La librería El Reino de Agartha busca una nueva oportunidad para evitar su desaparición. El establecimiento, situado en el número 7 de la calle Claudio Marcelo de Córdoba, ha puesto ahora en marcha un proceso de traspaso del negocio después de que no fructificara la campaña de financiación con la que su propietaria, la librera Maribel Molina, intentó reunir fondos para trasladar la librería a otro local y garantizar su continuidad.

El anuncio, difundido mediante un cartel en redes sociales, ofrece el “traspaso de negocio en funcionamiento” y señala que el establecimiento cuenta con una “ubicación céntrica y consolidada”, además de ser apto tanto para “continuar la actividad actual” como para desarrollar “un nuevo proyecto”.

El movimiento supone un nuevo giro en la historia reciente de una librería que se había convertido durante los últimos años en uno de los espacios culturales más singulares del centro de Córdoba. El pasado 9 de mayo, El Reino de Agartha anunció su cierre definitivo en su actual ubicación de Claudio Marcelo, poniendo fin a una etapa marcada por su apuesta por la literatura de autor, las actividades culturales y una programación propia.

Su propietaria, Maribel Molina, natural de Rute y vinculada desde niña a Córdoba, decidió emprender esta aventura empresarial tras la muerte de su marido, cuatro años antes. Desde entonces, la librería se había consolidado como un espacio con una identidad propia dentro del tejido cultural de la ciudad.

Tras anunciar el cierre, Molina trató de encontrar una vía para mantener vivo el proyecto. La librera puso en marcha una campaña de recaudación de fondos para poder afrontar el traslado a otro establecimiento. Lo anunció con un mensaje en el que explicaba, con ironía, que necesitaba “salvar mi librería antes de que el alquiler me haga escritura automática de desaparición”.

Su objetivo era encontrar un local en el que los costes permitieran mantener la actividad. “Quiero realizar un traslado decente a un sitio donde los números no me miren con ganas de asesinarme lentamente”, explicó entonces Molina, que apeló también a la responsabilidad de Córdoba para sostener los proyectos culturales que la ciudad dice valorar.

La campaña, sin embargo, no terminó fructificando. Ahora la librería vuelve a buscar una salida, esta vez mediante el traspaso del negocio, con la posibilidad de que otra persona o proyecto tome el relevo de El Reino de Agartha o aproveche el establecimiento para desarrollar una nueva actividad, ya que la librera -y flamante novelista- ya no puede hacerse cargo del mismo.

El Museo de Chiclana acoge la exposición ‘Córdoba, la luz del pensamiento’, que estará abierta el público hasta el 27 de septiembre y que sirve para conmemorar los 900 años del nacimiento del filósofo cordobés Averroes. De esta forma, el Museo acerca al público a los pensadores de la tierra, en concreto a los nacidos en Córdoba. Ya lo hizo hace diez años, aunque de modo muy somero dada la gran cantidad de personalidades andaluzas que reunía, en la exposición ‘Valores andaluces. Con Andalucía en el bolsillo’.

En esta ocasión, es el noveno centenario del nacimiento de Averroes (Ibn Rush) y es la razón que lleva de nuevo a Córdoba en este monográfico sobre estos tres pensadores de primera línea: el Séneca de la Córdoba romana, así como el Averroes y el Maimónides (musulmán y judío respectivamente) de la Córdoba andalusí. El Museo acerca al público a Córdoba a través de estos tres grandes de la Filosofía representados en la Colección a través de los tres bustos que de ellos realizó hace años el escultor chiclanero José Antonio Barberá.

La delegada municipal de Cultura, Susana Rivas, ha explicado que, con esta muestra, “queremos rendir homenaje a una de las figuras referentes para todo el pensamiento español”. “Córdoba ha sido el punto neurálgico de muchos pensadores a lo largo de la Historia y ahora nos hacemos eco de parte de esta Historia”, ha destacando, invitando a toda la ciudadanía y a las personas que visitan la ciudad a disfrutar de esta exposición.

La exposición también recorre el contexto histórico y cultural en el que se desarrolló parte de este pensamiento. Al-Ándalus se extendió desde el año 711 hasta 1492 por la península ibérica bajo el poder musulmán, un periodo lo suficientemente amplio como para impedir una visión uniforme.

