El festival de arte contemporáneo Scarpia ha cerrado este miércoles su 19 edición con la sensación de que la creación y el arte han logrado traer algo de normalidad en una situación tan compleja como la que vive el país y la localidad de El Carpio.

El director artístico del festival, Jesús Zurita, ha explicado a este periódico que el balance que se hace de esta edición, que arrancó el 18 de diciembre, es positivo en calidad de la obra expuesta y en también en el impacto que ha tenido a nivel turístico en la localidad.

“Lo importante es que se haya podido hacer con normalidad. Estando como estaba la situación, ya es un logro haber podido montar una cita como ésta, con un contenido que ha tenido más calidad que nunca y unas instalaciones que han gustado muchísimo”, señala Zurita, que destaca que, a nivel de público, ha funcionado también muy bien como polo de atracción hacia la localidad y, también, como foco de actividad para los propios vecinos de la localidad, que se han encontrado en navidades con los museos y monumentos abiertos.

En cuanto a las exposiciones, el director artístico afirma que la de Juan Francisco Casas “ha sido quizá la más llamativa, porque combina el hiperrealismo que resulta tan atractivo, así como por la propia temática de la obra”, si bien cree que ha sido la muestra de Antonio Montalvo la que más ha gustado al público especializado.

De cara a la edición número 20, Zurita desconoce si se optará por realizarla en otra época del año, aunque tiene claro que ésta debería recuperar actividades como los talleres para niños y mayores, que implican a mucho público de la localidad, así como, en la medida de lo posible, las conferencias por parte de los artistas.

Todo dependerá de que la vacuna vaya funcionando, aclaran desde el Ayuntamiento de El Carpio, que cierra este año agrandando la colección de obras de arte de su patrimonio.

El mundo del arte siempre se ha caracterizado por expresar, mediante palabras, imágenes, esculturas y distintas disciplinas, aquellas ideas que que como artista llaman la atención. Contar una historia a través de personajes que muestran una realidad. Eso mismo es lo que hace Virginia Bersabé en sus obras. Usando a su abuela como inspiración, esta cordobesa-ecijana lleva desde el 2010 dedicándose profesionalmente al mundo de la pintura.

En sus obras se centra en la importancia del cuerpo femenino y da visibilidad a los rasgos más característicos de la vejez, siendo su foco central la vida cotidiana y la naturalidad de los momentos íntimos. “He crecido con mi abuela y en una familia prácticamente matriarcal; para mí mostrar esas situaciones que me recuerdan a mi historia es lo importante” cuenta la artista a CORDÓPOLIS.

Este año, y con motivo de la decimonovena edición del festival de arte Scarpia de El Carpio, Bersabé ha realizado un mural en el interior del antiguo palacio real del municipio. Una obra que tiene como finalidad mostrar la “mirada interior” de los personajes en un ámbito más rural y urbano.

PREGUNTA. Háblame del mural. ¿Qué intenciones tiene como artista a la hora de hacer esta composición?

RESPUESTA. En un momento determinado de la conversación entre Jesús Zurita, que es el director artístico de Scarpia, y yo, me habla de cuando La Venus del Espejo de Velázquez estuvo en El Carpio. Es ahí cuando decido relacionar ese cuadro con mi obra con las mujeres y centrar mi pieza en adaptarla a lo que es el muro. Por eso mi escena representa esa momento tan íntimo de tomar una siesta en casa después de una mañana de estar de aquí para allá. De hecho se llama Heredar un espejo en honor a la obra de Velázquez. En el cuadro de Velázquez también la Venus está tumbada y desnuda en una cama. De ahí que, en mi composición, Loli, la modelo que me acompañó en este proceso, esté recostada también sobre su cuerpo durmiendo. Es la relación que he querido establecer entre ambas pero ajustándome a mi trabajo con la vejez y el cuerpo femenino.

P. ¿Cómo se representa la memoria interior en este muro? ¿Y del personaje?

R. Yéndonos directamente a un espacio muy íntimo, que es una vivienda de una mujer mayor y ese momento tan cercano de echar una cabezada en la mesa después de comer o a media mañana. De cómo nos metemos en la vida de esas mujeres en las que es tan difícil acceder muchas veces. Llevo como diez años trabajando con las mujeres y su figura, en cómo el paso del tiempo y esa memoria interior quedan reflejados en nuestra piel. Para Scarpia tenía vía libre y quise llevarme mi proyecto al festival. Dudé si meter desnudos en los murales pero después de la sesión de fotos decidí centrarme en su cuello, brazos y cara para reflejar esas marcas del tiempo.

A la vez que yo crecía y aprendía como artista mi abuela se fue desnudando para mí

P. La propuesta se centra en una mujer anciana en un ambiente rural y urbano; ¿qué relación guarda esto con tu obra pictórica? ¿Cómo decides empezar a contar la historia de mujeres en los muros?

R. Viene en paralelo con mi trabajo en el estudio. Desde la carrera quise centrarme en ellas porque me he criado con mi abuela materna y en una familia muy matriarcal. Estudié Bellas Artes en Sevilla y le contaba a mi abuela lo que me pasaba: le enseñaba obras que me inspiraban en la facultad, hablábamos prácticamente de todo. A ella le entró la curiosidad de querer saber qué era lo que yo le explicaba, así que empecé a contemplar la posibilidad de que ella me posara. Entonces fue bastante bonito porque a la vez que yo crecía y aprendía como artista mi abuela se fue desnudando para mí.

P. Hace años decidiste empezar un proyecto donde hacías pinturas de mujeres en sitios abandonados en el campo o las afueras; Scarpia quiere llevar al mundo rural y urbano este arte. ¿Guarda esto relación con tu proyecto de Perdidas en un cortijo andaluz? ¿Qué puedes contarme de esta obra?

R. Sí que hay una conexión porque el mural está hecho en el patio interior del palacio ducal de El Carpio que está en obras y hay una parte con cierto deterioro que sí está relacionado con el proyecto de Perdidas. En cambio no lo incluiría porque la pintura de los cortijos son en lugares abandonados en el campo. En el mural estamos hablando del centro histórico del municipio. La relación sería que sigo trabajando con las mujeres en un espacio no tan rejuvenecido, pero no incluiría esta obra porque no tienen la misma intención a pesar de la conexión. El proyecto nace hace diez años de mi necesidad de llevarme la investigación sobre estas mujeres fuera de mi estudio a grandes murales. Para hacerlo más natural me lo llevo a mi imaginario de siempre, yo vivo en el campo y lo que veo son cosas así, cortijos abandonados en el campo. Con el paso del tiempo le encuentras un sentido muy político, social e histórico a esos dibujos y acabo entendiendo también por qué hago esto además de a mí misma como persona.

P. ¿Se podría decir que tus proyectos son reivindicativos o tienen algún mensaje social que denunciar?

R. Pues de primera hora simplemente contaba lo que me rodeaba y lo que me apetecía pintar, pero conforme una se adentra más en el proyecto y se compromete más acabas teniendo una repercusión social muy fuerte. Al final acabas reivindicando el papel de la mujer y la necesidad de dignificar la vejez así como el cuerpo femenino en particular. Son cosas que han ido naciendo con el tiempo.

P. ¿Qué respuestas recibes de tu público cuando ven tus piezas? ¿Y de las mujeres en las que te inspiras?

R. La verdad es que he tenido de todo. Normalmente son respuestas muy positivas y te agradecen muchísimo que se le dé visibilidad a un colectivo que no lo tiene para nada. Hay mucho feeling con toda esa gente que ahora mismo está cuidando de sus mayores o se dedican al mundo de los cuidados que tanta fuerza tiene ahora mismo. Se emocionan y te agradecen que estés dando luz a eso. Me emociona mucho cuando estoy en una exposición y vienen con lágrimas en los ojos a agradecerte tu trabajo. Te da otra perspectiva de a pie de calle y saber qué genera tu obra. Obviamente también está la gente que entra a la sala y tal y como entra se va, bien porque no le ha gustado o porque no ha sentido lo que yo quería transmitir, pero la mayoría comentarios positivos.

P. ¿De qué manera se ha visto repercutida la pandemia en tus proyectos personales y esas exposiciones?

R. Sobre todo a nivel expositivo todo ha cambiado muchísimo y ha ido bastante mal, pero con los trabajos de los murales al final pude retomar mi trabajo en mayo. Por eso para mí el trabajo que he hecho después del confinamiento ha sido tan importante, porque ha sido a pie de calle y he estado disfrutando de la gente. Cuando te veían ahí trabajando frente al muro te hacían comentarios sobre él y eso reconfortaba muchísimo. Para mí ha sido muy emotivo.

P. Volviendo al tema Scarpia, ¿Cómo surge lo de querer participar?

R. Fue Jesús Zurita el que decide contactar conmigo, me habló directamente de la idea de hacer un mural. Me comentó que tenía una parte expositiva y que estaba interesado en que se hiciera una gran pintura mural en El Carpio. Por mi parte encantada porque era una forma de conectar esa parte de mi trabajo en los cortijos con la ciudad, y es muy interesante porque ves cómo recibe el público esa obra fuera de las exposiciones. Ha sido una experiencia muy bonita porque justo estaba detrás el centro de mayores y siempre me hablaban y comentaban, cosa que te sube el ánimo después de los meses de pandemia. Yo era la primera vez que trabajaba este formato, en un muro, y a raíz de ahí todo el proceso de elegir cuál queríamos pintar. Y a raíz de ahí estuve cinco días trabajando para poder llevar mi dibujo a aquella pared.

P. También has participado en las jornadas Z Montalbán, ¿qué puedes contarme de este trabajo?

R. Pues justo fui de empalme, venía de trabajar en el mural cuando fui a Montalbán. Ellos nunca habían hecho un trabajo así y han sido los propios sorprendidos porque han visto cómo el pueblo lo ha recibido con los brazos abiertos. Demetrio, uno de los organizadores del festival, fue el primero que estuvo conmigo al pie del cañón todo el día y él mismo se sorprendió de la buena respuesta de la gente. Este año lo han titulado precisamente 'Montalbán' para homenajear a sus habitantes y reconocer el esfuerzo que han hecho durante la pandemia, sobre todo a los mayores. Este proyecto se llamó Otro domingo más para mostrar esa típica imagen del domingo en casa de la abuela con el brasero y la mesa camilla hablando y dialogando. La verdad es que ha sido una experiencia muy bonita.

Si nos educaran desde pequeños en el mundo del arte no nos daría vergüenza ir a galerías y exposiciones

P. Siendo joven y mujer, ¿qué supone para ti trabajar en el mundo de las artes plásticas?

R. Sí que es verdad que hablo mucho con los compañeros de que, a pesar de que en la facultad somos mayoría mujeres, cuando decidimos hacer máster o avanzar el porcentaje de hombres aumenta. Sabemos que hay muchos motivos detrás pero sí que la presencia de la mujer disminuye bastante, es bastante pequeña. Siempre hay un techo de cristal que en la realidad es más difícil de romper para nosotras que para mis compañeros. Sobre las oportunidades laborales eso guarda relación contigo y con las que tú te busques. Tampoco hay un apoyo fuerte a nivel gubernamental en comparación con Francia, por ejemplo, que trabajo también allí. Aquí en España y siendo mujer hay que guerrearlo mucho. Si un compañero tiene que recorrer diez metros, a mí esos diez metros me van a saber a veinte.

P. ¿Y con la valoración del sector artístico en general? ¿Hay respuesta por parte de la gente o crees que es un sector que no tiene demasiada repercusión?

