El propietario de los cines de verano Delicias, Fuenseca y Olimpia, Antonio Amil, considera que la Junta de Andalucía no tiene derecho de retracto sobre los tres recintos, después de que la Administración autonómica haya iniciado el procedimiento administrativo para ejercer este derecho sobre unos inmuebles que el empresario adquirió el pasado mes de marzo por un importe global de 300.000 euros.

“A nuestro entender, la Junta de Andalucía no tiene derecho de retracto sobre estos inmuebles, y así lo defenderemos”, señala Amil, que apunta a que habrá un litigio sobre esta cuestión, y que recuerda que el Ayuntamiento de Córdoba ya renunció a ejercer su derecho de tanteo cuando tuvo la posibilidad de adquirir los cines.

La posición del empresario se produce después de que la Junta haya abierto el procedimiento para analizar el ejercicio del retracto, una vía que permitiría a la Administración autonómica adquirir los inmuebles en las mismas condiciones en las que fueron vendidos el pasado mes de marzo.

Amil considera, no obstante, que el Ayuntamiento tampoco ha demostrado una voluntad efectiva de garantizar la continuidad de los cines de verano. En este sentido, apunta que el Consistorio no ha concedido la licencia solicitada, “ni eventual ni permanente”, y que tampoco ha querido renovar el contrato de arrendamiento de los recintos. “El Ayuntamiento no ha apostado por la continuidad de los cines”, afirma el empresario, que reclama que, ante esta situación, se permita avanzar a la iniciativa privada que está interesada en desarrollar un proyecto en estos espacios.

A su juicio, esa alternativa permitiría mantener los cines abiertos y garantizar tanto su conservación como su funcionamiento. “Consideramos que debe dejar avanzar a la sociedad interesada en adquirir los espacios, para que pueda desarrollar su proyecto y garantizar que los cines de verano continúen abiertos, cuidados y en funcionamiento”, sostiene.

El propietario reclama además que el Ayuntamiento avance en la regulación de los usos compatibles con la actividad cinematográfica. Según explica, con los usos actualmente permitidos, la entidad interesada podría desarrollar aproximadamente el 80 % del proyecto planteado, manteniendo al mismo tiempo la actividad de los cines y asegurando la conservación de los recintos.

“También es necesario que el Ayuntamiento avance en la regulación de usos compatibles para estos espacios”, apunta Amil, que considera que esa regulación permitiría encontrar una fórmula para compatibilizar la conservación patrimonial de los cines con otros usos y con su continuidad como espacios de exhibición cinematográfica.

El empresario insiste así en que el futuro de los tres cines no debería quedar paralizado por el conflicto administrativo abierto en torno a su propiedad. “Si el Ayuntamiento ha decidido no adquirirlos, no renovar su arrendamiento y no facilitar su apertura mediante la concesión de las licencias solicitadas, debe permitir que la iniciativa privada impulse una solución viable que garantice la continuidad de los cines de verano”, concluye.

El universo de Hayao Miyazaki llegará este otoño a Córdoba con una retrospectiva que permitirá recuperar en pantalla grande seis de las películas más importantes del cineasta japonés. El ciclo, organizado por mk2 Cines con motivo del Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades concedido a Studio Ghibli, se celebrará durante seis fines de semana consecutivos en mk2 El Tablero, con sesiones dobladas al castellano y en versión original japonesa subtitulada.

La programación comenzará el 19 y 20 de septiembre y se prolongará hasta el 24 y 25 de octubre, coincidiendo con el fin de semana posterior a la entrega del Premio Princesa de Asturias a Studio Ghibli, prevista para el 23 de octubre en Oviedo. En Córdoba se podrán ver, en orden cronológico, La princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro (2001), El castillo ambulante (2004), Ponyo en el acantilado (2008), El viento se levanta (2013) y El chico y la garza (2023). Son seis largometrajes que recorren 26 años de la trayectoria de Miyazaki y que permiten seguir la evolución de uno de los grandes nombres de la animación mundial.

El primer fin de semana, los días 19 y 20 de septiembre, será el turno de La princesa Mononoke, una de las obras más ambiciosas de la filmografía del director. Una semana después, el 26 y 27 de septiembre, llegará El viaje de Chihiro, película que en 2003 se convirtió en la primera producción japonesa en ganar el Oscar a la mejor película de animación.

El ciclo continuará el 3 y 4 de octubre con El castillo ambulante y el 10 y 11 de octubre con Ponyo en el acantilado. Esta última contará además con una sesión extraordinaria el lunes 12 de octubre, festivo nacional.

La programación cordobesa se completará con El viento se levanta, los días 17 y 18 de octubre, y El chico y la garza, que cerrará la retrospectiva el 24 y 25 de octubre. Esta última película supuso el regreso de Miyazaki al largometraje después de una década y volvió a darle el Oscar a la mejor película de animación, más de veinte años después del conseguido por El viaje de Chihiro.

En mk2 El Tablero, situado en Juan Ramón Jiménez esquina con Barón Fuentequinto, las películas podrán verse los sábados a las 12.00 horas en versión doblada al castellano. Los domingos habrá una sesión a las 12.00 horas, también doblada, y otra a las 20.00 horas en versión original japonesa subtitulada (VOSE).

La sesión especial de Ponyo en el acantilado del lunes 12 de octubre será a las 12.00 horas y estará doblada al castellano.

La iniciativa coincide con el reconocimiento a Studio Ghibli, el estudio fundado en 1985 por Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki y convertido en una de las grandes referencias internacionales de la animación. La Fundación Princesa de Asturias anunció el pasado mes de mayo la concesión del Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades al estudio por una trayectoria marcada por historias universales y valores como la empatía, la amistad, la tolerancia y el respeto por la naturaleza.

Miyazaki ha sido una de las figuras esenciales de esa trayectoria y ha construido una filmografía en la que se mezclan fantasía, aventura y una mirada especialmente atenta a la infancia, la naturaleza, la guerra y las consecuencias del progreso. Su cine ha trascendido las fronteras de Japón hasta convertirse en una referencia internacional también para varias generaciones de espectadores occidentales.

La retrospectiva ofrece así en Córdoba una oportunidad poco habitual para revisitar seis de sus largometrajes en pantalla grande, desde la épica de La princesa Mononoke hasta la más reciente El chico y la garza, pasando por títulos que forman parte del imaginario cinematográfico contemporáneo como El viaje de Chihiro, El castillo ambulante o Ponyo en el acantilado.

Las entradas ya están a la venta a través de la página de mk2 Cines para las sesiones de mk2 El Tablero y el resto de salas participantes. Consulta y compra de entradas en mk2 Cines

Los cines de Córdoba reciben esta semana una combinación de secuelas, terror, comedia y cine español. El gran reclamo comercial es el regreso de las hermanas Owens en Prácticamente magia 2, que reúne de nuevo a Sandra Bullock y Nicole Kidman 30 años después del estreno de la película original, de la que retoma la errónea traducción del título -que, en realidad, significa magia práctica o cotidiana y que, en los 90, se tradujo como “Practicamente magia”-. Junto a ellas, la cartelera incorpora tres producciones españolas —una comedia familiar, un thriller claustrofóbico y una disparatada aventura sevillana— y la inquietante propuesta austriaca Mother's Baby (La semilla), además de un documental religioso.

La nostalgia sobrenatural regresa con Prácticamente magia 2, dirigida por la danesa Susanne Bier (En un mundo mejor, The Undoing, Bird Box), que toma el relevo de Griffin Dunne al frente de la saga. Dos actrices oscarizadas, Sandra Bullock (Gravity, Speed) y Nicole Kidman (Las horas, Moulin Rouge!), vuelven a ponerse en la piel de Sally y Gillian Owens, dos hermanas pertenecientes a una estirpe de brujas. Veinticinco años después de los acontecimientos de la primera película, una nueva generación de mujeres de la familia comienza a descubrir los secretos de sus poderes y de la maldición que pesa sobre su linaje. El reparto incorpora además a Joey King (Bullet Train, The Act), Lee Pace (Halt and Catch Fire, Guardianes de la Galaxia) y Maisie Williams (Juego de Tronos).

El cine español se decanta por el humor con Un plan perfecto, debut en la dirección de largometraje de María Pulido. La película reúne a Jordi Sánchez (La que se avecina), Leo Harlem (Villaviciosa de al lado), Raquel Guerrero (Machos Alfa) y Ernesto Sevilla (Muchachada Nui, Lo dejo cuando quiera) en una comedia ambientada en Navidad. Una familia al borde de la ruina descubre un túnel que conecta su sótano con una sucursal bancaria y decide que el atraco puede ser la solución a todos sus problemas. El inconveniente es que ponerse de acuerdo entre familiares puede resultar bastante más complicado que robar un banco.

El terror español llega con El nido, dirigida por Hugo Stuven (Solo, Anomalous). Michelle Jenner (Isabel, Durante la tormenta) y Luisa Gavasa (La novia, El olivo) forman parte de un reparto que se adentra en una familia dominada por el miedo y el aislamiento. Marta considera que el exterior constituye una amenaza y mantiene a los suyos recluidos en casa, pero la llegada de un desconocido hará que las certezas sobre las que ha construido su vida comiencen a resquebrajarse. Lo que parecía un refugio acabará convirtiéndose en una prisión psicológica.

Desde Sevilla llega Las 3.000 maravillas, una comedia dirigida por Carmen Perona y protagonizada por Javier Hernández, Paula Gallego (Cuéntame cómo pasó) y el influencer Juan Amodeo. Pablo es un joven tímido y obsesionado con anticipar cualquier peligro que, precisamente el día que esperaba acudir a un gran evento de anime, recibe de su conflictivo hermano el encargo de recuperar una mochila en el barrio sevillano de Las Tres Mil Viviendas. La misión le obligará a abandonar su zona de confort y enfrentarse durante una noche a situaciones que jamás habría imaginado.

