Dice Blanca del Rey, nacida Blanca Ávila Molina en la Córdoba de 1946, que es un “geranio trasplantao”. Aceptando la metáfora, uno casi diría que es un olivo en un alcorque de Madrid. Porque, a sus 80 años, aún se le ve recia, sobria y tremendamente erguida. Imbatible ante el paso del tiempo, abonada a una elegancia de estrella de cine de los años 40 que le lleva acompañando décadas como la dama y reina del tablao más famoso del mundo: el Corral de la Morería.

Un tablao que echó a andar en 1956. Para entonces, Blanca tenía diez años, pero ya había debutado en el Gran Teatro de Córdoba (lo hizo con seis años), el mismo escenario en el que, este sábado y en el marco del 45 Festival de la Guitarra, se estrenará mundialmente La Reina Blanca, un espectáculo de Francisco López que reúne a -atentos- David Coria, Eduardo Guerrero, Manuel Liñán, Marco Flores, Olga Pericet, Úrsula López, Florencia Oz y Marta Gálvez, en torno a la figura de la bailaora y coreógrafa que ideó la soleá del mantón.

Tres días antes del estreno, Blanca del Rey aparece puntual por el Gran Teatro acompañada de la pintora María José Ruiz. Se presta a todo lo que le piden los periodistas, obligados a charlar en el hall del teatro por la coincidencia con los sonoros ensayos de la Orquesta de Córdoba. Un buen rato después, ya en silencio, Blanca del Rey posará en el centro de un espacio en el que debutó por primera vez en el año 1952, y en el que es posible que este sábado de una de sus (pen)últimas pataitas.

PREGUNTA (P.). Me gustaría que me contaras cómo estás viviendo este homenaje qué te rinde al Festival de la Guitarra. Este La Reina Blanca, que además, te pone a ti en el centro.

RESPUESTA (R.). Yo es que quisiera... (se frena) Quisiera encontrar las palabras. Me faltan, cuando me emociono mucho, tengo un problema porque no me salen las palabras. Es tanta la emoción que siento, que se me va todo, ¿no? Y una de las cosas que siento es una ternura y un amor increíble hacia este teatro en el que yo bailé con seis años. Y además, quiero mandar un abrazo maravilloso a todos los artistas que van a participar, que no tengo palabras para dar gracias. Y a Paco López, decirle que es como si fuera un hijo del alma mío.

Solo me sale dar las gracias, porque hay otros artistas que también se merecen esto, ¿no? Y me han elegido a mí. Yo le doy mil gracias a Paco López porque ha sido él. Él ha sido el que ha movido todo, el que se ha molestado… Y también a la directora de este teatro, a la que conozco desde hace muchísimos años, a Ana Linares, que es una señora maravillosa y lleva el teatro de maravilla. Es decir, quiero darle las gracias a Córdoba, darle las gracias a todos, es que no tengo suficientes palabras... No me salen.

La imaginación, cuando se pone en marcha, es lo que te hace ser diferente

P. ¿Cómo te enteraste de que querían hacer un espectáculo en tu honor?

R. Fue un día Paco López a cenar con nosotros al Corral de la Morería. Mis hijos ya lo sabían. Porque querían que yo les diera el sí o el no. Y estuvimos charlando y, de buenas a primeras, me dice: “Bueno, he venido a cenar, pero también a proponerte esto, ¿tú qué piensas?”. Me dejó sin palabras. Pero porque yo ya estoy fuera de todos los territorios.

P. Que no han sido pocos los que has pisado.

R. Muchos territorios he pisado, sí.

P. Vamos a hablar de esa niña que tenía seis años cuando se subió al Gran Teatro. Háblame un poco de aquella Córdoba y de esa “Blanquita”, como te hacías llamar.

R. Pues era entrañable. Era entrañable, había mucha inocencia. Había mucha ilusión desde pequeña. Yo, como nunca tuve presión porque nadie me enseñó, pues fui inmensamente feliz. A mí me enseñó la vida, me enseñó el saber ver. Me enseñó el agarrarme a cualquier cosa para llevármelo a mi terreno. Y tuve la suerte de bailar en el Zoco de Córdoba donde iban todas las bailaoras de Andalucía. Eso fue para mí la búsqueda de referentes. Y no hablo de copiar, porque no te da ni tiempo a copiar, pero sí lo respiras. Ese es el mejor aprendizaje. Junto con tus ganas y tu imaginación. La imaginación, cuando se pone en marcha, es lo que te hace ser diferente. Y en esa época todos éramos diferentes porque había muy poca gente que se pudiera pagar una academia, estábamos en posguerra. Y te tenías que buscar las habichuelas.

P. ¿Cómo era aquella Córdoba? ¿Cómo la recuerdas?

R. No sé, la gente era... Se respiraba muy bien, había tranquilidad, las casas estaban abiertas, en mi casa no había llaves. Eso te daba seguridad, no nos damos cuenta, pero el miedo destruye mucho a una persona. Y tenías seguridad, la seguridad de que nadie te iba a robar. Yo te hablo como una persona de la calle. Yo no era intelectual para valorar qué era mejor, si estar encerrado en una dictadura o tener las puertas abiertas de tu casa. Es la paradoja que tiene toda situación. Y la paradoja de aquella dictadura era que tú, que eras nada, pues vivías sin problemas de seguridad. ¿Sabes? Y todo era una ilusión, y todo era imaginación, porque una caja de zapatos podía ser el coche donde ponías tus muñequitas... Como no te daban nada hecho, pues tu imaginación crecía. Hoy, no sé hasta qué punto nos están destruyendo la mente.

P. Esto desde luego destruye muchísimo, los móviles.

R. Los móviles, las pantallas, las televisiones… Que todo eso está bien, pero no sabemos dosificarlo. Que una serie está bien, pero no sabemos dosificarla. Que el internet es fantástico, sí, pero hay que saberlo utilizar. Claro. Entonces si tú no sabes utilizar todas esas herramientas que te pueden ayudar para crecer, pues el ser humano se va a la parte del mínimo esfuerzo. Y su mente se duerme. Sí. Y si su mente se duerme, está bien para los que necesitan que las mentes se duerman, pero muy mal para ti.

P. ¿Tu mente está siempre trabajando?

R. Yo creo que me moriré así. Mi mente trabajando siempre. Porque como soy jurásica, no me he enganchado a las nuevas tecnologías. Como mucho tengo el teléfono, y como mucho me pongo a mirar alguna entrevista en YouTube que me interesa de salud, pero no estoy todo el día enganchada. Bueno, mis amigas que están conmigo me ven: “Que te llaman al teléfono”, me dicen. Es que yo ni no lo cojo, ¿sabes?

P. ¿Y el flamenco qué papel jugaba en aquella Córdoba de la posguerra?

R. Yo es que era pequeña. Yo bailaba en el Zoco hasta las 12 de la noche, porque no me dejaban hasta otro horario, pero no iba a fiestas ni nada.

Hay quien todavía quiere que el flamenco sea un arte involutivo

P. Claro, eras una niña. Te fuiste de aquí con 14. Eso lo descubriste después en Madrid, ¿no? ¿Cómo fue aquel salto?

R. El salto fue duro. Yo soy un geranio trasplantado. Yo tenía aquí a mis amigas, tenía mi ambiente, mi familia… Y, de buenas a primeras, mi madre dice: “Nos vamos a dar un paseo a Madrid”. Para nosotros era cruzar el océano Pacífico en aquella época. Con los trenes de madera, no se me olvidan. Muy limpios, pero de madera. Y llegué a Madrid y nos daba miedo salir a la calle. Claro. Nos daba miedo todo, porque además, antes de salir le decían a mi madre que Madrid es mucho Madrid. Así que, cuando llegamos a Madrid de una ciudad tan moralista como ésta, estábamos muy asustadas. Hasta a los tres o cuatro meses no fuimos a ver la Gran Vía, que es que se dice muy pronto.

Recuerdo el miedo. Mucho miedo, mucho miedo. Luego nos dimos cuenta de que Madrid era una ciudad muy segura, que todo estaba muy bien y que, sobre todo, había muchas oportunidades. Porque yo, por ejemplo, hoy no estaría haciendo esta entrevista si hubiera aceptado irme a Estados Unidos. Con las propuestas que teníamos de cine, que le ponían a mi madre un contrato que decía que estaría hasta que ellos creyeran conveniente estudiando arte dramático, danza, declamación… Bueno, me iban a moldear para hacer cine, para hacer danza... Pues como todas estas que han triunfado.