R. Yo creo que siempre se puede pedir mucho más. Creo que esa educación cultural tiene que venir desde chiquitos, como en Francia, que te educan en clase. Aquí por ejemplo ir a una galería no está tan valorado porque estamos muy desinformados a nivel artístico. Un ejemplo es el coleccionismo, en España ha caído muchísimo esta afición. A nivel gubernamental se está empezando a hablar ahora de un Estatuto del Artista, que es muy necesario porque somos muchos compañeros y carecemos de apoyo institucional. Si ese apoyo se hace bien al final repercute en la sociedad y la gente de a pie se anima a subirse al carro de la cultura. Si ese diálogo no se establece al final no queda nada.

P. ¿Qué consejos le darías a alguien que quiere dedicarse al mundo del arte y está empezando en ello?

R. Pues de primeras que tiene que tener claro que no es fácil, como en todos los trabajos empezar cuesta mucho hasta que finalmente te estableces, pero si estás enamorado de esto te vas a levantar y te vas a acostar feliz. Eso es lo importante, que a día de hoy peleen y luchen por lo que quieren. Yo por ejemplo vengo de una familia donde el arte ha entrado de cero conmigo, soy la primera en estudiar a nivel universitario; sin embargo he tenido un apoyo familiar muy potente no solo por dedicarme al arte sino también por empezar mi propio proyecto personal. Mi madre ha sido la primera que me ha dicho “vuela, vuelta alto”. Por eso el consejo que les doy es que, si quieren de verdad ir por ahí, que es un camino difícil pero también es posible.

Manuel Pistón proviene de una saga de carniceros. En febrero estaba adaptando su negocio en la Colonia de la Paz. Una carnicería de cercanía con una clientela consolidada que hacía cola pacientemente a la puerta de su establecimiento a la espera de su turno, de un producto de calidad y de un trato personalizado: “Córtamelo así”, “deshúesame ese pollo” o “envásamelo al vacío”.

En marzo, todo cambió. La cuarentena dejó a esta, y a todas las carnicerías de España, sin colas y en muchos casos sin clientes. Manuel Pistón decidió seguir atendiéndoles, sobre todo a los mayores. Iba a su casa, recuerda, les tocaba, les preguntaba si querían algo, si querían fruta, lo que fuese. Que se sintiesen atendidos y que no estuviesen solos en esos momentos tan duros. “Se nos echaban a llorar”, recuerda. “Y ahora nos lo agradecen mucho”.

Pero ya entonces todo empezó a cambiar. Adaptarse o morir, dice el refrán. En la carnicería de Manuel Pistón se pusieron las pilas y llegó algo “que se va a quedar”, que ha contribuido incluso a mejorar el negocio, a tener más clientes y que supone un espaldarazo al comercio de cercanía: las nuevas tecnologías.

Hoy en día, las colas no son lo que eran. Para empezar, se guarda distancia de seguridad. Pero para continuar, son más llevaderas. Un 25% de los clientes de Pistón ya no esperan en la puerta. Le contactan por Whatsapp, donde le piden cómo quieren la carne. El cliente recibe un mensaje de que su pedido está listo, que puede pasar a recogerlo o, incluso, que lo puede recibir en su domicilio. Y lo paga por Bizum. Todo mucho más rápido, más ágil, y más interesante.

Manuel Pistón asegura que ahora mismo tiene a un trabajador dedicado en exclusiva a preparar y atender pedidos. Presente en las redes sociales, el boca a boca ha hecho que su clientela no sea ya solo la del barrio, sino que se extienda por toda la ciudad. Los tiempos han cambiado y también las costumbres. Uno de los problemas del comercio de cercanía era que muchos clientes no tenían tiempo para hacer cola en estos negocios. “Se iban a las grandes superficies” donde, además, podían aparcar fácilmente. Ahora están volviendo gracias al whatsapp y al Bizum.

“Lo que más nos está sorprendiendo son los pedidos. Gente que no he visto en mi vida se han hecho clientes por esto del whatsapp. Ayer eran llamadas para darnos las gracias. Esa es nuestra defensa contra el grande, el servicio y la calidad”, reflexiona Manuel Pistón, que asegura que estas navidades se están dando “muy bien” e incluso mejor que años atrás.

También tienen servicio a domicilio. “La mayoría viene a recoger los pedidos pero los podemos llevar a cualquier parte de la ciudad”, explica, al tiempo que asegura que los pedidos “también nos ayudan”, ya que las colas se gestionan de una manera más ágil y todo se procesa de una forma más rápida. “Y esto ha venido para quedarse”, explica. Sin duda, una de las pocas cosas buenas del año del confinamiento.

Siempre han estado ahí. Al pie del cañón y en cada esquina de nuestros barrios. Hemos sido nosotros, los clientes, los que hemos ido dejándoles ciertamente a un lado en favor de las grandes superficies. Pero la pandemia por el coronavirus ha puesto de manifiesto un servicio que siempre ha estado latente en los comercios locales: el trato cercano y amable que ha facilitado las compras durante tantos meses de confinamiento.

Un ejemplo de ello es el de Antonio González, que lleva 35 años en el sector de la frutería. Hace 25 decidió abrir su propio negocio y ya cuenta con dos tiendas, ambas en el barrio de Valdeolleros, con las que da trabajo a cuatro personas. Recuerda aquel 14 de marzo con muchísima incertidumbre. El decreto del estado de alarma puso en jaque a todo el país y llenó de dudas a miles de autónomos que veían peligrar sus empresas. “Al principio no sabía cómo iba a afectar al negocio pero conforme avanzaba la pandemia y nuestro sector permanecía abierto, se produjo un boom de ventas. A mí no me daba tiempo a pensar porque el tiempo pasaba muy rápido y ha sido un no parar de trabajar”.

Con sus dos negocios abiertos durante la pandemia al tratarse de productos de primera necesidad, González veía que su facturación se iba acercando a números que ya no recordaba. “Las grandes superficies te van restando clientela que, a su vez, se va dividiendo entre los comercios”. El servicio a domicilio, que ya ofrecía antes de la pandemia, también ha sido un plus que le ha permitido aumentar su beneficio. “He tenido mucha más afluencia de público, de llamadas y de mensajes de Whatsapp gracias al boca a boca de los vecinos”, cuenta este empresario, que ha visto cómo este servicio se ha multiplicado por tres durante estos meses.

La frutería de González ha sabido, así, ocupar un nicho de mercado que no ofrecían otros comercios en el barrio. “Los clientes estaban muy agradecidos porque veían que muchas tiendas les cerraban las puertas al no repartir a domicilio. Además, había otras que tampoco querían comprometerse. Sin embargo, en mi establecimiento veían que nos comprometíamos y que les dábamos todas las facilidades posibles”.

Esta es la esencia y el valor que van unidos al comercio local: el trato cercano que lleva al cliente a confiar en estos pequeños comerciantes: “Eso no se encuentra en un centro comercial”, afirma rotundo este frutero, que pone de ejemplo la confianza que depositan en él sus clientes a la hora de hacer cestas de fruta para regalar. “En esos momentos, tiran mucho de ti porque no se fían del centro comercial o porque quieren algo muy específico”. Sin embargo, la comodidad del cliente provoca el descenso de las ventas en estos comercios. “Cuando el consumidor están en una gran superficie haciendo su compra y pasa por el pasillo de la fruta dice: ”Bah, ya que estoy aquí, aprovecho y compro“. ”Lo que está claro es que si necesitan algo más personal acuden a nosotros“, concluye este empresario.

Cuando la pandemia del Covid-19 irrumpió con el cierre total y el confinamiento, los socios de la imprenta y agencia de diseño creativo Papiro tardaron apenas una semana en reinventarse y adaptarse a la inédita situación que vivía la ciudad. En esos primeros días en los que todo fue “caótico” e incluso decidieron ser cautos y cerraron físicamente su negocio 48 horas antes de la declaración del estado de alarma, pensaron en ofrecer sus servicios de forma on line, un modo de negocio que llegó para quedarse y con el que siguen ofreciendo sus servicios, guiando y colaborando ahora en sembrar semillas de quienes apuestan por reinventarse, sacudirse la crisis y emprender en Córdoba.

En un primer momento, a finales de marzo, “buscamos la manera de atender a nuestros clientes y toda la demanda que había de notarías y despachos profesionales”, que requerían fotocopias de documentación para mantener su actividad esencial, además de estudiantes y otros pequeños servicios que intentaban seguir con su actividad desde casa. Dicho y hecho, Papiro se puso en modo on line: “Vimos toda esa demanda y buscamos cómo atenderla”, explica uno de los responsables de la empresa, Pedro Miguel López.

Y esa decisión, junto al nombre ganado durante décadas por su buen hacer, han hecho que la readaptación frente a la pandemia les haya generado toda una nueva ventana de negocio en la actualidad.“Se nos ha identificado siempre con la innovación y la creatividad”, cuenta López, para explicar que mientras muchos negocios se quedaron parados, esperando que todo volviera a ser como antes del Covid-19, Papiro puso su propio sello frente a la crisis y apostó desde el inicio por ofrecer sus servicios por internet, un modo de trabajo on line al que todas las empresas se están teniendo que adaptar antes o después y donde esta imprenta está teniendo mucho que ver.

“Con la crisis, mucha gente se quedó fuera de juego, perdió su empleo o cerró su empresa. Ahora, tenemos mucha clientela que viene de ahí y que está emprendiendo, teniendo nuevas ideas, iniciando negocios nuevos. De alguna manera, estamos viendo y participando de esa recuperación desde el inicio, con empresas nuevas que se apoyan en nosotros” y acuden a Papiro para hacer sus diseños, sus creatividades y sus herramientas on line para, por ejemplo, sistemas de comandas digitales para la hostelería, relata otro de los responsables de la empresa, Daniel Romero.

Brotes nuevos de emprendimiento

“Es muy bonito ver cómo pese a las dificultades, hay emprendedores inventando nuevos proyectos. Con ellos, empezamos a ver esos brotes nuevos, estamos plantando esas semillas”, cuenta gráficamente López sobre cómo Papiro trabaja con su diseño y otros servicios para nuevas ideas de negocio en Córdoba. Reuniones telemáticas, diseños en remoto compartiendo pantallas con los clientes y videoconferencias para el seguimiento de los proyectos es la nueva manera de trabajar de Papiro, que actualmente mantiene un 90% de su modo de negocio de manera on line.

Ha sido la forma de esta empresa creativa de resurgir frente a la crisis, que también la ha golpeado, con la parálisis de eventos y actividades sobre las que ya no había que hacer ningún diseño, ninguna creatividad ni comunicación. Un golpe que la llevó a tener que reducir su plantilla de los 17 trabajadores antes de la pandemia a los 9 que actualmente emplean. “Eso ha sido lo más duro”.

Sobre esa realidad han tenido que sobreponerse, para seguir adelante y adaptarse a la nueva normalidad. Y lo han hecho, en gran parte, gracias a una “clientela muy fiel”, cosechada con los “40 años que llevamos ya en el mercado”, con un nombre propio como es Papiro.

Con ese empuje, ahora la mirada en el horizonte futuro la llenan con un mensaje de optimismo, dirigido a esos emprendedores y empresas con los que ellos también siguen adelante: “Que nadie desespere, que no nos tumba nadie. De esta salimos todos, con innovación y readaptación”.

Kira Moda lleva dos décadas asentada en la calle Jesús Rescatado, ese gran centro comercial abierto de la zona este de la ciudad de Córdoba, uno de los puntos donde el comercio de cercanía resiste con estoicismo al pulso de las crisis económicas.