La propuesta más inquietante de la semana llega desde Austria con Mother's Baby (La semilla), dirigida por Johanna Moder. Estrenada en la Berlinale, la película está protagonizada por Marie Leuenberger (El orden divino) y Hans Löw (Dark) y parte de una premisa perturbadora: una pareja que desea tener un hijo recurre a una exclusiva clínica de fertilidad y consigue finalmente el embarazo. Sin embargo, después de un parto complicado, la madre comienza a sentir que el bebé que tiene entre sus brazos no es realmente su hijo. A partir de ahí, sus dudas sobre lo ocurrido en la clínica la llevarán a una investigación cada vez más obsesiva.

La cartelera incorpora además Sagrado Corazón, una docuficción dirigida por Steve y Sabrina Gunnel que se adentra en el misterio del Sagrado Corazón de Jesús y plantea un recorrido alrededor de su significado espiritual y de la idea de un amor personal e incondicional.

La plaza Conde de Priego, en el barrio de Santa Marina, acogerá este miércoles la quinta sesión de cine de verano callejero impulsada por un colectivo ciudadano anónimo para reclamar la reapertura de los cines de verano de Córdoba. La cita tendrá lugar a las 22:00 y volverá a llevar una pantalla a una plaza de la ciudad bajo el lema “Si los cines de verano no abren, abrimos las plazas”.

Los convocantes han invitado a los asistentes a acudir con su propia silla para participar en una nueva acción cultural y reivindicativa que mantendrá el espíritu de las anteriores sesiones. En esta ocasión, la programación se alejará del formato de una proyección cinematográfica convencional para ofrecer una pieza de videocreación que combinará imágenes de distintas películas, grabaciones propias y música en directo.

La obra incluirá fragmentos de Metrópolis, de Fritz Lang; El acorazado Potemkin, de Serguéi Eisenstein; y El Cristo de los Faroles, de Gonzalo Delgrás, y Aprendiendo a morir, de Pedro Lazaga, junto a material audiovisual realizado por los propios impulsores de la iniciativa. La sesión buscará así mezclar cine, creación contemporánea y reivindicación en un espacio público.

La acción dará continuidad a una serie de convocatorias que han ido trasladando el espíritu de los tradicionales cines de verano a distintos espacios de la ciudad ante el cierre esta temporada de estos recintos. El colectivo ha convertido durante todo el verano las plazas y las calles de la ciudad en escenarios improvisados para reivindicar una tradición cultural profundamente vinculada a las noches estivales cordobesas.

“Como mayo sin patios, como verano sin silla en la puerta, como zaguán sin corriente, como julio sin olor a jazmín, como agosto sin persiana bajada, como salmorejo sin telera, como velá sin campanitas, como azotea sin tendedero, como la cuesta del Bailío sin encalar. Como Córdoba sin Córdoba”, recuerdan los convocantes.

La historia de Gerda Taro, una de las figuras fundamentales de los orígenes del fotoperiodismo de guerra, vuelve a la actualidad con La ragazza con la Leica (The Girl with the Leica), la película dirigida por la italiana Alina Marazzi que ha inaugurado la sección Orizzonti de la 83ª Mostra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia. El largometraje, estrenado mundialmente el 2 de septiembre, recupera la trayectoria de una fotógrafa que murió con apenas 26 años mientras cubría la Guerra Civil española y que durante décadas quedó eclipsada por la fama de su compañero profesional y sentimental, Robert Capa.

Protagonizada por Emilia Schüle como Gerda Taro, Aaron Altaras como Robert Capa y Luna Wedler como Ruth Cerf, la película combina ficción, fotografías y materiales de archivo para reconstruir la vida de la fotógrafa alemana, desde sus años de compromiso político y su huida de la Alemania nazi hasta su exilio en París, su relación con el fotógrafo húngaro Endre Ernő Friedmann —quien acabaría adoptando el nombre de Robert Capa— y su participación en la cobertura de la Guerra Civil española, especialmente durante el Frente de Córdoba. El reparto incluye también a Lucas Englander, Thomas Schubert, Sebastian Schneider, Idan Weiss, Lia von Blarer, Hans-Christian Hegewald, Jeremy Mockridge y Joel Basman.

Marazzi sitúa el punto de partida del relato en París, el 14 de julio de 1937. Taro pasa junto a Capa y a sus amigos el último día antes de regresar al frente español. A partir de ese momento, la narración se mueve entre distintos momentos de su vida: su activismo político en Leipzig, los años de exilio, su encuentro con Friedmann, el nacimiento de su relación sentimental y profesional y el descubrimiento de la fotografía como una herramienta para intervenir en la realidad.

La propia Marazzi ha explicado que su intención era devolver visibilidad a una figura femenina olvidada por la historia. En una entrevista publicada durante el festival, la directora señala que el proyecto nació de su interés por el personaje descubierto a través de la novela de Helena Janeczek y que llegó a trabajar con la escritora en una primera adaptación del libro.

Córdoba, uno de los escenarios esenciales de la fotografía de guerra de Taro y Capa

La presencia de España resulta fundamental en la película y, dentro de la experiencia española de Taro y Capa, el frente de Córdoba ocupa un lugar especialmente relevante. Ambos fotógrafos estuvieron en la provincia durante agosto y septiembre de 1936, en los primeros meses de la Guerra Civil. El archivo del International Center of Photography conserva fotografías de esa etapa realizadas en Córdoba y atribuidas tanto a Capa como a Taro. Entre ellas se encuentran imágenes fechadas en agosto-septiembre de 1936 y localizadas expresamente en Córdoba.

El nombre de Córdoba está además inevitablemente asociado a una de las fotografías más famosas y controvertidas de la historia del fotoperiodismo: Muerte de un miliciano, conocida internacionalmente como The Falling Soldier. Durante décadas se consideró que la imagen había sido tomada en Cerro Muriano, pero diversas investigaciones situaron el escenario en las inmediaciones de Espejo, localidad cordobesa situada a unos 50 kilómetros de aquel enclave. Estudios posteriores han localizado el lugar de la toma en el entorno de Espejo y han identificado además otros personajes que aparecen en la serie fotográfica realizada por Capa y Taro.

La fotografía, sin embargo, continúa rodeada de interrogantes. Se ha discutido tanto su localización como la identidad del miliciano y, sobre todo, si la escena representa realmente la muerte de un combatiente alcanzado por un disparo o si fue una imagen preparada. También se ha debatido la autoría concreta de la fotografía, debido al trabajo conjunto que Taro y Capa desarrollaron durante aquellos años.

Esa compleja relación entre ambos fotógrafos constituye precisamente uno de los aspectos que la película recupera. Taro y Friedmann trabajaron como un tándem y contribuyeron a construir el personaje de Robert Capa, nombre que utilizaría el fotógrafo húngaro. La estrecha colaboración profesional hizo que, durante años, la atribución de algunas imágenes resultara complicada.

Más allá de la fotografía concreta de Muerte de un miliciano, los fondos conservados por instituciones fotográficas documentan ampliamente la actividad de Taro en el frente cordobés. El International Center of Photography, por ejemplo, identifica como obra de Taro una fotografía de tres soldados republicanos realizada en septiembre de 1936 en el frente de Córdoba, cerca de Espejo.

La película convierte el archivo en parte de la narración

Uno de los elementos distintivos de La ragazza con la Leica es precisamente la utilización del archivo histórico no como simple ilustración, sino como parte del lenguaje cinematográfico. Marazzi combina imágenes contemporáneas recreadas para la película con fotografías, noticiarios y otros documentos de la época.

La película incorpora incluso fragmentos de Tierra de España (The Spanish Earth), el documental realizado por Joris Ivens en 1937 sobre la Guerra Civil española, además de otros materiales históricos.

Gerda Taro, cuyo nombre real era Gerta Pohorylle, nació en Alemania en 1910 en el seno de una familia de origen judío. Tras la llegada del nazismo huyó a Francia, donde conoció a Endre Ernő Friedmann. Ambos desarrollaron una estrecha relación sentimental y profesional y comenzaron a trabajar juntos en el mundo de la fotografía. El nombre de Robert Capa surgió precisamente dentro de esa estrategia profesional para comercializar sus trabajos.

La fotógrafa viajó a España para cubrir la Guerra Civil y regresó al frente en 1937. El 26 de julio de ese año resultó mortalmente herida en Brunete después de que un tanque republicano la arrollara mientras se encontraba junto a vehículos que abandonaban la zona de combate. Murió poco después, con 26 años, y ha sido considerada la primera fotoperiodista fallecida mientras cubría un conflicto bélico.

Su muerte contribuyó paradójicamente a consolidar el mito de Capa mientras su propia obra quedaba relegada durante décadas. El reconocimiento de Taro comenzó a crecer con fuerza mucho después, especialmente a partir de la recuperación y estudio de materiales fotográficos que permitieron revisar la atribución de algunas imágenes de la Guerra Civil.

De la novela de Helena Janeczek al cine

La película parte libremente de La chica de la Leica, la novela de la escritora Helena Janeczek publicada en España por Tusquets Editores. La obra obtuvo el Premio Strega en 2018 y reconstruye la vida de Taro a través de los recuerdos de las personas que la conocieron, comenzando por el desfile fúnebre celebrado en París tras su muerte. La edición española apareció en 2019, con traducción de Carlos Gumpert Melgosa.

La adaptación cinematográfica no se limita a trasladar literalmente la novela. La propia Biennale señala que está “libremente inspirada” en el libro, mientras que Marazzi ha explicado que la obra literaria fue fundamental para acercarla a la complejidad del personaje. El guion está firmado por la propia directora junto a Valia Santella.

Las salas de cine renuevan su cartelera esta semana con tres propuestas muy diferentes entre sí. La música en directo, el thriller basado en hechos reales y el terror más desquiciado comparten protagonismo en unos estrenos que ofrecen desde una experiencia de gran formato para los seguidores de Katy Perry hasta dos historias marcadas por la tensión, la violencia y la supervivencia.

Cronos

El cine español pone el foco en uno de los episodios más traumáticos de la historia reciente con Cronos, un thriller dramático dirigido por Fernando González Molina y protagonizado por Enric Auquer, Diana Gómez y Mónica López.

