El delegado de Cultura de la Diputación de Córdoba, Gabriel Duque, ha dado a conocer la resolución de la comisión de valoración de 'Toma Primera', programa de patrocinio que tiene como objetivo “apoyar económicamente producciones cinematográficas en fase de ejecución o que hayan finalizado su rodaje y que tengan localizaciones en la provincia”.

A este respecto, Duque ha explicado que “en este 2026 se han presentado un total de 12 propuestas, de las que cinco contarán con la colaboración de la institución provincial, a tenor de los criterios establecidos que atienden a cuestiones como la calidad artística, el porcentaje de mujeres en el equipo, la financiación previa de otras instituciones, el número de localizaciones en la provincia y que el equipo técnico-artístico y la productora sean cordobeses”.

Así, la comisión ha seleccionado 'A las ocho en casa', corto producido por Gadol Producciones; 'Muy al Sur', de Rumbo Films y Raíz Producciones; 'Desaparición', largometraje documental producido por Paraíso Films, y 'Una simple carta de amor', largometraje de ficción cuya producción corre a cargo de Summer Films.

El responsable de Cultura de la Diputación ha señalado que “junto a estas propuestas, se patrocinará 'Vivan los hombres cabales', un largometraje de ficción producido por Lanuebe Películas SL y Anguita, y 'El hombre de los tres siglos', largometraje documental de La Favorita”.

Según ha precisado Duque, “el programa 'Toma Primera' establece que el patrocinio máximo de la institución provincial para los trabajos de largometraje será de 12.000 euros, y para los cortos de 6.000 euros”.

Esta propuesta, ha continuado, “reafirma nuestro compromiso con la cultura y la industria audiovisual, conscientes de que estas propuestas enriquecen el panorama cultural y fortalece el tejido industrial del sector audiovisual con sello cordobés”.

La comisión que ha valorado las propuestas ha estado formada por personas expertas en el ámbito del cine y el audiovisual, como integrante de la Cátedra de Estudios Leonor de Guzmán y miembro de la Asociación Cine Cercano, Consuelo Borreguero; el productor de varios proyectos galardonados en distintos festivales de cine y director de la Semana de Cine en Córdoba, Álvaro García Márquez, y el organizador del festival de cine Cortogenial y promotor de festivales y jornadas en torno a la música, la literatura y la memoria histórica, entre otras experiencias relacionadas con el ámbito del cine y el audiovisual, Moisés Bedmar.

El cine vuelve a renovar su cartelera en Córdoba con una semana marcada por la variedad. El terror sobrenatural, la acción y el thriller más adrenalínico y un drama juvenil ligado a la música y al baile protagonizan los estrenos que llegan a las salas, tres películas que ofrecen propuestas muy distintas para quienes busquen una nueva historia que ver en pantalla grande.

Entre demonios que cruzan desde un reino de almas perdidas, conspiraciones capaces de alterar el equilibrio del poder mundial y una adolescente que encuentra en un espacio clandestino una vía para afrontar la pérdida de su hermano, la cartelera se mueve esta semana entre el miedo, la acción y las emociones de la juventud.

‘Insidious: Fuera del más allá’: cuando el terror cruza la frontera

El terror sobrenatural es uno de los grandes protagonistas de la semana con Insidious: Fuera del más allá, una nueva historia ambientada en el universo de la conocida saga. La película, dirigida por Jacob Chase, combina terror y misterio a lo largo de 119 minutos y cuenta en su reparto con Amelia Eve, Brandon Perea y Lin Shaye.

La historia sigue a Gemma, una joven madre que regresa a la casa de su infancia. Allí descubre que posee una capacidad extraordinaria y peligrosa: puede viajar a El Más Allá, un reino habitado por almas perdidas, y regresar después al mundo de los vivos.

Pero ese poder tiene un precio. Gemma también puede traer consigo aquello que encuentra al otro lado. Y cuando los demonios descubren de lo que es capaz, la frontera entre ambos mundos comienza a desdibujarse, convirtiendo el mundo real en un territorio en el que las fuerzas sobrenaturales pueden campar a sus anchas.

Con una duración de casi dos horas, la cinta apuesta así por una combinación de misterio y terror sobrenatural, con una protagonista atrapada entre dos realidades y obligada a enfrentarse a las consecuencias de abrir una puerta que quizá nunca debería haber atravesado.

Jason Statham se mete en una conspiración internacional en ‘El motín’

La segunda gran novedad de la cartelera cambia radicalmente de registro. El motín lleva a los espectadores al terreno de la acción y el thriller con Jason Statham como protagonista. La película está dirigida por Jean-François Richet, dura 95 minutos y completa su reparto principal con Adrian Lester y Annabelle Wallis.

En esta ocasión, Statham interpreta a Cole Reed, un hombre que se ve envuelto en una trama de poder después del asesinato de su jefe, un industrial multimillonario. Tras el crimen, Reed asume la culpa y se ve obligado a huir mientras intenta demostrar su inocencia.

Lo que comienza como una búsqueda para limpiar su nombre pronto se convierte en algo mucho mayor. La investigación destapa aliados ambiguos, traiciones y una red de intereses con alcance global, mientras una conspiración internacional amenaza con alterar el equilibrio del poder.

La película propone, de este modo, una carrera contrarreloj en la que Reed tendrá que descubrir en quién puede confiar mientras trata de desentrañar una trama que parece ir mucho más allá del asesinato que desencadena la historia.

‘A fuego’: baile, música y una historia sobre aprender a vivir con la pérdida

El tercer estreno de la semana tiene sello español y se aleja de los dos anteriores para adentrarse en el drama juvenil y la música. A fuego, dirigida por Estel Díaz, está protagonizada por Zoe Bonafonte, Marc Soler y Ruslana y tiene una duración de 97 minutos.

La protagonista es Lola, una adolescente de apenas 17 años que acaba de perder a su hermano Nico. Tras su muerte, la joven se encuentra en un momento de profundo desconcierto y dolor, hasta que acaba llegando al Búnker, un recinto abandonado que se ha transformado en un espacio para fiestas clandestinas y batallas de baile.

Es allí donde la protagonista encuentra un grupo de amigos que puede convertirse en una pieza fundamental para afrontar su nueva realidad. El baile y la música aparecen como una vía para que Lola vuelva a conectar con una pasión que parecía haber quedado apartada y, al mismo tiempo, para comenzar a reconstruirse después de la pérdida.

El Búnker se convierte así en mucho más que un escenario. Es el espacio en el que Lola descubre nuevas relaciones, recupera parte de sí misma y comienza a aprender a convivir con la ausencia de su hermano.

El próximo 21 de agosto llega a los cines españoles Pastoris, el nuevo largometraje dirigido por Pablo Moreno, que cuenta entre su reparto con el actor Antonio Reyes, natural de Baena (Córdoba).

Reyes interpreta al Señorito Juan en este drama histórico ambientado en la España rural de comienzos del siglo XIX. Una historia que recupera la memoria, las tradiciones y las formas de vida de un territorio y que, además, plantea un particular desafío para sus intérpretes: toda la película está rodada en la palra d’El Rebollar, una variedad lingüística del dominio asturleonés actualmente en peligro de desaparición.

Para Antonio Reyes, este trabajo supuso enfrentarse a un personaje perteneciente a otra época y, al mismo tiempo, a una forma de hablar vinculada a una comunidad y a un territorio concretos. La sonoridad, el vocabulario y las expresiones de la palra obligaron a los actores a realizar un importante trabajo de preparación para conseguir que el lenguaje formara parte de la interpretación de manera natural.

La película contó con el asesoramiento de personas conocedoras de esta variedad lingüística para preservar sus particularidades. En Pastoris, la palra no es únicamente un recurso narrativo, sino una parte fundamental de la identidad de los personajes y del mundo que retrata la película.

Antonio Reyes, de Baena a la interpretación profesional

Nacido en Baena, Antonio Reyes comenzó su relación con la interpretación en su localidad natal antes de trasladarse a Madrid para formarse en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD).

Desde entonces ha desarrollado su trayectoria profesional en cine, televisión y teatro. En 2026 regresó además al Teatro Liceo de Baena con El proceso, reencontrándose con el público de su localidad.

Su participación en Pastoris le lleva ahora a formar parte de una historia profundamente vinculada al mundo rural y a la conservación de la memoria de una comunidad. Aunque la película está ambientada en Salamanca, los temas que plantea —la pérdida de tradiciones, la desaparición de formas de hablar y la transmisión de la memoria entre generaciones— forman parte de una realidad compartida por numerosos territorios rurales.

