tránsito, desplazamiento y construcción de memoria vinculados al espacio. Su trabajo se articula a partir de materiales asociados a la construcción y al entorno urbano, que emplea para generar estructuras que median la experiencia corporal del espectador y su relación con el espacio expositivo.

A través de sus proyectos, la artista investiga las nociones de paso, permanencia y transformación, así como la dimensión física y simbólica de los lugares que habitamos o atravesamos. Sus obras proponen recorridos espaciales en los que el cuerpo del visitante se convierte en un elemento activo, invitado a atravesar, rodear o habitar temporalmente las estructuras planteadas.

Joshua Serafin

Joshua Serafin (1995, Filipinas - Bélgica) es un artista multidisciplinar que combina la danza, la performance, las artes visuales y la coreografía. Nacido en Filipinas, actualmente reside en Bruselas. Es artista residente de VIERNULVIER para la temporada 2023-2027. Tras graduarse en la Philippine High School for the Arts, donde se especializó en Artes Teatrales, se trasladó para cursar la licenciatura en Danza Contemporánea en la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong.

Posteriormente, se graduó en P.A.R.T.S. en 2019 y obtuvo su Grado en Performance en KASK en 2021, donde también completó su Máster en Bellas Artes (Artes Visuales) en 2022 con gran distinción. Su trabajo de máster le valió, además, el premio Horliet-Dapsens 2022. Fue invitado a participar en la 60ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, comisariada por Adriano Pedrosa. Ha recibido múltiples nominaciones y premios, tales como: Anti Festival Live Arts Prize (2023) y la lista Forbes 30 under 30 Asia (2024). Fue nominado al Circa Art Prize (2024), recibió el 13th Artist Award del Centro Cultural de Filipinas (2024) y su obra fue seleccionada por ArtNews como una de las 12 piezas de arte que definieron el año 2024.

Haegue Yang

En su trabajo, Haegue Yang (Seúl, 1971) busca entablar una comunicación sin lenguaje en una forma primordial y visual. Este vocabulario se complementa con abstracciones visuales y experiencias sensoriales que incluyen olor, sonido, luz y textura. Al combinar la fabricación industrial con la confección tradicional, Yang explora el poder afectivo de los materiales, desestabilizando la distinción entre lo moderno y lo pre-moderno.

Su singular lenguaje visual se expande a través de varios medios (de collage en papel a obras de teatro y esculturas performáticas) y materiales (persianas venecianas, percheros, paja sintética, campanas y papel milimetrado) que Yang rompe, esmalta, teje, ilumina y cuelga. Su curiosidad por explorar diferentes materiales se acompaña de una lectura filosófica, política y emocional de eventos y figuras históricas. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en centros y museos de relevancia internacional.

Además, su trabajo ha sido incluido en bienales de arte como Performa Biennale 2023, Solomon R. Guggenheim Museum/Peter B. Lewis Theater, Nueva York (2023), dOCUMENTA (13) en Kassel (2012), la 54ª Bienal de Venecia (2009), la 21ª edición de la Bienal de Sydney, Australia (2018); la Bienal de Liverpool 2017, entre muchas otras.

El Teatro Cómico Principal de Córdoba acoge desde hoy Forma y fondo. 40 años de escultura, la exposición retrospectiva de José Manuel Belmonte, que se inauguró el pasado año en el Centro Cultural Casa de Vacas de Madrid. La muestra, organizada por la Junta de Andalucía en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba y diversas entidades culturales, se enmarca además en la programación del Día de Andalucía y coincide con el quinto aniversario de la reapertura de este espacio cultural de titularidad autonómica.

El acto de inauguración ha contado con la presencia del delegado del Gobierno de la Junta en Córdoba, Adolfo Molina; el alcalde de la ciudad, José María Bellido; el delegado territorial de Cultura, Eduardo Lucena; el comisario de la exposición, Félix Ruiz Calador; y el propio artista.

Visiblemente emocionado, José Manuel Belmonte ha reconocido que traer la exposición a Córdoba supone “una obligación moral” y un motivo de especial ilusión. “Es la ciudad donde me he criado, donde me he formado y donde me siento tan querido”, afirmó. El escultor recordó que la muestra en Madrid, para cuya organización ya recibió apoyo económico del Ayuntamiento, “superó las 60.000 visitas” en apenas 26 días.

