El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) acaba de adjudicar un contrato para acometer obras de rehabilitación en las cubiertas del edificio, que presentan puntos por donde el agua de lluvia se filtra. La cubierta original del edificio se sustituyó en 1985, año del que data la actual estructura.

Así, el objeto del contrato es la obra de rehabilitación de las cubiertas del Gran Teatro de Córdoba, “para que el edificio goce de las condiciones mínimas de salubridad y habitabilidad”, y se ha adjudicado a la empresa Químicas y Tecnologías Aplicadas S.L., por un importe de 50.767,43 euros.

“Las actuaciones previstas tienen como finalidad resolver el problema de impermeabilización de la cubierta pues el sistema actual, ejecutado con tela asfáltica autoprotegida, presenta puntos singulares que crean puntos de acceso de agua al interior del edificio, pues la estructura metálica se dilata de forma diferente al resto de la cubierta y ello genera la rotura de dicha tela en los puntos singulares”, define el pliego de condiciones de la actuación. Asimismo, se va a “resolver el problema de desprendimiento del mortero en el paramento interior del escenario”.

La actuación prevista recoge, de un lado, que para resolver el problema de filtración de agua al interior del edificio del Gran Teatro por la cubierta se realizará la instalación de una línea de anclaje horizontal permanente (línea de vida) en cubierta, además de la ejecución del aislamiento térmico mediante espuma de poliuretano proyectado, la impermeabilización con membrana continua de poliuria y la protección frente a la radiación ultravioleta.

De otro lado, para resolver el problema del desprendimiento del mortero en el paramento interior en el escenario se eliminará ese mortero aplicado sobre paramento vertical en el exterior y en el interior del edificio en la zona afectada sin deteriorar el soporte eliminando todo resto del mortero actual. Tras ello, se preparará la superficie perfectamente limpia para su posterior revestimiento.

El Gran Teatro tiene una antigüedad de 152 años. Fue construido en 1873 sobre los terrenos del desamortizado Convento de San Martín, por el arquitecto Amadeo Rodríguez. Ha sido objeto de reformas posteriores, la de mayor alcance en 1985 al pasar a propiedad municipal, obra de José Antonio Gómez Luengo. La construcción original, en acero, sigue el modelo italiano de herradura, con patio de butacas y cuatro niveles superiores (palcos, platea, anfiteatro y paraíso) con la escena hacia el Sur. La reforma de 1985 reconstruyó totalmente la estructura añadiendo un nivel superior para sala de ensayos.

Con fachada ecléctica a las tres calles, con la composición principal a Gran Capitán, la entrada por Menéndez Pelayo (tras la que se sitúa un limitado vestíbulo) y un desarrollo menor a Zorrilla, con abundantes huecos ciegos. La cubierta original se sustituyó en 1985 al remontarse el edificio con la sala de ensayos, apareciendo actualmente el volumen de esta revestido con placas impermeabilizantes autoprotegidas.

El Fantasma de la Ópera ha llenado durante los últimos días el Gran Teatro de Córdoba. Este es un resumen, en imágenes, de la actuación.

La magia de El Fantasma de la Ópera ya tiene destinataria. Cordópolis ha seleccionado a la persona afortunada que disfrutará de una entrada doble para asistir a una de las funciones del célebre musical de Andrew Lloyd Webber, que desembarca en el Gran Teatro con una gran producción escénica y uno de los montajes más exitosos del teatro musical internacional.

La afortunada es Alicia Marmolejo Molina, quien podrá vivir junto a un acompañante una experiencia única en este espectáculo inspirado en la novela de Gaston Leroux y protagonizado en esta gira por Daniel Diges, Ana San Martín y Rubén López. La producción estará en Córdoba entre el 15 y el 24 de mayo con varias funciones programadas y una puesta en escena que transforma el Gran Teatro en la emblemática Ópera de París.

Desde Cordópolis queremos agradecer la participación de todos los lectores y lectoras que han querido sumarse a esta iniciativa cultural. Muy pronto seguiremos ofreciendo nuevas experiencias, regalos e invitaciones para disfrutar de la música, el teatro y los grandes espectáculos que llegan a Córdoba.

El actor y cantante Daniel Diges reconoce que anda inmerso en uno de los mayores desafíos de su trayectoria al entrar cada noche en la piel del protagonista de El fantasma de la Ópera, una obra que lo va a tener entre el 15 y el 24 de mayo en Córdoba, con el Gran Teatro convertido en el escenario de esta tragedia musical, levantada por la promotora Letsgo, y en la que encarna a un personaje complejo, lleno de contradicciones, que le obliga a explorar tanto la oscuridad como la vulnerabilidad sobre el escenario.

“Es un papel muy especial porque tiene algo de antagonista. No es el típico personaje bueno”, explicaba el actor hace unos días, cuando charló con Cordópolis tras la rueda de prensa de presentación del espectáculo. Diges apuntaba entonces a la bipolaridad de un personaje mítico, creado en la literatura hace un siglo, reinventado para el teatro musical hace cuatro décadas, y llevado a su terreno en la que es la única representación del mundo que, a parte de la de Broadway, cuenta con el sello de aprobación de Andrew Lloyd Webber: “Es un personaje con luces y sombras a lo bestia. El reto está en que el público no se quede solo con lo oscuro, sino que entienda por qué actúa así”.

Para el cantante e intérprete, la clave está en construir un fantasma profundamente humano. “Si no le das matices, sería simplemente alguien malo y ya está. Pero lo interesante es que el espectador pueda empatizar, incluso cuando hace cosas cuestionables”. Ese equilibrio le permite jugar con la emoción del público durante la función: “Cuando lo tienes dominado, es un gustazo, porque puedes llevar al espectador de un sitio a otro”.

La respuesta del público desde que se estrenó la obra en Madrid, ha sido muy positiva: “Estoy viviendo experiencias muy bonitas. Gente que se emociona muchísimo. Hace poco una mujer vino llorando después de verme en Sevilla y me dijo que le había transmitido muchísimo. Eso es lo más grande”.

Un Fantasma desde lo psicológico

Lejos de imitar versiones anteriores, el intérprete ha apostado por una construcción propia del personaje. Aunque reconoce referencias vocales como Ramin Karimloo, su enfoque ha sido más íntimo y personal. “He querido llevarlo a un terreno más psicológico, con un trauma muy marcado. Creo que hay cosas que el público puede reconocer, incluso desde experiencias cercanas”, explica el intérprete, que reconoce que su reciente trabajo con Juan Carlos Pérez de la Fuente en La señorita de Trévelez también ha influido en esta mirada. “Venía de hacer teatro de texto, y eso me llevó a abordar el personaje desde un lugar más teatral, más centrado en la interpretación que en lo puramente musical”.

No es la primera vez que Diges se enfrenta a un papel de gran carga emocional. Durante años dio vida a Jean Valjean en Los miserables, una experiencia intensa que todavía recuerda. “Si no desconectas, el personaje se queda contigo. Me ha pasado estar en casa, sin función, y romper a llorar a la misma hora en la que lloraba en escena. Es fuerte”, remarca un intérprete que cada vez se siente más apegado al guion y las tablas: “Yo siempre digo que soy un actor que se deja la piel en el escenario. Das tanto que a veces necesitas recolocarte emocionalmente”.