¿Cómo lo ha hecho hasta ahora? Pues para Cristina González, la dependencia que lleva 13 años trabajando en esta tienda de moda femenina la receta es simple: confianza y la atención personalizada. “Hacemos mucho hincapié en la atención al cliente y en que éste se vaya contento. A veces, si no se le puede ofrecer lo que quiere, se le busca una alternativa o directamente optamos por posponer la venta hasta que le ofrezcamos lo que verdaderamente quiere. Porque si una clienta se va contenta, siempre va a volver”, afirma esta joven.

Ella lo sabe bien. Conoce la tienda porque cuando era niña acudía a ella con su madre a comprar. Fue luego, con la mayoría de edad, cuando entró a trabajar en este negocio, que forma parte de una cadena de tiendas jienense que cuenta con una veintena de establecimientos en toda España.

Otra de las cualidades que distingue a Kira Moda de Jesús Rescatado es la clientela. El grueso son vecinos del eje Rescatado-Viñuela-avenida Barcelona, pero una parte nada desdeñable la forman clientes de la provincia. Quizá por ello, este año tan duro una de las cosas que más se han notado ha sido la pérdida de esas clientas, lastrado por los sucesivos periodos de restricción.

“Ha sido un año complicado. Creo que todos estamos en la misma situación. 2020 es un año de resistencia, en el que hay que aguantar hasta que todo vuelva a la normalidad. Dentro de lo malo, la sensación en la tienda es que se va avanzando y que muy pronto se podrá tener algo de normalidad”, explica al respecto González, entre atención y atención a las clientas que se van dejando caer por el establecimiento.

Porque, eso sí, González destaca que, a pesar de la pandemia, las clientas habituales prefieren venir a la tienda. “Y nosotros hemos trabajado mucho en sumar seguridad a la confianza que ya les ofrecíamos”, añade sobre un negocio que también tiene desde hace tiempo sección de venta online, que se ha incrementado durante los últimos diez meses, en los que, por supuesto, ha habido quien “ha preferido hacer compras sin tener que ponerse en riesgo”.

Para las que siguen acudiendo a consultarle a Cristina, Kira Moda ofrece todas las seguridades contra el Covid-19, incluido un servicio de desinfección de la ropa y los probadores.

Todo para mitigar un año que ha sido el peor que se recuerda. “Jamás habíamos pasado por algo así, ni en la crisis de 2010. Hemos tenido épocas de más o menos ventas, pero no ha sido comparable a este año 2020”, afirma González, que explica que la estrategia a seguir ha sido la de promocionar “selecciones de artículos que han estado rebajados, buscando hacerlos atractivos, así como campañas capaces de llamar la atención de los clientes, que están pasando, en muchos casos, por una situación económica compleja”

Las huellas de un proyecto como Scarpia en la localidad de El Carpio van más allá de los números que arroje el libro de visitas a sus exposiciones. El pueblo lleva 19 años acogiendo estas jornadas de arte contemporáneo que siempre se pensaron como una oportunidad de transformar social y culturalmente el municipio.

Y también estéticamente. Algo palpable cuando uno pasea por las calles del pueblo, convertido en un museo al aire libre. El director artístico de Scarpia, Jesús Zurita, explica que esta línea de trabajo es enormemente importante en un festival que lleva un tiempo trazando un diálogo entre el arte nuevo y la historia del arte en la localidad.

“Hemos querido seguir convirtiendo el pueblo en un museo al aire libre, con intervenciones de pintura mural que no solo se insertan en el municipio, sino que localizaciones que sean muy curiosas”, señala Zurita sobre una edición en la que brillan especialmente los trabajos al aire libre de Sebas Velasco y Virginia Bersabé.

Velasco ha pintado un mural enorme en una casa de máquinas visible desde una de las carreteras que conecta la localidad con su pequeña industria. El artista plástico burgalés, de hecho, quedó enormemente seducido por el contraste entre el medio rural y el componente industrial de la localidad, y eso acabó permeando su obra, que muestra a una joven iluminada por luces de neón, situada en un entorno agreste, a unos metros de un centro tecnológico.

Bersabé, por su parte, ha pintado un enorme mural en el Patio del Palacio Ducal, frente al hogar del pensionista, donde esta artista ha dibujado a una mujer mayor adormilada, trazando una curiosa relación con el cuadro La Venus del espejo, que fue propiedad del Marqués de El Carpio, un histórico coleccionista de arte y “de pinturas que muchas veces transgredían las normas de la época”, recuerda Zurita.

También coleccionaba caballos aquel marqués, de ahí la espectacular obra que hay este año en la localidad a cargo del artista Sergio Romero Linares, en la que aparece un pura sangre negro, pintado con todo lujo de detalles. “Buscamos constantemente guiños entre el pasado histórico y las propuestas expositivas que tenemos”, señala el programador.

Aunque en los últimos años Scarpia ha apostado por el arte pictórico, lo cierto es que siempre se concibió como un festival de intervención en el paisaje natural y urbano. Así es como nació, impulsado por el artista y gestor cultural Miguel Ángel Moreno Carretero, y así es como Scarpia ha concitado a El Carpio a artistas de reconocido prestigio nacional e internacional, a los que se permite repensar la estética de espacios públicos o privados, dando lugar a obras provisionales y no coleccionables, a veces perennes, pero siempre con un espíritu experiencial.

“Muchas veces en los pueblos no tenemos conciencia o no valoramos estos espacios, y este tipo de piezas hace que se vuelvan a valorar. Le das una nueva vida a todo”, remarca Zurita, que cita a Dostoiesky y a su idea que la belleza salvará al mundo. “Quizá la cultura tenga un papel fundamental, que no solo hay que curar el cuerpo sino que, después de todas estas situaciones tan adversas, la cultura es un remedio y una cura”, concluye.

Con una obra que bascula entre el estudio de pintura y los murales urbanos de las ciudades, el trabajo de Sebas Velasco (Burgos, 1998) lo ha convertido en una de las figuras más interesantes del panorama artístico español y en un nombre capaz de trascender la etiqueta de la pintura callejera para llegar a situar sus cuadros en galerías y exhibiciones (y hacerse con algún que otro premio).

Licenció en Bellas Artes en Bilbao, Velasco continuó sus estudios en Barcelona y Bilbao, pasó por la Fundación Antonio Gala de Córdoba, y ha acabado instalado en San Sebastián, donde trabaja en un estudio en proyectos de carácter internacional y nacional. Estos días ha estado en El Carpio, donde ha culminado un mural en el marco de Scarpia que le ha servido para conectar su temática urbana con la pintura clásica.

P. ¿Qué tal la experiencia aquí en Scarpia?

R. A nivel personal, fantástica. Por un lado porque yo también he tenido siempre mucha querencia por Andalucía, admiración artística, lumínica o paisajística. Y además tengo muchas amistades, muchos pintores. Yo estuve en la Fundación Antonio Gala y es un placer volver.

P. Y aquí estás, en mitad del campo, liado con una intervención.

R. Sí, no tenía ninguna temática definida ni nada, que suele ser lo habitual en los proyectos en los que participo. Yo habitualmente no vengo con un tema definido. Y aquí hemos venido tres compañeros, Gabriel que me está ayudando técnicamente; y José Miguel, que es fotógrafo.

P. Ha sido un trabajo en equipo entonces.

R. Sí. Los tres tenemos una especie de gusto estético común y hemos intentando aplicarlo en un escenario nuevo, en este caso El Carpio. Así que los primeros días estuvimos andando por ahí, viendo diferentes localizaciones, conociendo gente. Y nos impactó mucho esa especie de poética industrial que tiene El Carpio y que no me la esperaba. Y es una cosa que me encanta, mezclada con una idea más típica de lo que yo podía tener preconcebido, de pueblo andaluz y tal. Así que me han encantado ese giro que le dan los silos. Esa industria que le da un toque que no sabes si es de pasado, de presente o de futuro.

P. Es un componente casi Ballardiano, esas industrias que tuvieron que ser la vanguardia y ahora parecen obsoletas.

R. Buah, sí. Brutal. Todo eso nos ha encantado. Y también que, al mismo tiempo, el campo está muy presente. Y eso al final quedó mucho más presente de lo que suele estar en nuestra estética. Me refiero al campo. Aunque en el mural también se puede ver un poco lo otro a través de esa pequeña fábrica, en la luz o en los restos de basura mezclados con la naturaleza.

P. El componente más moderno, curiosamente, es el humano. Esta chica joven, moderna, incrustada en un entorno natural.

R. Pues a decir verdad no son decisiones tan conscientes. Porque nosotros vamos de una manera más intuitiva, inspirados por la luz, por el paisaje, por la textura de las cosas. Pero luego, esos intereses que también tiene uno en ese tipo de contrastes, pues también se ven. Es decir, nos gusta que la gente también lo pueda leer así y estamos de acuerdo también en esa lectura, pero es una cosa que viene a posteriori o que es más inconsciente. En realidad, el primer atrape es más estético.

P. Claro. La obra luego la termina el que la vea, según su bagaje. Fíjate, yo estoy viendo una mujer cordobesa del siglo XXI.

R. Bueno, es que una chica cordobesa. La conocimos aquí. Es del pueblo de al lado. Y, de hecho, es verdad que, respecto a otros trabajos míos, percibo en ella una atmósfera muy… No sé si española es la palabra… Pero sí, es verdad que remite a pintores como Romero de Torres o Zuloaga, solo que con otros elementos, como la iluminación artificial.

P. Sí, de hecho parece iluminada por neón.

R. Sí, es un foco rojo que contrasta con los verdes del campo. Pero sí que tiene un componente castizo que no es habitual en lo que yo hago.

P. Desde luego no se parece a la última serie que has hecho, la de los países satélite soviéticos.

R. Sí, bueno, estamos en otro contexto. Ese es un tema que me tiene muy obsesionado y que es el que más trabajo en los cuadros. Lo que pasa es que a mí me viene bien que de repente salga un proyecto como éste para cambiar de tercio y volver luego a lo otro.

P. ¿Y te cuesta mucho cambiar de elemento?

R. Sí, pero tiene su parte positiva. Porque cambias de aires y vuelves luego más fresco.

P. Y en este caso hay incluso algún nexo de unión entre aquella serie y este mural.

R. Sí, está esa estética que te he dicho que me gusta tanto de las industrias. No es que esto se parezca a Europa del Este, pero sí hay una profusión de industria desvencijada que, de algún modo, tiene que ver con eso. Las luces, la frialdad. Porque al final los procesos de industrialización y los procesos de éxodo fuertes hacia las ciudades se dieron con mucha fuerza tanto en España como en países socialistas.

P. E incluso todo esta parte de El Carpio se puede ver como un satélite de la propia capital, que está a un paseo.

R. Perfectamente. En ese aspecto nos ha llamado un montón la atención. Porque hay veces que está muy bien en un sitio, te lo pasas bien, es muy bonito, pero en este caso nos ha impactado estéticamente el paisaje de El Carpio. Tendríamos que haber venido más días. Nos hemos quedado un poco cortos. Pero bueno, ya habrá tiempo de volver.

P. Pues sí. En cualquier caso un lujo cerrar el año haciendo algo así.

R. Sí. Y con este sol (se ríe). Que allí en San Sebastián estábamos pelaos.

P. ¿El año 2020 como lo has vivido a nivel artístico y comercial?

R. A ver, ha sido malo porque se han cancelado varias ferias y un proyecto que teníamos en Bélgica. En ese aspecto, malo. Pero bueno en el aspecto de tener pocas distracciones y estar muy metido en la pintura y el estudio. Y además, hemos pasado a estar en un estudio mejor. Y a nivel económico he aprovechado para hacer un par de encargos que tenía atrasados. Así que lo bueno ha compensado lo malo.