Basada en testimonios reales, la película reconstruye la denominada operación Cronos, el dispositivo puesto en marcha tras el atentado de Las Ramblas. La emergencia desencadena cuatro días de incertidumbre, tensión y confusión en los que las fuerzas de seguridad tratan de contener una situación extraordinaria mientras se estrecha el cerco sobre los responsables de la tragedia.

La narración conduce hasta la neutralización del último terrorista, pero el filme no se queda únicamente en la reconstrucción de la operación. Cronos también aborda las consecuencias humanas de aquellos acontecimientos y las heridas que permanecieron después de los atentados.

Dulce sabor a muerte

El estreno más extremo de la semana llega de la mano de Eli Roth, uno de los nombres habituales del terror contemporáneo. Dulce sabor a muerte convierte un aparentemente tranquilo pueblo vacacional en el escenario de una pesadilla en la que los dulces se convierten en el origen del caos.

La historia comienza con la llegada de un misterioso heladero que transforma a los niños del pueblo en seres violentos. Mientras los adultos sucumben al pánico y la situación se descontrola, tres jóvenes descubren que son inmunes al fenómeno y tendrán que enfrentarse a una amenaza que parece extenderse sin freno.

Protagonizada por Ari Millen, Charlie Zeltzer y Shiloh O’Reilly, la película mezcla terror y thriller durante sus 86 minutos de metraje. Los protagonistas deberán protegerse y, al mismo tiempo, descubrir qué se esconde detrás de los dulces que alimentan la epidemia de violencia antes de que el pueblo quede completamente dominado por la supervivencia.

Katy Perry: The Lifetimes Tour

Los seguidores de Katy Perry tienen esta semana una cita en la gran pantalla con Katy Perry: The Lifetimes Tour, un concierto cinematográfico que lleva a las salas uno de los grandes espectáculos de la gira mundial de la cantante estadounidense.

Dirigido por Paul Dugdale y con la propia Katy Perry como protagonista, el filme fue grabado en la Accor Arena de París y convierte el escenario en un espectáculo audiovisual de gran formato. La puesta en escena, inspirada en la ciencia ficción, se apoya en efectos visuales y una cuidada producción para trasladar al público la dimensión de una gira concebida para grandes recintos.

Durante sus 132 minutos de duración, la película reúne algunos de los grandes éxitos de la artista junto a canciones más recientes, en una propuesta pensada para vivir el concierto más allá del escenario convencional. Música, espectáculo y efectos visuales se dan la mano en una experiencia especialmente dirigida a los seguidores de la cantante.

La Junta de Andalucía ha trasladado a la Coordinadora SOS Cines de Verano su voluntad de adquirir tres de los cuatro cines de verano de Córdoba mediante el ejercicio del derecho de tanteo y retracto. Así se lo comunicó el delegado territorial de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, Eduardo Lucena, a una representación de la plataforma durante una reunión celebrada este miércoles, según ha informado el propio colectivo a través de una nota de prensa.

El encuentro sirvió para abordar las dos principales reivindicaciones planteadas por SOS Cines de Verano: la declaración como Bien de Interés Cultural (BIC) de los cuatro cines de verano y la adquisición por parte de la Junta de tres de estos espacios. Según explica la plataforma en una nota difundida tras la reunión, la actitud de la Delegación de Cultura fue “favorable” y mostró disposición a que ambas propuestas avancen.

En relación con la compra de los cines, el delegado manifestó, según SOS, “la voluntad de esa administración para llevarla a cabo”. La Coordinadora recuerda que el plazo para ejercer el derecho de retracto se sitúa entre los últimos días de septiembre y los primeros de octubre, por lo que reclama que la Junta concrete su decisión. El ejercicio de este derecho permitiría a la Administración autonómica adquirir los tres recintos.

El expediente para la declaración BIC avanza

Respecto a la protección patrimonial, Lucena informó a la plataforma de que la Delegación de Cultura ya ha trasladado su actuación a la Dirección General de Patrimonio Histórico. Según la información facilitada por SOS, el siguiente paso corresponde a la tramitación del acuerdo de la Consejería de Cultura que tiene la potestad para declarar los espacios como BIC.

La declaración de los cuatro cines como Bien de Interés Cultural es una de las reivindicaciones centrales de la plataforma después del cierre de tres de los cuatro recintos durante este verano. La propia Consejería ya había asegurado a finales de agosto que trabajaba “desde hace tiempo” en el expediente de protección patrimonial de los cines de verano y que el procedimiento seguiría sus correspondientes trámites.

Sin embargo, la reunión no permitió despejar una de las principales incógnitas para SOS: los plazos. La Coordinadora preguntó por la previsión para el acuerdo de incoación del expediente, un paso intermedio que, según señala, supondría la protección automática de los cuatro cines, pero el delegado no ofreció fechas. Tampoco se pronunció sobre cuándo podría producirse la declaración definitiva como BIC.

SOS Cines de Verano mantiene la presión

La Coordinadora valora positivamente la disposición mostrada por la Delegación, pero considera que siguen abiertas cuestiones importantes sobre los plazos tanto de la protección patrimonial como de la posible adquisición de los tres cines.

Por este motivo, SOS Cines de Verano anuncia que mantendrá las movilizaciones y la presión sobre el Ayuntamiento de Córdoba y la Junta de Andalucía hasta que las dos medidas se materialicen. La plataforma defiende que los cines de verano constituyen un patrimonio cultural e identitario de la ciudad que debe ser salvaguardado.

La cartelera cinematográfica de Córdoba se renueva esta semana con cuatro estrenos que recorren buena parte del espectro del cine comercial y de autor. Entre ellos hay una nueva aventura de uno de los personajes más populares de la animación española, una comedia romántica ambientada en una sociedad con unas reglas muy particulares, la adaptación de una novela de ciencia ficción dirigida por un veterano como Ridley Scott y uno de los títulos españoles más esperados del año, con Javier Bardem y Victoria Luengo bajo la dirección de Rodrigo Sorogoyen.

La constelación del perro

Uno de los grandes nombres internacionales de la cartelera llega con Ridley Scott. El director de Alien y Blade Runner se pone al frente de La constelación del perro, adaptación de la novela homónima de Peter Heller.

La película se sitúa en un mundo posapocalíptico devastado por una pandemia que prácticamente ha acabado con la civilización. En ese escenario, un hombre intenta sobrevivir mientras busca preservar una idea de hogar y de humanidad en un entorno marcado por la amenaza y el aislamiento.

Jacob Elordi encabeza el reparto junto a Margaret Qualley, Josh Brolin y Guy Pearce. Scott, a sus 88 años, aborda el material desde un tono contenido, combinando la ciencia ficción con elementos del cine de carretera y una mirada más íntima a sus personajes.

Más que construir únicamente una historia de supervivencia, la película pone el foco en las relaciones humanas y en aquello que queda de la sociedad cuando desaparecen sus estructuras. Un nuevo acercamiento de Scott a un territorio que ya conoce bien, pero que aquí se plantea desde una perspectiva más pausada y personal.

El ser querido

El estreno español de mayor peso de la semana lleva la firma de Rodrigo Sorogoyen y tiene como protagonistas a Javier Bardem y Victoria Luengo. El ser querido fue presentada en el Festival de Cannes y llega ahora a las salas españolas después de despertar una notable expectación internacional.

Bardem interpreta a Esteban, un prestigioso director de cine en el ocaso de su carrera que decide poner en marcha una nueva película. Para protagonizarla escoge a su propia hija, Emilia, una actriz que atraviesa un momento profesional complicado. El rodaje obliga a ambos a reencontrarse después de años de distanciamiento y a enfrentarse a una relación familiar marcada por heridas del pasado.

Sorogoyen vuelve a trabajar con Isabel Peña en el guion y construye una historia que mezcla drama familiar y cine dentro del cine. El reparto se completa, entre otros, con Raúl Arévalo y Marina Foïs. La película aborda además las relaciones de poder dentro de la industria cinematográfica y las complejas fronteras entre la vida personal y la creación artística.

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

En el apartado familiar, Enrique Gato recupera a Tadeo Jones en una cuarta aventura cinematográfica. Tadeo Jones y la lámpara maravillosa llega a las salas con una nueva historia de animación y aventuras que vuelve a combinar arqueología, viajes y humor para todos los públicos.

En esta ocasión, Tadeo y Sara han formado una familia y son padres de Oli. La nueva entrega mantiene el espíritu de la saga y apuesta de nuevo por la aventura internacional, con un especial protagonismo para los personajes que han acompañado al arqueólogo a lo largo de sus anteriores películas.

La película, producción española de 2026, tiene una duración aproximada de 95 minutos y está dirigida por Enrique Gato, creador del personaje. Entre las voces se encuentran Óscar Barberán, Michelle Jenner, Petra Martínez y Carlos Latre.

Una noche al año

El contrapunto romántico de la semana lo pone Will Gluck, director de Cualquiera menos tú, con Una noche al año. La película está protagonizada por Monica Barbaro y Callum Turner, acompañados por Maya Hawke, Julia Fox y Molly Ringwald, entre otros.

La premisa parte de una sociedad en la que las relaciones sexuales fuera del matrimonio están prohibidas durante 364 días al año. Solo existe una excepción: una noche en la que las reglas se suspenden durante doce horas. En ese escenario se conocen los protagonistas, Owen y Allie, y lo que comienza como un encuentro fortuito puede acabar convirtiéndose en algo mucho más complicado.

Gluck utiliza así las reglas de una comedia romántica clásica, pero las traslada a un mundo con unas normas sociales completamente diferentes, jugando con los encuentros, los malentendidos y la búsqueda del amor en una ciudad de Nueva York imaginaria. La cinta tiene una duración de unos 102 minutos y combina romance y comedia.

La actriz cordobesa Macarena Gómez ha sido nombrada Fellow 2026 de Rose Bruford College, una de las principales instituciones británicas especializadas en artes escénicas. La intérprete recibirá este reconocimiento durante las ceremonias de graduación que el centro celebrará los próximos 10 y 11 de septiembre en Sidcup, Londres.