Forma y fondo reúne alrededor de 60 obras, entre bajorrelieves y esculturas de bulto redondo, que recorren cuatro décadas de trayectoria. En la planta superior se presentan series como El cuerpo del pecado y Bestiario, mientras que en la planta baja se exhiben piezas emblemáticas como los Hombres pájaro, una de ellas galardonada con el premio de la Fundación de Arte y los Artistas, considerado uno de los más prestigiosos de Europa.

El título de la exposición alude, según explicó el artista, a la doble dimensión de su trabajo: la forma, entendida como volumen, equilibrio y juego de luces y sombras; y el fondo, como contenido emocional y mensaje. “Intento que cada escultura provoque algún tipo de sentimiento en el espectador”, señaló.

Durante su intervención, el delegado del Gobierno ha subrayado la importancia de que la exposición llegue a la ciudad natal del escultor tras su paso por Madrid, donde obtuvo un notable éxito de público. “Esta propuesta supone cerrar un círculo y devolver a casa una obra que ha dialogado con públicos muy diversos y exigentes”, señaló, destacando también el ejemplo de colaboración institucional que ha hecho posible la muestra. En este sentido, insistió en que “cuando las administraciones y el tejido cultural trabajan de la mano, los proyectos culturales ganan en alcance y calidad”.

Por su parte, el alcalde calificó la exposición como “uno de los grandes eventos culturales de Córdoba en 2026” y aseguró que no se trata de “una muestra más, ni de un escultor más”, sino de uno de los artistas más relevantes de las últimas cuatro décadas en España. Bellido recordó el éxito de la exposición en la Casa de Vacas del Retiro madrileño, donde se convirtió en uno de los acontecimientos culturales del otoño, y defendió que Córdoba debe seguir siendo “una ciudad de creadores” capaz de mantener vivo su legado artístico.

El regidor destacó además la dimensión social de parte de la obra expuesta, especialmente la serie dedicada al alzhéimer, en la que Belmonte aborda la decrepitud, la demencia y la fragilidad humana. “Hay una verdad y una belleza artística, pero también un mensaje social y un compromiso con una realidad que muchas familias viven de cerca”, afirmó.

El Archivo Histórico Provincial de Córdoba, institución dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, acoge la exposición Fangtasmagoría, una propuesta que fusiona creación contemporánea, memoria cinematográfica y divulgación histórica. La muestra podrá visitarse hasta el 28 de febrero en las instalaciones del Archivo, según ha informado el delegado territorial, Eduardo Lucena.

La exposición se completa con dos conferencias de Carmen González Palacios el viernes 13, ‘Raíces funerarias del mito del vampiro y su reelaboración cinematográfica’, y el domingo 22, ‘Desenterrando al Drácula cordobés’, ambas a las 18:00 horas.

La exposición, que puede visitarse de lunes a sábado de 10 a 14 horas, presenta una serie fotográfica de la artista Carmen González Palacios, inspirada en Nosferatu (1922), la icónica película de F. W. Murnau considerada una obra fundamental del expresionismo alemán y un referente insoslayable del cine gótico de terror. Las imágenes recrean la atmósfera estética y emocional del filme, cuya influencia transformó la narrativa visual del cine y consolidó la representación moderna del vampiro.

La directora del Archivo Histórico Provincial, Alicia Córdoba, ha destacado que Fangtasmagoría es mucho más que una exposición fotográfica ya que es una propuesta con capas, que une creación contemporánea, cine y patrimonio. Asimismo, ha añadido que la muestra “refleja la mirada compleja y multidisciplinar de su autora, Carmen González Palacios, artista y especialista en cinematografía.”

“Partimos de un homenaje visual a Nosferatu y al cine expresionista: fotografías que recrean su atmósfera estética y emocional. Esta exposición también recupera la figura de Carlos Villarías, un actor cordobés que fue el primer Drácula hispanohablante en el cine sonoro, casi a la par que Bela Lugosi”, ha destacado.

Alicia Córdoba ha manifestado que “desde el Archivo Histórico aportamos una tercera capa, documentos que conectan el mito del vampiro con sus raíces culturales y con prácticas funerarias registradas en la realidad”. La directora ha invitado a la ciudadanía a visitar Fangtasmagoría y a “disfrutarla con calma ya que cada sala propone un recorrido que mezcla memoria, divulgación e imaginación”. “Aunque podría parecer una propuesta para Halloween, febrero también invita a mirar lo siniestro desde la cultura y el conocimiento y además con sello andaluz”, ha concluido.