Pastoris sigue a Domingo, un hombre que regresa a su hogar después de haber sido dado por muerto y que emprende un viaje como pastor hacia Extremadura. A través de la trashumancia, la película recupera una forma de vida que durante siglos conectó territorios y comunidades. El largometraje pone en valor un patrimonio formado no solo por paisajes y tradiciones, sino también por palabras, conocimientos y formas de vida que corren el riesgo de desaparecer.

La película está protagonizada por Sergio Cardoso, Marian Arahuetes, Laura Contreras, Pablo Viña y Assumpta Serna, y está producida por Stellarum Films, Invértebra Films y Pocas Nueces.

El joven cineasta cordobés Álvaro León, quien sorprendió con su ópera prima, 'Origami' (2024), ganador del premio Fugaz al Mejor Cortometraje Breve en 2025 y seleccionado en el 73 Festival de San Sebastián, entre más de 40 reconocimientos a nivel nacional e internacional, continúa con esta estela de éxito, ahora con su nuevo corto, '¿Qué comen los dragones?', con el que ha logrado ya casi una veintena de galardones nacionales e internacionales, y con el que cuenta una historia familiar, una fábula que mezcla la mirada inocente de la infancia con las sombras de la memoria histórica.

A este respecto y en declaraciones a Europa Press, Álvaro León ha explicado que su nuevo corto “empezó su distribución hace unos cuantos meses y no podemos estar más contentos de cómo le está yendo. Empezamos en el 'Rodando por Jaén', en el que nos dieron cinco premios, incluyendo al Mejor Actor, para Salva Reina, y a Mejor Producción, y tras esto hemos recorrido festivales por toda la península”, consiguiendo premios en “Cataluña, Madrid, Andalucía, etcétera, y ya sumamos un total de 19 premios con el cortometraje”.

El último que ha logrado el cineasta cordobés ha sido el Premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de San Silvestre de Guzmán, al igual que en el Festival Internacional de Cortometrajes del Geoparque de Granada, en el FICC Centelles en Curt, en el Festival de Cine de Sorihuela del Guadalimar, en el Cluj Shorts International Short Film Festival de Rumanía, en el Montevideo Fantástico de Uruguay, o en el Festival de Cortos Mágina en Corto-Cine entre Olivos, donde ha sumado el Primer Premio del Jurado, además del Premio del Jurado al Mejor Director y el Premio del Jurado al Mejor Actor (Salva Reina), entre otros.

Todo ello, además de las 36 selecciones en diversos festivales nacionales e internacionales que también ha conseguido con '¿Qué comen los dragones?', hace que Álvaro León esté “muy contento” y que le hagan “especial ilusión”, tanto los galardones en España, como en el ámbito internacional, pues “el Montevideo Fantástico es uno de los festivales de fantasía internacional de referencia”.

El director y guionista cordobés ha reconocido que, “al ser un corto de 15 minutos, que algo más largo de lo que estábamos acostumbrados a distribuir, pues no sabíamos muy bien cómo iba a funcionar e ibamos con un poco de incertidumbre, pero estamos viendo que cuando entra a los festivales está gustando mucho, tanto en las proyecciones, como al jurado”, con lo que “no podemos sentir más que orgullo y felicidad de que el trabajo de todo el equipo que remó para sacar este corto adelante pues se ha reconocido, se ha valorado y se ha visto, sobre todo”.

Una historia familiar

En cuanto a lo que implicó para él escribir y dirigir '¿Qué comen los dragones'?, Álvaro León subrayado ya que “este cortometraje supone muchas cosas, una de ellas, y creo que la más importante, es poder contar al fin una historia que lleva en mi familia tanto tiempo”.

Se trata, según ha explicado, de “una historia que, en los tiempos que corren, es importante contar, y es importante porque nos habla y nos enseña muchas cosas. Nos enseña a no callar, a no escondernos, a resistir, a cuidar” y, especialmente, “nos enseña que, por encima de todo, todos somos personas y todos somos humanos”.

'¿Qué comen los dragones?' (2025) está ambientado en la sierra de Jaén, y constituye un drama con tintes mágicos, que invita a explorar el “territorio difuso entre la realidad y el mito, entre lo que se recuerda y lo que se imagina”. El corto, que cuenta con las interpretaciones destacadas de Salva Reina, Vicente Vergara, Cristina Mediero y el joven Alejandro Escamilla, fue rodado en localizaciones naturales de Jaén y, sobre todo, en el municipio de Castillo de Locubín.

Tiene una duración de 15 minutos y nos presenta a Bernabé, un niño que se lanza a una aventura para encontrar a un dragón que, a su vez, se enfrenta al hambre y al olvido si no recibe ayuda. Así, una leyenda familiar lleva a este niño a adentrarse en las montañas en busca del dragón.

De hecho, el cortometraje se construye como una leyenda familiar íntima, inspirada en una vivencia real del abuelo del director, que durante años subía en solitario a una cueva de la sierra. Su representación cinematográfica ahora constituye un viaje entre la memoria y la fantasía, de forma que '¿Qué comen los dragones?' es más que una historia de aventuras, es un homenaje a la memoria oral, al imaginario infantil y al poder transformador de la fantasía.

Con una estética cuidada, una fotografía evocadora y una partitura original de Mauricio Trabanino, con canción compuesta por Las Amores, el cortometraje construye un universo cálido y nostálgico, donde el realismo mágico se funde con la épica íntima del recuerdo.

El universo mágico de Hogwarts se prepara de nuevo para cautivar a los espectadores cordobeses. Los cines mk2 Cinesur El Tablero han anunciado la programación de hasta ocho sesiones para revivir en la gran pantalla uno de los mayores fenómenos de la historia del cine fantástico: Harry Potter y la Piedra Filosofal.

A partir de finales de agosto, los seguidores del joven mago más famoso del mundo tendrán una cita ineludible con la nostalgia y la gran pantalla en las salas de El Tablero. Esta iniciativa forma parte de la programación especial diseñada para recuperar obras cinematográficas que han marcado a generaciones enteras y ofrecer una experiencia inmersiva única que solo la sala de cine puede brindar.

Así, las proyecciones tendrán lugar en agosto durante los días el viernes 28, el sábado 29 y el domingo 30, y en septiembre, el miércoles 2. En total habrá dos sesiones diarias, a las 20:30 y a las 21:00, aunque está última será en Versión Original Subtitulada en Español.

Además de disfrutar de la película, los asistentes verán 13 minutos de contenido exclusivo que se proyectarán al inicio y al final de cada sesión.

No es la primera vez que los cines mk2 El Tablero se convierten en el epicentro de la pottermanía en Córdoba. Los cinéfilos y seguidores del universo de J.K. Rowling guardan en su memoria colectiva hitos pasados muy preciados. Cabe recordar que, en abril de 2021, las salas de El Tablero ya demostraron la enorme devoción que la ciudad siente por el mundo mágico al acoger un ambicioso ciclo en el que se proyectaron siete de las ocho películas de la saga, permitiendo a los fans redescubrir las aventuras de Harry, Hermione y Ron en pantalla grande tras los momentos más duros de la pandemia.

Las entradas para estas sesiones ya están a la venta en taquilla y en la propia web de mk2 Cinesur El Tablero

La cartelera de esta semana viaja desde un tranquilo barrio residencial convertido en un territorio desconocido hasta el centro de Londres amenazado por una bomba de la Segunda Guerra Mundial. Entre medias, el cine español recupera el verano como escenario de secretos familiares y pasiones prohibidas, mientras que el popular Marsupilami regresa a la gran pantalla con una nueva aventura cargada de humor.

El principal estreno de la semana es El final de Oak Street, la nueva película de David Robert Mitchell (It Follows, Under the Silver Lake), uno de los directores más singulares del cine fantástico estadounidense, y que da un salto hacia el mainstream autoral con esta película. El director plantea una premisa tan sencilla como desconcertante: un misterioso fenómeno cósmico arranca literalmente Oak Street de su ubicación suburbial y transporta a sus habitantes hasta un lugar completamente desconocido. La familia Platt tendrá que permanecer unida para sobrevivir en un entorno que ya no responde a ninguna de las reglas que conocían. El reparto está encabezado por Anne Hathaway (El diablo viste de Prada, Los miserables, Interstellar) y Ewan McGregor (Trainspotting, Moulin Rouge!, Star Wars), en una propuesta que combina ciencia ficción, terror y aventura.

También llega a las salas Cuenta atrás, un thriller dirigido por David Mackenzie (Comanchería, Young Adam) que convierte el centro de Londres en una enorme zona de peligro. El hallazgo accidental de una bomba de la Segunda Guerra Mundial obliga a evacuar la ciudad mientras un grupo de delincuentes intenta aprovechar el caos para ejecutar un elaborado atraco. La película reúne a Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass, Bullet Train), Theo James (Divergente, The White Lotus), Sam Worthington (Avatar, Furia de titanes) y Gugu Mbatha-Raw (The Morning Show, Black Mirror), en una carrera contrarreloj donde delincuentes y autoridades se mueven entre calles vaciadas a toda velocidad.