Y es que, tras años combinando música y teatro, Diges ha tomado una decisión clara sobre su futuro: “La música me interesa para disfrutarla, pero no como industria discográfica. Ahora estoy mucho más centrado en mi carrera como actor”. Una elección que, según explica, no siempre se entiende desde fuera. “Hay gente que piensa que no trabajo o que no estoy valorado, y es justo al contrario. Me siento muy valorado. Si no he hecho ciertas cosas es porque no he querido”.

El artista decidió en su momento alejarse del circuito discográfico tradicional. “No encontraba mi sitio. Cada disco era diferente y no había una línea clara. Cuando hice un disco de musicales y lo llevé al directo, vi que ahí estaba lo que realmente me llenaba”.

Hoy, con nuevos proyectos y una trayectoria sólida, Diges asegura sentirse en un momento de madurez. “Estoy en un lugar muy bonito, más creativo. Me siento, sobre todo, actor”. Y es desde ahí, desde esa convicción, desde donde da vida a un fantasma con el que busca inquietar y conmover al mismo tiempo. Para ver el resultado, habrá que esperar unos días.

El pensamiento y el legado del filósofo cordobés Averroes cobrarán vida esta noche (20:00) sobre las tablas del Gran Teatro de Córdoba a través de la tercera edición de Danzabril, que este año ofrece una ambiciosa propuesta que busca traducir la filosofía andalusí al lenguaje del cuerpo. En vísperas del Día Internacional de la Danza, 57 alumnos del Conservatorio Profesional de Danza 'Luis del Río' y coreógrafos de prestigio nacional se darán la mano para transformar conceptos como la razón, la fe o la sororidad en movimiento, consolidando una colaboración institucional que sitúa el talento joven cordobés en la vanguardia de la creación artística.

El Ayuntamiento de Córdoba, en colaboración con el Conservatorio Profesional de Danza 'Luis del Río', ha presentado este martes la tercera edición de esta iniciativa, ya consolidada, y que ofrecerá esta noche cuatro piezas distintas en un mismo escenario, como antesala a la conmemoración del Día Internacional de la Danza.

La directora del conservatorio, Lucía Luque, ha destacado la importancia de esta colaboración institucional para “visibilizar el talento de nuestra ciudad” y ofrecer una oportunidad única a los estudiantes. “Es una forma de crear cultura con el propio alumnado. No hay mejor manera de brindar oportunidades que ponerles en contacto directo con profesionales del más alto nivel”, ha señalado Luque.

En esta edición, 57 alumnos de 5º y 6º curso de enseñanzas profesionales han participado en un proceso creativo intenso de apenas dos semanas. El proyecto no solo busca la excelencia técnica, sino también el “reciclaje y actualización” del profesorado, situando al centro cordobés en la vanguardia de las enseñanzas artísticas.

El reto de coreografiar el pensamiento

El hilo conductor de este año, la figura de Averroes, ha sido calificado por los coreógrafos como un “reto apasionante”. Cada especialidad de danza ha abordado un aspecto del legado del filósofo:

Desde la danza contemporánea y bajo la dirección de María Cabeza de Vaca, la pieza 'Ruina' indaga en la idea de que la felicidad está ligada a la sabiduría y la vida en comunidad. “La ignorancia es lo que lleva al miedo, el miedo al odio y el odio a la violencia”, ha citaado la coreógrafa, definiendo su obra como un “ritual de resistencia” y una ceremonia de invocación. Por su parte, desde lo clásico, Iván Delgado del Río presenta 'Eco de Luz', una metáfora que traslada los valores del siglo XII al presente. Delgado ha instado a las nuevas generaciones a “pensar, observar y reflexionar sobre sus propios pensamientos” a través del movimiento.

La danza española está presenta con la compañía granadina La Itinerante (Daniel Doña y Cristian Martín), que ha desarrollado 'Danza Oscura'. Su propuesta pone el foco en la defensa de los derechos de la mujer y el feminismo, destacando que Averroes ya peleaba por estos valores en su época. La pieza cuenta con 15 mujeres y un hombre en escena para resaltar la sororidad y la fuerza colectiva.

El baile flamenco lo pondrá la coreógrafa Lucía 'La Piñona', que ha dejado su impronta con 'Dialogar entre la fe y la razón', una pieza que explora el equilibrio dialéctico característico del pensamiento averroísta.

El telón del Gran Teatro de Córdoba empieza a estremecerse antes de tiempo. Este martes 21 de abril, Daniel Diges, Ana San Martín y el sevillano Rubén López han presentado la llegada de El Fantasma de la Ópera, el musical que recalará en la ciudad del 15 al 24 de mayo tras arrasar en su gira nacional.

Con más de 300.000 espectadores acumulados en dos temporadas en Madrid, esta producción —la única versión oficial en activo del mundo junto a la de Broadway— se ha consolidado como un fenómeno escénico. En España, la gira ya ha cumplido un año y recorrerá un total de 30 ciudades, llevando consigo una propuesta que combina la esencia clásica con una renovada mirada emocional.

Dirigido por Federico Bellone y con dirección musical de Julio Awad, ganador del Premio Talía 2024 por este montaje, el espectáculo ha sido aprobado por el propio Lloyd Webber, un privilegio reservado únicamente a contadas producciones fuera del original. La adaptación de las letras corre a cargo de Silvia Montesinos, mientras que el vestuario diseñado por Chiara Donato ha sido reconocido con el Premio del Público Broadway World Spain.

Durante la presentación, los protagonistas ofrecieron un adelanto musical acompañados al piano por David Pérez, interpretando tres de los temas más emblemáticos de una partitura que ya es historia del teatro musical español.

Ángela Gudino, directora de giras de la productora LETSGO, ha señalado que la producción destaca por su imponente despliegue técnico: un escenario giratorio, sonido de última generación que garantiza una experiencia homogénea desde cualquier butaca, efectos de luz que intensifican la tensión dramática y una cuidada escenografía y vestuario de corte clásico. Cada jornada contará con dos funciones, respaldadas por una orquesta de 14 músicos en directo.

Más allá del espectáculo visual, esta versión apuesta por una mayor profundidad emocional en sus personajes. “Son más humanos, más cercanos, y el público puede identificarse fácilmente con ellos”, explicaba Ana San Martín, quien interpreta a la joven soprano enamorada del apuesto vizconde Raoul de Chagny, a quien da vida el sevillano Rubén López.

El protagonista del clásico es, a su vez, una Daniel Diges que ha reconocido que es un papel que implica un gran desgaste físico y mental. “Hacer dos funciones diarias es duro: necesitas descansar bien, dormir en una habitación silenciosa y llevar una vida casi monástica”, afirmaba. No en vano, añade, “los actores de musicales somos los atletas de los actores”. Aun así, reconoce que el ritmo escénico tiene su recompensa: “Las primeras funciones son buenas, pero muchas veces las segundas son mejores”.

Basado en la novela de Gaston Leroux publicada en 1910, El Fantasma de la Ópera narra la historia de una enigmática figura que habita bajo la Ópera de París, obsesionada con la joven soprano Christine Daaé. Desde su estreno en el West End en 1986 —hace 40 años— y su llegada a Broadway en 1988, el musical ha sido visto por más de 160 millones de espectadores en 195 ciudades y 21 idiomas, convirtiéndose en el más exitoso de la historia.

Esta nueva vida del Fantasma forma parte del impulso de Andrew Lloyd Webber y Antonio Banderas, quienes fundaron en 2022 la productora Amigos Para Siempre para desarrollar espectáculos en español destinados al mercado global.