P. Pero también hubo muchas que se quedaron por el camino también.

R. Claro, eso es lo que le decían Berlanga y Tito Fernández a mi madre, dos grandes directores. E inclusive Sáenz de Heredia, porque en el Corral se juntaba una intelectualidad impresionante. Eso era increíble, era el ágora. Aquello, en la parte de abajo que tenía mi marido hecho como un museo con cuadros, pues ahí iban Antonio Gala, Umbral... Bueno, toda la intelectualidad de Madrid. Y entonces, a mi madre le decían los directores de cine, y Emilio Piedra también: “Mire usted, primero, su hija no sabe el idioma. Segundo, aquello es un sitio donde meten a la niña y a usted como en una cárcel, aunque esté todo abierto. Porque la niña se va a tener que levantar a las 6 de la mañana, y se va a acostar a la 1 o a las 2 de la mañana estudiando. Primero estudiando. Le van a meter una paliza, porque no está acostumbrada a aprender rápidamente y no tiene el idioma. Y porque necesitan tener resultados. Porque aquello es una industria”. Y mi madre decía: “¡¿Cómo que es una industria?! Eso es un centro de arte”. “No, señora. Eso es una industria. ¿Sabe usted? Es como un lugar donde se hacen chorizos. Ahí se mete carne y se vende en el mercado”. Mi madre ponía una cara... La asustaron mucho. Pero, al final, ves hoy en día biografías de aquellas grandísimas actrices y madre mía de lo que me libré. Y eso que aquellas triunfaron.

P. Triunfaron, pero desde luego pagaron un precio por ello.

R. Eso es. Si no triunfa el ser humano, el artista tampoco ha triunfado. Eso es una paradoja también.

P. ¿Tú te acuerdas de la primera vez que entraste en el Corral de la Morería?

R. ¿Cuándo debuté?

P. Sí, tu primer recuerdo.

R. Bueno, la noche que debuté estaba Rock Hudson en la barra así (imita a un señor apoyado en la barra de un bar). Ese fue un día glorioso. Ese fue un día que debía de tener un paletismo encima tremendo. Yo iba a bailar temblando ya, porque iba a bailar por primera vez y me encuentro a esa personalidad tan arrolladora, tan guapísimo, tan simpático, tan humilde, tan cercano... Yo es que me quedé con una cara de tonta, que no sé ni cómo iría porque él se acercaba a mí sonriendo... Yo llevaba una flor aquí (se toca el pelo) para hacer el efecto flor bailando. Y me quitó la flor como la llevaba y la puso encima de la barra del corral. No puedo seguir contando lo que pasó, salvo que debí de bailar fatal. Yo sé que bajé al camerino llorando, diciéndole a mi madre: “He bailado muy mal mamá”. “Bueno, pues ya mañana bailarás mejor, yo qué sé”. Y le dije: “Es que estaba ahí ese señor tan guapo del cine”. “¿Pero quién es?”. “No sé, un señor muy guapo del cine” (Se ríe)

P. ¿Qué tenías, 14 años?

R. 14 años de los de entonces. Que yo iba al corral con calcetines altos y con mis trenzas aquí...

P. Luego cuentas que tuviste que parar 10 años, ¿no?

R. Sí, porque me casé… Es que yo me casé con mi marido (Manuel del Rey, dueño del Corral de la Morería) con la condición de no volver a bailar. Porque la mentalidad del hombre de antes no tiene nada que ver con la mentalidad del hombre de hoy. Y mi marido venía de una generación que... Yo, sin embargo, fíjate, en la familia de mi madre había gente valiosísima, con unas voces increíbles. Vamos, uno de mis familiares es director de un ballet lírico en Estados Unidos. Se marchó allí porque en Madrid cerraron el ballet lírico español. Pero bueno, lo que te quiero decir es que la naturaleza al final es la que la es. Nosotros tenemos una voz interior que a veces no escuchamos. Esa voz interior te está diciendo tienes que bailar.

P. ¿Y cuándo la escuchaste tú? ¿Cómo viviste aquella década?

R. La empecé a oír porque me sentía mal. La mente es lista y es torpe. Porque la mente te dice: “No puedes bailar, así es que no bailes”. Pero luego tu naturaleza, que forma también parte de la mente, te dice: “Pero por qué no vas a bailar, si tú naciste bailando”. Te falta algo; tú no puedes estar aquí así de cualquier forma. Entonces te empiezas a sentir cansada. Te empiezas a sentir triste. Y tú dices: “Bueno, ¿yo por qué estoy triste, si yo soy feliz y tengo mis hijos y tal?”. Y me puse a estudiar Historia del Arte. Me puse porque yo, ves, soy muy vital. Pero no me llenaba lo suficiente. Así es que, bueno, pues al final, pues convencí a mi marido.

No hay una voz tan increíble como la de Morente: viene de debajo de todas las tierras de la humanidad

P. ¿Te costó?

R. Sí, me costó un par de años.

P. Es curioso que en el flamenco de aquellos años hay muchas mujeres con personalidades fuertes, pero hay muchísimas más que se han quedado a medio hacer por esto de lo que hablamos.

R. A lo mejor no han tenido una madre tan fuerte y tan guerrillera y que creyera tanto en su hija o en su hijo. Yo soy lo que soy por mi madre. Yo siempre lo digo: Es por mi madre que yo no he tenido esa personalidad de no aceptar lo que no quiero. Y también es por ella que yo siempre he sido y sigo siendo muy de querer entender al otro para yo no equivocarme. Mi madre me ayudó en todo. Todo. Soy lo que soy por ella.

P. Y también fue ella la que te metió el gusanillo del flamenco.

R. No, en mi familia ellos son líricos. Pero mis tías, una de ellas era muy flamenca cantando. Tenía una voz increíble. Rafaela, mi tía Rafaela, tenía una voz (levanta las manos). Bueno en Semana Santa, que era cuando el marido la dejaba que cantara una saeta, pues se te ponían los pelos de punta...

P. Bueno, de algún modo estabas encaminada hacia el mundo del arte, ya sea por un lado o por otro.

R. El arte es arte, sabes, y engloba todas las capacidades del ser humano. Cuando metemos el arte en departamentos estancos, nos estamos perdiendo todo el universo de entender bien qué hay ahí de verdad. Nos limitamos. El arte es soñar, si no sueñas, ni siquiera estás vivo. Es decir, lo ideal es no estar demasiado con los pies en la tierra, ni vivir con la cabeza en las nubes, sino tener un equilibrio. Pues, igual pasa cuando ves una obra de arte: tienes que tener un equilibrio. Tu mente no puede estar configurada a las nuevas formas del arte, porque necesitas también cultivarte con los clásicos para entender quién pinta bien y quién no pinta, ¡caramba!, quién es marketing. Porque hay pintores que tienen un buen marketing y otros pintores que están, pues en sus casas haciendo obras de arte, y no los conoce todo el mundo que debería conocerlos.

Bueno, hablando de quien pinta, tenéis aquí una pintora que es algo increíble. Pero increíble, María José (Ruiz). Y no lo digo porque ella esté aquí, porque es que yo lo digo en todos sitios. Es que María José es una cosa impresionante. No es la perfección formal, eh, es otro mundo el de ella.

P. Hemos hablado de poesía, hemos hablado de arte, de pintura, hemos hablado de música, hemos hablado de danza, lo que tengo bastante claro es que usted no puede vivir sin el arte.

R. Sí, no puedo vivir sin arte. Porque necesito respirar. Yo creo que todo el mundo necesita respirar, pero no se lo han enseñado. ¿Sabes? Es decir, la gente va a los museos porque va a un sitio. Si viene a Madrid hay que ir al Prado, ¿no?. Aquí hay un museo maravilloso que además es una pintura que no se parece a ninguna otra, que es la de Julio Romero de Torres. Esa es la Andalucía verdadera, la profunda, la seguiriya, la soleá. Esa es, el tercio doliente, el tercio de las entrañas. Entonces, la gente no entiende el flamenco si no ve una pintura y es capaz de entenderla de verdad. Julio Romero de Torres, Lorca, como Falla, fueron flamencos. Y son los tres que uno en la música, otro en la poesía y otro en la pintura, retratan perfectamente la Andalucía verdadera. La Andalucía profunda.

P. ¿Usted dónde se sitúa en el debate este sobre el origen del flamenco? ¿Es usted de las que lo vincula con lo andalusí y con lo árabe?

R. Lo primero es que la riqueza del flamenco, la base que tiene, es el folclore de todas las regiones de España. Por eso es un milagro. Porque una farruca es una muñeira, ¡caramba! Es que unas alegrías es una jota aragonesa en su base. Y claro que tenemos también de árabe, y también tenemos de hindúes. Viene una línea clara, perfectamente trazada. Yo hice ese estudio con Yehudi Menuhin y Ravi Shankar, que son dos personalidades universales de la historia. Es que nuestra música es un agujero negro del espacio, que rompe todo y no se sabe dónde estalla.

P. El que sea una música sin origen claro a mí me parece una de las cosas más bonitas que tiene el flamenco.

R. Es que hay que pensar muy bien lo que es el flamenco. Es una música que no está escrita, que no está precreada y que, de buenas a primeras, por ejemplo un guitarrista, en su memoria más íntima, más creada en soledad, con más dificultades, sin una partitura, coge y es capaz de crear algo. Es decir, yo no conozco ninguna música en todas partes del mundo que he estado que sea, que tenga eso.

P. De hecho a mí un musicólogo me dijo eso, que el flamenco no cabe en la partitura.

R. Es que ni siquiera cabe cuando lo intentan. Cuando lo intentan escribir, muchas veces hay muchas cosas que no son capaces de meter. No se puede escribir. Es que ni siquiera puedo hacer una comparación con el poema. Porque el poema se escribe, porque el poema se medita, porque el poema se puede rectificar. La improvisación en el arte flamenco es la huida feliz del artista. Y está luego lo que yo llamo el autoaplauso silencioso.