El cine español pone el contrapunto con Días de agosto, dirigida por Chema de la Peña (Sud Express, Amarás sobre todas las cosas). La película lleva a la pantalla una historia de verano aparentemente idílica que pronto se llena de tensiones familiares y deseos incómodos. Juan y Gabriela esperan disfrutar solos del chalé familiar durante las vacaciones, pero la llegada inesperada del padre de él, Fernando, acompañado de su joven novia Mónica, altera todos sus planes. Maggie Civantos (Vis a vis, Las chicas del cable), Roberto Álamo (Que Dios nos perdone, Antidisturbios) y Pau Simon protagonizan un drama en el que el calor, los secretos y las relaciones prohibidas convierten agosto en un mes mucho más largo de lo previsto.

La propuesta familiar llega con Marsupilami, una nueva adaptación del popular personaje creado por André Franquin y dirigida por Philippe Lacheau (Super ¿quién?), que además se reserva de nuevo uno de los papeles protagonistas. La película, que no es secuela de la que se hizo en 2012, comienza cuando David acepta recuperar un misterioso paquete en Sudamérica para salvar su trabajo en un zoológico. El encargo le lleva a un crucero en el que viaja junto a su exmujer, su hijo y un compañero especialmente torpe. Cuando este último abre accidentalmente el paquete, libera a un pequeño Marsupilami que convierte el viaje en una sucesión de problemas. Lacheau comparte reparto con Jamel Debbouze (Amélie, Astérix y Obélix: Misión Cleopatra) y Tarek Boudali (Angel A).

Era un domingo cualquiera de 1951 o, tal vez, de 1952 y poco hacía sospechar que iba a ser una tarde crucial en la vida de una adolescente. Tenía quince años y se llamaba Josefina Molina.

Aquel domingo apuraba aprisa el postre del almuerzo familiar en su casa del barrio de San Pedro, en pleno casco histórico cordobés. Tenía el plan con su hermano Rafael de acudir a la sesión de las 15.30 del Cine Góngora. Proyectaban El río, de Jean Renoir, una película francesa con unos actores que no les sonaban de nada.

Llegaron corriendo, con el último bocado aún en la garganta, y puede que se sentaran con las luces ya apagadas y la linterna del acomodador iluminando la fila. Con el intenso olor a moqueta de aquellos cines del franquismo comenzó la película que le cambiaría la vida. “Apenas empezó, percibí algo distinto en la pantalla. El color no era brillante, pero sí creíble, con matices que no había visto nunca; los actores eran seres próximos y la historia era realmente un trozo de vida sin principio ni final que, haciendo honor a su nombre, equivalía a contemplar el paso de un río, disfrutando de su belleza en aquella porción de su curso, en un estado casi hipnótico. No pasaba nada y pasaba todo”, cuenta la propia Josefina en su autobiografía, Sentada en mi rincón (SEMINCI, 2000).

Es imposible dejar de pensar en cuánto debió identificarse la joven Josefina con Harriet, la protagonista de aquella historia. Una joven británica de su misma edad que vive en La India, que pierde la inocencia y descubre la aceptación de la vida como un flujo constante donde “crecer duele”. Los paralelismos con la Josefina Molina de 15 años en la Córdoba de 1951 son profundos: mientras la protagonista de la película compite por afectos y se enfrenta a cambios inevitables en un entorno exótico a la vez que familiar, la joven cordobesa vivía en una ciudad “ensimismada y de espaldas al presente”, marcada por el ambiente gris de la posguerra y del integrismo nacionalcatólico. A pesar de todo y al igual que Harriet, Josefina descubría que la vida fluye sin pausa.

Para otro director de su generación, Martin Scorsese, El río sigue siendo una de las películas en color “más hermosas jamás hechas”¿Por qué tuvo tanta importancia para la futura directora esta película? Nunca lo supo muy bien, pero el hecho es que descubrió con ella la acción del director y su carácter decisivo. “Desde entonces no recuerdo haber dudado sobre lo que quería hacer: dirigir cine”. Lo único en su contra era que en España apenas existían mujeres directoras de cine. Pero quién dijo miedo.

La Córdoba inquieta: Cineclubes y el Teatro Medea

En aquella Córdoba de la juventud de Josefina, todo lo que sonaba a intelectualidad se pronunciaba con desdén. Sin embargo, en aquel ambiente gris de la dictadura, la futura cineasta inició el viaje a su estación destino, ser directora de cine. La primera parada y su gran refugio fueron espacios de debate como el Cineclub Senda, el del Círculo de la Amistad y el Círculo Juan XXIII. Los cineclubes eran los pocos espacios donde la escasa juventud inquieta de la época buscaba nuevos lenguajes y formas de compromiso.

En aquella Córdoba de la juventud de Josefina, todo lo que sonaba a intelectualidad se pronunciaba con desdén

Aunque era extraño encontrar a alguna mujer en estos foros, eran contadísimas las que acudían, ella aparecía de forma asidua en las proyecciones donde las películas servían como “pretexto para hablar de lo que pasaba en el país”, permitiendo analizar la realidad española desde posturas antifranquistas disimuladas bajo la invocación de valores humanos.

En el Cineclub Senda, ligado a la Iglesia de la Compañía en unos tiempos en los que la revolución se hacía desde dentro, conoció a Fernando Álvarez Nicolás, a quien Molina consideraba su maestro intelectual. Él la enseñó a analizar películas, a decantar sus gustos estéticos y literarios, y la ayudó a vencer el miedo escénico animándola a dirigir algunos coloquios y escribir en los programas.

Además, estos espacios la conectaron con figuras clave de la cultura y la resistencia intelectual de la época, como el doctor Carlos Castilla del Pino, que se convirtió en un gran amigo durante toda su vida, el pintor José Duarte (del Equipo 57), o los abogados y políticos Rafael Mir y Joaquín Martínez Bjorkman.

Su paso por los cineclubes y el bullir de ideas que se generaban en sus tertulias fue lo que desembocó en que Josefina fundara el Teatro de Ensayo Medea en 1962, con el que realizó su primera puesta en escena con Casa de muñecas, de Ibsen. El estreno fue en el Salón Liceo del Círculo de la Amistad, un recinto reservado entonces para las buenas familias y los terratenientes, que se llenó de público de todos los barrios. Se invitó a la ciudad sin cobrar entrada, por lo que bajo aquellos espejos y volutas barrocas, tal vez por primera vez, se extendió el tapiz de un público diverso ansioso por ver un montaje que era, en sí mismo, un acto de rebeldía cultural.

Los cineclubes la conectaron con figuras clave de la cultura y la resistencia intelectual de la época

Los conocimientos sobre análisis fílmico que Josefina aprendió en los cineclubes más la experiencia teatral fueron los que la futura cineasta aplicaría años después en sus exámenes de ingreso y trabajos en la Escuela Oficial de Cinematografía, donde se tuvo que enfrentar a un tribunal en el que formaban parte directores como Luis García Berlanga y José Luis Sáenz de Heredia.

Pero antes de tan crucial prueba, la joven audaz tenía que saltar la primera valla: convencer a su familia para volar a Madrid.

La familia y la semilla del feminismo

Si bien la vocación de Josefina se forjó en los cineclubes y en la Córdoba intelectual de mitad del siglo XX, su determinación tampoco venía del vacío. Su madre, de ascendencia catalana y de apellido Reig, fue una figura fundamental que se empeñó en que su hija aprovechara al máximo su educación. La familia, hecha a sí misma y que nunca pasó necesidades, regentaba un negocio de droguería y calzados. Un almacén en el que se vendían productos que escaseaban en la posguerra, como zotal, lana vegetal para colchones o sosa cáustica para hacer jabón y alpargatas.

En aquel caserón con tienda en su planta baja del número 20 de la calle Gutiérrez de los Ríos, hoy desaparecido, nació la cineasta. El negocio debió ubicarse en la esquina con la plazuela de Los Sousas, donde hasta hace unos años hubo una famosa herboristería. Josefina recuerda en sus memorias estar sentada en el mostrador del comercio mientras su madre atendía a mujeres humildes y mutilados de guerra. El mostrador también formaba parte de sus juegos; su hermano Rafael se escondía allí en sombras para asustarla personificando al monstruo de Frankenstein.