P. ¿Y a nivel de inspiración? ¿Crees que ha podido afectar a tu pintura?

R. Sí, hombre, no sé. Es muy loco pero es que yo tengo una cierta atracción por las cosas distópicas. Eso ya estaba. Pero ahora se ha vuelto un poco exagerado con toda esta historia.

La alcaldesa de El Carpio, Desireé Benavides, está de celebración. Scarpia, el festival de arte contemporáneo de la localidad, cumple su 19 edición este año 2020, en el que, a pesar de la pandemia, se ha optado por seguir adelante y programar un certamen cuya organización asumió el propio Ayuntamiento en 2016.

Benavides ha acompañado a CORDÓPOLIS por algunas de las exposiciones del certamen, que se inauguró el pasado viernes 18 de diciembre y que permanecerá al alcance del público hasta el 6 de enero de 2021, y ha aprovechado para hacer balance de los primeros días en los que, coincidiendo con la apertura de la movilidad, “se ha notado una mayor actividad en la localidad, especialmente por parte de visitantes de los municipios vecinos”.

Aunque no solo de la zona. “Ahora mismo nos ha dicho la artista Virginia Bersabé, que este año ha pintado el muro del Palacio Ducal, que la gente de fuera venía a Scarpia buscando el muro”, explica la regidora, que reconoce que, en el momento en que se planteó esta edición, se tuvo en cuenta que iba a haber también un sector del público reticente a moverse.

En cualquier caso, se ha decidido seguir adelante. Benavides explica que las últimas semanas ha sido algo más caóticas, puesto que la fase de producción es la más compleja, y porque este año había que adaptar el festival a as medidas Covid. Lo que no ha estado nunca en vilo ha sido su celebración.

“Esta edición queríamos hacerla sí o sí, con independencia de la situación que hay ahora mismo. Primero, porque hay que seguir apostando por la cultura. Y en estos momentos más, aunque sea complicado por los recursos económicos que tenemos. Y luego, por el momento que estamos viviendo. Es muy importante que las personas puedan disfrutar de este tipo de certámenes”, señala la alcaldesa, que defiende que “Scarpia está totalmente asentado y es un referente a nivel nacional en el sector del arte contemporáneo”.

Lo cierto es que no muchos festivales de arte consiguen aguantar 19 ediciones, con los rigores presupuestarios de la última década. Benavides apuntala la importancia de esta cita. “Para El Carpio, que tiene su patrimonio histórico y que se intenta poner en valor con distintas opciones, Scarpia supuso darle una nueva visión y un nuevo formato a esos edificios. Una visión diferente que mezcla lo antiguo, lo histórico, con la producción de arte contemporáneo de hoy día”, afirma.

“Estos 19 años han servido para que se asiente y para que los artistas que intervienen sean de mayor renombre y popularidad, lo cual le da más visibilidad a El Carpio”, ha añadido Benavides sobre una cita que, además, suele suponer un reto para los invitados, que tienen que adaptar su obra a espacios monumentales o pintorescos. “Scarpia es un reto y un esfuerzo para ellos porque exponen en lugares muy potentes. Pero yo creo que están contentos porque también es un formato novedoso, poder exponer o intervenir en edificios de este tipo”, concluye Benavides.

El pintor Antonio Montalvo (Granada, 1982) entiende la pintura como una celebración de las personas, los paisajes y las cosas que ama. Quizá por ello, la docena de obras que decoran desde el pasado viernes la Sala Aúlica de la Torre de Garci Méndez de El Carpio, son una celebración de la vida, a pesar de que todas ellas fueron hechas este 2020, un año de confinamiento.

Montalvo es uno de los seis artistas que participa en la décimo novena edición de Scarpia, y la suya es una de las muestras más sugerentes e intimistas. También de las más clásicas, pues el artista no esconde sus influencias y su interés en la pintura china y japonesa, que vienen bien, además, como recordatorio de que la importancia de huir del ensimismamiento.

“Esa gente ha pasado por guerras, epidemias, pandemias, sucesos de todo tipo y ellos siguen a lo suyo: pintando una rana que se asoma en un estanque, una garza en el río comiendo pescado. Van a lo absoluto, a lo esencial, lo que no está sujeto a lo anecdótico de nuestro día a día”, explica Montalvo en una charla con este periódico.

El pintor se muestra encantado con la experiencia de exponer en Scarpia, aunque reconoce el peso que tiene el espacio expositivo. “Estos espacios tan rotundos se pueden llegar a comer la obra y eso hay que tenerlo en cuenta”, afirma. No obstante, su muestra precisamente va en la dirección contraria: una docena de pinturas de formato reducido, con temas muy sencillos, extraídos de lo que ve o lo que le inspira su entorno.

Así, hay espacio para “dos desnudos de figuras ausentes y ensimismadas, siete naturalezas muertas en las que el impulso de la vida se representa congelado en un instante y un paisaje nevado que tienen como denominador común el aura de misterio que las rodea, la delicadeza que las describe, la inteligencia que las resuelve y la elegancia que las inunda”.

Una serie de obras hechas en un año marcado por el confinamiento y, en su caso, por un embarazo y un nacimiento. “2020 ha sido una locura, y he pintado relativamente poco, aunque para mí la pintura es una celebración de la vida en cualquier circunstancia”, afirma el artista, que ha vivido peor la paralización del mercado del arte.

“Ya el último ARCO se celebró con el miedo en el cuerpo y hubo menos venta de las que se esperaban. Y desde entonces, las galerías cerradas. Y aunque hay muchas plataformas alternativas y eventos online, no funcionan como una feria al uso. Por suerte, ha habido instituciones que han estimulado un poco el mercado con pequeñas subvenciones o compra directa de obra”, afirma Montalvo, que agradece especialmente que el 2020 se acabe con una exposición.

¿Por qué? “Porque la experiencia física de estar delante de una obra es fundamental. Es esencial. Eso no se puede sustituir”, sentencia el artista.

Un texto de Safo que había usado en su última exposición ha servido de base para Yo digo que alguien tendrá de ti memoria, la impresionante muestra pictórica que Juan Francisco Casas (La Carolina, Jaén, 1976) ha estrenado en Scarpia, las jornadas de arte contemporáneo de El Carpio, que arrancaron este viernes.

La suya es la gran muestra de este año, una exhibición artística por parte de uno de los artistas más prestigiosos del panorama pictórico español, y que, en su muestra individual número 21, sigue fiel al hiperrealismo en boli bic, una técnica que, en esta ocasión, ha usado para trazar momentos de su vida íntima.

“Hasta que apareció Safo, la poesía era sobre todo épica, destinada a cantar las gestas de los héroes. A partir de Safo, los versos empezaron a dirigirse al interior. Puede que no fuese la primera que lo hizo, pero sí fue la que ejerció una mayor influencia”, explica Casas sobre la principal influencia de su exposición, que utiliza obras de de gran formato y retrotrae a la gran pintura histórica del siglo XIX.

Pero, si en aquella época, la pintura se usaba para representar grandes momentos, Casas ha optado por mantener el formato para mostrar fragmentos íntimos de su vida. Así, Yo digo que alguien tendrá de ti memoria ha acabado convertida en un recorrido autobiográfico por los recuerdos del artista, y un viaje sentimental al pasado, a lo vital y lo íntimo a través de la fotografía instantánea o del selfie. La muestra incluye imágenes personales del autor tomadas durante 20 años y transformadas en una veintena de lienzos y dibujos a bolígrafo.

“Al igual que los poemas fragmentarios que nos quedan de Safo, las obras de Juan Francisco Casas también son fragmentos proustianos de un mundo privado que trasciende al tiempo y al recuerdo y que nos hablan de lo que somos todos, que nos hablan de la vida y del amor”, afirma la hoja de sala.

La muestra Juan Francisco Casas se puede visitar en la Torre de Garci Méndez de El Carpio hasta el 6 de enero los viernes de 18:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 20:00.

El arte contemporáneo vuelve a tomar las calles -y la vida- de la localidad de El Carpio con la celebración de la 19 edición de Scarpia, una cita que se arranca este viernes y que culminará el 6 de enero, y que este año toma como tema transversal la mirada íntima.

La mirada íntima como “una manera de apreciar las obras desde una postura contemplativa, en la que la reflexión está marcada por un tempo detenido”, explican desde la organización sobre la presente edición, que aspira a “construir un espacio, iluminado por la proyección de lo visual, donde se ofrezcan propuestas expositivas que giren en torno a la doble corriente existente entre la mirada del pintor sobre el mundo y la del espectador sobre su obra”.

Para ello, dividirá su programa entre exposiciones e intervenciones artísticas en el patrimonio. Las exposiciones correrán a cargo del pintor japonés afincado en Granada, Yoshio Yamasaki; del artista jienense Juan Francisco Casas; y del granadido Antonio Montalvo. Estarán ubicadas en la Casa del Alcaide, la Torre de Garci Méndez y la Sala Aúlica, respectivamente.

En cuanto a las intervenciones, serán responsabilidad artística de la ecijana afincada en Córdoba Virginia Bersabé; el artista plástico sevillano Sergio Romero Linares, y el artista burgalense Sebas Velasco, que trabajarán, respectivamente, en los siguientes entornos: el Patio del Palacio Ducal, el Museo histórico y la Casa de Máquinas, en la carretera A-306.

El horario de visita de todas estas exposiciones e intervenciones será el viernes de 18:00 a 20:00 y sábados y domingos de 10:00 a 13:00 y de 18:00 a 20:00.

De la pintura naturalista al contenido urbano y el realismo a boli bic

El programa de esta edición tiene un carácter eminentemente pictórico, y aborda diversas técnicas y estilos de la pintura contemporánea. En el caso del pintor japonés Yoshio Yamasaki, su carrera se ha construido a través de su interés por el naturalismo y por recuperar la tradición de los maestros antiguos. El artista nipón afincado en Granada es un excelente retratista, que suele trabajar en dibujo y al óleo.

Por su parte, Juan Francisco Casas (La Carolina, Jaén, 1976) es un pintor ultrarrealista que mantiene su fidelidad al trabajo con bolígrafo sobre papel. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia al mejor expediente universitario de España, su obra se encuentra representada en importantes colecciones como el Museo ARTIUM, el Museo ABC, la Colección del Ministerio de Asuntos Exteriores, la Colección de la Junta de Andalucía, la Colección de la Real Academia de España en Roma, así como en colecciones privadas de todo el mundo.

De carácter más clásico es la pintura de Antonio Montalvo (Granada, 1982), un artista con un personal imaginario propio y que suele teñir de misterio cada una de sus obras pictóricas.

Por su parte, el trabajo de Virginia Bersabé (Córdoba, 1990) va desde gouache sobre papel y pequeños cuadernos de viaje hasta grandes lienzos de más de dos metros, y ha tenido como eje central a la mujer mayor, su relación con el espacio y las manifestaciones físicas y pictóricas de su memoria e identidad.

Sergio Romero Linares, es un artista graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y que disfrutó de una beca Erasmus en la Accademia di Belle Arti de Roma, y cuya obra se basa en un lenguaje figurativo, de marcado realismo, en el que el pintor despliega una técnica de dibujo resuelto, trazos precisos y texturas realistas.