El flamenco es un agujero negro del espacio, que rompe todo y no se sabe dónde estalla

P. ¿A qué se refiere?

R. Es la manera que se tiene de rejuvenecerse el artista en la música, en el baile. Es decir, es como un reto, ¿no? Te metes en un jardín complicadísimo y no sabes cómo vas a salir… Pero sales. Y es dificilísimo. Y, precisamente por difícil, el guitarrista, el músico, se rompe el alma para entender lo que está haciendo, para valorar lo que está haciendo. Hay días que ama su guitarra y días que la odia. Porque ahí tenemos declaraciones de genios como Manolo Sanlúcar y Paco de Lucía, ¿no? Es como aquello que decía Truman Capote: “Tú me diste el don y también el látigo para flagelarme”.

P. Los guitarristas desde luego tienen tendencia a flagelarse.

R. Bueno, y los que bailamos, y los que tenemos una compañía de 22 personas. Imagínate una compañía de 22 personas: a veces son 22 problemas. En una época en la que no tenías economía para tener un repetidor, para tener alguien que se dedicara a esto o aquello. Todo tenías que hacerlo tú. Todo tú. Todo tú. Yo decía, hoy en día digo, ¿cómo he podido? Porque mucha gente se ha creído que, porque yo soy la mujer de Manuel del Rey, a mí mi marido me daba dinero para tener esa compañía. Y no es cierto. Mi hijo, que fue el que dirigió esa compañía, decía: “Mira, mamá, si entre tú y yo no podemos sacar esto adelante, lo dejamos, porque tú tienes tu espacio para bailar como te dé la gana”. Pues así es. Y no... Es decir, que mucha gente ha pensado y piensa que yo he tenido esa compañía porque tenía un dinero ahí que me estaba apoyando. Y de ninguna manera, no lo hemos permitido nosotros.

P. Del Corral de la Morería, me gustaría que me hablaras de varias personas. La primera de ellas, Fosforito, que nos dejó en noviembre.

R. Bueno, yo la época de que estuvo Fosforito trabajando en el corral, que estuvo 4 años con la Paquera de Jerez, bueno... no era mi época. Yo estaba aquí, era muy niña. Pero mi marido lo adoraba. Lo adoraba porque era un señor. Lo adoraba por su seriedad en su trabajo. Tenían mucha relación y, de hecho, cuando murió mi marido, Fosforito nos escribió una carta a nosotros preciosa. Era una persona muy educada Fosforito, muy educada. Una persona con una visión increíble. Y las cosas que me contaba mi marido era que bueno... que tenía dos voces tan dispares como era la Paquera de Jerez, que tiraba para arriba y hacía el corral así (amaga con levantarse), y Fosforito, que le salía de las entrañas y hacía a la gente llorar.

P. Otra persona, Paco de Lucía.

R. Pues mira, Paco de Lucía presentó sus dos discos más famosos en el Corral. No estuvo contratado por el Corral, pero los directivos de Philips iban al Corral con mucha asiduidad, ¿no? Y cuando presentaba Paco el single de Entre dos aguas, lo presentó allí. Y luego lo mismo con Fuente y Caudal. Pero porque Philips cerraba el Corral de la Morería y daba una fiesta allí, como ahora, pues los hace Cartier para dar sus fiestas.

P. Y otra última persona por la que te pregunto, que es Enrique Morente.

R. Se me rompe el alma cuando hablo de Enrique Morente, que era mi amigo del alma. Es que creo que no está suficientemente valorado Enrique Morente. No hay una voz tan increíble como la de Enrique Morente. Es decir, Enrique Morente, cuando tú cierras los ojos y lo escuchas… Te pido que hagas la prueba: Cierra los ojos y es una voz cavernosa, vieja, que te lleva a un tiempo que no puedes saber qué tiempo es. Es intemporal, su voz. Es una voz ancestral. Es una voz que viene de debajo de todas las tierras de la humanidad. El tono de su voz te hace estremecerte. Es decir, Omega es el disco de todos los discos. Es el disco de todos los discos de que hay en la tierra. Eso te lo digo no porque yo le quería, que lo quería mucho. Y además, me iba a cantar cuando me iba a retirar. Pero es que no ha existido y difícilmente va a existir otra voz como la de él.

P. Y eso que a ti te gusta estar con los jóvenes, ¿no?

R. Me encantan.

P. ¿Cómo ves al flamenco joven de ahora?

R. Pues mira, cuando dicen las mayores y los mayores: “Es que lo de antes, tal”. Yo digo: ¿lo de antes, y lo de ahora qué? Es que no sabes ver lo de ahora. No sabes cómo te transmiten. Es decir, hay quién quiere el flamenco como un arte involutivo. Y no podríamos soportar el flamenco bailando siempre lo mismo, el mismo brazo, la misma coreografía. No, no. Afortunadamente, esta juventud de hoy han recreado el flamenco. Y mira que yo, cuando tenía 40 años y veía un brazo que no fuera muy flamenco, cuando a lo mejor metían algo contemporáneo (que lo aflamencaban además), no me convencía. Yo era retrógrada en ese sentido, ¿sabes? Pero, poco a poco, como he tenido esa suerte de tener una mente muy abierta, de pararme a pensar, pues empecé a verlo de otra forma. “Oye, pues es que ese sí que ha puesto el brazo bien. Y es contemporáneo. Y ya empecé a fijarme en las nuevas formas y creatividad de la juventud. Y dije: ”Amigo mío, esto es otra evolución“. Y, perdona, pero es una maravillosa evolución la que han hecho. Maravillosa. Con un respeto enorme al flamenco. Maravillosos. Es decir, yo no tengo palabras para agradecer a la nueva juventud lo que están haciendo. Una labor increíble.

P. Cuando se publique esta entrevista ya habrá sido el espectáculo. No sé el sábado si habrás dado tu última o tu penúltima pataíta.

R. Si me la piden... si tú me dices ven, lo dejo todo.

La improvisación en el arte flamenco es la huida feliz del artista

Mientras el fragor del Mundial mantenía a ¿media? España pegada al televisor, una selección cordobesa de la otra ¿media? quiso vivir en el Teatro Góngora, dentro del FGC y sin transistor pegado a la oreja, una nueva variante de “revolución social” de nuestro tiempo: la de la elegancia.

Según el filósofo cordobés José Carlos Ruiz, que ha estudiado en profundidad esta cualidad que va más allá de lo superficial, la elegancia es un equilibrio entre armonía, serenidad y contención, unida a seguridad, gentileza, profundidad, buen gusto y misterio. El saber elegir bien en el contexto adecuado. Y todos esos ingredientes los manejan con soltura Leo Sidran y Leo Watling, quienes fluyeron a través del pop sofisticado y el jazz suave en una velada convertida en una lugar feliz para cualquiera.

Leo Sidran describe sus composiciones como estructuras de la “vieja escuela” con formato de estándar de jazz clásico. Y Leonor Watling confesó en Córdoba que fue ella quien eligió sus canciones favoritas del músico para llevarlas a dueto en su disco conjunto, del que parte esta gira. También fue ella quién nos narró el primer gol de España en Los Ángeles, con su pinganillo como fuente.

El proyecto Leo & Leo es el resultado de una afinidad artística cultivada durante años entre la actriz y cantante y el músico norteamericano. Ambos comparten mucho más que un nombre y una admiración recíproca que se fraguó poco a poco. Sidran, hijo del legendario Ben Sidran, creció entre sesiones de grabación con figuras como Dr. John, mientras que Watling ha logrado liberarse de las angustias que asolan a las mujeres de su generación al cruzar los 50, como gran tratamiento de autoconocimiento creativo y de vida.

Sobre las tablas, acompañados por la impecable The Groovy French Band —formada por Max Darmon al bajo, Paul Sany al piano y Romain Bouiges a la batería—, desgranaron los temas de su álbum grabado en apenas tres días. Sonaron piezas propias como la preciosa Nobody kisses anymore, la melancólica Entre chien et loup, con aullidos incluidos, o la esperanzadora Somehow they understand, una comedia romántica hecha canción que escribieron juntos por WhatsApp, o la energética Wake up SoSo.

No faltaron las versiones, donde Watling demostró su versatilidad interpretando Con toda la palabra de la franco-canadiense-chilena Lhasa de Sela, única canción en castellano de la noche, o el dulce Caramel de Suzanne Vega.

En un ambiente íntimo y enfrentado a la tiranía de la inmediatez, rompiendo distancias con el público y llenos de complicidades, hubo destellos de blues, ritmos del Sena, reggae e incluso gospel, bebiendo de las tradiciones musicales blancoafroamericanas y de la canción de raíz latinoamericana. Aunque una no podía dejar de sentir la conexión estética con la banda de Watling, Marlango, con su jazz, pop y cabaret donde, al igual que aquí, ella brilla con solo poner un pie en escena, con solo abrir la boca.