Ver a su madre regentar el negocio familiar con éxito durante la ausencia de su padre —y su talante arriesgado para conseguir comida durante el racionamiento—, la hizo comprender desde niña que una mujer era perfectamente capaz de desempeñar las mismas labores que un hombre. Esa observación fue la semilla de su feminismo: “En algún momento debí decidir que el hecho de ser una niña no iba a impedirme hacer nada de lo que quisiera”.

“En algún momento debí decidir que el hecho de ser una niña no iba a impedirme hacer nada de lo que quisiera.

Sin embargo, cuando terminó el bachillerato y anunció que quería ir a Madrid al Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, la reacción de su familia fue de asombro y escepticismo. Sus padres la miraron “como si fuera transparente” y le rogaron que estudiara una carrera convencional, pues el cine les parecía un “mundo de perdición”.

Para no escandalizarlos, Josefina se marchó en 1963 con el pretexto de estudiar Ciencias Políticas, aunque su verdadero objetivo era la Escuela de Cine. Incluso cuando ya estaba en Madrid, sus padres seguían invitándola a dejarlo: “Vente a casa” era el cierre habitual de sus cartas, incapaces de confiar en que aquel camino tuviera futuro para una mujer.

Una historia plagada de muros

Convencer a sus padres fue solo el inicio de una carrera plagada de muros que la joven tuvo que escalar. Al salir de la Escuela de Cine como la primera mujer en obtener el título de Dirección en 1969, se topó con la invisibilidad, el ninguneo y “un asfixiante paternalismo industrial” hacia las mujeres cineastas. “Eramos marginadas del cajón de género”, comentaba mientras sufría presupuestos mucho más bajos que sus colegas varones.

Josefina tuvo que gastar gran parte de su energía en romper la inercia de su tiempo para dejar de ser una rareza y alcanzar, sencillamente, la igualdad de oportunidades. Pese a las injusticias y los sinsabores, la directora nunca se instaló ni en el desencanto ni en el victimismo y supo mirar con estrategia e inteligencia hacia el futuro.

Su carrera alcanzó el cénit con Función de noche, hito de la vanguardia cinematográfica española además de éxito comercial. En televisión, tras colar el mejor teatro en los salones del país a la hora de cenar con Estudio 1, triunfó con la humanización de Teresa de Jesús, a quien dotó en una serie de una dimensión feminista inédita, por destacar solo dos de sus grandes obras. Pionera absoluta, fue la primera directora en recibir el Goya de Honor, el Premio Nacional de Cinematografía y en ingresar en la Academia de Bellas Artes.

Sin embargo, la propia Josefina Molina siempre mostró humildad respecto a esta etiqueta de “la primera”. En diversas entrevistas recordó que aunque ella fue la primera titulada, hubo precedentes de mujeres cineastas antes que ella, como Ana Mariscal o aquellas que trabajaron durante la Segunda República en los años 20 y 30. Consideraba a su generación como “un escalón necesario” para demostrar que una mujer podía dedicarse profesionalmente a la dirección.

Al fundar CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, sustituyó la soledad de las pioneras por una solidaridad que hoy ampara a las nuevas generaciones de directoras y mujeres del cine.

Una relación dual: Córdoba como inspiración

Josefina mantuvo siempre una “relación dual”, según sus palabras, con Córdoba. Se sentía atada emocionalmente a sus paisajes, pero sabía que debía distanciarse para cumplir su sueño. Pese a vivir en Madrid, la ciudad califal nunca la abandonó creativamente. “Mi estética se formalizó en aquellos terrenos que como niña me hicieron feliz”.

La primera obra audiovisual ligada a su tierra en la que trabajó Molina mientras estudiaba cinematografía fue Córdoba (1966). Aunque no como directora, la futura cineasta trabajó en este documental como ayudante de dirección de Claudio Guerín para el programa de televisión Conozca usted España, el cual fue presentado por el torero Manuel Benítez, El Cordobés.

“Mi estética se formalizó en aquellos terrenos que como niña me hicieron feliz.

En muchas de las siguientes obras en las que trabajó su nombre ni siquiera aparece en los créditos principales.

Feria en Córdoba (1968), dirigido por ella mientras aún se formaba en la Escuela de Cinematografía, se considera su documental más personal y forma parte de la serie Fiesta. Con una duración de 30 minutos, Molina estructuró el guion siguiendo las horas del día para retratar a la ciudad y a sus habitantes a través de la forma en que se divertían las distintas clases sociales durante la feria.

La cineasta también exploró la provincia y Retablo del Valle de los Pedroches (1971) fue un programa de la serie Teatro de siempre de Televisión Española rodado en Dos Torres, desde donde se retransmitió en directo un retablo navideño interpretado por los habitantes del pueblo, incluyendo imágenes de su vida cotidiana.

Averroes (1981) fue un episodio de la serie Paisaje con figuras, de Televisión Española, rodado en Córdoba, con guion y presentación de Antonio Gala centrado en la figura del filósofo andalusí.

A la serie Esta es mi tierra pertenece San Roque, Ronda, Córdoba: pretérito imperfecto (1998), episodio dedicado al psiquiatra e intelectual Carlos Castilla del Pino, gran amigo y cómplice de la directora.

A pesar de su amor por la ciudad, Molina, al igual que directores como Almodóvar o Ridley Scott, manifestó en más de una ocasión haber tenido dificultades para rodar en el interior de la Mezquita, un espacio que defendía como patrimonio de la humanidad “que debería ser mostrado y retratado por el cine”.

Josefina, semilla del porvenir

Una de las hazañas por las que Molina se sentía más orgullosa, desde su timidez y humildad, es por ser considerada “maestra de cineastas” y un referente fundamental para las actuales y futuras generaciones de directoras en España. Su influencia no solo reside en su obra artística, sino en su empeño personal por transformar una industria históricamente masculina en un espacio de igualdad y solidaridad.

El jurado del Premio Nacional de Cinematografía insistió en ello y subrayó que su mirada “libre y sin prejuicio es esencial para que las jóvenes cineastas comprendan la evolución de la mujer desde la Transición hasta la democracia”.

Su trayectoria ha servido de base para que directoras contemporáneas puedan contar sus propias historias con mayor libertad. Su labor ha influido directamente en autoras de gran prestigio como Isabel Coixet, Icíar Bollaín o Gracia Querejeta, quienes han continuado expandiendo el “universo femenino múltiple” que Josefina defendía, perpetuado en una nueva generación encabezada por Carla Simón, Alauda Ruiz de Azúa, Pilar Palomero o Celia Rico.

Cuestiones como la construcción de la intimidad femenina, la libertad y la lucha contra la opresión siguen siendo ejes centrales para que estas nuevas directoras vean en el cine de Molina un espejo donde reconocerse. La imagen que les devuelve es la de una mujer inclasificable, valiente y libre.

En su tierra, el nombre de Josefina Molina lleva décadas unido a la Filmoteca de Andalucía en una de sus salas, devolviendo a su Córdoba natal la luz que ella misma descubrió de adolescente. Un viaje que comenzó con la mirada hipnótica hacia un río lejano en la pantalla del cine Góngora. Un “trozo de vida sin principio ni final” que fluyó con la misma fuerza y caudal con la que el Guadalquivir atraviesa ciudades, olivares y valles buscando el mar.

Apertura de museos

Dentro del programa Noches de verano en los Museos Municipales, este viernes a las 22:00, la cantante Ana de Lois ofrecerá en el Museo Taurino el concierto de música neo soul Tell me, mientras que en el Museo Julio Romero de Torres, también a las 22:00, se desarrollará la visita tematizada Veladas con Julio, ambas con entrada libre hasta completar aforo. El sábado, también a esa misma hora, este museo acogerá la actuación del guitarrista Francisco Pérez Feria con un concierto dedicado a Manuel de Falla.

'La Bellezza del Suono', en 'Noches en la Terraza'

El ciclo Noches en la Terraza ofrecerá, este viernes a las 22:00 en la Plaza del Triunfo, el concierto La Bellezza del Suono, con Ana de la Viña, violín; Alejandro Sánchez; piano, Patricia Cabanillas, viola; y Elisa Gordo, violoncelo. La entrada es libre hasta cubrir aforo. La Bellezza del Suono propone un recorrido por diferentes estilos y atmósferas, pasando por autores como Astor Piazzolla y por algunas de las bandas sonoras más reconocibles, junto a piezas de gran sensibilidad musical. Esta variedad permite construir un programa dinámico, en el que conviven la intensidad, la emoción, el lirismo y la fuerza expresiva de la música instrumental.

Más música

Por otro lado, el Patio de Columnas del Palacio de Viana celebrará este viernes, a partir de las 22:00, un concierto de La Bandada de Hidabe. Con más de dos décadas de trayectoria musical a sus espaldas, el grupo ha sabido fusionar a la perfección la fuerza arrolladora del rock con la profunda expresividad del folk, consolidando un estilo único que verdaderamente no deja indiferente a nadie cuando se suben al escenario a dar sus potentes directos.