Por su parte, la autora Carmen González ha señalado que esta exposición “la llevo conmigo desde hace un año, cuando vi este espacio y decidí contactar con el Archivo para traerla hasta aquí también con el objetivo de sacar a la luz la figura de Carlos Villarías, el primer actor de habla no inglesa que interpretó a Drácula”.

La exposición está inspirada en la Nosferatu de Murnau y nace con motivo del remake de 2024 de Robert Eggers. La autora ha destacado que ha trabajado especialmente “los temas clave del film y el legado del expresionismo con el que Murnau renovó el lenguaje cinematográfico y la figura del vampiro”.

González ha añadido que “para transmitir esa aura expresionista, algunas imágenes están construidas con fotomontaje y dobles exposiciones, como guiño a los efectos especiales del cine primigenio, jugando con encuadres como el contrapicado para alargar la figura de Orlok y darle una tridimensionalidad que lo proyecta fuera de la pantalla, como una amenaza”.

La autora ha explicado que el contraluz, “tan propio del expresionismo”, le ha servido para “recrear escenas emblemáticas y modelar elementos a través de la iluminación”, a lo que añade que “la sombra es la gran protagonista de la exposición, el distintivo que marcó una nueva etapa del vampirismo en el cine, y aparece de forma repetitiva y creativa en varias piezas”.

El Drácula cordobés: un capítulo recuperado de la historia del cine

En 1931, en los albores del cine sonoro, Villarías protagonizó la versión en español de Drácula producida por Universal, rodada simultáneamente al filme anglosajón. Su interpretación marcó un hito para el público hispano y constituye un episodio notable del patrimonio cinematográfico andaluz.

La muestra se completa con una selección de documentos conservados en el Archivo Histórico Provincial, que permiten profundizar en las raíces culturales del mito del vampiro. Entre ellos destacan los expedientes sobre la necrópolis hallada en 1933 junto a la Puerta de Sevilla, donde aparecieron esqueletos atravesados con clavos, un ritual funerario también documentado en yacimientos de Grecia o la República Checa.

Estos vestigios ponen de manifiesto la persistencia de creencias asociadas a prácticas apotropaicas vinculadas al vampirismo.

La consejera de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, Patricia del Pozo, ha presentado este lunes la programación 2026 del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) de Córdoba, un año especialmente significativo en el que el centro celebra su décimo aniversario como referente de las prácticas artísticas contemporáneas más experimentales, con especial atención a las instalaciones, las artes vivas y los procesos de creación.

Del Pozo ha señalado que la programación del C3A forma parte de un conjunto de 12 grandes exposiciones en los centros andaluces de arte contemporáneo, subrayando que “el C3A consolida su identidad como un espacio de propuestas innovadoras, producción artística y diálogo con el contexto social y urbano”.

En 2025, el CAAC y el C3A superaron conjuntamente las 251.000 visitas, una cifra que refuerza la apuesta de la Junta de Andalucía por el acompañamiento a las trayectorias artísticas, el apoyo al arte andaluz y la proyección nacional e internacional de sus creadores.

Programación expositiva del C3A en 2026

La programación se inicia el 20 de febrero con la exposición del artista multidisciplinar Joshua Serafin, comisariada por Inti Guerrero, un proyecto que explora la identidad filipina en relación con las ideologías globales y los fenómenos culturales contemporáneos.

Ese mismo día se inaugura la primera exposición individual en una institución pública de Sofía Salazar Rosales, comisariada por el equipo del C3A. El proyecto reúne obras producidas específicamente para el centro, en colaboración con la Escuela de Arte y Superior de Diseño Mateo Inurria, y aborda la memoria migrante y las huellas coloniales.

Con motivo del décimo aniversario del C3A, el 12 de junio se presenta una gran exposición colectiva que reflexiona sobre lo urbano como un conjunto de capas superpuestas que configuran la experiencia de habitar la ciudad. La muestra reúne una amplia selección de obras procedentes de la colección CAAC/C3A. Ese mismo día se inaugurará también la exposición de Carla Martín, dentro del programa Iniciarte, dedicado a apoyar a artistas andaluces menores de 35 años.