El Hospital Universitario Reina Sofía de Córdoba ha conmemorado su 50 aniversario con una gala institucional que ha rendido homenaje a las 28.363 profesionales que en estas cinco décadas han dado forma, generación tras generación, a una de las instituciones sanitarias más queridas y reconocibles de Córdoba.

Según ha informado la Junta en una nota, medio siglo después de su apertura, el centro ha llegado a esta efeméride como un hospital profundamente unido a la ciudad, con una trayectoria marcada por la excelencia, la innovación y una forma de cuidar que ha trascendido lo estrictamente asistencial para convertirse en parte de la memoria colectiva cordobesa.

La gran respuesta de la ciudadanía ha vuelto a poner de manifiesto ese vínculo. Las entradas para asistir al acto se agotaron, en una muestra más del afecto, la identificación y el sentimiento de pertenencia que el Hospital Reina Sofía ha despertado en su vida.

La velada estuvo conducida por Carmen Ramos y Eloy Moreno, presentadores del programa de televisión Andalucía Directo, vestidos para la ocasión por la firma de moda cordobesa Silbon, y ha sido concebida como un recorrido emocional por los momentos más decisivos de la vida, desde el nacimiento hasta la vejez, para subrayar que el hospital no solo ha cuidado, sino que también ha acompañado, ha sostenido y ha formado parte de la historia personal de miles de familias.

Antes incluso del comienzo del acto, la experiencia de la gala comenzaba en la entrada, donde los asistentes se pudieron llevar un recuerdo especial gracias a 'La Turista', que fue realizando fotografías a los invitados y les entregaba una portada de periódico conmemorativa del acontecimiento. Junto a ello, el público también pudo dejar mensajes y buenos deseos en un espacio instalado para la ocasión bajo el nombre de 'El teléfono de las emociones', una propuesta pensada para recoger la dimensión más humana, cercana y afectiva de este aniversario.

La gala

Ya en el interior, el programa ha reunido sobre el escenario a Lucía Tavira, soprano, y Alfonso Linares, guitarrista flamenco, y los arreglos de Alfonso Linares; a Toñi Cepas, nacida el mismo día de la inauguración del hospital y hoy profesional del centro; a José Antonio Elías, enfermero que participó en la primera intervención quirúrgica junto al doctor Carlos Pera, y a María Dolores Pozuelo, enfermera que ha atendido al primer paciente de las antiguas Urgencias, quienes han compartido cómo fueron esos primeros días y la preparación para abrir las puertas de la entonces Ciudad Sanitaria Reina Sofía.

En el acto también participaron la jefa de servicio de Hematología, Concha Herrera, el jefe de servicio de Oncología Médica, Enrique Aranda, quienes contaron cómo ha evolucionado la medicina y la asistencia en estas cinco décadas, así como Francisca Alarcón, protagonista de los inicios del Materno Infantil.

También dirigió a los asistentes unas palabras el director gerente del hospital, Francisco Triviño, quien señaló la importancia de las personas, instituciones y familias que han proyectado el hospital más allá de los límites de la ciudad.

Para finalizar, el pianista cordobés Alberto de Paz, encargado del cierre artístico de la gala. Uno de los momentos más simbólicos de la noche llegaba con un fragmento de 'Solaz', del coreógrafo cordobés Antonio Ruz, Premio Nacional de Danza, cuya participación ha reforzado la dimensión cultural de una celebración que ha querido poner en valor todo aquello que sostiene, emociona y acompaña, también más allá de la práctica clínica.

El acto se dividió en cinco actos, como una obra de teatro, separados por la música de la violinista Marina Cosano, que ha ido introduciendo cada una de las partes de la gala.

50 años del hospital

La gala ha servido también para poner en valor la dimensión real de una institución que, a lo largo de estos 50 años, se ha convertido en un complejo sanitario de referencia. El Hospital Reina Sofía ha pasado de sus dos edificios iniciales a un entramado de diez edificios y más de 170.000 metros cuadrados proyectados para 2026; ha crecido hasta reunir cerca de 7.000 profesionales, y ha consolidado una actividad anual de alrededor de 41.000 ingresos, más de 216.700 urgencias, más de 811.000 consultas externas y cerca de 40.000 intervenciones quirúrgicas.

Junto a ese crecimiento asistencial, el hospital ha reforzado de forma sostenida su liderazgo en investigación, docencia e innovación. En torno al Imibic, ha articulado una actividad científica de gran envergadura, con centenares de estudios clínicos activos, fases tempranas de investigación y registros de propiedad industrial e intelectual. Al mismo tiempo, ha mantenido su vocación universitaria y formadora, consolidándose como un espacio donde se ha cuidado, se ha enseñado y se ha generado conocimiento.

La celebración ha querido subrayar además una de las fortalezas históricas del centro: su capacidad para combinar alta complejidad con cercanía y humanidad. El hospital ha construido un modelo en el que la innovación tecnológica, la medicina de precisión, las terapias avanzadas y el desarrollo de nuevas infraestructuras han convivido con una apuesta constante por la humanización, entendida como una manera de acompañar con respeto, sensibilidad y escucha a pacientes y familias.

Un hospital que ha crecido con Córdoba

En estos 50 años, el Hospital Reina Sofía se ha convertido en una de las grandes instituciones públicas de la provincia y en un motor sanitario, científico, docente, económico y social para Córdoba. Su evolución ha acompañado también la de la ciudad: desde la antigua Ciudad Sanitaria hasta su actual configuración como complejo hospitalario de referencia, con capacidad para atender a toda la provincia, a parte de Jaén y, en determinados programas de alta complejidad, al conjunto de Andalucía.

Ese crecimiento no se ha medido solo en superficie, actividad o tecnología. También se ha medido en capacidad para generar pertenencia. El llamado 'Espíritu Reina Sofía', forjado durante décadas por miles de profesionales, ha resumido una forma de entender la sanidad pública basada en el compromiso, la excelencia y el vínculo profundo con la ciudadanía.

Cinco décadas de innovación

La trayectoria del Hospital Reina Sofía ha quedado marcada por hitos que han definido su identidad: la primera operación a corazón abierto apenas un año después de su apertura, el desarrollo de uno de los programas de trasplantes más sólidos del país, la consolidación de su condición universitaria y el impulso de una medicina cada vez más precisa, especializada y apoyada en la tecnología.

A ello se ha sumado una apuesta decidida por el futuro, visible en la apertura del nuevo edificio de Consultas Externas Materno Infantil, en el crecimiento de la investigación clínica, en la incorporación de nuevas herramientas diagnósticas y terapéuticas y en la consolidación de un modelo asistencial que ha sabido ampliar su capacidad sin perder la dimensión humana del cuidado.

Con esta gala, el Hospital Universitario Reina Sofía ha querido celebrar su pasado, agradecer el compromiso de quienes lo han hecho posible y renovar públicamente su vocación de futuro. El mensaje que ha atravesado toda la noche, 50 años después, ha seguido siendo el mismo: cuidar, investigar, enseñar, innovar y acompañar, siempre con las personas en el centro.

El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) ha iniciado la instalación de las pantallas digitales en las fachadas de los teatros municipales que sustituyen a los anteriores soportes y que ofrecerán la programación de estos edificios municipales. Este miércoles, los operarios trabajaban en la fachada del Gran Teatro para colgar las nuevas pantallas donde se difundirá la programación.