Finalmente, el caso de Sebas Velasco, que estudió pintura en la Universidad del País Vasco (Leioa) y también realizó estudios superiores de ilustración en la Escuela Massana de Barcelona, y que ha realizado exposiciones en galerías de España, Alemania y Estados Unidos, está más cercano al arte urbano, a partir del estilo fotográfico y expresivo de sus pinceladas y brochazos y la crudeza del contenido de sus obras.

Un total de 18 grupos participarán el próximo mes de febrero en el certamen que la Asociación Carnavalesca de Córdoba ha puesto en marcha en sustitución al tradicional Concurso de Agrupaciones Carnavalescas, suspendido debido a la pandemia del coronavirus. En un principio, la organización decidió seguir adelante con el concurso aunque semanas más tarde apostó por reformular esta cita y hacerla compatible con la situación sanitaria.

El listado provisional de los grupos que participarán los agrupa por murgas, cuartetos y antologías. Así, las murgas serán 'Los sendeyristas' (José Polonio), 'La Jarana, Las elaillas del Illo' (Antonio Lara), 'Los guata Neri consu' (Daniel Moriana), 'Los que te toman el pelo' (Antonio Soto) y 'Venimos pa un día' (Luis Cobos). Por su parte, los cuartetos serán 'No hay quien nos tumbe' (Pepón Cobos) y 'No se salva ni uno II lo que el cajón se llevó' (Enrique Martínez).

Las antologías también se darán cita en este evento y serán las siguientes: 'El Jardín de Francisco J. Sierra' (de Sevilla), 'Lonene's band' (Javi Lonene, Almodóvar del Río), 'Los herederos' (Alejandro Carrillo), 'Se nos rompió el amor' (Vicente González, Almodóvar del Río), 'Los del 3 en 1' (Rafael Ángel Gavilán), 'The papa's antology' (Pepito Mesa), 'Este año sí que los pasamos' (José María hidalgo), 'Los amigos del Ranca' (Rafael Arroyo) y 'Revuelto de una década casi prodigiosa' (Antonio Navajas).

Tal y como ha confirmado a este periódico el presidente de la Asociación Carnavalesca de Córdoba, Alfonso González, este listado provisional podría sufrir cambios ya que los grupos pueden apuntarse hasta el próximo 20 de noviembre. Estos ocuparían los puestos de reserva en el caso de que alguna formación decida finalmente no participar. En los futuros cambios que se pudieran realizar, según ha explicad, se priorizarán a los grupos de Córdoba.

Para amenizar las tres galas de este certamen, que se desarrollará durante los días 5, 6 y 7 de febrero, habrá invitados especiales y serán el grupo de Fernando Abad (Al son del diapasón), Rafa Taleguilla, Patiño y Manolito y Rafael Rojano.

El pistoletazo de salida a la fiesta de Don Carnal tendrá lugar el 31 de enero, con la tradicional Salmorejá y la elección del Sultán y la Sultana. Serán a las 12:00 en la Plaza de la Corredera. Después, las agrupaciones carnavalescas que participarán en el certamen de febrero podrán hacer un ensayo general. El resto de la programación ha quedado organizada de la siguiente manera:

Vivimos en una sociedad cargada de prejuicios. Juzgar se ha convertido en un ejercicio común. Igual que encasillar. Poner etiquetas. Aspectos que no hacen más que incentivar el odio, que a fuego lento se va acumulando en cada uno de nosotros. Precisamente ante eso se enfrentó hace algo más de dos años el rapero Manuel González, más conocido como ToteKing (Sevilla, 1978), cuando decidió embarcarse en la siempre compleja aventura de escribir un libro. Fue a raíz de un cúmulo de circunstancias y tras afrontar el que posiblemente haya sido el momento más duro de su vida, como fue la pérdida prematura de su padre a causa de una enfermedad. Desde entonces, y auspiciado por el consejo que le dio Enrique Vila-Matas, autor del prólogo y al que considera su gran ídolo literario, cuando se aisló del mundo (adelantándose a lo que años después ocurriría) para escribir desde las mismas entrañas. Un absoluto reto de honestidad, línea en la que ha tratado de mantenerse durante toda su vida.

Así es como nace Búnker, memorias de encierro, rimas y tiburones blancos (Blackie Books, 2020), y que ya en su misma portada ofrece una cita de presentación que aventura la cruda realidad que el lector se va a encontrar entre sus páginas, afirmando que “viajar a tus recuerdos es buscar pelea”. Ahí es nada. Y ante eso se ha medido ToteKing, que lleva años asumiendo su papel de MC (sin pretenderlo) como un outsider de la principal escena nacional, pese a que él mismo forma parte del grupo de precursores. Más de 20 años de carrera en el rap, universitario y un auténtico devorador de libros. Su pasión está entre página y página. Entre cita y cita. En el legado que dejó en él su padre y del que aprovecha cualquier momento para mostrar su orgullo. El mismo que expresa su rostro cada vez que su familia se convierte en el foco de la conversación. Tote, o Manuel González, es quien es por lo que le han enseñado los suyos. Nada impostado. Honestidad pura.

PREGUNTA. Ya has contado que el libro ha sido un proceso de curación. De hecho, el primer capítulo (la introducción) se titula Odio. Una vez realizada esta expiación, primero a nivel personal con la escritura, ahora a nivel global con la publicación. ¿En qué momento te encuentras?

RESPUESTA. Ahora bien. A nivel personal muy bien, porque siento que he honrado mucho a mi padre y digamos que he hecho justicia a todo lo que él ha hecho conmigo. Todo lo que él me ha dado y todo el cariño que él puso en mí. Eso es una cosa que me quedo tranquilo, se lo debía yo a él. Me da la penilla de lo que comentábamos antes en la charla (se refiere a la presentación del libro durante el Festival de Cosmopoética) de que él no lo hubiera podido leer y todo el rollo, pero me encuentro bien, porque después de todo, la vida sigue y uno tiene que seguir para adelante. Eso es ley de vida. 

Y luego, con respecto al libro en sí, no he vuelto a él, tampoco lo abro. Es una cosa que me pasa con mis discos y tal, que tampoco me pongo a repasar lo que ya he hecho, sino que estoy pensando siempre, mirando hacia delante e intentando hacer cosas nuevas y tal. Pero sí que es verdad que el poso que el libro me deja es bueno, o sea, me da la sensación de que por lo menos no he mentido, sabes. 

P. Hay dos figuras fundamentales, no solo en la consecución de este libro, sino en tu propia pasión por la literatura. Y son dos figuras paternas, se puede decir. Una biológica, y la otra literaria.

R. Que es don Enrique. 

P. Eso es. 

R. Sí, tío, totalmente. Cuando alguien bueno, alguien que tiene talento para contagiarte, te contagia, eso es inolvidable. Realmente es un talento contagiar a la gente, tío, y Enrique es un increíble escritor y un brutal contagiador. Y eso no abunda. Eso no es fácil de encontrar. Enrique es una pasada. Una auténtica pasada. 

Yo he tenido mucha suerte en ese sentido, porque mi padre me detonó ese placer por la lectura, pero después me topé en medio de mi vida con un tío tan valiente como Enrique, que se dice pronto, pero lleva toda su puta vida dedicado a investigar en la literatura, a ver por qué escribe, a ver qué escribe, a ver qué es lo que hay ahí. Es un auténtico arqueólogo. 

(Piensa) 

Es una pasada, tío, y cuando alguien así, como Enrique, que tiene esa fuerza, te toca y te contagia, porque hay peña que no le dice nada pero a los que nos dice algo, es como buah, no tiene fin. Es como si tuvieras una guía ahí, como si tuvieras…(vuelve a reflexionar). Yo siempre hago como una gymkana de lo que él va dejando, del rastro que va dejando, y hay que tener, fíjate lo que te digo, hay que tener como cierto estilo para seguir el rastro de gente que te lo deja. Yo me he topado con peña que ha leído a Enrique, o que ha leído a otros escritores metaliterarios, que tienen referencias, y hay que tener hasta cierto gusto para saber cómo guiarte entre esos miles de autores que nombra. Hay todo un estilo ahí, tío. A mí me mola. Yo soy un fiel de Enrique y llevo muchos años leyendo lo que, saltando entre los escritores que él menciona. 

P. Debido a esa pasión que sientes por su escritura, te costó ese primer contacto con él. 

R. Sí tío, claro (risas). 

P. Cuentas que puede que incluso iniciarte en el libro te costara menos que…

R. En el mail que le mandé. Sí, tío, claro, claro, no sabía en qué tono o cómo escribirle a un tipo así. Y después me di cuenta de que todo en la vida es mucho más sencillo, sabes. Cuando ya lo conocía en persona ya flipé, más aún, porque me  parecía…(piensa)…que podría haberle escrito el mail que le escribiría a un amigo mío. Sin ningún tipo de protocolo, porque el tipo está por encima de cualquier protocolo y de esa gilipollez. Es un tío que sabe de qué está hecho el mundo. Vamos, menos mal que yo le escribí de una manera que, dentro de lo que cabe, educada pero no pasándome, porque el tipo era…como si le mandas un email a un amigo tuyo. Un tío genial, un tío genial.

P. Y ese primer contacto está en el libro. 

R. Claro, claro, porque él lo metió en el prólogo. 

P. Búnker, no sé si más de un modo consciente o inconsciente, pero surge, a mi parecer, de un gran ejercicio pedagógico, que se fundamenta en dos consejos. Como hemos dicho, es tu padre el que te anima a leer, y por otro el que te dio Vila-Matas. Al final, el génesis del libro puede resumirse en lee mucho y sé honesto.

R. Qué guay lo que dices. Sí, es verdad. Es importantísimo eso que dices, porque la honestidad no es fácil. Todos mentimos. Y yo me he dado cuenta escribiendo este primer libro, siendo un novato, de lo tentador que es mentir para adornar. Y creo que realmente el valor de los que saben, y de los que saben leer entre líneas, es cuando te das cuentas que una persona no te está mintiendo. O por lo menos cuando está trabajando un texto, como decía alguien, no recuerdo qué cita leía por ahí. Siendo lo suficientemente inteligente como para que, aunque sea mentira, yo me crea que es verdad. Eso con respecto a la honestidad, y con respecto a lo que mi padre hizo conmigo…sí, bueno, pedagógico. Pero si es verdad una cosa, que la literatura no te va a llevar a ser mejor persona, ni a nada, eso es un cliché súper superado. No te va a ayudar a nada, leer más o leer menos, pero sí que es verdad que a los que nos gusta esto, al final se convierte prácticamente en tu vida, tío (risas). Se convierte en tu vida. 

P. Hemos hablado ya de dos pilares fundamentales en el libro. Otro de ellos es tu pareja.

R. Sí, tío. Yo llevo 12 años con ella y tengo una relación que es una bendición, tío, es una persona que entiende…es que es un muy difícil referirte a esto, porque hay muchos caminos trillados para hablar de este tema, pero sí que es verdad que entiende que es un camino juntos, y no un camino de obstáculos, ni de trampas entre nosotros. Ni de reproches. Entiende que esto es un camino que hacemos juntos, y cuando uno entiende eso, que parece a priori fácil pero es muy difícil de llevar a la práctica…(suspira)…el mundo que se te abre por delante es una puta maravilla. Y te da lugar a esto, a que seas capaz de aislarte, como yo me he aislado durante un año y pico, casi dos años, para escribir esto. Donde no existía para nadie. Para nadie, vamos. No es que estuviera todo el día, obviamente, también estaba dando bolos y también estaba viviendo, pero sí que es verdad que tenía al lado una persona que entiende que yo iba a desaparecer, o tú entiendes que ella va a desaparecer cuando trabaja, porque ella tiene un trabajo que también la hace viajar y tener que desaparecer durante un tiempo. Eso es una bendición. Llegar a un punto común bueno con eso, eso es una bendición. Y mi pareja es una bendición. 