Gómez comparte esta distinción con el también actor y antiguo alumno del College David Ajao. Además, la institución concederá Fellowships honoríficas a la cómica y escritora Ola Labib, la especialista en educación Jennifer Sims y la intérprete, productora y activista Kim Tatum.

Los reconocimientos distinguen la trayectoria de antiguos alumnos y las contribuciones destacadas al mundo de la interpretación, la narración, la educación artística, la representación y la comunidad de Rose Bruford College.

Macarena Gómez, antigua alumna de Rose Bruford College, comenzó su carrera como actriz hace más de 25 años y desde entonces ha participado en cerca de un centenar de producciones de cine, televisión y teatro. A lo largo de su trayectoria ha recibido casi 50 premios y nominaciones, entre ellos una nominación al Premio Goya a Mejor Actriz por su interpretación en Musarañas (Shrew’s Nest).

Uno de sus trabajos más reconocidos es su papel en La que se avecina, serie de televisión de enorme éxito en España en la que ha formado parte del reparto protagonista durante 17 temporadas. Su carrera también ha trascendido las fronteras españolas.

En los últimos años, Gómez ha protagonizado junto a Paul Giamatti la serie de HBO 30 Monedas (30 Coins), reencontrándose con el director Álex de la Iglesia, con quien ya había trabajado en Las brujas de Zugarramurdi. También participó en Sagrada familia, producción de Netflix que alcanzó el Top 10 de los programas más vistos en más de 50 países, y en la película de terror Deep Fear, también disponible en Netflix, dirigida por Marcus Adams y coprotagonizada por Ed Westwick.

Pero este reconocimiento tiene para la actriz un significado especialmente personal. Gómez llegó a Rose Bruford College desde España en 1996, cargada de sueños y sin saber todavía qué camino tomaría su carrera. “Recibir este Fellowship de Rose Bruford College es un enorme honor. Cuando llegué aquí desde España en 1996, lo hice con una maleta llena de sueños, ilusión y sin tener absolutamente ninguna idea de lo que me depararía el futuro”, ha destacado.

La actriz asegura que su paso por la institución marcó tanto su vida profesional como personal y que allí adquirió una formación, unas amistades y una resiliencia que la han acompañado durante toda su carrera. “Este lugar cambió mi vida, tanto profesional como personalmente. Me dio la formación, las amistades y la resiliencia que me han acompañado durante toda mi carrera.”

Para Gómez, regresar ahora a Rose Bruford College para recibir este reconocimiento supone volver a formar parte de una comunidad que considera fundamental en su trayectoria. “Estoy profundamente orgullosa de regresar a Rose Bruford College y de formar parte de su familia.”

La actriz también ha querido dirigirse a los nuevos graduados y transmitirles una idea que resume buena parte de su propia experiencia profesional: el éxito no llega de un día para otro. “Espero que los graduados de hoy protejan su imaginación, mantengan la curiosidad y recuerden que no existe el éxito de la noche a la mañana.”

Un reconocimiento a seis trayectorias vinculadas a las artes escénicas

El director y CEO de Rose Bruford College, el profesor Randall Whittaker, ha destacado la diversidad de caminos profesionales recorridos por los seis homenajeados y su compromiso con la creatividad y sus respectivas comunidades.

“Una de las grandes alegrías de trabajar en una institución creativa es comprobar las distintas maneras en que las personas dejan su huella”, ha señalado Whittaker. “Los seis individuos a los que reconocemos este año han seguido caminos muy diferentes, pero todos han demostrado un compromiso extraordinario con su profesión, sus comunidades y el poder de la creatividad para conectar a las personas.”

Los Fellowships serán entregados durante las ceremonias de graduación de Rose Bruford College, que tendrán lugar los días 10 y 11 de septiembre de 2026 en Holy Trinity Lamorbey, Sidcup.

Sobre Rose Bruford College

Fundado en 1950 por Rose Bruford, Edith Scorer y Mary Henniker-Heaton, Rose Bruford College es una institución de educación superior especializada en artes escénicas, con sede en Lamorbey House and Gardens, en el distrito londinense de Bexley. El centro cuenta con una larga trayectoria en la formación de profesionales para el teatro, la televisión, el cine y las industrias creativas, con antiguos alumnos que desarrollan sus carreras a nivel internacional.

La actriz cordobesa Macarena Gómez vuelve a ponerse al frente de un nuevo proyecto cinematográfico. La intérprete protagoniza Hasta que el juzgado nos separe, una comedia familiar dirigida por Cristina Urgel que se encuentra actualmente en pleno rodaje en el Valle de Baztan (Navarra). Gómez comparte el protagonismo con Fran Perea y Raúl Tejón en una historia que aborda, desde el humor y los enredos familiares, las relaciones de pareja, los divorcios, los hijos y las segundas oportunidades.

En la película, Macarena Gómez interpreta a Marta, una mujer que lleva 24 años casada con Javi, personaje al que da vida Fran Perea. Después de un año separados, ambos han tomado la decisión de poner punto final a su matrimonio y divorciarse. Sin embargo, lo que parecía un trámite destinado a cerrar definitivamente una etapa de sus vidas se convierte en una situación tan disparatada como inesperada.

Un retraso judicial, unido a las circunstancias familiares que rodean a la pareja, hará que Marta y Javi tengan que aparcar temporalmente sus diferencias. El delicado estado de salud de la madre de Javi, interpretada por Charo Reina, y la intervención del cuñado de este, al que da vida Raúl Tejón, les obligarán a fingir durante todo un fin de semana que continúan siendo un matrimonio feliz. Y no será un fin de semana cualquiera: deberán celebrar junto a toda su familia sus bodas de plata, pese a encontrarse inmersos en pleno proceso de separación.

La situación irá complicándose a medida que aparezcan nuevos personajes y conflictos. Entre ellos se encuentra la nueva novia de Javi, interpretada por Cristina Ruiz, una joven influencer que convierte prácticamente todo lo que sucede a su alrededor en contenido para las redes sociales. También tendrán un papel destacado el peculiar jefe y autoproclamado guía espiritual de Marta, interpretado por David Pareja, además de una abuela, un misterioso okupa y los dos hijos del matrimonio, a quienes dan vida los hermanos Alan y Amaia Miranda. Todos ellos contribuirán a que ese supuesto fin de semana familiar se convierta en un auténtico laberinto de situaciones, secretos y malentendidos.

Una comedia sobre las nuevas formas de familia

La propia Cristina Urgel ha definido el proyecto como una historia en la que existe un claro homenaje a los cuñados y en la que también se lanza un mensaje dirigido a los adultos sobre la posibilidad de construir diferentes modelos de familia. La directora apuesta por una película para todos los públicos, con el humor como principal vehículo para hablar de asuntos reconocibles para muchas familias.

En ese contexto, el personaje de Marta supone para Macarena Gómez una nueva incursión en la comedia, un género en el que la actriz cordobesa ha demostrado una especial capacidad para combinar el humor con personajes de marcado carácter. La propia intérprete ha descrito a su personaje como una mujer muy maniática y divertida de interpretar, una característica que encaja con el tono desenfadado que busca la película.

Su compañero Fran Perea interpreta a un Javi al que le cuesta tomar decisiones y que, según ha explicado el propio actor, se enfrenta a lo largo de la historia a una situación que puede cambiar su vida para siempre. Frente a ellos, Raúl Tejón asume el papel del cuñado, una figura especialmente vinculada a los equívocos y al componente más disparatado de la historia.

La película supone además el debut de Cristina Urgel como directora de un largometraje. La cineasta llega a este proyecto después de haber sido nominada al Premio Goya 2026 por La conversación que nunca tuvimos, un trabajo que le permitió situarse entre las voces emergentes del audiovisual español. Para su salto al largometraje ha contado con un guion escrito junto a Jorge Naranjo.

El equipo técnico incorpora también nombres destacados. La dirección de fotografía corre a cargo de Beatriz Delgado Mena, ganadora de un BAFTA en 2025, mientras que la producción ejecutiva corresponde a Midnight Films Factory y Raúl Cerezo. Pilar Cebrián ejerce como directora de producción; Ana Menacho Blanco y Noelia García-Lorite están al frente del vestuario; Laura Lostalé se encarga de la dirección de arte, y Teresa Cañadas asume la jefatura de maquillaje y peluquería.

El reparto se completa con Charo Reina, David Pareja, Cristina Ruiz, Cristian Gamero, Alan Miranda y Amaia Miranda, entre otros intérpretes. El proyecto cuenta además con un cameo de José Carlos Montoya, conocido por su participación en La isla de las tentaciones, que ha compartido en redes sociales su entusiasmo por esta primera experiencia en un rodaje cinematográfico.

El rodaje se desarrolla estos días en distintas localizaciones del Valle de Baztan, en Navarra, un territorio que vuelve a convertirse en escenario cinematográfico. La directora ha explicado que la elección del lugar está estrechamente relacionada con el paisaje y con la necesidad de encontrar una localización que transmitiera la idea de la casa familiar en la que se desarrolla buena parte de la historia.

El delegado de Cultura de la Diputación de Córdoba, Gabriel Duque, ha dado a conocer la resolución de la comisión de valoración de 'Toma Primera', programa de patrocinio que tiene como objetivo “apoyar económicamente producciones cinematográficas en fase de ejecución o que hayan finalizado su rodaje y que tengan localizaciones en la provincia”.

A este respecto, Duque ha explicado que “en este 2026 se han presentado un total de 12 propuestas, de las que cinco contarán con la colaboración de la institución provincial, a tenor de los criterios establecidos que atienden a cuestiones como la calidad artística, el porcentaje de mujeres en el equipo, la financiación previa de otras instituciones, el número de localizaciones en la provincia y que el equipo técnico-artístico y la productora sean cordobeses”.

Así, la comisión ha seleccionado 'A las ocho en casa', corto producido por Gadol Producciones; 'Muy al Sur', de Rumbo Films y Raíz Producciones; 'Desaparición', largometraje documental producido por Paraíso Films, y 'Una simple carta de amor', largometraje de ficción cuya producción corre a cargo de Summer Films.