La instalación de las pantallas digitales se realiza después de que el Instituto Municipal de Artes Escénicas sacara a licitación un contrato para sustituir los anteriores soportes para carteles de papel por pantallas en el Gran Teatro, el teatro Góngora y el Teatro de La Axerquía, con el objeto de “ser más eficientes, eficaces y hacer más accesibles las comunicaciones con los ciudadanos”.

El IMAE justificaba en dicho contrato la implantación de estas pantallas en la necesidad de dar difusión a la programación ordinaria y extraordinaria como el Festival de la Guitarra y el Concurso Nacional de Arte Flamenco en los teatros municipales, así como otro tipo de información de interés para la ciudadanía, de manera que “la población conozca la oferta y pueda tomar la decisión para la compra de entradas, así como garantizar la notoriedad y reputación de la actividad propia de la institución municipal”.

Posibilidad de incluir vídeos

Se destaca el emplazamiento de los teatros del IMAE y que “por la ubicación de sus instalaciones pasan miles de espectadores potenciales”, además de que las pantallas digitales dan “la posibilidad de ser más eficaces en las comunicaciones con los diferentes públicos al poder incluir vídeos, poder actualizar con mayor inmediatez tanto los espectáculos como incidencias propias de los teatros (cambios de horarios, organización de colar, etc.)”.

Para la sustitución de las diferentes carteleras ubicadas en los exteriores del Gran Teatro y el Teatro Góngora por pantallas digitales, se solicitó autorización a la Consejería de Turismo, Cultura y Deporte, Delegación Territorial en Córdoba, con informe favorable emitido ya en fecha 19 de julio de 2024 para ambos casos.

Soportes en cada teatro

En la fachada de la avenida Gran Capitán donde está el edificio del Gran Teatro existían hasta hace unas semanas tres soportes tradicionales en papel que se reemplazan ahora por soportes digitales. Asimismo, en la fachada de la Calle Jesús y María, donde está el edificio del Teatro Góngora, existía un soporte tradicional en papel que se quiere digitalizar también. Además de este soporte exterior, se proponen soportes digitales adecuados en la zona superior de las ventanillas de taquillas, situadas a uno y otro lado de la entrada al teatro.

Mientras, en el teatro de La Axerquía, situado en la Avenida Méndez Pidal, hay tres espacios donde instalar soportes digitales: la zona de taquillas, la fachada de entrada al teatro y un cristal en una fachada lateral del edificio.

El contrato para sustituir las carteleras en papel de las fachadas de los teatros municipales de Córdoba también tiene previsto el servicio de mantenimiento y el software que permitirá la gestión de las nuevas pantallas.

Una de esas citas culturales que han atravesado la gran pantalla y ahora también aparecen sobre el escenario. El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) de Córdoba ha anunciado que el próximo mes de mayo aterriza la obra Campeones 2 en el Teatro. Si Lorca levantara la cabeza, una iniciativa que llega tras el éxito de Campeones de la Comedia y que está basada en las películas de Campeones.

Dicha obra, tal y como explica la organización, promueve la inclusión social de personas con discapacidad intelectual como ciudadanos con plenos derechos. Este show está dirigido por Juan Manuel Montilla, más conocido como El Langui, y quiere llenar el Gran Teatro de Córdoba el próximo 29 de mayo a las 20:00. Las entradas ya están disponibles en la página web oficial del IMAE y los precios oscilan entre los 11 y los 27 euros.

Sinopsis

Claudia es una actriz a la que le va bien. Muy bien. Sin embargo, siente que todavía no le ha llegado ese gran personaje que le podría encumbrar. Hasta que un día la suerte toca a su puerta. Uno de los más grandes va a dirigir su última película, y el personaje principal lo ha escrito pensando en ella. Eso sí, el personaje tiene una discapacidad, y antes de tomar una decisión el director quiere verla. Claudia decide reencontrarse con Gloria, su prima con síndrome de Down… este encuentro propiciará una serie de acontecimientos que harán que Claudia tenga que replantearse qué es el verdadero éxito en la vida.

La agenda cultural del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) de Córdoba propone este fin de semana 'El día del Watusi', en el Gran Teatro, y 'Función principal... ¡Yo creo que salimos!' con las localidades agotadas en el Teatro Góngora. Las entradas para la función accesible de 'El día del Watusi', el viernes, y otros espectáculos del IMAE están disponibles en la taquilla del Gran Teatro y a través de 'teatrocordoba.es'.

Tal y como ha detallado el IMAE en una nota, el viernes, 27 de marzo, en conmemoración del Día Mundial del Teatro, se representará 'El día del Watusi', una adaptación de la novela de Francisco Casavella, firmada por Iván Morales. 'El día del Watusi' es el retrato alucinado, rítmico y místico de la Transición Española y estará interpretado por Guillem Balart, David Climent, Raquel Ferri, Anna Alarcón, Vanessa Segura y Artur Busquets.

Esta obra se incluye en las funciones accesibles del IMAE para personas con discapacidad auditiva y/o visual. Aquellas personas que lo requieran podrán disponer en sala de diversas herramientas que facilitan el seguimiento de la obra. El Gran Teatro de Córdoba dispone en sus funciones accesibles de subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva, audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión, bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición 'T', y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

El sábado, día 28, el público podrá disfrutar en el Teatro Góngora de 'Función principal... ¡Yo creo que salimos!', el espectáculo teatral de 'El Palermasso', la webserie de humor cofrade creada por Antonio Garrido y Ángel Garrido en 2016. Ante el público, Antonio Garrido, Juanma Lara, José Luis Penella 'Blis' y Isidro Pillín dan vida a cuatro hombres de barrio, auténticos perdedores en todos los aspectos de la vida adulta, que han alcanzado su primera gran ilusión y única meta en la vida: ser miembros de la junta de gobierno de una hermandad de Semana Santa.

Las entradas para todos los espectáculos del IMAE están disponibles en 'teatrocordoba.es', en las taquillas de los teatros de Córdoba en su horario habitual y en la app IMAE-Teatros de Córdoba, disponible para iOS y Android.

El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) ha iniciado los trabajos para retirar los actuales soportes que muestran en papel la programación de los teatros de Córdoba, que serán sustituidos por pantallas digitales en las fachadas de estos edificios municipales. Este miércoles, los operarios trabajaban en la fachada del Gran Teatro para quitar los soportes metálicos donde se difunde la programación.

La instalación de las pantallas digitales se realizará en las próximas semanas, ya tras la Semana Santa, según tienen previsto desde el IMAE, han explicado fuentes del organismo a este periódico. El Instituto Municipal de Artes Escénicas sacó a licitación un contrato para sustituir los actuales soportes por pantallas en el Gran Teatro, el teatro Góngora y el Teatro de La Axerquía, con el objeto de “ser más eficientes, eficaces y hacer más accesibles las comunicaciones con los ciudadanos”.

El IMAE justifica la implantación de estas pantallas en la necesidad de dar difusión a la programación ordinaria y extraordinaria como el Festival de la Guitarra y el Concurso Nacional de Arte Flamenco en los teatros municipales, así como otro tipo de información de interés para la ciudadanía, de manera que “la población conozca la oferta y pueda tomar la decisión para la compra de entradas, así como garantizar la notoriedad y reputación de la actividad propia de la institución municipal”.

Posibilidad de incluir vídeos

Se destaca la ubicación de las instalaciones del IMAE y que “por la ubicación de sus instalaciones pasan miles de espectadores potenciales”, además de que las pantallas digitales dan “la posibilidad de ser más eficaces en las comunicaciones con los diferentes públicos al poder incluir vídeos, poder actualizar con mayor inmediatez tanto los espectáculos como incidencias propias de los teatros (cambios de horarios, organización de colar, etc.)”.