La Plaza del Triunfo acoge la verbena de la Federación de Peñas con copla, coro y flamenco

La Plaza del Triunfo acogerá este finde el inicio de la XXXVII Verbena de la Federación de Peñas Cordobesas. La programación, de entrada libre, arrancará este sábado a partir de las 22:30 con las actuaciones del Coro La Jarana y el Grupo Oro y Plata, acompañados por el talento y la elegancia del Estudio de Baile Antonio y Mariví. La actividad continuará este domingo desde las 22:00 con las voces de María José Romero y Clemente Mata, dando paso después al espectáculo de fusión y duende del musical flamenco Duros a peseta: Los caramelos que comimos, protagonizado por Ángel Reyes y Alberto Parraguilla.

Cine

El cine de verano del Coliso de San Andrés ofrecerá durante este fin de semana, de viernes a domingo, el estreno de La Patrulla Canina: la dino película. A partir de las 22:00, los más pequeños de la casa se acercarán de nuevo a las aventuras de los cachorros más famosos de la pequeña y la gran pantalla. Tras naufragar en una isla tropical inexplorada repleta de dinosaurios a causa de una misteriosa tormenta, la Patrulla Canina conocen a Rex, un cachorro experto en dinos que lleva años varado allí. La situación se vuelve crítica cuando su archienemigo, el alcalde Humdinger, explota la isla de forma imprudente y provoca la erupción de un enorme volcán inactivo, obligando a los cachorros a enfrentarse a sus rescates más importantes para detenerlo antes de que la isla desaparezca.

Flamenco

El ciclo Al calor del flamenco continuará este sábado, a las 22:00 en la Posada del Potro, con la actuación del cantaor Rafael Mesa El Guerra, que estará acompañado del guitarrista Manolo Baena. Nacido en el Campo de la Verdad en 1944, es una de las referencias más importantes del cante flamenco cordobés. Destaca por su estudio exhaustivo de todos los estilos y, especialmente, por ser el máximo exponente de los Cantes de Córdoba. De hecho, la crítica especializada considera que sus soleás cordobesas son las más puras jamás cantadas y grabadas, inmortalizadas en un disco histórico con motivo del Congreso Nacional de Arte Flamenco de 1988.

Los cines de Córdoba afrontan la primera semana de agosto con una cartelera pensada para todos los públicos. La animación familiar vuelve a ser protagonista con La Patrulla Canina: La dino película, mientras que el cine español apuesta por la comedia con El último mono. Además, llegan dos propuestas internacionales marcadas por la tensión: un superviviente atrapado en aguas infestadas de tiburones y un drama francés sobre ciencia, arte y una amenaza nuclear.

El principal estreno familiar de la semana es La Patrulla Canina: La dino película, dirigida por Cal Brunker (La familia Bigfoot, Los hermanos Willoughby). En esta nueva aventura, los populares cachorros abandonan las calles de Bahía Aventura para enfrentarse a un desafío prehistórico después de naufragar en una isla tropical habitada por dinosaurios. Allí conocerán a Rex, un nuevo aliado experto en estas criaturas, mientras el alcalde Humdinger vuelve a poner en peligro el equilibrio del lugar con sus ambiciosos planes de explotación. La Patrulla Canina deberá afrontar su rescate más complicado hasta ahora para evitar que la isla quede destruida por la erupción de un volcán.

El cine español llega con El último mono, una comedia dirigida por Joaquín Mazón (La vida padre, Cuerpo escombro). La película está protagonizada por el monologuista Juan Dávila, y cuenta con Susana Abaitua (Patria, Loco por ella), con Conchi Espejo en el reparto. La historia sigue a Alejandro, un gurú de la seducción convertido en fenómeno de Internet que acepta un reto ante sus seguidores: conquistar en tres días a Mariela, una cómica feminista que es también su gran rival en redes sociales. Una batalla entre dos formas opuestas de entender las relaciones que promete convertirse en una guerra de egos.

El thriller de supervivencia llega con En mar abierto, dirigida por Renny Harlin (La jungla 2: Alerta roja, Máximo riesgo, Deep Blue Sea). La película cuenta con Aaron Eckhart (El caballero oscuro, Gracias por fumar) y Ben Kingsley (Gandhi, Shutter Island) como protagonistas de una historia que arranca cuando un avión comercial que cubre la ruta entre Los Ángeles y Shanghái debe realizar un aterrizaje de emergencia en pleno océano. Sin tierra firme a la vista y rodeados de tiburones, los supervivientes tendrán que luchar contra la naturaleza y contra el tiempo en una peli de serie b que remite a tiempos pasados (con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva).

La propuesta más autoral de la semana es El síndrome Rembrandt, dirigida por Pierre Schoeller (El ejercicio del poder, Un pueblo y su rey). El filme reúne a Camille Cottin (Dix pour cent, Aún estoy aquí) y Romain Duris (Una casa de locos, La espuma de los días) en un drama que mezcla arte, ciencia y crisis personal. La historia sigue a una pareja de ingenieros vinculados a la industria nuclear francesa cuya vida cambia cuando ella desarrolla una intensa conexión con las pinturas de Rembrandt y comienza a cuestionar la seguridad de los reactores que investigan.

Uno de esos espectáculos que los amantes de la cultura en Córdoba no quieren perderse. El Gran Teatro abrirá sus puertas el próximo mes de noviembre para acoger el espectáculo 'Pasión Almodóvar', una propuesta artística donde la artística voz de Pasión Vega rendirá tributo al universo cinematográfico del director manchego.

Tanto es así que la propia organización del evento se presenta como una “cuidada recopilación de las canciones más emblemáticas que han acompañado a las películas de Pedro Almodóvar”. A través de su interpretación, Pasión Vega “busca revivir la esencia emocional y estética de la filmografía del cineasta”.

La artista estará acompañada sobre el escenario por Moisés Sánchez, quien ha asumido además la responsabilidad de los arreglso musicales. Por otro lado, la formación se completará con un trrío de músicos. La sesión tendrá lugar el próximo 13 de noviembre a las 20:00.

El repertorio seleccionado permitirá a los asistentes realizar un viaje sonoro por la trayectoria de Almodóvar, destacando la importancia narrativa que la música siempre ha tenido en sus cintas. Las localidades para este evento ya se encuentran a la venta con un rango de precios que oscila entre los 18 y los 50 euros.

La cartelera de esta semana tiene un claro protagonista: Spider-Man: Brand New Day, la nueva entrega del universo cinematográfico de Marvel que devuelve a Tom Holland (Lo imposible, Uncharted) al papel del superhéroe arácnido. Junto a ella llega Mother Mary, el nuevo trabajo del brillante cineasta David Lowery, mientras que los cines Axion recuperan el drama carcelario británico Hombres de acero.

El gran estreno de la semana es Spider-Man: Brand New Day, dirigida por Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, Cuestión de justicia). La película sitúa a Peter Parker cuatro años después de los acontecimientos de Spider-Man: No Way Home, completamente solo tras haber desaparecido de la memoria de quienes le rodeaban. Convertido en un héroe a tiempo completo, deberá enfrentarse a una nueva amenaza mientras la presión física y psicológica de su doble vida comienza a pasarle factura. Junto a Holland regresan Zendaya (Dune, Euphoria) y Jacob Batalon (Spider-Man: Homecoming), mientras que se incorporan Sadie Sink (Stranger Things, The Whale), Jon Bernthal (The Punisher, El contable) y Mark Ruffalo (Spotlight, Los Vengadores).

Frente al espectáculo superheroico, el otro estreno de la semana es Mother Mary, que, pese a contar con un impresionante elenco femenino, propone una mirada mucho más intimista. El nuevo largometraje de David Lowery (A Ghost Story, El caballero verde) explora la compleja relación entre una estrella del pop y una diseñadora de moda que vuelven a encontrarse cuando la cantante prepara su nueva gira. La película está protagonizada por Anne Hathaway (Los miserables, El diablo viste de Prada), Michaela Coel (I May Destroy You), Hunter Schafer (Euphoria, Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes) y la cantante FKA twigs (El cuervo).

Como complemento a los estrenos de la semana, los cines Axion han recuperado Hombres de acero, un drama carcelario británico dirigido por Cal McMau. La historia sigue a un preso que ve peligrar su inminente libertad condicional cuando la llegada de un nuevo compañero de celda altera el frágil equilibrio de la prisión. El reparto está encabezado por Tom Blyth (Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes) y David Jonsson (Alien: Romulus, Industry).