P. Y si la literatura te viene por el lado paterno, la pasión por la música, si no me equivoco, te llega por el lado materno.

R. Sí, tío, efectivamente. Mi madre, que tenía una colección de vinilos espectacular. Gracias a mi madre descubrí todo lo que había que descubrir. Yo soy del 78 y descubrí tarde, en los 80…mis 80 fueron, es vez de escuchar la música de los 80, que es en la que más taras tengo y de la que más vacíos tengo. He escuchado Prince, he escuchado algo de Michael Jackson, pero la música de los 80 se me perdió un poco, salvo algunas cosas de Metal y de Heavy. Pero yo en los 80 estaba escuchando todos los 60 y 70, que era la música de mis padres. Entonces, yo soy del 78, pues del 78 al 88, o al 90, esos diez años de vida, yo ahí estaba continuamente escuchando los Beatles, los Rolling, Traffic, Deep Purple. Escuchando rock setentero, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Eric Clapton. Toda esa música, tío. Yo que sé, Blue Cheer. Encima mi madre era de las que investigaba, y no se quedaba en los cuatro…mi madre tenía su vinilo de los Rolling, su vinilo de los Beatles, pero de repente te sorprendía y te sacaba un vinilo de los Godfathers, o te sacaba un vinilos de los Smiths. Tío, yo tuve una suerte tremenda. Una suerte tremenda. Es muy importante que un niño, yo no sé lo que es porque no soy papá, pero es muy importante que un niño tenga a su lado estímulos intelectuales. Es importantísimo, tío. No te aseguran nada, pero como mínimo te asegura que esa persona va a ser inquieta y curiosa, sabes. 

P. Al final, tu trayectoria es un perfecto homenaje a tu familia, que es muy importante para ti. 

R. Para mí es importantísimo. Sobre todo, porque, además, antes tenía poco, pero ya no tengo ninguno, ningún miedo a que se sepa que mi familia era encantada, cariñosa, buena. Ojo, mi familia en la puta vida ha sido una familia pija. Yo vengo de dos padres, mi padre, que falleció, y mi madre, los dos eran médicos. Currelas absolutos, autodidactas de la Seguridad Social. Con el salario mínimo, trabajando en pueblos. Trabajadores en una casa pequeña de escasos metros cuadrados, o sea, cualquiera que venga a la plaza del Pelicano y vea el barrio en el que hemos crecido mi hermano y yo, verá un sitio de gente humilde realmente. Pero con ese poquito que tenían sembraron en nosotros un auténtico amor por la familia. Yo estoy orgulloso de los padres y de la familia que he tenido. Absolutamente orgulloso hasta el final, y aunque, por ejemplo, en el rap, como pasa ahora, la moda sea el rollo de “no, mis padres, yo vengo de la calle y no conozco a mi viejo, mi madre desapareció y no se qué”, que después la mitad son mentira, yo nunca voy a dejar, hasta que me muera, de reivindicar la figura de mi papá y mi mamá, que me curtieron en las artes, tío. Y que me enseñaron a disfrutar de la vida, en definitiva, que es disfrutar de estas cosas (golpea el libro).

P. Dentro de la escena del rap, lo que comentas, has sido atípico. Rapero muy lector, universitario, no sé si era o es muy común eso en esta industria. 

R. Bueno, yo me he encontrado compañeros que lo son. He hablado mucho de literatura con Lechowski, he hablado mucho con el Lone, un raper de Zaragoza. No sé si sabes quien es, pero el Lone es muy lector y un tío con un gusto literario increíble. Sharif es un tío que lee mucho. O sea, hay peña. Lo que pasa que es difícil sacar pecho en un mundo donde lo que calza es sacar pecho de la calle, de yo lo he tenido chungo, sabes. Bueno, yo que sé. Son situaciones. Yo no engaño a nadie. Yo, desde luego, desde chico me propuse una cosa, que descubrí rápido, y era: al que imposta, se le cata. Rápido. Al que va de calle sin serlo, se le cata rápido. Entonces, a mí me sale mucho más a cuenta, aunque yo haya estado con gente de la calle, con traficantes como todo el mundo ha estado, porque todo el que se ha criado en un barrio obrero lo ha visto todo. Yo he visto gente esnifar con doce, y he visto a gente vender cocaína y he visto vender porros, y amigos míos. O sea, yo vengo de esos ambientes, pero yo no imposto esos ambientes, porque si los impostara se notaría. Yo no imposto nada, tío, yo no tengo miedo a decir que soy una persona absolutamente normal. 

P. Volvemos a lo de antes. La honestidad. 

R. Claro, es que es mucho mejor, porque qué es peor. Tú imagina que yo fuera de rapero malo, qué tontería, si es que se va a notar a la media hora. Sabes, a parte, aunque lo lograra y aunque engañara a la gente, no estaría contento. Sería todo una gran mentira. No, no, hay que trabajar con lo que uno tiene, tío. Hay que trabajar con lo que uno es y con lo que uno tiene delante.

P. Incluso tu propio estilo también es peculiar dentro de la escena. No eres mucho de estribillos, muy directo. Ya no se lleva eso del rap crudo.

R. (Risas) Sí, es verdad que lo hablábamos con Broncano, sí. 

P. Es así. De hecho, en una de tus canciones, que creo que también es importante para este libro. En Sota, Caballo y Yo dices algo así como “tu público son fans los míos son reos”. O sea que, los que te siguen a ti…

R. Me siguen a muerte. Sí, tío, sí. Porque a ver, yo he hecho ese ejercicio de honestidad toda mi vida, como antes, no sé si has estado en la charla pero…

P. Sí. 

R. Incluso asumiendo que soy un tío contradictorio, y que he dicho jamás haré esto y lo he hecho. Jamás leeré esto y lo he leído, y jamás haré un tema con tal persona y lo he hecho. O sea que, asumiendo que uno tiene contradicciones, claroscuros y momentos grises, raros. La gente, aún así, la gente que me sigue sabe que es verdad. Y eso a mí me enorgullece y me hace sentir bien, tío. Yo no estoy comiendo, ni estoy pagando la cuenta, ni el gas, ni la luz, a base de engañar a nadie. Y eso me hace sentir bien.  

P. Y en el libro has ido por el mismo camino, que nadie espere batallitas de músico.

R. No, no. Yo, de hecho, las partes del libro que a mí menos me gustan, son las que tratan eso. Sin embargo, salieron porque, dentro de ese ejercicio vital, tenían que salir. Gran parte de mi vida es eso. Pero, como te he dicho antes, yo quería que la gente viera, bueno, tampoco lo he hecho así, pero se nota que es así, que mi vida tiene un trabajo muy en paralelo a la música. Está la música y en paralelo hay otro Tote, que está en su casa leyendo, o en los viajes de camino a un concierto leyendo o en un avión. No tengo mi abrigo, pero si te lo enseño te saco tres libros, dos que me han regalado y el Kindle que me he traído leyendo, o sea que, va por otro lado. Curiosamente yo escribo también letras de rap, y eso me ha servido para escribir esto. Pero va por otro lado. 

P. Es más duro afrontar el folio el blanco en el rap o el de la literatura.

R. (Señala el libro) Mucho más. Te en cuenta que el beat, la instrumental, te mete en un patrón que tienes que seguir. Si te sales, estás rapeando fuera del ritmo y queda feo, es cacofónico. Si tú quieres rapear, o cantar rock, o cualquier género musical, todo va encorsetado en un patrón musical. Sin embargo, cuando estás delante de esto (vuelve a señalar el libro), estás libre. Quién dice que un capítulo puede durar cinco o setenta páginas. Quién dice que el libro tiene que estar separado en partes. Quién dice que el libro pare aquí (abre por una página que separa un capítulo de otro), por qué para el libro aquí y no sigue entero las 300 páginas. Hay tantísimas opciones de expresión, tantos matices, y para un tío obsesivo como yo, buah, esto es una ida de olla. Menos mañ que está la editorial. 

P. Que ha hecho un trabajo importante. 

R. Que flipas. Si tú ves el borrador de 600 páginas y ves esto. El trabajo de Blackie Books es para quitarse el sombrero, vamos. 

P. Ordenando un poco tu cabeza (risas). 

R. Caótica y enferma (risas). 

P. Tenemos que tocar, aunque sea un poco por compartir gustos también, la otra afición que se te conoce. La pasión por el baloncesto, que también te viene por tu padre.

R. Sí, mi padre era entrenador de un equipo de basket, y yo jugaba allí. Él me enseñó todo. Él me llevó desde minibasket. Desde minibasket ya estaba ahí pico y pala conmigo. Y lo peor es que, es una de las cosas en las más me siento que no he dado la talla con él. Porque así como él me estimuló intelectualmente y consiguió que yo fuera un devorador de libros, él que era un súper jugador. Mi padre fue el mejor jugador de Sevilla, tenía alguna Copa y una medalla en casa. Lo quiso fichar el Madrid y mi abuelo lo obligó a quedarse en Sevilla. Le tiró la caña el Madrid y el Granada, y se quedó en Sevilla porque mi abuelo lo obligó a acabar medicina. El rollo ese de tienes que acabar…

Mi padre era famoso. Cuando yo era un crío ya había leyendas de “tu padre es Pepito, buah tío”. Tenía un mote, Pepino tapones, o sea tío. Yo tengo vídeos de mi padre machacando, era una bestia. Era un auténtico adelantado. Hubiera podido jugar al basket profesional. No lo digo yo, lo dice cualquiera en Sevilla. Mira, a mi padre le llamaban Pepito Cruzcampo porque decían que ponía más tapones que la Cruzcampo. Yo he visto a mi viejo pegar un salto y ponerte los huecos aquí, o sea, era una cosa bestial. Mi viejo era muy, muy bueno jugando y después descubrió que también era muy bueno entrenando.

P. Has contado que él decía que creó la zona mixta. 

R. Había equipos de ACB que jugaban ya con eso, Aíto jugaba ya con eso, pero él decía que la divertida era suya (risas). Sí, sí, tío. Era una defensa súper complicada, yo nunca me enteraba de nada, la verdad. 

P. ¿A qué crees que se debe esa relación por antonomasia entre el baloncesto y el rap?

R. No lo sé, tío, y me lo han preguntado mil veces pero no tengo ni idea, de que es lo que hizo que la gran mayoría de raperos en América, que son los creadores, tuvieran afinidad con la NBA y no con la NFL. Lo mismo es un cliché y no lo sabemos y la gran mayoría de rapers…

P. Pues nos han engañado a todo el mundo. 

R. Sí (risas), lo mismo nos han engañado a todo el mundo y los raperos eran fans de la NFL, del fútbol americano o del hockey sobre hielo, quién sabe (risas).

P. Para ir terminando, ¿tu padre ha sido fan tuyo?

R. Mi padre ha sido muy duro y tenía esa actitud vieja escuela de no regalar nunca nada. En plan, tú llegabas allí con un 8 y te decía “bien, es tu obligación”, “es lo menos que tienes que hacer”. No era “hostia Tote, bien tío, joder, qué alegría coño”, sabes. No sabía dar eso, pero bueno.