Esta conexión real entre ambos que Leonor define como “el arte de encontrarse”, permitió que las canciones fluyeran con una naturalidad asombrosa, lejos de cualquier postureo innecesario, con mucho talento y honestidad en tiempos de hipérbole generalizada.

Fue un partido ganado desde el respeto a la composición, dejando claro que, aunque el mundo exterior estuviera pendiente de un balón, este equipo seguirá jugando y llevando al público a mundos interiores alejado del caos y de la polarización, para recordarle que la elegancia, por ahora, continúa estando entre nosotras. Para rematar semejante estado de gracia, una vez pitado el final de este partido sofisticado sonó gol en las calles de la ciudad.

A Paco de Lucía le volvía loco el fútbol. A los aficionados cordobeses de Paco de Lucía, también. Y, si uno conoce un poco la ciudad de Córdoba y a sus habitantes, parecía obvio que la coincidencia este viernes del partido de España en el mundial con el concierto de la Fundación Paco de Lucía en La Axerquía iba a pesar en la taquilla. Y eso que fue una noche que invitaba al flamenco, con una temperatura inusualmente fresca para el julio cordobés.

Liberados de la calima, un par de centenares de personas esperaban con una quietud muy poco flamenca los primeros compases del homenaje al maestro de Algeciras, que ha reunido a todo un star system del flamenco actual en su honor. El silencio imperante demostró que lo peor no era la entrada, sino que los presentes (arriba y abajo del escenario) tardaron en entrar en calor, como si (opinión subjetivísima) renunciar al fútbol hubiera supuesto un sacrificio del que costara recuperarse. También hay que celebrar que el concierto transcurriera en sus primeros compases sin la molesta estampa de decenas de móviles siguiendo el encuentro, que se decidía cuando ya llevaba un cuarto de hora.

El espectáculo arrancó con Antonio Sánchez -sobrino de Paco de Lucía y segunda guitarra del maestro durante años- acompañado por Piraña a la percusión y Duquende y David de Jacoba al cante, mientras una gran imagen de Paco de Lucía presidía el escenario como recordatorio permanente del verdadero protagonista de la velada. El bajo eléctrico de Joni Losada se sumó con una evocación de Yo soy gitano, abriendo un recorrido por distintas etapas del universo musical del maestro.

La estructura del espectáculo fue reuniendo a los distintos integrantes del ambicioso elenco, aunque alternando entre números en solitario y en formación. Juan Habichuela Nieto aportó una de las primeras emociones con una pieza dedicada a Paco, antes de dejar paso al siempre elegante piano de Chano Domínguez, que también arremetió en soledad contra el destino como pocos pianistas del mundo saben hacer. Más tarde llegaron Josemi Carmona y Diego del Morao junto a Piraña, formando un sólido trío al que se incorporó María Terremoto para interpretar Zambra Gitana y Solo quiero caminar, dos de las páginas más reconocibles del repertorio del guitarrista algecireño.

La escenografía apenas variaba, más allá de la omnipresente fotografía de Paco y algunas imágenes que tampoco eran demasiado subversivas, sino del todo convencionales. En general, el formato terminó resultando excesivamente fragmentado. Los continuos cambios de formación provocaban pequeños tiempos muertos que rompían el ritmo del espectáculo, acercándolo por momentos más a la grabación de una gala televisiva con público que a un concierto concebido como una experiencia viva y continua.

No es que se racaneara la emoción. Uno de los momentos más delicados llegó con la cantaora onubense Sandra Carrasco, acompañada por Diego del Morao y Antonio Sánchez. Sin embargo, varios problemas de sonido empañaron su actuación. Los constantes acoples castigaron especialmente las voces de Carrasco y Duquende, mientras la ausencia de un cuerpo de palmas y jaleos en buena parte de los números con cante restó fuerza y espontaneidad a los pasajes más festivos.

Así transcurría el directo hasta que salió el bailaor Farru. Su intervención fue, probablemente, el punto de inflexión de la noche. Pasada ya la hora de actuación, el baile (y muy particularmente la conexión con Piraña -el más fino de la noche en todos los números-) consiguió despertar por fin a un público que hasta entonces había permanecido sorprendentemente contenido. Fue la primera vez que el teatro respondió con verdadero entusiasmo, poniéndose en pie.

En el tramo final, Diego del Morao (todo nervio y profundidad en sus momentos en solitario) volvió a quedarse acompañado únicamente por Piraña, antes de que Chano Domínguez regresara junto a Duquende para protagonizar otro de los momentos más celebrados de la velada.

Pero si hubo un nombre que terminó por conectar emocionalmente con el público fue Antonio Rey. Su solo condensó ese pellizco, esa sensibilidad y esa capacidad melódica que inevitablemente remiten al universo de Paco de Lucía. Con un emotivo trémolo —dedicado al cielo y al maestro— firmó el instante de mayor intensidad artística del concierto y consiguió levantar definitivamente a un teatro que encaró entonces una despedida mucho más festiva.

Pese al extraordinario nivel individual de todos los participantes, Paco de Lucía Legacy dejó una sensación agridulce. El talento nunca estuvo en cuestión. Sobre el escenario se reunieron algunos de los músicos que mejor han entendido y prolongado el lenguaje de Paco de Lucía. Lástima que aquello pareciera una sucesión de números, en vez de una reunión de estrellas.

La comparación con el homenaje celebrado en este mismo escenario en 2021 resulta inevitable. Aquella cita, con figuras como Jorge Pardo o Carles Benavent que estuvieron en el legendario quinteto de Paco, respiraba una mayor sensación de espontaneidad, de improvisación y de celebración colectiva. Esta nueva propuesta, pese a la calidad incuestionable de sus intérpretes, se mostró más encorsetada y menos emocionante de lo que cabría esperar cuando se invoca el legado de ese dios de la guitarra que fue Paco de Lucía.

Él, seguramente, habría tocado el Spain de Chick Corea en cuanto España metió anoche el segundo a Bélgica. Por la escuadra.

Córdoba vivirá un intenso fin de semana con el cierre del Festival de la Guitarra

El Festival de la Guitarra echará el cierre este fin de semana con cuatro conciertos de los que uno tiene colgado el cartel de No hay entradas. Este es el de Leo & Leo, el proyecto de Leonor Watling y Leo Sidran, y que podrá disfrutarse este viernes a las 20:30 en el Teatro Góngora. La noche continuará en La Axerquía a las 22:30 con el espectáculo Paco de Lucía Legacy un tributo al genio de la guitarra.

La jornada del sábado marcará el cierre oficial del Festival de la Guitarra con dos propuestas de gran calado artístico. El Gran Teatro acogerá a las 20:30 el homenaje a Blanca del Rey titulado La Reina Blanca, mientras que el Teatro de la Axerquía vibrará a las 22:30 con el 30 aniversario de Omega, protagonizado por Kiki Morente y Lagartija Nick.

Chayanne

Además de las citas del festival, la oferta musical del viernes se expande con el concierto de Chayanne en el Córdoba Live. El concierto forma parte del esperado Bailemos Otra Vez Tour 2026, una última oportunidad para volver a disfrutar en directo de uno de los artistas latinos más influyentes de las últimas décadas. Tras arrasar en su anterior gira, con entradas agotadas en cuestión de segundos, el artista puertorriqueño vuelve por la abrumadora demanda de un público que se quedó sin poder asistir a aquellos conciertos.

Cantajuego para el disfrute de los más pequeños

Los niños de la casa tienen este sábado una propuesta de ocio en El Arenal que triunfa generación tras generación: Cantajuego y su espectáculo Burbujas, una experiencia inmersiva que fusiona música, juego y color para invitar a las familias a un viaje inolvidable. Acompañados por personajes icónicos como Coco, Pepe, Buby y el Pajarito, los espectadores disfrutarán de un espectáculo lleno de risas y cariño, donde el mágico acto de hacer burbujas se convierte en el hilo conductor para explorar y gestionar las emociones de una manera divertida y pedagógica.

Flamenco

Y el flamenco ofrecerá varias citas durante este fin de semana. En primer lugar, la cuarta edición del Festival Flamenco Planneo se traslada este año al Parque del Flamenco con entrada libre hasta completar aforo (23:00). Presentado por la catedrática de Antropología Social Cristina Cruces, el festival acogerá las actuaciones de los cantaores Rafa del Calli y Reyes Carrasco, los guitarristas Álvaro Mora y Juanjo León, y los bailaores Manuel Liñán y Miriam Cuevas.

En segundo lugar, y dentro también del Córdoba Live, El Arenal (23:00) ofrecerá diversidad de géneros con el evento de música urbana y flamenco La Flamenca. Por último, el ciclo Al calor del flamenco comenzará este sábado (22:00) en la Posada del Potro con la cantaora Araceli Campillos y el tocaor Román Carmona.

Cine

Si quieres disfrutar de cine al aire libre, este finde tienes en Córdoba las siguientes propuestas: El maestro que prometió el mar (este viernes a las 22:00 en la plaza de Valdeolleros), Los Puentes de Madison (este viernes a las 22:30 en el Parque de la Asomadilla) y Minions y Monsters (viernes, sábado y domingo a partir de las 22:15 en el Coliseo de San Andrés)

Por otro lado, la Filmoteca de Andalucía proyectará, este viernes a las 20:30, De Hilde, con amor; y en este enlace puedes conocer qué ver en las salas de cine de Córdoba.