Desde el museo destacan que, en uno de sus momentos de mayor esplendor, Córdoba brilló sobremanera, también en el área cultural o del conocimiento. “Nombres señeros de allí y de entonces perduran, como los de Ibn Hzam (994-1064) y, sobre todo, los de Averroes (1126-1198) y Maimónoides (1138-1204), firmes defensores de la no contradicción entre la fe y la razón que finalmente acabaron, mirados con suspicacia o literalmente como herejes, repudiados por sus propias comunidades religiosas, conociendo la expulsión de sus comunidades o el destierro más allá de sus fronteras, fuera de su patria originaria”, señalan, al tiempo que destacan que uno de los más grandes de los filósofos de la antigüedad clásic tuvo a Córdoba por cuna: Séneca (4 a.C-65 d.C), pensador ecléctico, aunque especialmente vinculado al estoicismo.

La muestra de Chiclana se suma a los actos que habrá en Córdoba durante este año, en el que el Instituto Cervantes también llevará a París, Madrid y Marrakech el denominado 'Año Averroes', una iniciativa impulsada por instituciones culturales y académicas que busca reivindicar la vigencia del pensador cordobés, del que se cumplen 900 años de su nacimiento, su defensa de la razón, el diálogo entre culturas y el conocimiento científico.

La coreana Sohee Park es la nueva artista confirmada para participar en el Festival Flora, en sustitución de Tulipina, que no podrá participar en el festival por motivos ajenos a la organización, de modo que será Park quien creará su instalación que se ubicará en el Patio de los Naranjos de la Mezquita-Catedral de Córdoba para la próxima edición del festival, que tendrá lugar del 12 al 22 de octubre de 2026.

Según ha informado la organización de Flora en una nota, Sohee Park (Seúl, Corea del Sur, 1981) es una de las artistas florales más destacadas de su país, fundadora del estudio Elle Travaille, que se traduce del francés como Ella trabaja.

Formada inicialmente en Arte y Diseño en la Sookmyung Women's University de Seúl, completó sus estudios de floristería profesional en La Piverdière (Angers, Francia), una experiencia que marcó profundamente su aproximación al material vegetal y al espacio. Después trabajó como florista a las órdenes de Pascal Mutel en Francia, en establecimientos de prestigio, como el Hotel Shangri-La de París o el Hotel Fouquet.

El trabajo de Sohee Park se sitúa en la intersección entre el arte contemporáneo y la creación floral, desarrollando un lenguaje propio que convierte los materiales vegetales en herramientas de reflexión sobre el tiempo, el espacio y la experiencia sensorial. Su práctica artística explora las relaciones entre naturaleza, arquitectura y percepción. En lugar de tratar las plantas como materiales decorativos, las concibe como medios vivos que encarnan el tiempo, la memoria y los ritmos de la naturaleza.

La creadora cuenta con una destacada trayectoria en Corea del Sur, donde organiza de forma habitual exposiciones y colabora con expertos de diversos ámbitos, con el fin de ampliar sus horizontes artísticos. También trabaja con prestigiosas marcas como L'Occitane, Rolls-Royce, Tiffany o Ralph Lauren.

Sohee Park se suma así al listado de artistas de la sección oficial de la novena edición de Flora, que también contará con la participación de Flover NYC (Estados Unidos), Hamish Powell (Reino Unido), Mas Rasa (Francia) y Taller Banegas (España).

Uno de los emplazamientos que más infravalorado estaba por su estado actual en el municipio. Ahora, Bujalance ha dado un paso al frente para recuperar el patio de armas del Castillo-Alcazaba. Una invervención impulsada por el Ayuntamiento de la localidad cordobes que busca transformar el actual recinto en un Jardín Arqueológico que devuelva la identidad defensiva a este monumento declarado Bien de Interés Cultural desde 1982.

Este enclave estratégico fue construido a finales de la Baja Edad Media por el Califa de Córdoba, Abderrahman III. A lo largo de los siglos, el recinto fue reforzado, especialmente a finales del siglo XII, y mantuvo su importancia militar hasta bien entrada la época moderna, cuando fue reutilizado por Felipe IV en el siglo XVII, consolidándose hoy como el corazón monumental del municipio junto a la Iglesia Parroquial de la Asunción.

Las actuaciones

El proyecto surge ante la necesidad de revertir actuaciones de épocas pasadas que pavimentaron por completo el recinto con hormigón y piedra sobre rellenos históricos acumulados. La actual explanada, que cuenta con edificaciones auxiliares como vestuarios y aseos construidos en los años 80, presenta elementos disconformes con los valores históricos del Castillo, los cuales serán eliminados para permitir una mejor lectura de la estructura original de la fortaleza.