Por su parte, el 18 de septiembre, se inaugurará la muestra ‘La picadura de la tarántula: sur y folklore progresivo’, comisariada por Lluís Alexandre Casanovas-Blanco. La exposición abordará los rituales populares del sur desde una perspectiva histórica, antropológica y contemporánea.  

También continuará el programa ‘Plaza pública’, primer programa estable y continuado dedicado a instalaciones de un centro de arte contemporáneo nacional, que propone repensar la relación entre arte, arquitectura y la experiencia del visitante. Se incorporarán nuevas obras a este programa, como ‘Sin título (Intruso II)’, de Christian Lagata, y ‘Ximenawa’, de Haegue Yang, esta última en colaboración con el Centro Cultural Coreano en España.  

Asimismo, el C3A llevará a cabo una nueva edición de residencias artísticas, en las que participarán los artistas seleccionados: Ana Belén Amado, María Elena Bajo, Judith Bou, Inés Cámara, Guillermo Cárdenas, Juan del Junco, Natalia Domínguez, Laura González, Abel Jaramillo, Carlos Martínez, Raúl Hilario Montes y Guillermo Rodríguez. Seleccionados por una comisión compuesta por Luisa Espino, Néstor Delgado y Jesús Alcaide, durante su estancia en el centro los residentes contarán con el acompañamiento curatorial de Alcaide. El programa culminará con una muestra de los proyectos en una sesión de ‘Estudios abiertos’, que permitirá compartir los procesos y resultados con la comunidad artística y el público general.  

Artes vivas, música y programas públicos

Por su parte, la Caja Negra acogerá una nueva edición de ‘Exploratorio’. Bajo el nombre ‘Existe un río’ y comisariado por Marisa Lull, propone un ciclo de artes vivas centrado en la performance, la danza, la música experimental y la creación sonora contemporánea. Entre los participantes figuran creadores nacionales e internacionales, con una especial atención al tejido andaluz, como nora chipaumire, Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca, DUET, Nazario Díaz, Inés Sybille Voodunes, Mónica Valenciano, Macarena Bielsky y Manuel Pita-Romero, Alejandro Simón Partal y Maider López. 

El C3A continuará además con actividades como Electrolunch, o las colaboraciones con La Normal, centro dirigido por el coreógrafo Antonio Ruz, orientadas a la investigación, creación y difusión del arte del movimiento. ‘Campo de la verdad. El sur desde el sur’, es otra de las iniciativas realizadas por el centro orientada a reforzar los vínculos entre este y su entorno más próximo, el distrito Sur de Córdoba.  

Además, el C3A mantendrá el cine de verano, con una programación diseñada por el Festival de Cine Europeo de Sevilla, que se desarrollará de junio a septiembre, primero en Córdoba y posteriormente en Sevilla. Asimismo, continuará el pódcast ‘Perder el norte’, conducido por Patricia Bueno, y la publicación de catálogos vinculados a exposiciones y proyectos desarrollados en el centro.

Todo ello, mientras la Consejería de Cultura mantiene abierta la convocatoria pública para la selección de la nueva dirección del CAAC y el C3A. ¡Los aspirantes podrán presentar el currículo y el proyecto artístico para el CAAC y el C3A desde el 30 de enero al 12 de febrero

El comité evaluador está presidido por el secretario general de Innovación Cultural y Museos y cuenta en sus vocalías con Miguel Zugaza, Beatriz Espejo y José Ignacio Roca, miembro del Comisión Técnica del CAAC.

La librería La Inaudita, un espacio cooperativo que impulsa el pensamiento libre, el arte emergente y la vida cultural junto a la emblemática Plaza de la Corredera, acoge hasta el próximo día 3 de marzo la exposición 'Tiempos de Secado', la primera exposición individual dedicada exclusivamente a la Encuadernación de Arte Contemporáneo en la historia reciente de Córdoba, de la mano del artista y profesor de la Escuela de Arte Dionisio Ortiz, José Cabello.

Según informa La Inaudita en su web, consultada por Europa Press, este espacio nació como “una librería de segunda mano” donde los libros “encontraban nuevas manos y personas, nuevas conversaciones” y “de esos encuentros nació una comunidad”, un “punto de encuentro” para artistas y “gente que lee y ama la cultura”. Ahora alberga 'Tiempos de Secado', una retrospectiva donde 16 premios Cervantes de literatura cuentan “con encuadernación artística que hace de cada libro un ejemplar único, una obra de arte”.