Teatro

El Palacio de Viana continuará este viernes con su ciclo de teatro. El testigo lo coge ahora Maroma Teatro, que presentará Nunca más, una adaptación de relatos de Edgar Alla Poe. Desde la sombra emergen cuatro criaturas: fuerzas invisibles que habitan lo más profundo del alma humana de Edgar Allan Poe. A través de ellas, el escenario se transforma por completo y la mente del espectador se convierte en territorio de lo inquietante.

El Festival de la Guitarra de Córdoba ha confirmado, a través de la página web del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), que se han agotado todas las localidades para el próximo concierto de Leo & Leo, que reunirá a la actriz y cantante Leonor Watling con el músico estadounidense Leo Sidran.

Este proyecto musical es el resultado de una unión artística que se ha fraguado a partir de la admiración recíproca entre ambos protagonistas, según ha confirmado la propia organización. Leonor Watling, quien cuenta con una trayectoria como vocalista del grupo Marlango y una nominación al Goya como mejor actriz, se aventura en esta nueva propuesta junto a Sidran, un destacado músico de jazz, para dar vida a las canciones de su álbum conjunto titulado también'Leo & Leo.

El espectáculo, programado para el 10 de julio a las 20:30 en el Teatro Góngora, promete una atmósfera de “pop sofisticado” y “jazz elegante”. Según la organización, “la puesta en escena destaca por su carácter conversacional, combinando virtuosismo musical con dosis de humor y complicidad, lo que permite establecer una conexión real y cálida con el público”.

Sobre el escenario del Teatro Góngora, el dúo no estará solo; contarán con el acompañamiento de The Groovy French Band. La ficha artística del evento detalla una formación compuesta por Max Darmon al bajo, Paul Sany en los teclados y Romain Bouiges en la batería, quienes junto a la guitarra de Sidran y la voz de Watling ofrecerán un concierto con una duración aproximada de 90 minutos.

Juanfe Pérez representa la figura de un artista con una curiosidad inmensa y con una cultura musical muy rica. Su trayectoria refleja la elaboración de un lenguaje propio que le ha abierto las puertas de numerosas colaboraciones, a la vez que confeccionaba un sonido particular, llevándole a ser nominado a los Latin Grammy Awards 2023 en la categoría de Mejor Álbum de Música Flamenca.

Su investigación en este recorrido le ha llevado a obtener el Primer Premio al Mejor Instrumentista Flamenco en el XXIV Concurso Nacional de Arte Flamenco (CNAF) en el año 2025. Su presencia en el Festival es una muestra del esplendor que supone la expresión flamenca en sus posibilidades tímbricas y estéticas.

El concierto abarca en gran parte las obras de su último trabajo: Eléctrica Jondura. Destaca su maravillosa y personal ejecución al bajo de los diversos géneros del flamenco, resaltando así su interpretación de la mariana, fandangos, tangos, entre otros. Merece una mención especial su técnica depurada, lo cual le permite realizar los diversos efectos flamencos que provoca el rasgueado, situando así su proyecto en una obra que va mucho más allá de una experimentación: es un concepto muy desarrollado fruto de la investigación y el conocimiento profundo de la música flamenca.

Varias veces arranca un ‘olé’ entre el público, que está completamente entregado al momento y el ambiente que rodea el Teatro Góngora. Su maestría además abarca también un guiño hacia el folclore Latinoamericano, con su obra Zamba Ibérica, resaltando así un momento emblemático durante el evento, así como su toque solo por levante que ha interpretado en la parte final del concierto.

Le acompaña un elenco formidable, compuesto por Alicia Morales a la voz, con una sensibilidad fascinante. La precisión rítmica de Kike Terrón a la percusión y la riqueza armónica y melódica de David Sancho a los teclados.

La naturalidad observada en el escenario conmueve a los asistentes, que se ponen en pie ante una obra que destaca por su originalidad, su novedad, pero que denota un conocimiento musical arraigado. Juanfe Pérez nos acompaña en el concepto del flamenco como una expresión artística que va más allá de todos los confines musicales, llevando la esencia hacia las cuerdas del bajo eléctrico.

El flamenco es una forma de sentir, una forma de expresarse que se enriquece desde la creación auténtica, a través de artistas que crean un lenguaje propio y rebasan los límites en el recorrido artístico.

Con una extensa discografía y su enorme versatilidad habiendo trabajado como productor musical, arreglista y compositor, Rycardo Moreno evidencia la vanguardia del mundo de la guitarra flamenca actual. Ha recorrido escenarios de medio mundo, desde Londres hasta Nueva York y Ámsterdam, consagrándose como solista en el Auditorio Nacional logrando críticas positivas de eruditos del flamenco, destacando por su sonido personal con raíces eminentemente profundas. Todo a partir de una obra que, por poner tres ejemplos variopintos, ha triunfado en ‘La Caracolá Lebrijana’, en Rumanía en el Conservatorio de la Música Nacional y en el Teatro 360 de París, entre otros.

Sumergiéndonos en el corazón del espectáculo, vemos una rica interacción entre la guitarra sin trastes y la guitarra flamenca, creando una sonoridad muy particular fruto de un intercambio vivo entre los instrumentos. Evoca unas melodías que se acercan al cante y a la mezcla de culturas y de microtonos que es Andalucía, dotando de un colorido extraordinario a cada obra.

Su repertorio abarca los diversos géneros flamencos, desde las alegrías hasta la soleá, bulerías, tangos, entre otros. Rycardo alterna entre la guitarra sin trastes y la guitarra de seis cuerdas, moviéndose como pez en el agua entre las diversas estéticas que conforman el espectáculo.

Junto a él se encuentra un equipo artístico formidable, con las voces de Noelia de los Ríos y Belén de los Reyes, con unos coros que dotan de riqueza el espectáculo y reflejan la vanguardia de la música flamenca. El acompañamiento con la guitarra de Javier Ceballos, interpretando las segundas voces realzando las melodías. La precisión rítmica del percusionista Poti Trujillo y la fuerza expresiva del baile de Nazareth de los Reyes, realzando el espectáculo a un nivel de expresión exquisito.

La atmósfera que rodea al Teatro Góngora en esos momentos es la de un público entregado, conectando con la energía del momento, el diálogo entre guitarras y los colores que ellas producen, con melodías que nos rememoran a la riqueza cultural que caracteriza a Andalucía. Cada detalle rítmico que presentan los temas el público responde con un ‘¡olé!, los asistentes resuenan con la naturalidad y la espontaneidad que se desenvuelve en el escenario, un ambiente vibrante y cargado de emoción.

La figura de Rycardo Moreno representa la de un investigador apasionado, aportando un lenguaje propio que enriquece la música flamenca a través de un sonido propio e impecable. La obra nos recuerda que el flamenco no tiene fronteras, que la música no posee límites y que ampliar las posibilidades expresivas a través de un lenguaje propio aporta una riqueza artística inigualable a nuestra cultura.

“España tiene una tradición y un sonido musical muy profundos”. Así arranca MonoNeon, alias bajo el que publica música y vídeos virales Dywane Thomas Jr., quien pasa por ser, con permiso de Thundercat, el bajista afroamericano más imprevisible de entre los surgidos en la última década. Lo dice desde Córdoba, donde con más de 40 ºC va a inaugurar este lunes su gira europea en el Festival de la Guitarra.

Y habla de la tradición española con cierto conocimiento, puesto que el bajista de Memphis ya ha dejado registrada una de las colaboraciones más insólitas de internet al improvisar junto a Jorge Pardo y Ximo Tebar en una jam flamenca que, según reconoce en una charla con Cordópolis, fue una experiencia que le “abrió los oídos”. Aquel encuentro con el lenguaje del flamenco encuentra ahora continuidad sobre un escenario español.

Lo dice un músico muy consciente precisamente de dónde viene y el papel que juegan sus raíces en su identidad sonora. Y eso que hay quien recela por su estética fluorescente, que completa con edredones convertidos en ropa y otros toques dadaístas que acaban por convertirlo en un personaje con poca competencia en el mundo del funk y el jazz. Dywane tampoco le otorga demasiada importancia y prefiere aclarar que es hijo de la iglesia y el afrofuturismo.

La charla tiene lugar antes de que el músico estadounidense haya inaugurado su gira europea en el Festival de la Guitarra de Córdoba con uno de los conciertos más abiertos e imprevisibles de esta edición. Antes de subir al escenario, conversa con este periódico sobre improvisación, inteligencia artificial, redes sociales, Prince, George Clinton y la persona que más ha marcado su manera de entender la música: su abuela.

“Siempre es increíble cruzar el charco y tocar mi música para la gente. Europa siempre me ha demostrado muchísimo cariño, y me hace ilusión empezar en Córdoba”, explica el multiinstrumentista y cantante, que ya avanzaba un repertorio que iba a recorrer distintas etapas de su carrera, aunque sin un rumbo fijo: “Siempre dejo mucho espacio para la improvisación. Me gusta que cada concierto sea una experiencia única tanto para mí como para el público”.