El responsable de Cultura de la Diputación ha señalado que “junto a estas propuestas, se patrocinará 'Vivan los hombres cabales', un largometraje de ficción producido por Lanuebe Películas SL y Anguita, y 'El hombre de los tres siglos', largometraje documental de La Favorita”.

Según ha precisado Duque, “el programa 'Toma Primera' establece que el patrocinio máximo de la institución provincial para los trabajos de largometraje será de 12.000 euros, y para los cortos de 6.000 euros”.

Esta propuesta, ha continuado, “reafirma nuestro compromiso con la cultura y la industria audiovisual, conscientes de que estas propuestas enriquecen el panorama cultural y fortalece el tejido industrial del sector audiovisual con sello cordobés”.

La comisión que ha valorado las propuestas ha estado formada por personas expertas en el ámbito del cine y el audiovisual, como integrante de la Cátedra de Estudios Leonor de Guzmán y miembro de la Asociación Cine Cercano, Consuelo Borreguero; el productor de varios proyectos galardonados en distintos festivales de cine y director de la Semana de Cine en Córdoba, Álvaro García Márquez, y el organizador del festival de cine Cortogenial y promotor de festivales y jornadas en torno a la música, la literatura y la memoria histórica, entre otras experiencias relacionadas con el ámbito del cine y el audiovisual, Moisés Bedmar.

El cine vuelve a renovar su cartelera en Córdoba con una semana marcada por la variedad. El terror sobrenatural, la acción y el thriller más adrenalínico y un drama juvenil ligado a la música y al baile protagonizan los estrenos que llegan a las salas, tres películas que ofrecen propuestas muy distintas para quienes busquen una nueva historia que ver en pantalla grande.

Entre demonios que cruzan desde un reino de almas perdidas, conspiraciones capaces de alterar el equilibrio del poder mundial y una adolescente que encuentra en un espacio clandestino una vía para afrontar la pérdida de su hermano, la cartelera se mueve esta semana entre el miedo, la acción y las emociones de la juventud.

‘Insidious: Fuera del más allá’: cuando el terror cruza la frontera

El terror sobrenatural es uno de los grandes protagonistas de la semana con Insidious: Fuera del más allá, una nueva historia ambientada en el universo de la conocida saga. La película, dirigida por Jacob Chase, combina terror y misterio a lo largo de 119 minutos y cuenta en su reparto con Amelia Eve, Brandon Perea y Lin Shaye.

La historia sigue a Gemma, una joven madre que regresa a la casa de su infancia. Allí descubre que posee una capacidad extraordinaria y peligrosa: puede viajar a El Más Allá, un reino habitado por almas perdidas, y regresar después al mundo de los vivos.

Pero ese poder tiene un precio. Gemma también puede traer consigo aquello que encuentra al otro lado. Y cuando los demonios descubren de lo que es capaz, la frontera entre ambos mundos comienza a desdibujarse, convirtiendo el mundo real en un territorio en el que las fuerzas sobrenaturales pueden campar a sus anchas.

Con una duración de casi dos horas, la cinta apuesta así por una combinación de misterio y terror sobrenatural, con una protagonista atrapada entre dos realidades y obligada a enfrentarse a las consecuencias de abrir una puerta que quizá nunca debería haber atravesado.

Jason Statham se mete en una conspiración internacional en ‘El motín’

La segunda gran novedad de la cartelera cambia radicalmente de registro. El motín lleva a los espectadores al terreno de la acción y el thriller con Jason Statham como protagonista. La película está dirigida por Jean-François Richet, dura 95 minutos y completa su reparto principal con Adrian Lester y Annabelle Wallis.

En esta ocasión, Statham interpreta a Cole Reed, un hombre que se ve envuelto en una trama de poder después del asesinato de su jefe, un industrial multimillonario. Tras el crimen, Reed asume la culpa y se ve obligado a huir mientras intenta demostrar su inocencia.

Lo que comienza como una búsqueda para limpiar su nombre pronto se convierte en algo mucho mayor. La investigación destapa aliados ambiguos, traiciones y una red de intereses con alcance global, mientras una conspiración internacional amenaza con alterar el equilibrio del poder.

La película propone, de este modo, una carrera contrarreloj en la que Reed tendrá que descubrir en quién puede confiar mientras trata de desentrañar una trama que parece ir mucho más allá del asesinato que desencadena la historia.

‘A fuego’: baile, música y una historia sobre aprender a vivir con la pérdida

El tercer estreno de la semana tiene sello español y se aleja de los dos anteriores para adentrarse en el drama juvenil y la música. A fuego, dirigida por Estel Díaz, está protagonizada por Zoe Bonafonte, Marc Soler y Ruslana y tiene una duración de 97 minutos.

La protagonista es Lola, una adolescente de apenas 17 años que acaba de perder a su hermano Nico. Tras su muerte, la joven se encuentra en un momento de profundo desconcierto y dolor, hasta que acaba llegando al Búnker, un recinto abandonado que se ha transformado en un espacio para fiestas clandestinas y batallas de baile.

Es allí donde la protagonista encuentra un grupo de amigos que puede convertirse en una pieza fundamental para afrontar su nueva realidad. El baile y la música aparecen como una vía para que Lola vuelva a conectar con una pasión que parecía haber quedado apartada y, al mismo tiempo, para comenzar a reconstruirse después de la pérdida.

El Búnker se convierte así en mucho más que un escenario. Es el espacio en el que Lola descubre nuevas relaciones, recupera parte de sí misma y comienza a aprender a convivir con la ausencia de su hermano.

El próximo 21 de agosto llega a los cines españoles Pastoris, el nuevo largometraje dirigido por Pablo Moreno, que cuenta entre su reparto con el actor Antonio Reyes, natural de Baena (Córdoba).

Reyes interpreta al Señorito Juan en este drama histórico ambientado en la España rural de comienzos del siglo XIX. Una historia que recupera la memoria, las tradiciones y las formas de vida de un territorio y que, además, plantea un particular desafío para sus intérpretes: toda la película está rodada en la palra d’El Rebollar, una variedad lingüística del dominio asturleonés actualmente en peligro de desaparición.

Para Antonio Reyes, este trabajo supuso enfrentarse a un personaje perteneciente a otra época y, al mismo tiempo, a una forma de hablar vinculada a una comunidad y a un territorio concretos. La sonoridad, el vocabulario y las expresiones de la palra obligaron a los actores a realizar un importante trabajo de preparación para conseguir que el lenguaje formara parte de la interpretación de manera natural.

La película contó con el asesoramiento de personas conocedoras de esta variedad lingüística para preservar sus particularidades. En Pastoris, la palra no es únicamente un recurso narrativo, sino una parte fundamental de la identidad de los personajes y del mundo que retrata la película.

Antonio Reyes, de Baena a la interpretación profesional

Nacido en Baena, Antonio Reyes comenzó su relación con la interpretación en su localidad natal antes de trasladarse a Madrid para formarse en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD).

Desde entonces ha desarrollado su trayectoria profesional en cine, televisión y teatro. En 2026 regresó además al Teatro Liceo de Baena con El proceso, reencontrándose con el público de su localidad.

Su participación en Pastoris le lleva ahora a formar parte de una historia profundamente vinculada al mundo rural y a la conservación de la memoria de una comunidad. Aunque la película está ambientada en Salamanca, los temas que plantea —la pérdida de tradiciones, la desaparición de formas de hablar y la transmisión de la memoria entre generaciones— forman parte de una realidad compartida por numerosos territorios rurales.

Pastoris sigue a Domingo, un hombre que regresa a su hogar después de haber sido dado por muerto y que emprende un viaje como pastor hacia Extremadura. A través de la trashumancia, la película recupera una forma de vida que durante siglos conectó territorios y comunidades. El largometraje pone en valor un patrimonio formado no solo por paisajes y tradiciones, sino también por palabras, conocimientos y formas de vida que corren el riesgo de desaparecer.

La película está protagonizada por Sergio Cardoso, Marian Arahuetes, Laura Contreras, Pablo Viña y Assumpta Serna, y está producida por Stellarum Films, Invértebra Films y Pocas Nueces.

El joven cineasta cordobés Álvaro León, quien sorprendió con su ópera prima, 'Origami' (2024), ganador del premio Fugaz al Mejor Cortometraje Breve en 2025 y seleccionado en el 73 Festival de San Sebastián, entre más de 40 reconocimientos a nivel nacional e internacional, continúa con esta estela de éxito, ahora con su nuevo corto, '¿Qué comen los dragones?', con el que ha logrado ya casi una veintena de galardones nacionales e internacionales, y con el que cuenta una historia familiar, una fábula que mezcla la mirada inocente de la infancia con las sombras de la memoria histórica.

A este respecto y en declaraciones a Europa Press, Álvaro León ha explicado que su nuevo corto “empezó su distribución hace unos cuantos meses y no podemos estar más contentos de cómo le está yendo. Empezamos en el 'Rodando por Jaén', en el que nos dieron cinco premios, incluyendo al Mejor Actor, para Salva Reina, y a Mejor Producción, y tras esto hemos recorrido festivales por toda la península”, consiguiendo premios en “Cataluña, Madrid, Andalucía, etcétera, y ya sumamos un total de 19 premios con el cortometraje”.

El último que ha logrado el cineasta cordobés ha sido el Premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de San Silvestre de Guzmán, al igual que en el Festival Internacional de Cortometrajes del Geoparque de Granada, en el FICC Centelles en Curt, en el Festival de Cine de Sorihuela del Guadalimar, en el Cluj Shorts International Short Film Festival de Rumanía, en el Montevideo Fantástico de Uruguay, o en el Festival de Cortos Mágina en Corto-Cine entre Olivos, donde ha sumado el Primer Premio del Jurado, además del Premio del Jurado al Mejor Director y el Premio del Jurado al Mejor Actor (Salva Reina), entre otros.