Para la sustitución de las diferentes carteleras ubicadas en los exteriores del Gran Teatro y el Teatro Góngora por pantallas digitales, se ha solicitado autorización a la Consejería de Turismo, Cultura y Deporte, Delegación Territorial en Córdoba, con informe favorable emitido ya en fecha 19 de julio de 2024 para ambos casos.

Soportes en cada teatro

En la fachada de la avenida Gran Capitán donde está el edificio del Gran Teatro existían hasta ahora tres soportes tradicionales en papel que se quieren reemplazar por soportes digitales. Asimismo, en la fachada de la Calle Jesús y María, donde está el edificio del Teatro Góngora, existe un soporte tradicional en papel que se quiere digitalizar también. Además de este soporte exterior, se proponen soportes digitales adecuados en la zona superior de las ventanillas de taquillas, situadas a uno y otro lado de la entrada al teatro.

Mientras, en el teatro de La Axerquía, situado en la Avenida Méndez Pidal, hay tres espacios donde instalar soportes digitales: la zona de taquillas, la fachada de entrada al teatro y un cristal en una fachada lateral del edificio.

El contrato para sustituir las carteleras en papel de las fachadas de los teatros municipales de Córdoba también tiene previsto el servicio de mantenimiento y el software que permitirá la gestión de las nuevas pantallas.

Córdoba agota las horas para convertirse durante los próximos días en la capital de la música independiente española. Todo porque el Gran Teatro acogerá el próximo miércoles 25 de marzo la gala de los Premios MIN, los galardones de la música independiente que concede la Unión Fonográfica Independiente (UFi) y que, por primera vez en su historia, se celebran en Andalucía.

El gesto no es solo simbólico. Los MIN nacieron en 2009 con un objetivo claro: dar visibilidad y red de apoyo a una escena que llevaba años creciendo al margen de las grandes multinacionales. “Había muchísimo talento y actividad, pero no existía un espacio propio de reconocimiento para los artistas independientes”, explica Sonia Durán, directora general de la UFi.

Hoy ese ecosistema ya no es marginal. Según datos de la propia organización, el sector independiente representa entre el 35% y el 38% del mercado discográfico en España, una cifra que da idea de su peso real en la industria musical. “Hoy, ser independiente no define un sonido, define una forma de trabajar. Significa que artistas y sellos mantienen el control de sus proyectos, toman sus propias decisiones creativas y desarrollan su carrera fuera de las grandes multinacionales”, resume Durán.

Más allá del “indie”

Durante años, la palabra indie se popularizó como una etiqueta musical asociada a guitarras, festivales y cierta estética generacional. Lo que pasa es que aquello, que siempre se vio más que un género, no siempre tenía que ver con la independencia, ya que muchos de los grandes nombres de la ola indie en España, acabaron publicando con multinacionales.

Desde la UFi aclaran que la independencia en la música va mucho más allá de un estilo. “La música independiente no es un género”, insiste Durán. “Dentro hay pop, rock, electrónica, flamenco, jazz, música clásica o urbana. Lo que la define es la estructura y la libertad con la que se trabaja”. Esa diversidad se refleja también en el crecimiento de los propios Premios MIN, que se han convertido en el gran punto de encuentro anual del sector. Una noche en la que artistas, sellos y profesionales celebran una escena que ha aprendido a sobrevivir a las transformaciones radicales de la industria.

La música ha pasado en apenas dos décadas de la crisis de la piratería al dominio absoluto del streaming. “Hemos pasado de comprar discos a que dejaran de venderse porque se descargaban, y de ahí a escuchar música por suscripción”, explica Durán, que añade que este nuevo sistema tiene ventajas y desventajas, pero también ha democratizado el acceso y ha permitido que proyectos pequeños lleguen a audiencias globales.

Diez años de carretera para poder vivir de la música

Esa mezcla de libertad y precariedad es el día a día de muchos músicos independientes. Lo saben bien Repion, el dúo cántabro formado por las hermanas Marina y Teresa Iñesta, nominadas este año en cinco categorías de los Premios MIN. “Nosotras estuvimos diez años autoeditándonos. Eso significa hacerlo todo: grabar, promocionar, mandar discos a fábrica… absolutamente todo”, cuenta Teresa por teléfono a este periódico.

Así, durante una década compaginaron la música con otros trabajos. Solo desde hace un año y medio han conseguido dedicarse plenamente a su proyecto. “Ha sido después de muchísimos conciertos y muchísima inversión”, explica la artista, que aclara que ahora han logrado centrarse al cien por cien en la música, que era “el sueño de nuestra vida”.

Repion forma parte hoy del sello independiente Mushroom Pillow, una estructura pequeña comparada con las grandes multinacionales, pero que permite algo que las artistas consideran esencial: libertad creativa. “Lo principal es que hay menos presión para convertir cada disco en un producto”, explica Teresa. “Trabajamos con un equipo pequeño, muy cercano, que se implica mucho en el proyecto”.

La libertad… y el abismo

Para muchos artistas, ese margen creativo es la mayor ventaja —y al mismo tiempo el mayor vértigo— de la independencia. “Es libertad total, pero también un abismo. Es como meterte en un bosque virgen y tener que abrir tú mismo el camino”, explica Víctor Cabezuelo, líder de Rufus T. Firefly, un proyecto también nominado en los MIN, y que el pasado fin de semana dio la sorpresa al hacerse con el Premio Ruido que entrega la prensa musical de España al mejor disco de 2025.

La industria musical, recuerda Cabezuelo, sigue funcionando en gran medida bajo las reglas establecidas por las grandes discográficas. “Ellos diseñaron el tablero de juego. Pero a veces puedes inventarte otras reglas y buscar tu propio camino”, dice este compositor, que reconoce que el éxito en la música no siempre responde al talento o al esfuerzo: “Hay grupos increíbles que hacen todo bien y aun así no consiguen que la gente los escuche. Es una parte muy injusta de este oficio”.

Aun así, para muchos artistas el impulso creativo está por encima de cualquier cálculo. “Yo hago música porque no tengo otro remedio. Es lo que me da la vida”, resume Cabezuelo, que reconoce que sería positivo que el público, los oyentes, conocieran realmente qué hay detrás de lo que escuchan: “Está bien saber que hay discos que se han hecho con 10.000 euros y otros que se han hecho con 5 millones de euros”.

Una fiesta para una escena que resiste

Más allá de los premios, la gala de Córdoba será sobre todo una celebración colectiva. Un lugar de encuentro para un sector que, pese a las dificultades, ha sabido reinventarse una y otra vez. Durán lo define como “la gran fiesta de la música independiente”. Una noche para poner rostro a una industria que muchas veces permanece invisible para el público.

Para Cabezuelo, lo ilusionante -dice- está en “el hecho de reivindicarse como independiente dentro de la industria”, mientras que para las Repion, forman parte “de ese proceso de consolidación” por el que pasan muchas bandas que, como ellas, pueden llegar a ser consideradas emergentes, aunque lleven una década largo sobre los escenarios.

Porque detrás de cada canción que aparece en una plataforma digital hay mucho más que un archivo de audio: grabación, producción, mezcla, diseño, distribución, promoción y meses —a veces años— de trabajo. “Ahora la música está disponible de forma inmediata y quizá no siempre se percibe todo lo que hay detrás”, admite Durán. Pero algo sí ha cambiado en los últimos años: el público vuelve a apoyar a los artistas a través de conciertos, vinilos o merchandising.