La improvisación, de hecho, tiene mucho que ver con una de las características más reconocibles de su lenguaje: la microtonalidad. MonoNeon la estudió en profundidad y, lejos de entenderla como un ejercicio académico, la describe de la forma más sencilla posible: “Consiste en explorar las notas que hay entre las notas. Te abre un mundo de emociones y colores que no siempre existen dentro de la afinación occidental estándar. Al final, para mí todo es blues, así que retuerzo y doblo las notas con esa sensibilidad”.

Ser autodidacta hizo que nunca me preocupara por seguir reglas

Aprender sin reglas

MonoNeon, de hecho, fue un músico autodidacta. Un joven prodigio. Luego sí pasó por la Berklee, la escuela más prestigiosa de músicos de Estados Unidos. Aunque reconoce que en su sonido pesa más su trayectoria personal, que lo académico: “Ser autodidacta hizo que nunca me preocupara por seguir reglas. Simplemente seguía mi oído y mi curiosidad, no solo con el bajo, también con mi forma de cantar”.

No obstante, no tarda en matizar que nunca ha recorrido ese camino completamente solo. “He tenido mentores como -el guistarrista- David Fiuczynski, -el cantante gospel- Shea Norman y Prince y George Clinton, que me han convertido en lo que soy ahora mismo”, apostilla.

Sobre estos dos últimos, dos leyendas del funk y la música afroamericana, se extiende un poco el joven músico, que pasa por ser el último bajista que contrató Prince antes de su muerte. “Podría contar muchísimas cosas de la época que pasé con Prince, pero lo único que puedo decir ahora mismo es que tanto George Clinton como Prince me enseñaron a no tener miedo y a confiar en mí mismo. Haz lo que te dé la gana con esta música y hazte dueño de ello”, explica.

Su relación con Clinton, además, sigue muy viva, como muestran algunos de los últimos singles que ha subido a su Bandcamp, que recoge decenas de referencias en poco más de una década en activo. “Últimamente he estado pasando mucho tiempo con George Clinton y hace poco colaboramos él, mi abuela y yo en algunas canciones. Estoy construyendo el espacio y el sonido en los que siempre quise estar”.

En los últimos años, sin embargo, ninguna colaboración ha resultado tan importante para él como la que mantiene con Grandma Liz. “Hacer música con mi abuela es algo muy especial y, sinceramente, es de lo único de lo que me siento realmente orgulloso”, confiesa un músico que intenta reservar un espacio para la voz de su abuela en cada canción que escribe.

Y en ello tiene mucho que ver el hecho de que su abuela convive con la enfermedad mental, pero, pese a ello, sigue manteniendo intactas sus cualidades musicales. “Incluso con la demencia que está atravesando, mi abuela nunca duda cuando canta. Y eso se ha convertido en el motor y la inspiración de todo lo que estoy haciendo ahora mismo”, afirma el cantante.

Del góspel al afrofuturismo

Aunque hoy su nombre suele asociarse al afrofuturismo, MonoNeon entiende ese concepto como una consecuencia natural de todo lo que vivió en Memphis. “El afrofuturismo me anima a imaginar nuevas posibilidades sin perder el vínculo con mis raíces. Habla de libertad, imaginación y de honrar la creatividad negra”, reflexiona, antes de enumerar una sucesión de recuerdos que funcionan como un mapa sentimental de su educación musical: su abuela cantando en la iglesia baptista, su madre, la influencia de su tío Curtis, sus primos escuchando a 8Ball & MJG, su primo Johnny Morrow tocando el órgano y la cercanía de The Bar-Kays.

“Todas esas cosas han dado forma a mi propio afrofuturismo”, añade, aunque reconoce que es justamente la iglesia el centro neurálgico de todas sus conexiones. “El góspel y la experiencia de la iglesia son una base enorme para mí. Allí aprendí que lo importante es tocar con sinceridad y no solo con técnica”. Su manera de cantar procede directamente de su abuela Liz; su forma de tocar el bajo, de observar a los organistas y pianistas de Memphis: “Gran parte de lo que sé viene de escuchar sus manos”.

La IA es otra herramienta más, pero no puede sustituir la experiencia vivida ni el sentimiento humano de verdad

Músicos como él son clave en un momento en el que las plataformas digitales empiezan a llenarse de música creada mediante inteligencia artificial. Sin embargo, MonoNeon no se muestra alarmista, aunque sí establece una diferencia muy clara. “La IA es otra herramienta más, pero no puede sustituir la experiencia vivida ni el sentimiento humano de verdad. Creo que la gente siempre va a conectar con la música, el arte y la moda que transmiten un auténtico espíritu humano”.

Una confianza parecida deposita en las redes sociales, donde algunos de sus vídeos domésticos se han convertido en fenómenos virales. “Las redes me han permitido llegar a gente de todo el mundo sin necesitar una gran discográfica. Son una forma genial de compartir ideas directamente y construir tu propio universo”. Incluso cuando la respuesta no acompaña, sigue encontrando sentido al proceso. “Crear algo y compartirlo siempre ha sido algo catártico para mí”, concluye.

La segunda semana del 45º Festival de la Guitarra de Córdoba concentrará algunos de los conciertos más esperados de esta edición, con una programación que volverá a reunir a grandes figuras de la guitarra clásica, el flamenco, el jazz, el rock y las músicas del mundo. El festival afronta su recta final con nombres internacionales como MonoNeon, Luz Casal o David Russell, además de propuestas únicas como el estreno del homenaje a Blanca del Rey y la celebración del 30 aniversario de Omega.

La programación de la recta final ha comenzado este 6 de julio con dos propuestas de gran personalidad. El Gran Teatro de Córdoba ha recibido a MonoNeon, una de las grandes referencias del bajo eléctrico contemporáneo. Paralelamente, el Teatro Góngora ha acogido Flamenco Moreno, del guitarrista Rycardo Moreno, una propuesta que gira en torno a su innovadora guitarra sin trastes y que combina tradición y vanguardia junto a un amplio elenco de artistas. Una deuda pendiente del festival con uno de los artistas clave en la guitarra flamenca actual.

El 7 de julio será el turno del bajista Juanfe Pérez, uno de los nombres más destacados de la nueva generación del flamenco y nominado a los Latin Grammy por su primer trabajo discográfico, amén de primer instrumentista ganador del Concurso Nacional de Arte Flamenco, que viene con un disco recién publicado. Esa misma noche, el Patio de los Naranjos acogerá Entrecuerdas, el encuentro entre Mozes Rosenberg y Bako Jovanović, un viaje musical entre el legado de Django Reinhardt, el gypsy jazz y las sonoridades balcánicas.

La jornada del 8 de julio combinará tres propuestas de gran nivel. En el Gran Teatro, Juan Manuel Cañizares actuará junto a la Orquesta de Córdoba con un concierto dedicado al 150 aniversario del nacimiento de Manuel de Falla que incluirá el estreno absoluto de una nueva transcripción para guitarra y orquesta de Noches en los jardines de España. El Teatro Góngora recibirá al Cardamom Trio junto a Linda Alahmad, mientras que La Axerquía vivirá una de las grandes citas populares del festival con el concierto de Luz Casal, que presentará su nuevo trabajo Me voy a permitir. La velada se abrirá con la actuación conjunta de Nat Simons y Aurora Beltrán.

El 9 de julio, el guitarrista escocés David Russell, una de las grandes figuras mundiales de la guitarra clásica y ganador de un Premio Grammy, ofrecerá un recital en el Teatro Góngora. Esa misma noche, La Axerquía recibirá a Loquillo, que llegará a Córdoba con su gira Corazones Legendarios, un recorrido por casi cinco décadas de trayectoria dentro del rock español.

La programación continuará el 10 de julio con el proyecto Leo & Leo, protagonizado por Leonor Watling y Leo Sidran, una propuesta que mezcla jazz, pop y conversación escénica. Por la noche, La Axerquía acogerá Paco de Lucía Legacy, un homenaje al maestro algecireño que reunirá sobre el escenario a músicos que compartieron carrera con él, entre ellos Josemi Carmona, Chano Domínguez, Antonio Rey, Diego del Morao, Duquende, Sandra Carrasco, María Terremoto o Farru.

La clausura del festival llegará el 11 de julio con una jornada de marcado carácter simbólico. El Gran Teatro acogerá el estreno absoluto de La Reina Blanca, una gala concebida como homenaje a Blanca del Rey con motivo de su 80 aniversario. El espectáculo reunirá a artistas cordobeses y a destacados nombres del flamenco en una propuesta que también conmemora el 70 aniversario del Concurso Nacional de Arte Flamenco y el 40 aniversario de la reinauguración del Gran Teatro.

Como broche final, La Axerquía celebrará el 30 aniversario de Omega, la obra que revolucionó la historia del flamenco contemporáneo. El espectáculo reunirá a Lagartija Nick y Kiki Morente para revisitar uno de los discos fundamentales de la música española, donde confluyen la poesía de Federico García Lorca, el universo de Leonard Cohen y el flamenco más innovador impulsado por Enrique Morente.