En una ciudad donde la piel --el cordobán, el guadamacil-- fue moneda de cambio y seña de identidad ante el mundo, la encuadernación artística había quedado paradójicamente replegada en la intimidad de los talleres o bajo la custodia de colecciones privadas. Sin embargo, ahora José Cabello presenta un recorrido que trasciende la artesanía para adentrarse en el terreno de las artes plásticas.

La muestra “no es una colección aleatoria”, sino “una crónica visual y matérica de los Premios Cervantes”. Desde 1993 hasta 2025, Cabello ha tomado volúmenes de Camilo José Cela, Dulce María Loynaz, Guillermo Cabrera Infante o Eduardo Mendoza, “despojándolos de su industrialización para otorgarles una nueva 'piel' que interpreta el contenido literario a través de mosaicos, transferencias y dorados”.

Lo que define esta propuesta y la alinea con la misión de La Inaudita es una decisión museográfica radical: la ausencia de vitrinas. En un ámbito, el de la alta bibliofilia, donde el objeto suele ser intocable y distante, esta exposición elimina la barrera del cristal. Así, las obras se ofrecen a la mirada directa, permitiendo apreciar las texturas de la piel de cabra, los relieves tintados y la arquitectura de las cajas de conservación que acompañan a cada volumen.

Se trata de una apuesta por “desacralizar la cultura para hacerla vivible, invitando al espectador a entender que el libro no es solo un soporte de lectura, sino un objeto artístico autónomo capaz de generar”, en palabras del propio autor, “una experiencia inolvidable”.

Esta la muestra tiene una lectura de restitución histórica. Para encontrar un precedente donde Córdoba pusiera el foco público de esta manera sobre las artes de la piel y el libro, hay que remontarse a la Exposición de Guadamaciles de 1924 organizada por Enrique Romero de Torres. Un siglo después, 'Tiempos de Secado' recoge ese testigo, pero “huyendo de la nostalgia historicista”.

La evolución estética es palpable en la sala: desde el clasicismo técnico de 'Un verano en Tenerife' (1993) hasta la abstracción geométrica y rotunda de la pieza más reciente, finalizada este mismo 2025: la encuadernación de 'Donde las mujeres', del Premio Cervantes 2024 Álvaro Pombo, donde el artista despliega un dominio técnico absoluto del mosaico borde a borde y el rotulado en oro.

El Museo Arqueológico de Córdoba, dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, acogerá el próximo miércoles, 4 de febrero, a las 19,00 horas, la presentación del catálogo oficial de la exposición '8 mosaicos, 8 historias', a cargo de sus comisarios, Ángel Ventura Villanueva y Sebastián Vargas Vázquez.

Según ha indicado la Junta en una nota, el delegado territorial de Cultura y Deporte, Eduardo Lucena, ha explicado que “este acto permitirá profundizar en el proyecto de investigación que da origen a la exposición, que puede visitarse en el museo hasta el próximo 1 de marzo, y que constituye la base fundamental para la interpretación histórica, artística y cultural de los mosaicos expuestos”.

Durante la presentación, los comisarios abordarán las claves metodológicas y científicas del trabajo desarrollado, poniendo de relieve el valor del catálogo como una herramienta esencial para la difusión del conocimiento, así como para la comprensión global y rigurosa del proyecto expositivo.

Como ejemplo de la labor realizada en el marco de esta investigación, se analizará uno de los conjuntos más representativos de la muestra, el denominado Mosaico de los poetas, destacando tanto su valor artístico como su significado simbólico, e integrándolo en su correspondiente contexto histórico y cultural.

Asimismo, se expondrá la idea central que articula la exposición, que concibe cada mosaico como una historia propia y como un testimonio directo del pasado, capaz de aportar información relevante sobre la sociedad, las creencias y las expresiones artísticas de su tiempo. En este sentido, el catálogo se presenta como una pieza clave para reforzar el discurso expositivo y facilitar al público una lectura más profunda y completa de las obras.

Con esta actividad, el programa cultural asociado a la exposición '8 mosaicos, 8 historias' consolida su apuesta por la investigación, la divulgación y la puesta en valor del patrimonio histórico, mediante un enfoque narrativo, accesible y riguroso, en línea con los objetivos del Museo Arqueológico de Córdoba y de la Consejería de Cultura y Deporte.