Ese vínculo directo con el público es, precisamente, una de las grandes fortalezas del ecosistema independiente, y a ese vínculo apelan los Premios MIN, que buscan crear en Córdoba esa red invisible que sostiene buena parte de la música que define el sonido actual de España en estos tiempos en los que los algoritmos comienzan a monopolizar los gustos de los oyentes.

El 'Ciclo Mujer' es la propuesta, un año más, del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) para conmemorar el Día Internacional de la Mujer. Por ello, tres espectáculos con grandes historias de mujeres como protagonistas vertebran la programación de esta semana, que comenzará con 'Inés de Ulloa', obra escrita por Sergio Rubio, a partir de las obras de Zorrilla y Claramonte, el 19 de marzo en el Teatro Góngora.

Tal y como ha indicado el IMAE en una nota, Inés da la voz a la mujer por encima del mito de Don Juan, para contar su verdad ante un público de todas las edades, ya que, además de la función de las 20:00, se realizará una función para centros de educación secundaria ese mismo día a las 11:00.

Enmarcada en dicho ciclo, la cantante y performer Rocío Guzmán fusiona la tradición flamenca y la electrónica contemporánea en su nuevo proyecto discográfico 'ETC, cante VOL.1', que presentará el 20 de marzo en el Teatro Góngora. Por último, el 21 de marzo 'Las hermanas de Manolete', dirigida por Alicia Montesquiu, pondrá sobre el escenario una historia de ficción en torno a los personajes reales que rodearon la muerte del torero Manolete en 1947.

Además, 'La Barraca', basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, pasará por el Gran Teatro el viernes 20 de marzo. Dirigida por Magüi Mira y adaptada por Marta Torres esta obra aborda temas como la lucha entre razón y violencia, el arraigo a la tierra y las tensiones sociales en una comunidad. Esta historia está interpretada por Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Patricia Ross, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba.

Las entradas para todos los espectáculos del IMAE están disponibles en teatrocordoba.es, en las taquillas de los Teatros de Córdoba en su horario habitual y en la app IMAE-Teatros de Córdoba, disponible para iOS y Android.

La ópera Macbeth llegó este viernes al Gran Teatro, donde repetirá función el domingo, para deleitar al público cordobés con esta creación de Verdi. Macbeth es la primera ópera del autor que no trata sobre amor, sino de brujas, fantasmas, apariciones y habla también de temas actuales. Hace, también, un canto de lamento hacia la pérdida o el no reconocimiento de la patria.

Esta puesta en escena de la ópera se ha realizado en memoria de José Luis Castro, director de escena y responsable de la puesta en escena, fallecido el pasado año. Y ha llegado a Córdoba con un elenco capitaneado por Carmen Guerra, como directora de reposición escénica, y Salvador Vázquez, director musical y director de la Orquesta de Córdoba. La representación cuenta también con Javier Franco (Macbeth), Carmen Solís (Lady Macbeth), Alejandro López (Banquo), Santiago Vidal (Macduff), Rafael Díaz (Malcolm), Lucía Tavira (Dama de Lady Macbeth) y Gregorio García (Médico/Siervo de Macbeth).

El artista sevillano Manu Sánchez ha agotado todas las entradas para las dos sesiones de Entregamos que tiene previstas para el próximo 18 de abril en el Gran Teatro, según ha informado el Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) en su página web.

Este aclamado humorista, artista y actor de Dos Hermanas está causando furor, sobre todo en Andalucía. Más concretamente, Sánchez planeó dos sesiones el 18 de abril en el Gran Teatro y con más de un mes de antelación ha colgado el cartel de sold out.

Según la organización, Entregamos es un grito de sinceridad hecho espectáculo que pone en escena al Manu Sánchez “más auténtico, genuino y cercano”. “Llega para abrirse en canal, para reír como si no hubiese un mañana. Ahora es más consciente que nunca de que, a veces, puede que no haya un mañana. Un show ácido con grandes dosis de humor a bocajarro para abordar las ironías de la vida con su espectacular visión e ingenio”.

Sánchez expondrá su show el 18 de abril a las 17:30 y a las 21:00.

La ópera Macbeth llega al Gran Teatro de Córdoba los próximos 13 y 15 de marzo con un elenco capitaneado por Carmen Guerra, como directora de reposición escénica; y Salvador Vázquez, director musical y director de la Orquesta de Córdoba. Como ha señalado la presidenta del Instituto Municipal de las Artes Escénicas (IMAE), Isabel Albás, esta ópera se ha realizado en memoria de José Luis Castro, director de escena y responsable de la puesta en escena, fallecido el pasado año.

Esta coproducción del IMAE Gran Teatro de Córdoba y el Teatro Villamarta (Fundación Cultural Universitaria de las Artes de Jerez, Fundación Pública Local (FUNDARTE)) se encuentra cerca de colgar el cartel de ‘Localidades agotadas’ en ambos pases. El elenco para esta representación está conformado por Javier Franco (Macbeth), Carmen Solís (Lady Macbeth), Alejandro López (Banquo), Santiago Vidal (Macduff), Rafael Díaz (Malcolm), Lucía Tavira (Dama de Lady Macbeth) y Gregorio García (Médico/Siervo de Macbeth).

La presidenta del IMAE ha destacado el trabajo de este equipo de profesionales y artistas, así como ha señalado que “es un orgullo que, desde el IMAE, se pueda ofrecer a la ciudad una programación lírica de una calidad incalculable y saber que el público desea asistir y disfrutar de estos títulos”.

Asimismo, en la presentación estaban Carmen Guerra, como directora de reposición escénica; Salvador Vázquez, director musical y director de la Orquesta de Córdoba; Alejandro Muñoz, Director del Coro de Ópera de Córdoba; Jesús Ruiz, encargado del diseño de Escenografía y Vestuario; David Bernués, encargado del diseño de Iluminación y Videoescena; y el barítono Javier Franco, quien interpreta a Macbeth y la soprano Carmen Solís, quien da vida a Lady Macbeth.

Carmen Guerra ha agradecido al equipo del IMAE, así como a los profesionales que la acompañan en esta coproducción. Asimismo, ha recordado el trabajo de José Luis Castro, “continuar su trabajo supone una gran responsabilidad y una forma de rendir homenaje a su mirada teatral. Desde el 2009 fue revisando y perfeccionando la producción a lo largo de los años, en enero de 2025 terminó de revisar la puesta en escena con una ambición visual depurada”.

Salvador Vázquez ha introducido la historia, “esta es la primera ópera de Verdi que no trata sobre amor, sino que trata de brujas, fantasmas, apariciones y habla también de temas actuales. Hace un canto de lamento hacia la pérdida o el no reconocimiento de la patria”.

“Macbeth es un tótem colosal para cualquier amante del teatro, es un drama formidable, que habla de cómo la ambición acaba destruyendo, es una huida hacia la aniquilación. Eso nos lleva al sentimiento profundamente nihilista, con una fuerza aplastadora. En ese nihilismo, José Luis quería la máxima depuración. Todo el espacio fue muy trabajado en cuatro elementos: unas paredes altas y negras que cambian continuamente, los restos de la batalla, la foresta y las apariciones, todos ellos en continuo movimiento”, ha matizado el encargado del diseño de Escenografía y Vestuario, Jesús Ruiz.