Formación para seguir ampliando el universo de la guitarra

Junto a los conciertos, el Festival de la Guitarra mantiene durante su segunda semana una intensa programación formativa que reunirá a intérpretes y especialistas de primer nivel. Del 6 al 8 de julio, la guitarrista María Esther Guzmán impartirá un curso centrado en el repertorio de guitarra clásica, abordando aspectos como la producción del sonido, el fraseo, la digitación y la preparación del repertorio para el concierto.

El 8 de julio, la bailaora Inmaculada Aguilar ofrecerá la masterclass La bata de cola: técnica y estética en el baile por Soleá, dedicada a uno de los elementos más complejos y emblemáticos del baile flamenco. Ese mismo día comenzará también el curso del guitarrista Manolo Franco, La guitarra flamenca de acompañamiento al cante, que se desarrollará hasta el 10 de julio.

La oferta continuará el 9 de julio con dos actividades de una sola jornada. El bailaor y coreógrafo Javier Latorre dirigirá el curso Soniquete de Jerez, junto a Diego Carrasco, mientras que Hames Bitar impartirá una introducción al laúd árabe, en una actividad patrocinada por Casa Árabe. Finalmente, los días 10 y 11 de julio, David Russell ofrecerá el curso Interpretación y técnica en la guitarra clásica, poniendo el broche a la programación académica de esta edición.

Domingo por la noche. El Festival de la Guitarra de Córdoba enfilando el ecuador y el termómetro dándonos un repaso de grados ascendente. El ambiente flotando en esa extraña calma que precede al lunes, mientras el público —una curiosa mezcla de indies de toda la vida, camisas de flores y público sobrevenido al mundo de los festivales — abarrotaba el recinto buscando una dosis de comunión colectiva antes de que la rutina nos vuelva a post-poner la vida. Todo el papel vendido desde hace tiempo, de hecho el único no hay billetes del festival.

Quienes me conocen saben que me encantan los domingos. Como dijo Standstill, La vida es domingo. Esa es, sin duda, una de las frases que más habré escrito en mi vida. Los domingos siempre fueron mis días de bajar a comprar tres periódicos y sus suplementos para entretener la resaca o las largas noches de La Comuna o el Underground donde hacía un poco de todo y nada a la vez. Incluso en alguna ocasión tuve mis domingos astrománticos que cantan los Love of lesbian. Pero siempre han sido días de sentarme a escribir en mi libreta de anotar la vida, organizar la semana y empezar a comerme el mundo el lunes a primera hora. En mi teoría particular, los domingos dividen a las personas en dos mitades exactas: las que desean empezar el lunes con la ilusión de estar vivas una semana más, o las que se hunden al ver que queda una semana menos de su vida. El domingo por la noche nos pone a todos frente al espejo. Cada uno que elija bando.

Pero este domingo tocó concierto, poner música con Groenlandiers, hacer esta crónica y trastocar los planes de este señor mayor de 49 años. Reto: Siloé y Conociendo Rusia en directo.

Para abrir boca, el festival nos trajo un telonero internacional de última hora: Conociendo Rusia, el proyecto que el argentino Mateo Sujatovich comanda desde 2018. Apareció con esa presencia escénica tan deudora del rock argentino de alcurnia, el que te mece entre la melancolía porteña y el estribillo perfecto.

Y tras un breve descanso apareció Fito Robles y se hizo la luz. Literalmente. Dos personas al estilo benedictino fueron quitando las telas rojas que cubrían los instrumentos en medio de música vocal sacra. El magnetismo fue inmediato. Quién recuerde los inicios de este chaval palentino de San Mamés de Campos, que se fogueó en los micros abiertos de Valladolid huyendo de la etiqueta del “cansautor” acústico, sabe que su fe no es un decorado de Instagram. El nombre de Siloé es el estanque donde Cristo curó a un ciego, y Fito oficia el concierto con la convicción del que te invita a sumergirte en sus canciones para salvarte del ruido diario.

Pero el intimismo duró lo que tarda en entrar un sintetizador bien cargado de graves. Tras una intro con toques electrónicos, sonó Terrorismo emocional y aquello mutó por completo. Sobre las tablas, presidiendo la escenografía junto al guitarrista y productor Xavi Road y el batería Jaco Betanzos, una cruz de neón gigante gobernaba la noche, dividiendo el show en una suerte de tres actos milimétricamente calculados. Ya no estábamos en un concierto folk; estábamos en una rave post-eucaristía, un ritual EDM de alto impacto diseñado para reventar grandes estadios y festivales.

El setlist, de veinte temas clavados, funcionó como una apisonadora sónica. Cayeron Las palabras, Si me necesitas llámame, Esa estrella y Reza por mi. Es fascinante analizar sociológicamente el fenómeno Siloé y ver cómo este trío de Valladolid se ha convertido en una de las propuestas que más sold out cuelga de la escena musical española. Han dibujado su evolución impecable: pasaron de la solemnidad acústica de La verdad (2016) y La luz (2018), al quiebro electrónico de Metrópolis (2020) y Paradiso (2021).

Lo que presenciamos fue la puesta de largo de Terrorismo emocional, un álbum cargado de himnos instantáneos destinados a ser coreados en grandes recintos. Pop con estribillos digeribles, guitarras de épica contenida a lo Vetusta Morla y una energía maximalista, consolidando su estatus en la primera línea del pop y el rock independiente nacional.

Hubo tiempo para la zapatilla pura. Cuando enfilaron su versión de Personal Jesus de Depeche Mode, el recinto se convirtió en una pista de baile masiva, el momento más bailable y liberador de toda la noche, antes de conectar con la nostalgia de Heroes del silencio. La ejecución instrumental de la banda es limpia, pulcra, impecable. Si bien para los menos devotos puede pecar de una estructura demasiado predecible, el fan entregado cantó a pleno pulmón, fundiéndose con la banda en un único grito.

Agradecimientos a su oficina cordobesa, RIFF y a una joven criatura que subió al escenario para explicar Fito que tras diversos problemas de la vida había cambiado su nombre en el registro por el de la banda.

Para la traca final, los Siloé volvieron a romper la distancia de seguridad cantando de cerca: Todos los besos. El eco artificial de su voz, grandioso y épico, flotó sobre la judería mientras miles de personas botaban.

Siloé ha sabido leer los tiempos de la música de consumo rápido. Han cambiado los micros abiertos por un diseño de producción masivo, fotogénico y eficaz. Nos hemos vuelto menos dogmáticos y más hedonistas, y un domingo por la noche, que te pinchen un show empaquetado para hacerte olvidar las facturas del lunes deshacer llenar una Axerquía, aunque uno eche de menos un poco más de barro, peligro y alma sobre el escenario.

Y hablando de alma, peligro y de lo que se echa de menos sobre las tablas... Aprovechando que baja la marea inicial del festival, un recado directo a la dirección del Festival de la Guitarra de Córdoba: otro año más, otra década entera que se nos escurre entre los dedos sin contar con el enorme, brutal y sangrante talento que late en los locales de ensayo de esta ciudad.

Y ojo, que no reclamo un chovinismo barato ni una cuota de palmadita en la espalda por el mero hecho de compartir código postal. Reclamo un escaparate real, con luz y taquilla, para bandas guitarreras de verdad (que no se me enfaden otras disciplinas ni el bendito conservatorio). Esta ciudad ruge en los márgenes y tiene nombres propios capaces de partir escenarios: el post-hardcore internacional de Viva Belgrado, la frescura descarada de Los Primos Chicos o Fuentenueva, el ritmo infeccioso de Flying Cumbias, el magnetismo de Volpina o nuestros White Stripes patrios que son Lady Coulson, entre otros muchos que se dejan la salud pagando el alquiler del local.

La guitarra también se muerde, señores programadores. Menos inercia de catálogo y más mirar a la calle.

Hay bandas que tardan años en encontrar su público. Siloé lo encontró rápido y lo convirtió en comunidad. El trío vallisoletano formado por Fito Robles, Xavi Road y Jaco Betanzos ha construido uno de los fenómenos de directo más llamativos de la escena española reciente: sold out en más de 35 fechas -Córdoba incluida-, ocho conciertos en La Riviera de Madrid en un año y más de un millón de oyentes en plataformas. Su nombre llegó incluso a los oídos de Coldplay, que recomendó su música en redes sociales. El grupo ha actuado en La Axerquía con Santa Trinidad como estandarte y el impulso de Las Palabras, su último single, que abre una nueva etapa creativa.

Cuatro premios Grammy y el título de NEA Jazz Master -la distinción más alta que Estados Unidos otorga a un músico de jazz- avalan la presencia de Stanley Clarke en el Gran Teatro. Figura fundacional del jazz fusión, fue el primer bajista en encabezar giras en solitario y cofundador de Return to Forever junto a Chick Corea, la banda que, con Romantic Warrior, redefinió los límites del género en los años 70.

En el concierto ofrecido este domingo en Córdoba, dentro del marco del Festival de la Guitarra, Clarke presentó su proyecto N•4EVER, centrado en ese legado musical. El programa recorrió la música de Return to Forever y otros grandes momentos de su trayectoria, interpretados junto a músicos de nueva generación que aportaron energía y frescura a un repertorio que ha resistido el paso del tiempo. Clarke alternó bajo acústico y eléctrico en un espectáculo que conectó los orígenes del jazz fusión con su presente, confirmando la vigencia de una de las figuras más influyentes del género.