Todo ello, además de las 36 selecciones en diversos festivales nacionales e internacionales que también ha conseguido con '¿Qué comen los dragones?', hace que Álvaro León esté “muy contento” y que le hagan “especial ilusión”, tanto los galardones en España, como en el ámbito internacional, pues “el Montevideo Fantástico es uno de los festivales de fantasía internacional de referencia”.

El director y guionista cordobés ha reconocido que, “al ser un corto de 15 minutos, que algo más largo de lo que estábamos acostumbrados a distribuir, pues no sabíamos muy bien cómo iba a funcionar e ibamos con un poco de incertidumbre, pero estamos viendo que cuando entra a los festivales está gustando mucho, tanto en las proyecciones, como al jurado”, con lo que “no podemos sentir más que orgullo y felicidad de que el trabajo de todo el equipo que remó para sacar este corto adelante pues se ha reconocido, se ha valorado y se ha visto, sobre todo”.

Una historia familiar

En cuanto a lo que implicó para él escribir y dirigir '¿Qué comen los dragones'?, Álvaro León subrayado ya que “este cortometraje supone muchas cosas, una de ellas, y creo que la más importante, es poder contar al fin una historia que lleva en mi familia tanto tiempo”.

Se trata, según ha explicado, de “una historia que, en los tiempos que corren, es importante contar, y es importante porque nos habla y nos enseña muchas cosas. Nos enseña a no callar, a no escondernos, a resistir, a cuidar” y, especialmente, “nos enseña que, por encima de todo, todos somos personas y todos somos humanos”.

'¿Qué comen los dragones?' (2025) está ambientado en la sierra de Jaén, y constituye un drama con tintes mágicos, que invita a explorar el “territorio difuso entre la realidad y el mito, entre lo que se recuerda y lo que se imagina”. El corto, que cuenta con las interpretaciones destacadas de Salva Reina, Vicente Vergara, Cristina Mediero y el joven Alejandro Escamilla, fue rodado en localizaciones naturales de Jaén y, sobre todo, en el municipio de Castillo de Locubín.

Tiene una duración de 15 minutos y nos presenta a Bernabé, un niño que se lanza a una aventura para encontrar a un dragón que, a su vez, se enfrenta al hambre y al olvido si no recibe ayuda. Así, una leyenda familiar lleva a este niño a adentrarse en las montañas en busca del dragón.

De hecho, el cortometraje se construye como una leyenda familiar íntima, inspirada en una vivencia real del abuelo del director, que durante años subía en solitario a una cueva de la sierra. Su representación cinematográfica ahora constituye un viaje entre la memoria y la fantasía, de forma que '¿Qué comen los dragones?' es más que una historia de aventuras, es un homenaje a la memoria oral, al imaginario infantil y al poder transformador de la fantasía.

Con una estética cuidada, una fotografía evocadora y una partitura original de Mauricio Trabanino, con canción compuesta por Las Amores, el cortometraje construye un universo cálido y nostálgico, donde el realismo mágico se funde con la épica íntima del recuerdo.

El universo mágico de Hogwarts se prepara de nuevo para cautivar a los espectadores cordobeses. Los cines mk2 Cinesur El Tablero han anunciado la programación de hasta ocho sesiones para revivir en la gran pantalla uno de los mayores fenómenos de la historia del cine fantástico: Harry Potter y la Piedra Filosofal.

A partir de finales de agosto, los seguidores del joven mago más famoso del mundo tendrán una cita ineludible con la nostalgia y la gran pantalla en las salas de El Tablero. Esta iniciativa forma parte de la programación especial diseñada para recuperar obras cinematográficas que han marcado a generaciones enteras y ofrecer una experiencia inmersiva única que solo la sala de cine puede brindar.

Así, las proyecciones tendrán lugar en agosto durante los días el viernes 28, el sábado 29 y el domingo 30, y en septiembre, el miércoles 2. En total habrá dos sesiones diarias, a las 20:30 y a las 21:00, aunque está última será en Versión Original Subtitulada en Español.

Además de disfrutar de la película, los asistentes verán 13 minutos de contenido exclusivo que se proyectarán al inicio y al final de cada sesión.

No es la primera vez que los cines mk2 El Tablero se convierten en el epicentro de la pottermanía en Córdoba. Los cinéfilos y seguidores del universo de J.K. Rowling guardan en su memoria colectiva hitos pasados muy preciados. Cabe recordar que, en abril de 2021, las salas de El Tablero ya demostraron la enorme devoción que la ciudad siente por el mundo mágico al acoger un ambicioso ciclo en el que se proyectaron siete de las ocho películas de la saga, permitiendo a los fans redescubrir las aventuras de Harry, Hermione y Ron en pantalla grande tras los momentos más duros de la pandemia.

Las entradas para estas sesiones ya están a la venta en taquilla y en la propia web de mk2 Cinesur El Tablero

La cartelera de esta semana viaja desde un tranquilo barrio residencial convertido en un territorio desconocido hasta el centro de Londres amenazado por una bomba de la Segunda Guerra Mundial. Entre medias, el cine español recupera el verano como escenario de secretos familiares y pasiones prohibidas, mientras que el popular Marsupilami regresa a la gran pantalla con una nueva aventura cargada de humor.

El principal estreno de la semana es El final de Oak Street, la nueva película de David Robert Mitchell (It Follows, Under the Silver Lake), uno de los directores más singulares del cine fantástico estadounidense, y que da un salto hacia el mainstream autoral con esta película. El director plantea una premisa tan sencilla como desconcertante: un misterioso fenómeno cósmico arranca literalmente Oak Street de su ubicación suburbial y transporta a sus habitantes hasta un lugar completamente desconocido. La familia Platt tendrá que permanecer unida para sobrevivir en un entorno que ya no responde a ninguna de las reglas que conocían. El reparto está encabezado por Anne Hathaway (El diablo viste de Prada, Los miserables, Interstellar) y Ewan McGregor (Trainspotting, Moulin Rouge!, Star Wars), en una propuesta que combina ciencia ficción, terror y aventura.

También llega a las salas Cuenta atrás, un thriller dirigido por David Mackenzie (Comanchería, Young Adam) que convierte el centro de Londres en una enorme zona de peligro. El hallazgo accidental de una bomba de la Segunda Guerra Mundial obliga a evacuar la ciudad mientras un grupo de delincuentes intenta aprovechar el caos para ejecutar un elaborado atraco. La película reúne a Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass, Bullet Train), Theo James (Divergente, The White Lotus), Sam Worthington (Avatar, Furia de titanes) y Gugu Mbatha-Raw (The Morning Show, Black Mirror), en una carrera contrarreloj donde delincuentes y autoridades se mueven entre calles vaciadas a toda velocidad.

El cine español pone el contrapunto con Días de agosto, dirigida por Chema de la Peña (Sud Express, Amarás sobre todas las cosas). La película lleva a la pantalla una historia de verano aparentemente idílica que pronto se llena de tensiones familiares y deseos incómodos. Juan y Gabriela esperan disfrutar solos del chalé familiar durante las vacaciones, pero la llegada inesperada del padre de él, Fernando, acompañado de su joven novia Mónica, altera todos sus planes. Maggie Civantos (Vis a vis, Las chicas del cable), Roberto Álamo (Que Dios nos perdone, Antidisturbios) y Pau Simon protagonizan un drama en el que el calor, los secretos y las relaciones prohibidas convierten agosto en un mes mucho más largo de lo previsto.

La propuesta familiar llega con Marsupilami, una nueva adaptación del popular personaje creado por André Franquin y dirigida por Philippe Lacheau (Super ¿quién?), que además se reserva de nuevo uno de los papeles protagonistas. La película, que no es secuela de la que se hizo en 2012, comienza cuando David acepta recuperar un misterioso paquete en Sudamérica para salvar su trabajo en un zoológico. El encargo le lleva a un crucero en el que viaja junto a su exmujer, su hijo y un compañero especialmente torpe. Cuando este último abre accidentalmente el paquete, libera a un pequeño Marsupilami que convierte el viaje en una sucesión de problemas. Lacheau comparte reparto con Jamel Debbouze (Amélie, Astérix y Obélix: Misión Cleopatra) y Tarek Boudali (Angel A).

Era un domingo cualquiera de 1951 o, tal vez, de 1952 y poco hacía sospechar que iba a ser una tarde crucial en la vida de una adolescente. Tenía quince años y se llamaba Josefina Molina.

Aquel domingo apuraba aprisa el postre del almuerzo familiar en su casa del barrio de San Pedro, en pleno casco histórico cordobés. Tenía el plan con su hermano Rafael de acudir a la sesión de las 15.30 del Cine Góngora. Proyectaban El río, de Jean Renoir, una película francesa con unos actores que no les sonaban de nada.

Llegaron corriendo, con el último bocado aún en la garganta, y puede que se sentaran con las luces ya apagadas y la linterna del acomodador iluminando la fila. Con el intenso olor a moqueta de aquellos cines del franquismo comenzó la película que le cambiaría la vida. “Apenas empezó, percibí algo distinto en la pantalla. El color no era brillante, pero sí creíble, con matices que no había visto nunca; los actores eran seres próximos y la historia era realmente un trozo de vida sin principio ni final que, haciendo honor a su nombre, equivalía a contemplar el paso de un río, disfrutando de su belleza en aquella porción de su curso, en un estado casi hipnótico. No pasaba nada y pasaba todo”, cuenta la propia Josefina en su autobiografía, Sentada en mi rincón (SEMINCI, 2000).

Es imposible dejar de pensar en cuánto debió identificarse la joven Josefina con Harriet, la protagonista de aquella historia. Una joven británica de su misma edad que vive en La India, que pierde la inocencia y descubre la aceptación de la vida como un flujo constante donde “crecer duele”. Los paralelismos con la Josefina Molina de 15 años en la Córdoba de 1951 son profundos: mientras la protagonista de la película compite por afectos y se enfrenta a cambios inevitables en un entorno exótico a la vez que familiar, la joven cordobesa vivía en una ciudad “ensimismada y de espaldas al presente”, marcada por el ambiente gris de la posguerra y del integrismo nacionalcatólico. A pesar de todo y al igual que Harriet, Josefina descubría que la vida fluye sin pausa.