En esta producción, la parte audiovisual resulta fundamental, David Bernués, encargado del diseño de Iluminación y Videoescena, ha destacado que es “un espectáculo contundente y duro, por lo que necesitamos todo el rato de estos territorios lúgubres. Todo esto hay que trasladarlo a la luz, de forma austera, sin artificios, ni grandes efectos”.

Por su parte, el director del coro de la orquesta de Córdoba, Alejandro Muñoz, ha incidido en la complejidad de esta obra. “El coro tiene un papel discursivo y estructural, ayuda a articular todo lo que va sucediendo. La dificultad musical y escénica es muy alta”.

Por último, los protagonistas de esta historia Macbeth y Lady Macbeth. El barítono Javier Franco ha expresado el honor de debutar en este rol. “Mi personaje aparece como alguien noble que acaba de ganar una batalla, pero al final acaba siendo manipulado por las brujas y por su mujer. Acaba saliendo esa ambición que le consume hasta un estado nihilista absoluto, sentenciando ”la vida qué importa“ finalmente”.

La soprano Carmen Solís, quien da vida a Lady Macbeth, también debuta en este rol y en Córdoba. “Me he encontrado con este personaje que es un punto y aparte en mi carrera a nivel escénico y vocal. Lady Macbeth encarna el espíritu de la antiheroína verdiana, que tiene grandes saltos en las partituras. De un modo contundente y salvaje, encarna esa disparidad de vocalidades”. 

Las últimas entradas para disfrutar de Macbeth están disponibles en teatrocordoba.es, en las taquillas de los Teatros de Córdoba en su horario habitual y en la APP – IMAE – Teatros de Córdoba, disponible para IOS y Android.

La ciudad de Córdoba acogerá el próximo 25 de marzo a las 20:30 una de las grandes citas de la música española: la gala de los Premios MIN 2026, los galardones que reconocen lo mejor de la escena independiente del país. Para que nadie se quede sin vivirlo en directo, Cordópolis regalará entradas para asistir al evento en el Gran Teatro de Córdoba.

Los lectores interesados podrán conseguir hasta dos entradas por persona simplemente registrándose a través de la plataforma habilitada para ello. Los tickets corresponden a la zona Paraíso del teatro, desde donde se podrá disfrutar de una gala que reunirá a algunos de los nombres más destacados de la música independiente actual.

Los Premios MIN están organizados por la Unión Fonográfica Independiente y se han consolidado, tras casi dos décadas de trayectoria, como uno de los principales escaparates de la creación musical independiente en España. Cada año reconocen a artistas, sellos discográficos y profesionales de la industria que desarrollan su trabajo al margen de las grandes multinacionales y que representan la diversidad creativa del panorama musical.

La edición de 2026, que alcanza su decimoctava convocatoria, se celebrará por primera vez en Andalucía y tendrá como escenario el histórico teatro cordobés, convirtiendo a la ciudad durante unos días en uno de los centros de la industria musical española.

Artistas nominados y actuaciones

Entre los artistas que parten como favoritos en esta edición destacan Carlos Ares y Valeria Castro, que encabezan la lista con seis nominaciones cada uno. Les siguen bandas y artistas como Repion, Rufus T. Firefly, Sanguijuelas del Guadiana o Zahara, que también figuran entre los proyectos más destacados del año.

Además de la entrega de premios, la gala contará con actuaciones en directo de varios artistas de la escena independiente, entre ellos Rufus T. Firefly, Queralt Lahoz, Sanguijuelas del Guadiana, Çantamarta, Vera Fauna o Las Rodes, entre otros, que pondrán música a una de las noches más importantes del sector.

El Gran Teatro, La Axerquía y el Teatro Góngora, es decir, los tres teatros públicos que gestiona el Instituto Municipal de las Artes Escénica de Córdoba (IMAE), cerraron el ejercicio 2025 con cifras que rozan los cuatro millones de euros de recaudación y una media absoluta que supera los 700 espectadores por función.

La presidenta del Instituto Municipal de las Artes Escénicas Gran Teatro de Córdoba (IMAE) y teniente de alcalde de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, Isabel Albás, ha presentado el balance de actividad correspondiente al año pasado, un ejercicio que, a su juicio, confirma la estabilidad del modelo de gestión cultural y económica de los teatros públicos de la ciudad.

Según los datos facilitados, durante el pasado año, los espacios escénicos municipales registraron 259 días de actividad y un total de 185 espectáculos que dieron lugar a 283 funciones, congregando a 203.005 espectadores. Estos datos sitúan la media en aproximadamente 717 asistentes por función, mientras que la recaudación global ascendió a 3.987.640,54 euros, consolidando, a juicio de Albás, “la tendencia de crecimiento iniciada tras la pandemia y situando al IMAE en niveles que prácticamente duplican los ingresos obtenidos en 2019”.

Por espacios

El Gran Teatro de Córdoba, el más antiguo de los tres y con aforo de 989 espectadores, acogió 117 funciones, con 80.943 entradas y una ocupación media del 79,19%. En este emblemático teatro, la recaudación alcanzó 1.755.601,17 euros.

El Teatro de la Axerquía, el de mayor capacidad (3.500 espectadores), programó 29 espectáculos en 30 funciones, reuniendo a 68.560 espectadores y registrando la mayor recaudación de los tres espacios, con 1.972.295,40 euros, favorecida por la celebración de propuestas de gran formato. No obstante, fue el que tuvo peor dato de ocupación, del 64,89% (aunque, ese dato equivalga a 2.285 espectadores de media por espectáculo, más del triple que la del Gran Teatro).

Por su parte, el Teatro Góngora, con capacidad para 596 butacas, albergó 78 espectáculos y 136 funciones, con 53.502 espectadores y una ocupación media del 70,84%, alcanzando una recaudación de 259.743,97 euros.

Evolución y consolidación del modelo

Isabel Albás ha subrayado que 2025 “representa el fortalecimiento del modelo de gestión, tanto a nivel cultural como económico”. Así, ha indicado que la recuperación comenzó en 2022, tras el impacto de la Covid-19. En 2024 se alcanzó un máximo histórico, con más de 215.000 espectadores y 4,2 millones de euros de ingresos. En 2025, aunque el número de espectáculos ha sido ligeramente inferior, las cifras se mantienen en niveles muy similares, consolidando una etapa de estabilidad.

“Estos datos demuestran que el modelo funciona y que hemos logrado un equilibrio entre ambición cultural y sostenibilidad económica”, ha señalado la presidenta del IMAE, que ha sostenido que el balance de 2025 confirma también tendencias en el comportamiento del público. En este ámbito, sin facilitar los datos concretos, la presidenta del IMAE ha destacado la influencia positiva de medidas como el Bono Cultural y los distintos descuentos aplicados durante 2024 y 2025, que han facilitado el acceso de este segmento de población a la programación municipal.

Coordinación con grandes eventos

La presidenta del IMAE ha querido destacar que la actividad ordinaria de los teatros municipales es “perfectamente compatible” con la celebración de grandes festivales en la ciudad (Córdoba Live y Califa Fest, ambos pendientes de subvención con dinero público del IMAE), ya que manejan aforos de entre 10.000 y 12.000 personas, cifras muy superiores a las de los espacios escénicos municipales.

“Trabajamos de forma coordinada y siempre mirando por el interés de Córdoba y de todos los cordobeses”, ha afirmado Albás, que ha negado que el año pasado se decidiera no programar conciertos en La Axerquía en sábado durante el Festival de la Guitarra por no hacerlos coincidir con el Córdoba Live. No obstante, ha adelantado que este año sí que habrá espectáculos los sábados del festival y que se conocerán muy pronto.