José Antonio Rodríguez encarna una de las figuras más representativas de la guitarra flamenca actual. Premiado con el insigne Bordón Minero en el Concurso del Cante de las Minas de La Unión a la temprana edad de 17 años, una extensa discografía y sus innumerables colaboraciones con figuras reconocidas muestran su lugar consolidado en el panorama musical. Su trayectoria refleja innovación y amplitud de miras que conecta con las raíces, un concepto muy importante para el guitarrista actual, ya que para crear algo nuevo es necesario poseer un conocimiento profundo acerca de la tradición.

La disposición del escenario comunica al público la interacción propia del quinteto que tendrá lugar durante todo el evento, que más que acompañar, se siente como un encuentro entre artistas que rebasan fronteras con un sello propio. José Antonio abre el concierto tocando solo, con obras que engloban buena parte de su trayectoria discográfica: 'Anartista', 'Adiós Muchachos', 'McCadden Place', entre otros. Sus toques evidencian su técnica y limpieza exquisita, con unas afinaciones o 'scordaturas' que comunican una personalidad artística curiosa que busca en nuevas sonoridades las máximas posibilidades expresivas. En la interpretación de su obra 'Guadalcázar' puede palparse la frescura de la guitarra flamenca actual que mira en la tradición su fundamento.

El quinteto demuestra ser una formación impecable, con unos músicos que se envuelven en el momento y con una complicidad exquisita. El virtuosismo de Diego Villegas, Giraldillo al Mejor Instrumento Solista en la Bienal de Sevilla 2020, desplegando melodías con la flauta, el saxo y la armónica que envolvían al público en una atmósfera vibrante. El peso armónico otorgado por el bajista Sergio Di Finizzio, con un sonido majestuoso y grandes dotes interpretativas mostradas en sus apariciones improvisando con el instrumento. El dominio en la destreza rítmica podíamos apreciarlo en un tándem imbatible, compuesto por Patricio Cámara ‘Pachi’, con gran maestría en la precisión rítmica y la voz, junto con la polifacética Sabrina Romero, quien fascinó a los asistentes moviéndose con total soltura entre la percusión, el cante y el baile, imprimiendo de carácter cada intervención que navegaba entre las tres disciplinas.

Ante un evento tan vibrante de profundidad artística, el público reacciona con emoción, fascinación y con ganas de más a un concierto cargado de sensibilidad. El desarrollo y el final de cada tema causa un gran efecto entre los asistentes, arrancándoles así un intenso aplauso. La elegancia y personalidad artística de José Antonio Rodríguez nos recuerda que la música no tiene fronteras, que el flamenco nos abre las puertas a los rincones artísticos más sublimes con nuestra identidad siempre presente. Dicho en otras palabras: tocamos mucha música y nos expandimos a diferentes formas de expresión precisamente porque somos flamencos. Perfiles artísticos como el de José Antonio Rodríguez son inspiradores por su versatilidad, apuntando hacia un futuro muy positivo al mundo de la guitarra flamenca.

Galardonado con el Bordón Minero a los 17 años, José Antonio Rodríguez es hoy una de las voces más propias y solventes de la guitarra flamenca de su generación. Su quinteto llegó al Gran Teatro con un programa construido íntegramente sobre composiciones propias —Guadalcázar, Athena, Conexión Manhattan— que recorren la rondeña, la soleá, la colombiana y la alegría desde una visión moderna y de hondo calado técnico. La propuesta abarca todo lo que es el mundo del flamenco —cante, guitarra, nuevas instrumentaciones y baile— sin que ninguno de esos elementos pierda su lugar ni su peso. Le acompañaron Diego Villegas —Giraldillo al Mejor Instrumento Solista en la Bienal de Sevilla 2020— a la flauta, el saxo y la armónica; Sergio Di Finizio al bajo; Patricio Cámara 'Pachi' a la percusión y la voz; y Sabrina Romero a la percusión, el cante y el baile. Un quinteto que no acompaña: dialoga.

El concierto de Los Planetas en el Festival de la Guitarra (FGC) llegó 25 años tarde. Los señores de las guitarras distorsionadas, ruidosas, emocionantes ya se habían convertido en 2001 en la espina dorsal del indie rock en España, una época en la que esa etiqueta aún guardaba tantas capas como las canciones de los granadinos. Y el FGC de aquellos años bien los hubiera merecido, tal y como los recibía con locura entonces festivales como Sonorama o el FIB.

En aquel segundo año del siglo XXI, los de Jota ya habían publicado Unidad de desplazamiento, tras la bomba de Una semana en el motor de un autobús (1998), demostrando que eran mucho más que un fenómeno pasajero de los 90. Pero en Córdoba, donde son conservadores hasta los comunistas, los programadores de la cita con la guitarra, por lo que sea, no les han visto cabida hasta ahora.

Recuerdo en los dosmiles argumentos tan peregrinos para no contratarlos como el de que habría que crear un escenario “joven” para estas bandas, que solo venían a tocar a garitos por entonces (B18, Surfer Rosa). Era como querer mandarlos a un lugar antisistema de tan serio y señoro festival.

El caso es que tal vez Los Planetas ya han entrado en el territorio gerontocrático que da caché a este festival, o, tal vez, alguien ha pegado un puñetazo en la mesa para saldar esta deuda histórica. La realidad es que hemos tenido que esperar a que la banda haya hecho su viaje de ida y vuelta al flamenco, a tener todos un móvil con redes sociales en la mano, al fin de la socialdemocracia, a tener la inocencia del todo perdida, al feminismo revisando sus rencorosas letras para ponerlas en su sitio, y, sobre todo, a tener un cuarto de siglo más, para vivir una noche planetera junto al Guadalquivir.

Y a Florent se le rompió la guitarra como agravio poético. Pero vayamos por partes.

Para empezar, honradez: el titular de esta crónica homenajea (copiando, claro) al gran Paco Camero y su maravilloso artículo sobre la noche de celebración del 30 aniversario de Los Planetas en el CAAC de Sevilla. Íntimamente, muchas nos pusimos la camiseta de los dosmiles en Córdoba para revivir aquellos maravillosos años -nostalgia, sí ¿qué pasa?- e hicimos algunas cosas que ya no hacemos, como cantar a voz en grito mientras saltábamos en una noche de brisa en la colina del teatro. Oh, milagro.

La primera alegría fue ver a Eric. El mítico batería de la banda, el de los cuatro millones de golpes, apenas suele acompañar las últimas giras del grupo. Aquí tuvimos suerte. Verlo tocar la batería es de reclinatorio: un espectáculo en sí mismo. No en vano la tocaba en el pasado bajo palio literal, algo que hoy no permitirían los Abogados Cristianos. Su crescendo en ese temón llamado La caja del diablo sigue poniendo los pelos de punta.

Pero eso fue al final. Para comenzar dispararon con Segundo Premio, la canción que dio nombre a la película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez y que nos desveló que en sus letras, no solo fueron campeones del rencor con sus parejas, sino también entre ellos mismos.

Problemas varios de sonido después, una guitarra de Florent que no paró de darle la noche, Jota cantando para dentro como marcan los cánones o temas que se deberían replantear en directo como Espíritu olímpico, el concierto levantó el vuelo tras una etapa valle oscura, psicodelicamente calmada, muy Jesus and Mary Chain, llena de Corrientes circulares en el tiempo y con Fosforito dejando de asomarse a la reja. Un gran homenaje.

Así explotaron los grandes hits, poniendo banda sonora a unos vídeos y gráficas tan fantásticas y coloristas como acostumbran: David y Claudia, Un buen día, De Viaje, Alegrías del incendio -Fosforito de nuevo, que las diosas del flamenco tenga en su gloria- o Pesadilla en el parque de atracciones. Mendieta volvió a marcar un gol realmente increíble aquí, para qué engañarnos.

Una tormenta de guitarras para un festival. Un gran concierto pese a las circunstancias. Una espinita menos de tantas que nos hemos quitado con un grupo, que, entiendan señores, levanta tantos sentimientos de amor/odio para cualquier mujer fan de su generación. Pero celebremos que siguen vivos. Que estamos vivas.

Aunque 25 años después, te juro que es peor.

Teddy Bautista, mítico fundador de Los Canarios, regresa a la música y vuelve a sorprendernos en el 45 Festival de la Guitarra de Córdoba con el estreno absoluto de de El periplo de las heroínas, inspirado en el libreto original, que acompaña al último trabajo discográfico Ciclos 5.0. El resultado, estrenado esta pasada noche en el Gran Teatro, es lo que sus creadores definen como una ópera electrónica, un género inédito que, siguiendo la tradición operística, se apoya en el libreto del disco para construir una narración escénica, que adquiere una tercera dimensión a través del movimiento coreográfico concebido aquí como una abstracción poética de las sensaciones que genera la música. La historia traza el viaje de mujeres desde Oriente hasta Occidente en diálogo con el imaginario de Marco Polo.