Para otro director de su generación, Martin Scorsese, El río sigue siendo una de las películas en color “más hermosas jamás hechas”¿Por qué tuvo tanta importancia para la futura directora esta película? Nunca lo supo muy bien, pero el hecho es que descubrió con ella la acción del director y su carácter decisivo. “Desde entonces no recuerdo haber dudado sobre lo que quería hacer: dirigir cine”. Lo único en su contra era que en España apenas existían mujeres directoras de cine. Pero quién dijo miedo.

La Córdoba inquieta: Cineclubes y el Teatro Medea

En aquella Córdoba de la juventud de Josefina, todo lo que sonaba a intelectualidad se pronunciaba con desdén. Sin embargo, en aquel ambiente gris de la dictadura, la futura cineasta inició el viaje a su estación destino, ser directora de cine. La primera parada y su gran refugio fueron espacios de debate como el Cineclub Senda, el del Círculo de la Amistad y el Círculo Juan XXIII. Los cineclubes eran los pocos espacios donde la escasa juventud inquieta de la época buscaba nuevos lenguajes y formas de compromiso.

En aquella Córdoba de la juventud de Josefina, todo lo que sonaba a intelectualidad se pronunciaba con desdén

Aunque era extraño encontrar a alguna mujer en estos foros, eran contadísimas las que acudían, ella aparecía de forma asidua en las proyecciones donde las películas servían como “pretexto para hablar de lo que pasaba en el país”, permitiendo analizar la realidad española desde posturas antifranquistas disimuladas bajo la invocación de valores humanos.

En el Cineclub Senda, ligado a la Iglesia de la Compañía en unos tiempos en los que la revolución se hacía desde dentro, conoció a Fernando Álvarez Nicolás, a quien Molina consideraba su maestro intelectual. Él la enseñó a analizar películas, a decantar sus gustos estéticos y literarios, y la ayudó a vencer el miedo escénico animándola a dirigir algunos coloquios y escribir en los programas.

Además, estos espacios la conectaron con figuras clave de la cultura y la resistencia intelectual de la época, como el doctor Carlos Castilla del Pino, que se convirtió en un gran amigo durante toda su vida, el pintor José Duarte (del Equipo 57), o los abogados y políticos Rafael Mir y Joaquín Martínez Bjorkman.

Su paso por los cineclubes y el bullir de ideas que se generaban en sus tertulias fue lo que desembocó en que Josefina fundara el Teatro de Ensayo Medea en 1962, con el que realizó su primera puesta en escena con Casa de muñecas, de Ibsen. El estreno fue en el Salón Liceo del Círculo de la Amistad, un recinto reservado entonces para las buenas familias y los terratenientes, que se llenó de público de todos los barrios. Se invitó a la ciudad sin cobrar entrada, por lo que bajo aquellos espejos y volutas barrocas, tal vez por primera vez, se extendió el tapiz de un público diverso ansioso por ver un montaje que era, en sí mismo, un acto de rebeldía cultural.

Los cineclubes la conectaron con figuras clave de la cultura y la resistencia intelectual de la época

Los conocimientos sobre análisis fílmico que Josefina aprendió en los cineclubes más la experiencia teatral fueron los que la futura cineasta aplicaría años después en sus exámenes de ingreso y trabajos en la Escuela Oficial de Cinematografía, donde se tuvo que enfrentar a un tribunal en el que formaban parte directores como Luis García Berlanga y José Luis Sáenz de Heredia.

Pero antes de tan crucial prueba, la joven audaz tenía que saltar la primera valla: convencer a su familia para volar a Madrid.

La familia y la semilla del feminismo

Si bien la vocación de Josefina se forjó en los cineclubes y en la Córdoba intelectual de mitad del siglo XX, su determinación tampoco venía del vacío. Su madre, de ascendencia catalana y de apellido Reig, fue una figura fundamental que se empeñó en que su hija aprovechara al máximo su educación. La familia, hecha a sí misma y que nunca pasó necesidades, regentaba un negocio de droguería y calzados. Un almacén en el que se vendían productos que escaseaban en la posguerra, como zotal, lana vegetal para colchones o sosa cáustica para hacer jabón y alpargatas.

En aquel caserón con tienda en su planta baja del número 20 de la calle Gutiérrez de los Ríos, hoy desaparecido, nació la cineasta. El negocio debió ubicarse en la esquina con la plazuela de Los Sousas, donde hasta hace unos años hubo una famosa herboristería. Josefina recuerda en sus memorias estar sentada en el mostrador del comercio mientras su madre atendía a mujeres humildes y mutilados de guerra. El mostrador también formaba parte de sus juegos; su hermano Rafael se escondía allí en sombras para asustarla personificando al monstruo de Frankenstein.

Ver a su madre regentar el negocio familiar con éxito durante la ausencia de su padre —y su talante arriesgado para conseguir comida durante el racionamiento—, la hizo comprender desde niña que una mujer era perfectamente capaz de desempeñar las mismas labores que un hombre. Esa observación fue la semilla de su feminismo: “En algún momento debí decidir que el hecho de ser una niña no iba a impedirme hacer nada de lo que quisiera”.

“En algún momento debí decidir que el hecho de ser una niña no iba a impedirme hacer nada de lo que quisiera.

Sin embargo, cuando terminó el bachillerato y anunció que quería ir a Madrid al Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, la reacción de su familia fue de asombro y escepticismo. Sus padres la miraron “como si fuera transparente” y le rogaron que estudiara una carrera convencional, pues el cine les parecía un “mundo de perdición”.

Para no escandalizarlos, Josefina se marchó en 1963 con el pretexto de estudiar Ciencias Políticas, aunque su verdadero objetivo era la Escuela de Cine. Incluso cuando ya estaba en Madrid, sus padres seguían invitándola a dejarlo: “Vente a casa” era el cierre habitual de sus cartas, incapaces de confiar en que aquel camino tuviera futuro para una mujer.

Una historia plagada de muros

Convencer a sus padres fue solo el inicio de una carrera plagada de muros que la joven tuvo que escalar. Al salir de la Escuela de Cine como la primera mujer en obtener el título de Dirección en 1969, se topó con la invisibilidad, el ninguneo y “un asfixiante paternalismo industrial” hacia las mujeres cineastas. “Eramos marginadas del cajón de género”, comentaba mientras sufría presupuestos mucho más bajos que sus colegas varones.

Josefina tuvo que gastar gran parte de su energía en romper la inercia de su tiempo para dejar de ser una rareza y alcanzar, sencillamente, la igualdad de oportunidades. Pese a las injusticias y los sinsabores, la directora nunca se instaló ni en el desencanto ni en el victimismo y supo mirar con estrategia e inteligencia hacia el futuro.

Su carrera alcanzó el cénit con Función de noche, hito de la vanguardia cinematográfica española además de éxito comercial. En televisión, tras colar el mejor teatro en los salones del país a la hora de cenar con Estudio 1, triunfó con la humanización de Teresa de Jesús, a quien dotó en una serie de una dimensión feminista inédita, por destacar solo dos de sus grandes obras. Pionera absoluta, fue la primera directora en recibir el Goya de Honor, el Premio Nacional de Cinematografía y en ingresar en la Academia de Bellas Artes.

Sin embargo, la propia Josefina Molina siempre mostró humildad respecto a esta etiqueta de “la primera”. En diversas entrevistas recordó que aunque ella fue la primera titulada, hubo precedentes de mujeres cineastas antes que ella, como Ana Mariscal o aquellas que trabajaron durante la Segunda República en los años 20 y 30. Consideraba a su generación como “un escalón necesario” para demostrar que una mujer podía dedicarse profesionalmente a la dirección.

Al fundar CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, sustituyó la soledad de las pioneras por una solidaridad que hoy ampara a las nuevas generaciones de directoras y mujeres del cine.

Una relación dual: Córdoba como inspiración

Josefina mantuvo siempre una “relación dual”, según sus palabras, con Córdoba. Se sentía atada emocionalmente a sus paisajes, pero sabía que debía distanciarse para cumplir su sueño. Pese a vivir en Madrid, la ciudad califal nunca la abandonó creativamente. “Mi estética se formalizó en aquellos terrenos que como niña me hicieron feliz”.

La primera obra audiovisual ligada a su tierra en la que trabajó Molina mientras estudiaba cinematografía fue Córdoba (1966). Aunque no como directora, la futura cineasta trabajó en este documental como ayudante de dirección de Claudio Guerín para el programa de televisión Conozca usted España, el cual fue presentado por el torero Manuel Benítez, El Cordobés.

“Mi estética se formalizó en aquellos terrenos que como niña me hicieron feliz.

En muchas de las siguientes obras en las que trabajó su nombre ni siquiera aparece en los créditos principales.

Feria en Córdoba (1968), dirigido por ella mientras aún se formaba en la Escuela de Cinematografía, se considera su documental más personal y forma parte de la serie Fiesta. Con una duración de 30 minutos, Molina estructuró el guion siguiendo las horas del día para retratar a la ciudad y a sus habitantes a través de la forma en que se divertían las distintas clases sociales durante la feria.

La cineasta también exploró la provincia y Retablo del Valle de los Pedroches (1971) fue un programa de la serie Teatro de siempre de Televisión Española rodado en Dos Torres, desde donde se retransmitió en directo un retablo navideño interpretado por los habitantes del pueblo, incluyendo imágenes de su vida cotidiana.

Averroes (1981) fue un episodio de la serie Paisaje con figuras, de Televisión Española, rodado en Córdoba, con guion y presentación de Antonio Gala centrado en la figura del filósofo andalusí.

A la serie Esta es mi tierra pertenece San Roque, Ronda, Córdoba: pretérito imperfecto (1998), episodio dedicado al psiquiatra e intelectual Carlos Castilla del Pino, gran amigo y cómplice de la directora.