Un proceso judicial tiene mucho de representación teatral y viceversa. Con frecuencia, una obra de teatro nos presenta un dilema moral sobre el que vemos debatir distintas posiciones sobre el escenario hasta llegar a un final en el que se dicta sentencia, es decir, esa verdad imperfecta y a menudo ambigua que nos reconcilia con la naturaleza humana. Hay mucho de esa búsqueda, que es también, claro, emocional, en la obra Camino a la Meca, en la que su autor, Athol Fugard, parte de un personaje real: la artista Helen Martis, escultora sudafricana que llenó el jardín de su casa con estatuas a través de la que expresaba su ansias de autonomía.

Todo ello en una aldea sudafricana de una región semidesértica, en 1974, en un momento en el que está germinando la contestación al apartheid. La visita que Helen recibe de una amiga con la que siempre mantuvo una relación de estrecha complicidad, Elsa, es el detonante de un “proceso” en el que se acabará juzgando, en definitiva, la autonomía de la protagonista, su capacidad para tomar decisiones sobre su vida en esa edad avanzada en la que acabamos infantilizados, como si paradójicamente la vejez nos llevara a una especie de minoría de edad. 

Camino a la Meca, que es una más de las muchas obras que Fugard escribió reflejando la segregación implantada por la minoría blanca sobre la población negra en Sudáfrica, incorpora a esta realidad la dominación del hombre sobre la mujer y la que todos en general acabamos ejerciendo sobre las personas viejas. Es, en este sentido, una reflexión sobre la lucha del ser humano, y muy singularmente de las mujeres, contra los barrotes de las jaulas que representa la comunidad. Una defensa de la extrañeza y de las múltiples formas de luchar contra la oscuridad, tal vez el sentido último de nuestra alma dubitativa que, con frecuencia, acaba siendo esclava de dogmas y promesas, ya lleven el nombre del amor o el de un profeta que nos anuncia el paraíso.

En la obra, este conflicto se dirime entre la voz de la racionalidad de alguien que ha vivido y sufrido, la de la amiga profesora que está aprendiendo a encontrar el sentido último del dolor, y la de ministro de la iglesia que ofrece la vía de la salvación y la misericordia, aunque bajo su traje de impecable hombre omnipotente no sea capaz de disimular la fragilidad que representa saberse enamorado.  

Con una escenografía que, aunque recogiéndonos en un espacio interior, no deja de abrir ventanas y sonidos al exterior, y con un movimiento actoral que, poco a poco, va creando una coreografía que nos habla de las pulsiones de los protagonistas, la obra crece gracias a la potencia con la que sus intérpretes logran que los espectadores sean mucho más que testigos de unas vidas que, en apenas hora y media, recorren pasado, presente y futuro.

La solvencia de Carlos Olalla y, sobre todo, el dominio de la escena y el equilibrado pulso emocional de Natalia Dicenta, a la siempre es un placer escuchar entonando canciones con sabor a Broadway y que en esta obra sabe como nadie manejar silencios y esperas, mantienen la red de argumentos y sentires que en la casa de Helen parecen a punto de estallar en una tormenta. La que sacude el pecho y las manos de la protagonista, de la vieja rebelde casi hechicera, la heredera de brujas y artistas silenciadas, la disidente de iglesias y costumbres, la que sobre el escenario se hace cuerpo y vulnerabilidad gracias a una Lola Herrera que, una vez más, nos demuestra que es un animal nacido para trasladarnos con su voz todos los alientos que caben en el alma de personajes que tienen tanto de nosotros mismos.

Es evidente que el público que ha llenado durante dos noches el Gran Teatro acudió a la cita como miembros de un club de fans que llevan décadas siguiendo y admirando a una mujer que hoy, a sus 90 años, continúa siendo un referente de señora capaz de manejar el timón y de mostrarle al mundo, siempre con elegancia y un punto de fragilidad no impostada, el tesoro que supone haber ido saliendo victoriosa de múltiples batallas. Los aplausos que en varias ocasiones interrumpieron la función, como si estuviéramos en un concierto donde el público celebra cada canción, fueron la constatación evidente de que Lola ha traspasado esa frontera que coloca a algunos actores y a algunas actrices, pocos muy pocos, algunas solo algunas, en una especie de jardín que, como el de Helen, nos indica que el camino a la Meca, el de cada uno de nosotros, tiene que ver con la posibilidad que tengamos de moldear con nuestras manos vida, belleza y dolor. 

“Lo mismo que aprendí a encender la velas sola, tengo que aprender a apagarlas sola”, dice en un momento conclusivo de la obra una Helen que tiene la bellísima cabellera blanca de Lola y que se nos antoja una suerte de maga que al fin ha descubierto en qué consiste la eternidad. En esa apuesta por la libertad entendida como antorcha que nos hace necesariamente extraños y disidentes, y que por supuesto no entiende ni de géneros ni edades, radica la hermosura de una obra que, con el peso de un relato clásico y ordenado, de esos que nos ofrecen seguridad a los espectadores dubitativos, nos reconcilia con la geometría de la luz y del color. La esencia última, tal vez, siempre tal vez, de unas vidas en las que, como la de la escultora de búhos y ángeles sin estúpidas aureolas, el mayor desafío es equilibrar la soledad habitada con el pulso tembloroso de una mano capaz de encender esas velas que iluminan y son también, como reverso apasionado, capaces de provocar un incendio.

El Gran Teatro de Córdoba acogerá los próximos días 13 y 15 de marzo una de las grandes obras maestras de la ópera: 'Macbeth', de Giuseppe Verdi, basada en la tragedia de William Shakespeare. Se trata de producción musical impulsada por el Instituto Municipal de las Artes Escénicas (IMAE), con la participación de la Orquesta de Córdoba y el Coro de Ópera de Córdoba.

Así lo ha indicado la Orquesta de Córdoba en una nota en la que ha detallado que la producción escénica es del Teatro Villamarta (Fundación Cultural Universitaria de las Artes de Jerez, Fundación Pública Local (Fundarte), que convierte esta cita en un acontecimiento cultural de primer nivel.

Respecto a “lo que hace única” a esta ópera cabe destacar su atmósfera oscura, pues a diferencia de otras óperas de la época llenas de romance, aquí la protagonista es la ambición ciega y lo sobrenatural. La orquestación es densa, sombría y magistral. Además, Lady Macbeth es Es uno de los roles más exigentes para una soprano. De hecho, Verdi llegó a decir que no quería una voz “hermosa”, sino una voz “dura, sofocada y oscura” que transmitiera la maldad del personaje.

A todo ello se suma el Coro de las Brujas, que no son solo personajes secundarios, sino que el coro actúa como un motor del destino que guía (y engaña) a Macbeth. Además, con libreto de Francesco María Piave, enriquecido con textos de Andrea Maffei, la obra revive el drama shakesperiano a través de una partitura vibrante y sobrecogedora.

La producción cuenta con un reparto de gran nivel encabezado por Javier Franco (Macbeth) y Carmen Solís (Lady Macbeth), junto a Alejandro López, Santiago Vidal, Rafael Díaz y Lucía Tavira.

Se trata de una ópera que combina fuerza dramática, belleza musical y una cuidada puesta en escena, pensada tanto para amantes del género como para quienes se acercan por primera vez a la ópera.