P. Se alegraba para él. 

R. Exacto, exacto. Eran otros tiempos, en los que el papel suyo era ese, de ser súper recto y tal, y era difícil sorprenderlo. También es verdad que era difícil sorprenderlo porque era un tío brillante. Brillante, tío. Era un adelantado. Mi padre es leyenda en Sevilla, y no porque lo diga yo. Tú preguntas por él y él es leyenda. No solo en el basket, es que en el basket, como entrenador, y como médico de la Seguridad Social. Eran conocido dentro de los médicos porque mi padre atendía a cualquier persona que llegara. Cuando compañeros suyos de la época se negaban a atender a un moro o… Era un tío increíble, muy muy adelantado a su época. Es una pena que él no esté aquí y que haya gentuza como el puto Ortega Smith que estén vivos. 

P. ¿Y qué crees que hubiera pensado al leer el libro?

R. Hubiera sido igual que con la música rap y con todo lo que se refería a sus hijos. Hubiera sido recto y hubiera dicho “bueno, Totito, no está mal. Este capítulo no está mal. 

P. ¿Estás escribiendo de nuevo no?

R. Sí, estoy con algo. Estoy peleando, tío. 

P. Con ficción. 

R. Lo estoy intentando con ficción. Estoy viendo a ver dónde lo llevo. Pero es muy difícil, porque me gusta más leer que escribir, y no paro de leer. Entonces es muy difícil, pero bueno, a ver qué soy capaz de hacer. 

Héctor Alterio coge el teléfono al primer timbrazo. “Muy buenas, querido”, responde al periodista con un brío muy juvenil, a sus 91 años. Faltan 24 horas para que vuelva a Córdoba con el espectáculo Como hace 3.000 años, una interpretación de los poemas de León Felipe, junto al guitarrista José Luis Merlín.

Es la segunda vez que presenta en la ciudad esta obra, que llevó hace dos años al Teatro Góngora. Aunque esta vez, la representación se encuadra en las actividades del festival Cosmopoética, justo en el medio de recitales de varios autores y el concierto de Sílvia Pérez Cruz. A estas dos vertientes -versos y acordes- que curiosamente conforman la obra, Alterio le suma su carisma y talento interpretativo. Que es, dice con sorna, lo que le falta a la mayoría de los poetas.

PREGUNTA. ¿Cuándo descubre la poesía de León Felipe?

RESPUESTA. Ohhh… No vamos para largo con eso. Era yo adolescente en Buenos Aires y León Felipe, que estaba radicado accidentalmente en México por asuntos de la Guerra Civil, venía con bastante frecuencia a Buenos Aires. Y ahí fue cuando lo vi por primera vez. Quedé fascinado con su presencia, con su poesía. Yo tendría 17 o 18 años. Y a los 20 me incorporé a un movimiento de teatro independiente que me absorbió y me olvidé prácticamente durante 20 años. Bueno, más que olvidar, dejé de frecuentarlo.

P. ¿Y cuándo lo vuelves a frecuentar?

R. Pues mira, al final la vida me lleva a radicarme en España y un amigo me lo hizo recordar. Y se me vino todo de golpe. Después de más de 20 años. Así que, junto con mi amigo, el excepcional guitarrista José Luis Merlín, impulsamos este espectáculo con su guitarra y con un puñado de poesías seleccionadas por mí.

P. Y así lleváis más de 15 años.

R. Sí. Es un espectáculo muy simple y modesto, pero tiene una virtud: a la gente le gusta mucho escuchar a León Felipe. Y a mí me posibilita salir de la poesía recitada e interpretarla como un contexto teatral. Y eso me entretiene mucho y al público también.

P. ¿Cómo es interpretar poemas? ¿Qué recursos interpretativos son más importantes?

R. Yo me olvido que son poemas. Yo cuando los leo por primera vez, quedo fascinado, pero cuando empiezo a decirlo en voz alta, me doy cuenta que no me puedo evadir de mi actitud de actor y lo único que trato es de encontrar la verdad para que el público me lo crea. Y he llegado a la conclusión, más allá de la vanidad que pueda parecer esto que te digo, de que me siento poderoso y dueño del trabajo. Me siento patrón. Yo voy manejando los silencios porque yo ya sé cómo va a ser recibido. Todo esto me hace feliz en el trabajo.

P. Y desde luego se parece bien poco a aquel León Felipe al que tú viste de joven recitando.

R. (Se ríe) No, no no. Aquello era un deslumbramiento que me provocó y me conquistó su poesía. Y bueno, yo lo he escuchado a él, pero está el agravante general de que los poetas recitan muy mal sus propios poemas (Se ríe). Pero bueno, lo cierto es que he encontrado una libertad y una creatividad absoluta en los poemas de esa época.

P. Es además un poeta muy querido en Latinoamérica, casi más que en España.

R. Pues sí. Ya era muy querido antes de que lo conociera yo. Por eso lo frecuenté. Por todo el ámbito que había creado en sus viajes a Latinoamérica.

P. Cualquier actuación tiene una parte de implicación emocional, pero quizá León Felipe haya pulsado en usted algunas teclas ¿no?

R. Sí. Evidentemente. Hay ciertas contradicciones en su figura, porque es un poco anárquico. Y lo anárquico me atrae mucho. Aún con su velado interés en dios y en la religión y todo eso, que yo soy absolutamente agnóstico y ateo, lo encuentro atractivo.

P. Y además, compartís el carácter de exiliados, aunque hayáis hecho el viaje inverso.

R. Sí, también hay algo de eso, sí. Pero eso son circunstancias que uno no puede manejar y que tiene que afrontar. Y así me ocurrió a mí. Ahora, de cualquier manera, han pasado muchos años, querido (Suelta una carcajada). Siempre que hablo del exilio parece que le pasó a otro. Pero no. Me pasó a mí y como consecuencia a mi familia.

P. Fíjese, tanto León Felipe como usted han tenido dos tipos de exilio. El exilio por coacción y también el de quien encuentra un hogar lejos de su hogar.

R. Sí. Él viajó muchas veces a Latinoamérica, pero luego a él le afectó el franquismo. Claro, claro, sí, son coincidencias.

P. ¿Cómo está viviendo todo esto del coronavirus, en lo personal y en lo profesional?

R. Ay, si yo pudiera responderte… No, yo me entrego mansamente al botón. Cuando digo el botón, digo la policía. Uso un lenguaje que tengo aprendido desde que era pequeño. Yo me entrego así a esta situación porque no tengo más remedio que esperar a ver qué pasa, qué sucede con todo eso. Me voy acomodando, como todos, a las circunstancias. Y no dejo de tener esperanzas en que esto termine lo más rápido posible. Y no tengo otra respuesta. No te puedo decir nada más. Si yo tuviera mayores elementos estaría con una bandera gritando la verdad de lo que pasa, pero no puedo.

P. Al menos tiene la oportunidad de decirlo desde un escenario.

R. Bueno, sí.

P. La cultura siempre será un salvavidas en días como estos.

R. Pienso que sí. Para mí, personalmente y fundamentalmente, eso es muy importante y así lo transmito.

Cosmopoética ha puesto punto y final a su edición más interior, marcada por la pandemia, la reducción de aforos y los meses en los que se ha celebrado. Pero lo ha hecho fiel a su estilo, con una experiencia musical diferente en un concierto de clausura en la Sala Capitular de Orive.

El último proyecto de Javier Ramos (Lämpara, Malparaíso, La Inesperada Sol Dual) se llama Madre de Dios. Sus canciones basadas en textos escritos automáticamente, poesía constructivista en español abstracto, son las que han sonado entre las paredes de este lugar que es símbolo, precisamente, de Cosmopoética.

En sus canciones, en una primera capa de texto no hay mensaje, es abstracto, se entiende pero no se hila. Pero quedan sensaciones sonoras que con un render pausado llegan a convertirse en discursos potentes, salvajes y políticamente muy incorrectos.

El público, muy reducido, disfrutó de un concierto que se emite por las redes sociales de Cosmopoética y con el que se pone fin al festival internacional de poesía de Córdoba.

Cosmopoética, organizada por el Ayuntamiento de Córdoba, se despide este viernes tras una intensa semana con una sesión que tendrá como protagonistas a Raquel Lanseros y a Antonio Lucas, y que se cerrará además con la actuación del grupo punk cordobés Madre de Dios.

Según ha informado el Consistorio, bajo la grieta de la Sala Orive, Raquel Lanseros, voz incuestionable de la poesía española, emparejará sus versos con los de la joven María Helena Higueruelo, que ha sido galardonada recientemente con el Premio Adonáis de Poesía 2019 por su obra 'Los días eternos'.

La gaditana Raquel Lanseros es poeta, traductora, antóloga y profesora de universidad. Su último libro de poesía, 'Matria', obtuvo en 2019 el Premio Nacional de la Crítica y el Premio Andalucía de la Crítica.

Es autora de 12 libros de poesía publicados en Francia, Estados Unidos, Colombia, Argentina, Italia, México, Portugal, Marruecos, Perú y Puerto Rico y reconocidos con multitud de premios, como el Premio Unicaja de Poesía, un accésit del Premio Adonáis, el Premio de Poesía del Tren, el Premio Antonio Machado en Baeza y el Premio de Poesía Jaén. Su obra poética hasta 2016 ha sido reunida íntegramente en el volumen 'Esta momentánea eternidad. Poesía (2005-2016)'.

En el campo de la literatura infantil y juvenil, ha publicado en 2019 un álbum ilustrado titulado 'Himbu, el pequeño pintor', y como traductora, destacan sus versiones de Edgar Allan Poe, Lewis Carroll, Sylvia Plath o Louis Aragon.

Por su parte, María Elena Higueruelo ha publicado los libros 'El agua y la sed' (Hiperión, 2015), con el que obtuvo el XVIII Premio de Poesía Joven Antonio Carvajal. La lectura tendrá lugar a las 11,00 horas de forma presencial y a las 19,00 horas 'online'.

A las 12,30 y a las 20,00 horas, a través de 'cosmopoetica.es', tomarán el relevo Antonio Lucas y la argentina Valeria Correa Fiz, contando el primero, periodista y poeta, con una extensa obra poética que incluye los libros 'Antes del mundo' (1996, accésit del Premio

Adonais), 'Lucernario' (1999, Premio Ojo Crítico de Poesía 2000), 'Los mundos contrarios' (2009, Premio Internacional Ciudad de Melilla), 'Los desengaños' (2014, Premio Loewe) y 'Los desnudos' (2020, Premio Generación del 27).

Sus versos se enredarán con los de la autora argentina Valeria Correa Fiz, abogada y escritora. Es autora de los poemarios 'El álbum oscuro', distinguido con el I Premio de Poesía Manuel del Cabral, 2016; 'El invierno a deshoras', merecedor del XI Premio

Internacional de Poesía Claudio Rodríguez, y de 'Museo de pérdidas'.

También es autora del libro de relatos 'La condición animal' (2016), que fue seleccionado para el IV Premio Hispanoamericano de Cuento Gabriel García Márquez y finalista del Premio Setenil 2017.

Cerrará la programación de 2020, a las 17,00 en la Sala Orive y a las 21,00 horas en Internet, la banda cordobesa Madre de Dios, con su punk, con letras basadas en la escritura automática y en la poesía constructivista en español abstracto para las que, en ocasiones, se inventan o deforman las palabras en pro de una sonoridad puramente formalista.

En sus canciones, en una primera capa de texto no hay mensaje, es abstracto, se entiende pero no se hila. Sin embargo, quedan sensaciones sonoras que con un 'render' pausado llegan a convertirse en discursos potentes, salvajes y políticamente muy incorrectos.