La intervención tendrá el objetivo principal de recuperar la topografía histórica y los niveles basales mediante excavaciones controladas y movimientos de tierras. Se pretende así documentar estructuras de la fortaleza medieval y poner en valor los restos arqueológicos subyacentes, garantizando en todo momento la protección del patrimonio frente a posibles afecciones durante las obras.

Esta fase de las obras cuenta con un presupuesto base de licitación de 435.750,23 euros y un plazo de ejecución de nueve meses. La financiación se solicita con cargo al Programa del 2% Cultural del Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana, una ayuda destinada a la conservación del patrimonio histórico español que resulta vital para revitalizar la economía local y generar un mayor atractivo turístico en el municipio.

La Sala M100 de Córdoba acogerá el próximo 5 de septiembre una de las citas más iconoclastas de la temporada para los amantes de la música urbana y la cultura underground. The Hot Crew celebrará su 40 aniversario con un cartel encabezado por Space Surimi y Dr. Fli, al que se sumarán Ussuru Sound y Battle Front Sound.

La organización ha preparado una velada que reunirá distintas propuestas musicales con el objetivo de conmemorar cuatro décadas de trayectoria de los miembros del colectivo, apostando por una combinación de rap, electrónica, mashups y sonidos de club.

El dúo Space Surimi, formado por el MC Eddie Coopermen y el productor Carlboro, llegará a Córdoba con una propuesta caracterizada por la mezcla de referencias a la cultura de internet, los videojuegos y el consumismo digital con un sonido que bebe del rap, el electro, el techno, el G-funk, la música disco y el Miami Bass. Con más de diez años de trayectoria, el grupo, nacido en Jerez de la Frontera, ha pasado por festivales como Warm Up, Cabo de Plata, Primavera Trompetera o el Monkey Week, además de actuar en salas emblemáticas como Razzmatazz, Café Berlín, Sala X, Siroco o La Copera.

Junto a ellos actuará Dr. Fli, un artista afincado en Granada que ha convertido sus sesiones en un espectáculo en directo alejado del formato tradicional de dj. En lugar de limitarse a mezclar discos, construye ritmos y mashups en tiempo real, combinando géneros y artistas muy diversos para ofrecer actuaciones en constante evolución. Entre sus mezclas es habitual encontrar fusiones tan sorprendentes como Camarón con Notorious B.I.G., Los Chichos con 2Pac o Tego Calderón, acompañadas de guitarras, samplers, bombos y palmas.

El cartel se completa con las actuaciones de Ussuru Sound y Battle Front Sound, que pondrán el broche a una noche diseñada para celebrar la trayectoria de The Hot Crew y reunir a distintas generaciones de seguidores de la música urbana. El evento se celebrará en la Sala M100 entre las 20.00 y las 03.00 horas. Las entradas anticipadas tienen un precio de 15 euros más gastos de gestión, mientras que en taquilla costarán 20 euros.

Rafa del Calli todavía está “en una nube”. Cuando descuelga el teléfono, está reponiéndose de una de las madrugadas más largas y felices de su vida. Está lejos de su casa y confiesa que le da miedo mirar el móvil por la cantidad de llamadas que ha recibido. Aun no ha asimilado este joven cantaor cordobés que acaba de hacer historia al convertirse en el primer artista en reunir los dos grandes premios globales del flamenco: el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y la Lámpara Minera del Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión.

Lo ha logrado con el que es uno de sus signos de distinción: la humildad y el trabajo silente. “No soy un cantaor concursero”, explica a Cordópolis, antes de relatar que ha llevado su participación en La Unión de forma muy discreta. “Yo no soy de decir nada cuando voy a cantar”, señala.

La discreción acompañó a una preparación que, sin embargo, fue exigente, especialmente por la precisión con la que el concurso reclama abordar unos cantes que no forman parte habitualmente de los repertorios de los festivales, con la minera como reto particular.

Cuenta Rafa del Calli que trabajó durante tiempo los cantes y las letras con Jeromo Segura, que triunfó en La Unión en 2013, y que ayuda habitualmente a otros concursantes. Pero, una vez dominado el cante, el cordobés decidió no limitarse a reproducir una determinada forma de interpretarlo.