La plataforma Prime Vídeo estrenará nacional e internacionalmente la miniserie de Sony Pictures basada en los virales hilos de Twitter (hoy X) que escribe el escritor cordobés Salvador Gutiérrez Solís. El proyecto audiovisual -también hay libro publicado por Almuzara- data de 2024. Se titula Los Hilos del Miedo, y es la primera producción de este formato realizada por el gigante del entretenimiento.

La productora ha detallado que la serie se incorporará próximamente al catálogo de Prime Video en España, aunque también ha difundido un cartel en inglés, lo que hace pensar que no será el único país en el que estarán disponibles.

Basada en el episodio piloto El Garaje, concebido inicialmente para una audiencia que consume contenidos principalmente a través del móvil y que alcanzó un notable éxito en TikTok —con 28,4 millones de visualizaciones, más de 262.000 “me gusta” y cerca de 300.000 interacciones—, la miniserie consta de ocho episodios de aproximadamente cinco minutos de duración.

Para su ejecución técnica y artística, el estudio depositó su confianza en la Escuela Universitaria de Artes TAI, integrando a su comunidad internacional de jóvenes creadores en un proyecto con los más altos estándares profesionales y comerciales. “La colaboración entre Sony Pictures International Productions, España, y la Escuela Universitaria de Artes TAI está redefiniendo la narrativa audiovisual contemporánea, adaptándola a los hábitos de consumo de las generaciones más jóvenes y apostando por el talento joven que está dando forma al futuro del entretenimiento”, explica Sony.

Por su parte, las tramas se inspiran en la atmósfera de terror cotidiano que se respira en los relatos de suspense del escritor Salvador Gutiérrez Solís, cuyo éxito viral en X ha cautivado a millones de lectores en toda España y Latinoamérica. El escritor cordobés ha mostrado su satisfacción por el proyecto.

“Me resulta especialmente emocionante, y hasta inimaginable, que estas historias que creé para una red social acaben en una plataforma de tan amplia repercusión, como es Prime Video, de la mano de una de las más reputadas productoras del sector audiovisual en el mundo, hablamos de Sony Pictures International Productions, España, que fue la primera en vislumbrar el potencial de estas narraciones, y que vayan a ser realizadas e interpretadas por los jóvenes cineastas de TAI. Para algunos de ellos supondrá su primera incursión profesional, y estoy seguro de que también será el inicio de una nueva generación de creadores audiovisuales”.

Iván Losada, director general de Sony Pictures Entertainment Iberia, España, destacó la visión estratégica del proyecto: “En Sony Pictures, nos esforzamos constantemente por desafiar las convenciones, y nos enorgullece impulsar la innovación en el entretenimiento de formato corto y estrenar Los Hilos del Miedo en Prime Video. Con ella, estamos definiendo un nuevo estándar para la narración ágil y de gran impacto, demostrando que la tensión cinematográfica no está ligada a las duraciones tradicionales. Aprovechar el enorme alcance viral de Salvador Gutiérrez Solís en X para plasmarlo en un formato de episodios de 5 minutos nos permite tender un puente entre contenidos nativos digitales de gran éxito y la producción audiovisual de alta calidad. Además, nuestra colaboración con TAI refuerza nuestro compromiso con el descubrimiento de la próxima generación de creadores, combinando una propiedad intelectual de gran éxito con talento fresco para ofrecer formatos innovadores que conectan de verdad con una nueva generación de espectadores”, señala.

La campaña ciudadana para evitar la desaparición de los cines de verano de Córdoba ha traspasado el ámbito local y ha encontrado respaldo entre algunas de figuras reconocidas de la cultura española. Actores, cineastas, escritores, periodistas, músicos e incluso un exministro del Gobierno del PP han prestado su imagen para apoyar la iniciativa impulsada por la coordinadora SOS Cines de Verano, que reclama una intervención pública para garantizar la continuidad del Delicias, el Fuenseca y el Olimpia.

A través de su perfil de Instagram, la plataforma está difundiendo decenas de vídeos en los que personalidades de distintos ámbitos muestran su apoyo a la campaña y, en muchos casos, evocan sus recuerdos de las noches de cine al aire libre en Córdoba, una ciudad que hasta hace poco conservaba una de las redes de cines de verano privados más importantes de España. Este verano, sin embargo, únicamente permanece abierto el Cine Coliseo (el más antiguo de España), tras la negativa a abrir del propietario de los otros tres.

Entre los apoyos más destacados figuran varios nombres del cine español reconocidos con premios Goya o con una dilatada trayectoria profesional. Es el caso del actor Alberto San Juan, las actrices Macarena Gómez y Kiti Mánver, los directores Benito Zambrano, Joaquín Oristrell y Javier Macipe, así como el dramaturgo, director y guionista cordobés Juan Carlos Rubio.

La campaña también ha recibido el respaldo de intelectuales de perfiles ideológicos muy diversos. Han participado el profesor y ensayista Octavio Salazar, el escritor Antonio Manuel y el exministro de Trabajo durante el Gobierno de José María Aznar, Manuel Pimentel, junto a periodistas como Lola Domínguez, Ezequiel Martínez y Manolo Bellido.

El mundo de la música también se ha sumado a la movilización. Entre quienes han grabado mensajes de apoyo se encuentran Mario Díaz, el guitarrista Paco Peña, Chico Herrera, Gato Ventura y el histórico grupo Medina Azahara, todos ellos reivindicando la importancia de conservar unos espacios que forman parte de la memoria colectiva de la ciudad.

A ellos se añaden numerosas voces del ámbito cultural cordobés, como las actrices Helena Kaittani, Marisol Membrillo y María Morales, entre otros profesionales que han querido contribuir a la difusión de una campaña que en apenas unos días ha logrado reunir apoyos de muy distintos sectores.

La coordinadora defiende que los cines Coliseo, Delicias, Fuenseca y Olimpia constituyen un patrimonio cultural, etnológico y social único, no solo por su valor arquitectónico sino por el papel que han desempeñado durante décadas como lugares de encuentro durante los meses de verano. La plataforma reclama que las administraciones actúen para evitar su desaparición y recuerda que ya está en marcha una iniciativa para impulsar su declaración como Bien de Interés Cultural (BIC).

El portavoz socialista en el Ayuntamiento de Córdoba, Antonio Hurtado, ha pedido que los cines de verano se recuperen para la Capitalidad Mediterránea de la Cultura y el Diálogo que le corresponde a Córdoba en el 2027.

En un comunicado, Hurtado ha considerado que la crisis de los cines de verano “podemos convertirla en una gran oportunidad para que vuelvan a funcionar con más fuerza aún y con mejores condiciones acústicas y visuales”.

Para ello, ha propuesto al Gobierno de José María Bellido que inicie un expediente de expropiación de Fuenseca, Delicias y Olimpia, y que impulse a través de la Gerencia de Urbanismo un plan de rehabilitación y de acondicionamiento de los cines, incorporando la vegetación compatible con el mantenimiento de las proyecciones para que mejoren también sus condiciones como refugios climáticos.

El socialista ha instado al alcalde, José María Bellido, que frene de inmediato la especulación sobre estas “tres joyas que tiene Córdoba y que dejen de ser objetos de deseo de empresarios con intereses lucrativos, quienes están pujando para hacerse con su propiedad”.

El portavoz socialista ha pedido que en 2027 entre en funcionamiento una red de cines de verano y que sean promocionados como una importante actuación para la Capitalidad Mediterránea de la Cultura y el Diálogo.

Asimismo, ha considerado que sea el IMAE, en colaboración con la Filmoteca de Andalucía, quienes gestionen la red de cines de verano de Córdoba y quienes ofrezcan una rica programación, donde tenga un lugar destacado el cine cordobés y andaluz.

Hurtado ha pedido convertir la actual “crisis de los cines de verano en una nueva oportunidad para la promoción de la cultura cinematográfica, darle vida cultural al Casco Histórico de Córdoba y utilizarlos como refugios climáticos para las tórridas noches estivales, ya que en la actualidad sólo está en uso el Coliseo San Andrés”.

El director Miguel Ángel Jiménez presentará este viernes 24 de julio, a las 21:00, en los cines de El Tablero de Córdoba su última película, El Anfitrión (The Birthday Party), en un encuentro que incluirá un coloquio con los espectadores tras la proyección.

La cita permitirá al público conocer de primera mano los detalles de esta producción, un thriller ambientado en una exclusiva isla del Mediterráneo en el que una aparente celebración familiar deriva en un enfrentamiento marcado por el poder, los secretos y las tensiones personales. La película está protagonizada por Willem Dafoe, Emma Suárez, Joe Cole y Carlos Cuevas, y adapta la novela del escritor Panos Karnezis.