Cosmopoética ha abordado en el año de la pandemia su edición más introspectiva, dedicada a la lírica española y al mundo interior de cada cual bajo el lema 'Un viaje interior'. El festival está organizado por el Ayuntamiento de Córdoba y cuenta con el

patrocinio de la Fundación CajaSur.

Aurora Luque es una de las poetisas más relevantes del panorama literario español. Su intenso trabajo de recuperación de escritoras, tapadas bajo el manto de la testosterona, lo compagina con otros dos intereses personales: el mundo clásico y la traducción de poesía. Recientemente premiada con el galardón Isabel Oyarzábal, acude a la penúltima jornada de Cosmopoética para presentar su último libro, Gravieras, trabajo con el que ha obtenido el premio Loewe y su consagración como autora de una literatura innovadora, valiente y atrevida.

Durante su trayectoria, Luque ha visibilizado a grandes poetisas y ha hecho traducciones de obras de mujeres, toda una operación quirúrgica de precisión que le ha permitido acercarse aún más a la literatura universal. La escritora defiende a capa y espada la importancia y la riqueza de la traducción dado que, sin ella, “seríamos muy pobre” y dejaríamos por el camino toda una riqueza que escapa de nuestra lengua materna. Es este trabajo, el de la traducción, el que le ayuda a “entender mejor y desde dentro a los poetas y a las poetas” ya que permite “profundizar más en los recursos” que se utilizan.

Apasionada del mundo clásico, la traducción de textos griegos, por ejemplo, le ha permitido desterrar tópicos y falsas atribuciones. Pero, sin lugar a dudas, el papel indiscutible de esta escritora almeriense coge un especial peso en toda esa labor de visibilización de mujeres brillantes cuyas obras quedaron relegadas al olvido, castigadas por el tiempo que les tocó vivir.

“Este movimiento de recuperación de escritoras se llama progreso y desarrollo, perfeccionamiento de las ideas de igualdad y libertad”, defiende la autora, que hace un claro alegato por el feminismo. “Ser feminista es un piropo para hombres y mujeres. Significa que la democracia ha ido avanzando. Ser feminista es ser civilizado y hasta que los hombres y las mujeres no se declaren feministas estaremos en una democracia imperfecta y en una civilización más oscura. Llamarse feminista es ser demócrata. Es la única revolución progresista que hay en marcha y sólo consiste en reconocer que las mujeres tenemos los mismos derechos que los hombres”.

A pesar del trabajo que se está realizando desde la literatura para recuperar estas escritoras, tal y como Luque ha hecho en Gavieras, la enseñanza reglada poco o nada está siendo reflejo de ello, denuncia. El proceso de renovación de las lecturas y la inclusión de  nuevos nombres “son muy lentos”. Entre los motivos, la posición conservadora a la que pertenecen los grupos editoriales, el desconocimiento por parte de la política del trabajo de recuperación de nombres y obras y, en última instancia, la “pereza” que sufriría el profesorado ante cambios en los contenidos curriculares. “Todavía se siguen enseñando lecturas que yo daba en Bachillerato y no porque sean clásicos, sino por la gran inmovilidad que hay”, comenta la autora, que rechaza que la visibilización de las mujeres en la enseñanza redunde exclusivamente en el 8M, Día Internacional de la Mujer.

Recientemente, Luque ha recuperado la figura de Isabel Oyarzábal, traductora, periodista, escritora, actriz y primera mujer embajadora de España, trabajo en el que ha contado con la participación de hombres con perspectiva de género. La transversalidad del movimiento feminista y su empuje a nivel internacional es lo que lleva a la autora a calificarlo como una ola “imparable” ante la que se están produciendo reticencias por una parte de la sociedad. “Existe esa hostilidad por un sector de la población que no quiere que nada se mueva”, afirma, señalando a esa “reacción política cavernícola que demoniza el feminismo a través de falsedades con el objetivo de deshacer lo que se ha logrado en los últimos 20 años”. Las redes sociales y el periodismo sin contrastar, asegura, son las vías por las que “este discurso ha calado”, a la vez que esa concepción de patria “que parece que tiene un valor absoluto y va por delante de la defensa de los inmigrantes, las mujeres y los homosexuales”.

Pero aún queda mucho por hacer. “Esta revolución son sólo cinco minutos comparados con los milenios de sumisión absoluta de las mujeres”. En Gavieras ha descubierto a escritoras “que a lo largo de la historia han sido insultadas por escribir y por no dedicarse a las tareas de procreación. Algunas, incluso, han sido castigadas con no entrar en los libros de texto” y recuerda a María Rosa Gálvez, “escritora muy olvidada y muy buena”. “Es de justicia que unos y otras, teniendo el mismo talento, estén en los libros de texto”, concluye la autora.

Cosmopoética recibe en la jornada de este jueves al rapero ToteKing y a Kutxi Romero, líder de Marea, en un intento por ampliar los públicos aficionados a la poesía. Además, continuarán las lecturas poéticas en la Sala Orive, con la presencia de pesos pesados del panorama lírico español como Aurora Luque.

Así lo ha indicado el Ayuntamiento de Córdoba en una nota en la que ha señalado que Aurora Luque, una voz consagrada de la poesía española, compartirá espacio a partir de las 11,00 horas con Pilar Cámara, madrileña afincada en Córdoba, en un encuentro que podrá disfrutarse 'online' a las 18,00 a través de la web del festival.

Las principales líneas de interés de la autora almeriense son el mundo clásico, la literatura realizada por mujeres y la traducción de poesía. Es profesora de griego, articulista, editora y dirige el Centro Generación del 27 en Málaga. Además de un extenso trabajo de traducción, la obra poética de Luque incluye 'Gavieras' (premio Loewe 2019); 'Los limones absortos. Poemas mediterráneos' (trad. italiana, Premio Estado Crítico 2016); 'La siesta de Epicuro' (Premio Generación del 27, 2008) o 'Problemas de doblaje' (Accésit Adonais, 1990).

Luque compartirá las tablas y los versos con Pilar Cámara, quien además de periodista es autora de los poemarios 'Rouge' (Amargord Ediciones, 2013) y 'Un nido en las clavículas' (Inventa Editores, 2018).

A las 12,30 horas, en un encuentro que se podrá ver 'online' a las 19,00 horas, se subirán al escenario de la Sala Orive la argentina Macky Chuca y el poeta cordobés Raúl Alonso.

Macky Chuca, transgresora escritora argentina, declamadora y punkrocker ganó con su libro de relatos 'La reina del burdel' (Ed. Sloper) el VIII Premio Cafè Món. 'Las que se venden a sí mismas', para Radio 3, fue publicado en la web de RTVE. Ha murmurado, exclamado y balbuceado en la Feria del Libro de Palma 12/14, Festival Live on Març, Estación Spoken Word, Grito Rock Madrid, y en sótanos gloriosos de Madrid y Mallorca.

Raúl Alonso (Córdoba, 1975) es editor y escritor. Su último poemario es 'Temporal de lo eterno' (La bella Varsovia, 2014) y en el género narrativo 'Lo que nunca te dije' (Editorial Cántico, 2018). A su obra escrita añade una intensa labor como gestor cultural y crítico, colaborando en medios como Revista Mercurio, Poscultura o El Placer de la Lectura. Su obra ha sido recogida en diversas antologías, y cuenta con las distinciones del I Premio de Poesía Joven Radio 3, el Premio Ciudad de Córdoba Ricardo Molina y el Premio Rosalía de Castro.

Por la tarde tomará el relevo el ciclo 'Cosmoacordes', que sacará a la palestra a ToteKing y al rockero navarro Kutxi Romero, alma del grupo Marea, en una sesión doble con entradas agotadas que comenzará a las 16,00 horas en la Sala Orive y que podrá verse en 'cosmopoetica.es' a las 20,00 y a las 21,00 horas, respectivamente.

El rapero sevillano ToteKing presentará en Cosmopoética su libro 'Búnker: Memorias de encierro, rimas y tiburones blancos' en un formato conversacional. Leyenda viva del rap español, pero sobre todo lector incansable, afirma que “viajar a tus recuerdos es buscar pelea”.

La figura de un padre que lo inicia en la lectura, los primeros mates en la cancha pública y la vocación insobornable de la rima perfecta, la honestidad a tumba abierta, la necesidad de rodearte de tres (cuatro, a lo sumo) personas que te quieren, la esclavitud de tener que vivir para contarlo en canciones y en cuentos.

Le seguirá Kutxi Romero, todo un referente del rock español que además se define como “un hacedor de poemas”. 'Bukowskiano', punky, siempre interesado en la lírica, estén o no arropados sus versos por la distorsión y la batería. Autor de poemarios como 'León manso come mierda' o discos como el reciente 'El azogue', su obra aúna un público intergeneracional y propio, siempre a la espera de su próximo paso. En Cosmopoética compartirá poemas y canciones. Una muestra de su mundo, de su voz en la frontera.

Cosmopoética abordará del 28 de noviembre al 4 de diciembre su decimoséptima edición. El festival está organizado por el Ayuntamiento de Córdoba y cuenta con el patrocinio de la Fundación Cajasur.

Mientras escribía Autobús de Fermoselle, poemario ganador del premio de poesía Hiperión, Maribel Andrés Llamero basculaba entre dos mundos: entre el vértigo del presente, de su vida en Salamanca, donde es profesora de literatura en la Universidad; y entre la búsqueda del pasado, el de su familia, sus abuelos, el paisaje y el paisanaje, motor de arranque del libro.

De este contraste ha charlado este miércoles la autora con los periodistas, poco antes de participar en una lectura en el marco de Cosmopoética 2020. Un ratito de conversación que ha servido para trasladar algunas claves de su última obra, que se engarza a la perfección con el espíritu del festival este año, articulado a partir del eslogan Un viaje interior.

“Desde luego que sí -ha coincidido Andrés Llamero-. El libro nace como homenaje a mis abuelos y, al comenzar hablando de ellos, he acabado hablando de mi familia. Y, al hablar de mi familia, he acabado hablando de algunas obsesiones que tenía desde hace tiempo. Entre ellas el paisaje, esa llanura que al final acaba un poco por definirnos a todos”, ha explicado sobre una obra que parece la continuación lógica de su primer e introspectivo poemario La lentitud del liberto (Maclein y Parker, 2018).

Por el camino, mientras rascaba en la tierra buscando sus raíces, iba descubriendo cosas que consideraba propias -sus rasgos, su forma de hablar- y también algunas historias de su linaje que desconocía. Por ejemplo, que una de mis bisabuelas estaba expuesta en un museo etnográfico, algo que, está segura, ella nunca se hubiera imaginado, y lo cual dio pie a un poema de los que recoge el libro.

También reparó especialmente en las palabras, en toda esa amalgama de términos que “sirven para nombrar las cosas en un mundo que se está extinguiendo” y que son tan suyos que los ha ido integrando en el poemario con la esperanza de que no se pierdan por la inercia de ese otro mundo, el actual, que “empuja a la prisa y a la burocracia”.

La autora ha reconocido no sentirse cómoda en este otro contexto. Tanto que cree que, en buena medida, el mundo que retrata Autobús de Fermoselle es mucho más libre que el nuestro, a pesar de que esté lleno de pueblos a punto de desaparecer. Su última reflexión ha servido también como augurio: “La sensación es que la voluntad política es que desaparezcan. Y no solo estos pueblos, sino mi propia ciudad, Salamanca, que, como otras tantas, parece que solo genera trabajadores para Madrid”.