A pesar de su amor por la ciudad, Molina, al igual que directores como Almodóvar o Ridley Scott, manifestó en más de una ocasión haber tenido dificultades para rodar en el interior de la Mezquita, un espacio que defendía como patrimonio de la humanidad “que debería ser mostrado y retratado por el cine”.

Josefina, semilla del porvenir

Una de las hazañas por las que Molina se sentía más orgullosa, desde su timidez y humildad, es por ser considerada “maestra de cineastas” y un referente fundamental para las actuales y futuras generaciones de directoras en España. Su influencia no solo reside en su obra artística, sino en su empeño personal por transformar una industria históricamente masculina en un espacio de igualdad y solidaridad.

El jurado del Premio Nacional de Cinematografía insistió en ello y subrayó que su mirada “libre y sin prejuicio es esencial para que las jóvenes cineastas comprendan la evolución de la mujer desde la Transición hasta la democracia”.

Su trayectoria ha servido de base para que directoras contemporáneas puedan contar sus propias historias con mayor libertad. Su labor ha influido directamente en autoras de gran prestigio como Isabel Coixet, Icíar Bollaín o Gracia Querejeta, quienes han continuado expandiendo el “universo femenino múltiple” que Josefina defendía, perpetuado en una nueva generación encabezada por Carla Simón, Alauda Ruiz de Azúa, Pilar Palomero o Celia Rico.

Cuestiones como la construcción de la intimidad femenina, la libertad y la lucha contra la opresión siguen siendo ejes centrales para que estas nuevas directoras vean en el cine de Molina un espejo donde reconocerse. La imagen que les devuelve es la de una mujer inclasificable, valiente y libre.

En su tierra, el nombre de Josefina Molina lleva décadas unido a la Filmoteca de Andalucía en una de sus salas, devolviendo a su Córdoba natal la luz que ella misma descubrió de adolescente. Un viaje que comenzó con la mirada hipnótica hacia un río lejano en la pantalla del cine Góngora. Un “trozo de vida sin principio ni final” que fluyó con la misma fuerza y caudal con la que el Guadalquivir atraviesa ciudades, olivares y valles buscando el mar.

Apertura de museos

Dentro del programa Noches de verano en los Museos Municipales, este viernes a las 22:00, la cantante Ana de Lois ofrecerá en el Museo Taurino el concierto de música neo soul Tell me, mientras que en el Museo Julio Romero de Torres, también a las 22:00, se desarrollará la visita tematizada Veladas con Julio, ambas con entrada libre hasta completar aforo. El sábado, también a esa misma hora, este museo acogerá la actuación del guitarrista Francisco Pérez Feria con un concierto dedicado a Manuel de Falla.

'La Bellezza del Suono', en 'Noches en la Terraza'

El ciclo Noches en la Terraza ofrecerá, este viernes a las 22:00 en la Plaza del Triunfo, el concierto La Bellezza del Suono, con Ana de la Viña, violín; Alejandro Sánchez; piano, Patricia Cabanillas, viola; y Elisa Gordo, violoncelo. La entrada es libre hasta cubrir aforo. La Bellezza del Suono propone un recorrido por diferentes estilos y atmósferas, pasando por autores como Astor Piazzolla y por algunas de las bandas sonoras más reconocibles, junto a piezas de gran sensibilidad musical. Esta variedad permite construir un programa dinámico, en el que conviven la intensidad, la emoción, el lirismo y la fuerza expresiva de la música instrumental.

Más música

Por otro lado, el Patio de Columnas del Palacio de Viana celebrará este viernes, a partir de las 22:00, un concierto de La Bandada de Hidabe. Con más de dos décadas de trayectoria musical a sus espaldas, el grupo ha sabido fusionar a la perfección la fuerza arrolladora del rock con la profunda expresividad del folk, consolidando un estilo único que verdaderamente no deja indiferente a nadie cuando se suben al escenario a dar sus potentes directos.

La Plaza del Triunfo acoge la verbena de la Federación de Peñas con copla, coro y flamenco

La Plaza del Triunfo acogerá este finde el inicio de la XXXVII Verbena de la Federación de Peñas Cordobesas. La programación, de entrada libre, arrancará este sábado a partir de las 22:30 con las actuaciones del Coro La Jarana y el Grupo Oro y Plata, acompañados por el talento y la elegancia del Estudio de Baile Antonio y Mariví. La actividad continuará este domingo desde las 22:00 con las voces de María José Romero y Clemente Mata, dando paso después al espectáculo de fusión y duende del musical flamenco Duros a peseta: Los caramelos que comimos, protagonizado por Ángel Reyes y Alberto Parraguilla.

Cine

El cine de verano del Coliso de San Andrés ofrecerá durante este fin de semana, de viernes a domingo, el estreno de La Patrulla Canina: la dino película. A partir de las 22:00, los más pequeños de la casa se acercarán de nuevo a las aventuras de los cachorros más famosos de la pequeña y la gran pantalla. Tras naufragar en una isla tropical inexplorada repleta de dinosaurios a causa de una misteriosa tormenta, la Patrulla Canina conocen a Rex, un cachorro experto en dinos que lleva años varado allí. La situación se vuelve crítica cuando su archienemigo, el alcalde Humdinger, explota la isla de forma imprudente y provoca la erupción de un enorme volcán inactivo, obligando a los cachorros a enfrentarse a sus rescates más importantes para detenerlo antes de que la isla desaparezca.

Flamenco

El ciclo Al calor del flamenco continuará este sábado, a las 22:00 en la Posada del Potro, con la actuación del cantaor Rafael Mesa El Guerra, que estará acompañado del guitarrista Manolo Baena. Nacido en el Campo de la Verdad en 1944, es una de las referencias más importantes del cante flamenco cordobés. Destaca por su estudio exhaustivo de todos los estilos y, especialmente, por ser el máximo exponente de los Cantes de Córdoba. De hecho, la crítica especializada considera que sus soleás cordobesas son las más puras jamás cantadas y grabadas, inmortalizadas en un disco histórico con motivo del Congreso Nacional de Arte Flamenco de 1988.

Los cines de Córdoba afrontan la primera semana de agosto con una cartelera pensada para todos los públicos. La animación familiar vuelve a ser protagonista con La Patrulla Canina: La dino película, mientras que el cine español apuesta por la comedia con El último mono. Además, llegan dos propuestas internacionales marcadas por la tensión: un superviviente atrapado en aguas infestadas de tiburones y un drama francés sobre ciencia, arte y una amenaza nuclear.

El principal estreno familiar de la semana es La Patrulla Canina: La dino película, dirigida por Cal Brunker (La familia Bigfoot, Los hermanos Willoughby). En esta nueva aventura, los populares cachorros abandonan las calles de Bahía Aventura para enfrentarse a un desafío prehistórico después de naufragar en una isla tropical habitada por dinosaurios. Allí conocerán a Rex, un nuevo aliado experto en estas criaturas, mientras el alcalde Humdinger vuelve a poner en peligro el equilibrio del lugar con sus ambiciosos planes de explotación. La Patrulla Canina deberá afrontar su rescate más complicado hasta ahora para evitar que la isla quede destruida por la erupción de un volcán.

El cine español llega con El último mono, una comedia dirigida por Joaquín Mazón (La vida padre, Cuerpo escombro). La película está protagonizada por el monologuista Juan Dávila, y cuenta con Susana Abaitua (Patria, Loco por ella), con Conchi Espejo en el reparto. La historia sigue a Alejandro, un gurú de la seducción convertido en fenómeno de Internet que acepta un reto ante sus seguidores: conquistar en tres días a Mariela, una cómica feminista que es también su gran rival en redes sociales. Una batalla entre dos formas opuestas de entender las relaciones que promete convertirse en una guerra de egos.

El thriller de supervivencia llega con En mar abierto, dirigida por Renny Harlin (La jungla 2: Alerta roja, Máximo riesgo, Deep Blue Sea). La película cuenta con Aaron Eckhart (El caballero oscuro, Gracias por fumar) y Ben Kingsley (Gandhi, Shutter Island) como protagonistas de una historia que arranca cuando un avión comercial que cubre la ruta entre Los Ángeles y Shanghái debe realizar un aterrizaje de emergencia en pleno océano. Sin tierra firme a la vista y rodeados de tiburones, los supervivientes tendrán que luchar contra la naturaleza y contra el tiempo en una peli de serie b que remite a tiempos pasados (con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva).

La propuesta más autoral de la semana es El síndrome Rembrandt, dirigida por Pierre Schoeller (El ejercicio del poder, Un pueblo y su rey). El filme reúne a Camille Cottin (Dix pour cent, Aún estoy aquí) y Romain Duris (Una casa de locos, La espuma de los días) en un drama que mezcla arte, ciencia y crisis personal. La historia sigue a una pareja de ingenieros vinculados a la industria nuclear francesa cuya vida cambia cuando ella desarrolla una intensa conexión con las pinturas de Rembrandt y comienza a cuestionar la seguridad de los reactores que investigan.

Uno de esos espectáculos que los amantes de la cultura en Córdoba no quieren perderse. El Gran Teatro abrirá sus puertas el próximo mes de noviembre para acoger el espectáculo 'Pasión Almodóvar', una propuesta artística donde la artística voz de Pasión Vega rendirá tributo al universo cinematográfico del director manchego.

Tanto es así que la propia organización del evento se presenta como una “cuidada recopilación de las canciones más emblemáticas que han acompañado a las películas de Pedro Almodóvar”. A través de su interpretación, Pasión Vega “busca revivir la esencia emocional y estética de la filmografía del cineasta”.

La artista estará acompañada sobre el escenario por Moisés Sánchez, quien ha asumido además la responsabilidad de los arreglso musicales. Por otro lado, la formación se completará con un trrío de músicos. La sesión tendrá lugar el próximo 13 de noviembre a las 20:00.

El repertorio seleccionado permitirá a los asistentes realizar un viaje sonoro por la trayectoria de Almodóvar, destacando la importancia narrativa que la música siempre ha tenido en sus cintas. Las localidades para este evento ya se encuentran a la venta con un rango de precios que oscila entre los 18 y los 50 euros.