El Anfitrión ha formado parte de la programación de festivales internacionales como Locarno y el BCN Film Fest antes de su llegada a las salas comerciales. Tras la proyección, Miguel Ángel Jiménez conversará con los asistentes en un coloquio abierto en el que abordará el proceso de creación de la película, las claves de su puesta en escena y las experiencias del rodaje, además de responder a las preguntas del público.

Basada en la novela homónima de Panos Karnezis, publicada en 2007, la película supone un salto para el cineasta, que repite en este cinta con Emma Suárez, a la que ya dirigió en Una ventana al mar.

Con la resaca de La odisea aun marcando el compás cinéfilo, la cartelera del 24 de julio llega sin grandes franquicias, pero con una oferta variada que combina la nueva comedia española protagonizada por Salva Reina y Kira Miró, el regreso de Willem Dafoe al cine europeo, un inquietante relato de terror psicológico y un thriller de venganza ambientado en el Detroit de los años setenta.

El principal estreno nacional es Tres de más, una comedia dirigida por Mar Olid (Días mejores, Aída), adaptación del éxito italiano Tre di troppo, estrenado en 2023. La película reúne a la pareja real que forman Salva Reina (El 47, La isla mínima) y Kira Miró (Todos lo hacen, Machos Alfa), trasmutada en un proyecto vital felizmente decidido a no tener hijos, cuya vida cambia de forma radical cuando una mañana despiertan convertidos, sin explicación alguna, en padres de tres niños que los llaman mamá y papá.

El cine de autor llega con El Anfitrión, el nuevo trabajo de Miguel Ángel Jiménez, presentado en el Festival de Locarno. El filme está encabezado por Willem Dafoe (Pobres criaturas, The Lighthouse, Spider-Man), acompañado por Victoria Carmen Sonne (Holiday) y Joe Cole (Peaky Blinders, Gangs of London). Ambientada en una isla privada griega, la historia sigue a un poderoso magnate cuya aparente vida perfecta comienza a resquebrajarse durante la celebración del cumpleaños de su hija.

La cuota de terror la aporta Insaciable, dirigida por Natalie Erika James (Relic). Tras explorar el horror familiar en su ópera prima, la realizadora australiana vuelve con una inquietante historia protagonizada por Midori Francis (Grey's Anatomy, Dash & Lily). La protagonista, una estudiante de Medicina obsesionada con su imagen, recurre a un macabro método para adelgazar que termina despertando una presencia sobrenatural inspirada en la leyenda budista de los “fantasmas hambrientos”.

La acción llega con Motor City, un thriller dirigido por Potsy Ponciroli (Old Henry, Greedy People), que apuesta por un estilo seco, violento y de escasos diálogos. Ambientada en el Detroit de los años setenta y acompañada por una banda sonora firmada por Jack White, la película está protagonizada por Alan Ritchson (Reacher), Shailene Woodley (La serie Divergente, Bajo la misma estrella) y Ben Foster (Comanchería, El mensajero). La historia sigue a un hombre que, tras pasar años en prisión por un crimen que no cometió, regresa dispuesto a ajustar cuentas con el gánster que arruinó su vida.

La directora de cine Josefina Molina (Córdoba en 1936 -Madrid 2026) tendrá un reconocimiento perenne en la ciudad que la vio nacer y será ligado al mundo cinematográfico al que se dedicó y donde desarrolló gran parte de su brillante trayectoria como mujer pionera en el cine. Tras su fallecimiento a los 89 años hace algo menos de dos meses, Córdoba le debía un homenaje y, ahora, el Ayuntamiento de la capital propondrá que la Filmoteca lleve su nombre en su sede en la ciudad.

El gobierno municipal ha anunciado que el Pleno del próximo jueves en el Ayuntamiento tendrá un reconocimiento especial para Josefina Molina, con una declaración institucional, además de iniciar los trámites para que el nombre de la directora de cine se quede para siempre en Córdoba.

De un lado, el Pleno pedirá a la Junta de Andalucía que le ponga el nombre de Josefina Molina a la sede en Córdoba de la Filmoteca de Andalucía. De otro lado, el propio Ayuntamiento buscará una ubicación para denominar con el nombre de la directora de cine una calle de la capital.

Josefina Molina fue dejó su poso como pionera, visionaria, arriesgada, luchadora y feminista a lo largo de su vida. Fue una de las pocas mujeres de su generación que pudo dedicarse a la dirección y que trató de hacer del cine un espacio donde la mujer también pudiera sentirse representada. Directora de cine y teatro, guionista, realizadora de televisión y novelista, Molina se valió de todos los medios que le fueron posibles para contar sus historias, luchando siempre por ser fiel a su mirada.

Trayectoria de una pionera

Nacida en Córdoba en 1936, poco después de que estallase la Guerra Civil, Josefina Molina pudo disfrutar de una infancia sin privaciones y asistir a buenos colegios. Aprecia la literatura desde adolescente, y, con quince años se queda fascinada con El río, de Jean Renoir, naciendo así su vocación por contar historias a través del cine. Sus primeros intentos por hacerse un hueco en el mundo del espectáculo llegan pronto: es asidua a los videoclubs y coloquios sobre cine; funda una compañía de teatro con la que dirige cuatro obras; y en 1962 colabora en el programa de radio Vida de espectáculo con la sección feminista “La mujer y el cine”.

Se matriculó en dirección en la Escuela Oficial de Cine, donde sus primeros trabajos ya contendrían algunos de los elementos característicos de su filmografía. Se trataban de cortometrajes donde las protagonistas eran mujeres que escapaban de los estereotipos femeninos del cine de la época y que trataban de abordar desde una mirada femenina temas poco tratados entonces. Aunque esos primeros proyectos fueron juzgados duramente por sus profesores, Molina consiguió graduarse en 1969 en Dirección, la primera mujer en conseguir ese mérito en la EOC.

Combinó sus estudios con su labor de ayudante de realización en Televisión Española, hasta que en 1968 le encargan dirigir La metamorfosis, de Kafka, comenzando así a afianzarse como una de las principales realizadoras de La 2. De su trabajo en la televisión destaca su adaptación de El camino, basada en la obra de Miguel Delibes, y Teresa de Jesús, con Concha Velasco en el papel de la santa y un guion escrito junto a Carmen Martín Gaite. En esta última, Molina descubre en Santa Teresa a “una mujer interesantísima, una mujer que en el siglo XVI ya había hecho cosas que hoy nos parecerían imposibles de hacer en ese momento”, centrándose en el aspecto más humano y feminista de Teresa, un retrato que nadie había hecho hasta entonces.

Su salto al cine llega en 1973 con la adaptación de Vera, un cuento cruel. Protagonizada por Fernando Fernán-Gómez, Julieta Serrano y Alfredo Mayo y con un guion en el que participó Lola Salvador Maldonado, se trata de un cuento de terror psicológico, un enfoque poco común para el género en esa época. Su próximo trabajo cinematográfico llegó seis años después, participando en Cuentos eróticos, donde dirigió uno de los relatos que conforman la película, La tilita. Con Esquilache conseguiría 12 nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección, y tres años más tarde estrenaría la última película que dirigió, La Lola se va a los puertos, adaptación de los hermanos Machado con Rocío Jurado y Paco Rabal.

Pero su cénit como directora fue en 1981 con Función de noche, un largometraje a medio camino entre la ficción y el documental donde los actores Lola Herrera y Daniel Dicenta se interpretan a si mismos y mantienen una descarnada conversación sobre el fracaso de su matrimonio. Una película rompedora, donde Herrera habló sin tapujos sobre como asumió desde niña los dictados de las leyes patriarcales y las consecuencias que tuvieron en ella. “A las mujeres les hacía falta hablar de sus cosas, expresar lo que sentían”, un trabajo que Herrera y Molina hicieron sin miedo, tocando temas delicados entonces como la insatisfacción sexual de la actriz, la normalización de las infidelidades de su marido o el desentendimiento de este por sus hijos tras su divorcio.

“En mis películas siempre hay un personaje femenino que lucha contra la opresión”, una heroína que tiene que hacerse un hueco en este mundo agresivo contra la mujer de la misma manera que lo hizo ella. “En un momento determinado hicimos algo que parecía difícil: hacer aquello que nos gustaba. Por tozudez hicimos posible lo imposible para lograrlo”, explicaba sobre la lucha junto a sus compañeras Pilar Miró y Cecilia Bartolomé. Para allanar el camino de las futuras cineastas, funda en 2006 la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), de la que era Presidenta de Honor, junto a Inés París, Chus Gutiérrez, Itziar Bollain, Helena Taberna e Isabel Coixet, entre otras muchas profesionales.

Consiguió en 2012 el Goya de Honor, siendo la primera mujer directora de cine en llevárselo. Un premio que agradecía por la representación que suponía para las próximas cineastas y que dedicaba a todas ellas que no tuvieron su misma suerte. La realizadora cordobesa fue también laureada con la Medalla de Oro al mérito en Bellas Artes, el Premio Nacional de Cinematografía y es la primera directora de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Además, era patrona de la Fundación Academia de Cine.

Josefina Molina fue una de las directoras más valientes de su generación porque se atrevió a hacer lo que quería, un acto que supuso una revolución. Ella decía que “para ver el mundo con relieve tienes que tener dos ojos y la Humanidad lleva demasiado tiempo tuerta”, reivindicando así la importancia de tener autoras que puedan explorar y crear sin limitaciones. La lucha porque las mujeres puedan contar sus historias sigue presente y ha sido gracias al valor de cineastas como Josefina Molina que hoy se empieza a normalizar lo que hace cuarenta años parecía imposible.

CINEMA26 ha anunciado que la quinta edición de la Semana de Cine de Córdoba tendrá lugar del 26 de noviembre al 3 de diciembre. Coincidiendo con este anuncio, la organización ha abierto el plazo para que los cineastas interesados envíen sus obras a través de la plataforma FESTHOME. En dicho portal ya se encuentran publicadas las bases completas para participar en esta nueva edición.

Una de las grandes novedades de este año es la dotación económica, ofreciendo más de 7.500 euros en premios repartidos entre sus distintas categorías. Las proyecciones principales se desarrollarán en la Filmoteca de Andalucía, que actuará como sede central, aunque el evento contará con diversas sedes distribuidas por la ciudad. Los organizadores han adelantado que a lo largo de los próximos meses se irán revelando más detalles sobre la programación definitiva del festival.

En cuanto a la Sección Oficial de Largometrajes, la convocatoria está dirigida a producciones que cuenten con participación española en sus créditos. La organización ha señalado que se valorará la presencia de productoras andaluzas, así como el hecho de que el festival sea el marco elegido para el estreno o preestreno de la cinta. Para garantizar la exclusividad del certamen, las películas candidatas no pueden haber sido proyectadas previamente en ningún tipo de evento abierto al público dentro de la provincia de Córdoba.

Los largometrajes que logren entrar en la selección oficial competirán por el Cervatillo de Bronce al Mejor Largometraje de Ficción, dotado con 3.000 euros. También se otorgará un Cervatillo de Bronce al Mejor Largometraje de No Ficción, con un premio de 2.000 euros, y el Premio del Público “Martin Cañuelo”, el cual no cuenta con dotación económica, pero reconoce la obra favorita de los asistentes.

Asimismo, la Sección Oficial de Cortometrajes está abierta a piezas con dirección o producción española que no hayan sido exhibidas anteriormente en la ciudad de Córdoba. Los premios para esta categoría incluyen el Cervatillo de Bronce al Mejor Cortometraje (1.500 euros), el Premio CINEMA Córdoba (1.000 euros) y el galardón CINEMA Escuela.

La Coordinadora “SOS Cines de Verano” ha denunciado públicamente la última “carambola” del Alcalde de Córdoba al trasladar a la Junta de Andalucía la responsabilidad sobre el derecho de retracto de los cines Fuenseca, Olimpia y Delicias. “Solo busca ocultar que el propio Alcalde renunció en su día a ejercer el derecho de compra directa, despachando a los herederos de Martín Cañuelo con una simple carta de renuncia desde la Alcaldía sin haber pasado dicha decisión por la Junta de Gobierno, como marca la ley”, recalca la organización.

La Coordinadora califica de “táctica de distracción” el hecho de exigir ahora a la administración autonómica que asuma el riesgo legal y económico, mientras los cines permanecen cerrados otra temporada más. “Conviene recordar el valor de lo que esté en juego. Los cines de verano de Córdoba nacieron en 1923 y vivieron su edad de oro en los años cincuenta y sesenta, cuando llegaron a coexistir más de treinta salas simultáneas, una por barrio. Hoy Córdoba es la única ciudad de España que conserva cines de verano centenarios en activo, integrados en su trama urbana histérica —un patrimonio que ni Sevilla ni Málaga pueden igualar. No hablamos de solares vacíos ni de un capricho vecinal: hablamos de patrimonio etnológico vivo y de memoria colectiva de la ciudad”.

Ante esta situación, la plataforma plantea dos interrogantes críticos a la administración local:

La Coordinadora “SOS Cines de Verano” ha calificado el proceder municipal como “intolerable”. “Desde SOS Cines de Verano no vamos a permitir que los cines sean una patata caliente en el juego político entre las administraciones. Por tanto, exigimos la declaración BIC inmediata de los cuatro cines como blindaje absoluto y su compra forzosa para que pasen a ser un bien público y su reapertura inmediata bajo una gestión que garantice, por encima de todo, su uso cultural como cines de verano.

Asimismo, han manifestado su preocupación por la reciente moción de PP y Vox sobre “refugios climáticos e islas verdes”, insistiendo en que el uso primordial de cine de verano no debe verse comprometido por otros fines.

La Coordinadora reitera su voluntad de seguir movilizándose y agotando todas las vías legales para asegurar la protección definitiva y la reapertura de este patrimonio histórico de Córdoba.

Frente al agotamiento de las plataformas y la sobreoferta de contenidos, el escritor y editor cordobés Javier Ortega propone una guía con cien clásicos y grandes títulos para convertir cualquier noche de vacaciones en una experiencia de entretenimiento, emoción y buen humor.

Cada verano se repite la misma escena: después de cenar, miles de personas abren una plataforma de streaming y pasan más tiempo buscando qué ver antes que viendo una película. La abundancia de opciones ha convertido el ocio en una pequeña fuente de frustración. Precisamente para combatir esa “fatiga de elección” nace este libro, una guía que selecciona las películas capaces de entretener, emocionar y hacer sentir bien al espectador.

Lejos de los rankings impersonales o de las recomendaciones dictadas por algoritmos, la obra reúne películas que tienen algo en común: dejan un buen sabor de boca. Comedias inolvidables, romances clásicos, aventuras, historias familiares y películas que han acompañado a varias generaciones y que siguen funcionando como el primer día.

El recorrido incluye clásicos imprescindibles como Vacaciones en Roma, Cantando bajo la lluvia, Con faldas y a lo locoo El golpe, junto a títulos más recientes que forman parte de la memoria colectiva, como Regreso al futuro, Cinema Paradiso, Big, Algo para recordar o Atrapado en el tiempo. Cada película va mucho más allá de la ficha técnica: explica qué la hace especial, recuerda sus escenas más memorables, revela curiosidades de rodaje y descubre por qué continúa emocionando décadas después de su estreno.

Este libro es, sobre todo, un compañero de vacaciones que invita a organizar una sesión de cine en familia, recuperar películas olvidadas, compartir recuerdos con amigos o descubrir títulos que nunca llegaron a verse en pantalla.

En una época marcada por el consumo rápido de contenidos, la obra reivindica el placer de detenerse, elegir una buena historia y dejarse llevar por ella. Porque el verano tpuede ser el momento ideal para reencontrarse con ese cine que hace reír, emociona sin estridencias y consigue algo cada vez más valioso: desconectar de verdad.

La selección responde además a una tendencia cada vez más visible entre el público: el éxito del llamado comfort cinema o cine reconfortante. Son películas a las que muchos espectadores regresan una y otra vez porque ofrecen humor, optimismo, personajes inolvidables y finales que dejan una sensación de bienestar. Un fenómeno que ha ganado fuerza en los últimos años y que encuentra en este libro una guía completa para descubrir cien de sus mejores representantes.

Esta obra es una invitación a disfrutar del verano más atento a las historias que merecen ser recordadas. Un volumen para consultar una y otra vez, regalar o dejar sobre la mesa del salón durante las vacaciones, sabiendo que siempre habrá una película perfecta esperando al otro lado de sus páginas.

Javier Ortega es editor, escritor y un reconocido cinéfilo con una larga trayectoria dedicada a la difusión de la cultura cinematográfica. Su labor como editor y divulgador le ha convertido en una voz de referencia. En este libro pone ese conocimiento al servicio del gran público con una selección personal de películas concebidas para recuperar el placer de ver buen cine y convertir cada sesión en una experiencia de entretenimiento, emoción y bienestar.

Es autor de los ensayos Spielberg. El hacedor de sueños, dedicado a la obra del cineasta estadounidense, y Chaplin. La sonrisa del vagabundo, una de las biografías en español más completas sobre el genio británico, además de Diario de un cinéfilo distraído, La vida manda y Eso no estaba en mi libro de historia del cine.