La personalidad frente a la recreación

“Mi punto fuerte es la personalidad”, afirma el joven cantaor, que cuenta que, en vez de recrear los palos, optó por llevárselos al genuino estilo de cante cordobés del que él y su familia son un bastión. Y ahí estuvo, según explica, una de las claves de su triunfo: “Yo me la llevé un poco a mi terreno. Dije: mira, yo voy con mi verdad y lo hago como yo entiendo el flamenco”.

Así es cómo, mientras entonaba mineras, cantiñas y malagueñas -ganó en estos tres palos-, lo hacía con una modulación y una identidad tremendamente cordobesa. “Una vez que ya tenía el cante asimilado, lo que he hecho es disfrutar, como si estoy cantando por soleá o estoy cantando por alegrías, un cante que estoy harto de hacerlo”, explica el artista, al que se puede ver habitualmente en su tablao, El Pañuelo.

Ese planteamiento le ha llevado a conseguir un reconocimiento que él mismo no sabía que tenía una dimensión histórica hasta que se lo comunicaron después de la final. Fue entonces cuando le dijeron que era el único cantaor que tiene el Premio Nacional y la Lámpara. Rafa reconoce que ha estado buscando en internet para ver si era verdad.

Y lo es. Hay otros artistas han conseguido reconocimientos en ambos concursos -un ejemplo es su paisano Luis de Córdoba, que se llevó un premio en el Nacional y la Lámpara Minera-, pero nadie había reunido los dos máximos galardones a nivel total. Por usar un símil cinematográfico, es como ganar la Palma de Oro y el Oscar, la máxima gloria a la que uno puede aspirar en el mundo de los concursos.

En su caso, además, la comparación adquiere un significado especial por la historia de ambos certámenes y por la nómina de figuras que han pasado por ellos. “Sobre todo esto del flamenco, con la historia que tienen, con los pedazos de artistas que han pasado por estos dos concursos, y que yo tenga esa suerte de tener los dos, no sé, lo estoy procesando”, confiesa.

A su padre

Lo que no tuvo que procesar fue a quién le iba a dedicar el premio. Cuando subió al escenario para la final y cuando recibió la Lámpara Minera, la primera persona en la que pensó fue su padre, José Antonio Plantón, ‘El Calli’. “Mi referente primero ha sido mi padre, que fue el que me inculcó de chiquito, y ha salido bien”, afirma Rafa sobre el patriarca de una de las familias más flamencas de Córdoba, que falleció en febrero de 2021.

Nacido en 1953 en barrio del Alcázar Viejo, El Calli formó parte de una familia en la que ya eran conocidos en el mundo del cante su abuela, Tía Basilia, y su tío, el cantaor Fernando Tinico. Él mismo se convirtió en un cantaor para cantaores, amén de paradigma del cante gitano en Córdoba, aunque sin limitarse nunca a unos palos determinados. Eso mismo transmitió a sus hijos.

“A mí y a mi hermano nos lo ha enseñado todo. Desde chico, siempre estuvo pendiente de que estudiásemos mucho, que escuchásemos lo antiguo. Y que luego viésemos cada uno nuestra personalidad, pero siempre fue muy exigente”, contaba Rafa sobre su padre hace unos años.

Cinco años después de la muerte de su padre, Rafa del Calli ha hecho historia, y la ha hecho justamente por escuchar a su maestro, que fue quien le dijo: canta por donde quieras, pero no dejes de ser Rafa del Calli.

Rafael Plantón Heredia, ‘Rafa del Calli’, ha conquistado la Lámpara Minera de la 65ª edición del Festival Internacional del Cante de las Minas, el máximo reconocimiento del certamen y uno de los galardones más prestigiosos del flamenco. El cantaor cordobés ha firmado una actuación destacada en el Antiguo Mercado Público de La Unión que le ha valido el trofeo y una dotación económica de 15.000 euros.

La noche en La Unión fue especialmente redonda para el cordobés. Además de la Lámpara Minera, Rafa del Calli se hizo con tres premios especiales por sus interpretaciones de cantiña, dotado con 2.000 euros; malagueña, con 3.000 euros; y mineras, con 6.000 euros. En total, el cantaor cordobés ha reunido 26.000 euros en premios durante esta edición del festival.

La Lámpara Minera completa además un palmarés excepcional para Rafa del Calli. En 2022 se proclamó ganador del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, por lo que con su triunfo en La Unión suma los dos grandes concursos de referencia del arte jondo.

El artista es hijo del cantaor José Antonio Plantón, ‘El Calli’, y pertenece a una familia vinculada durante generaciones al arte flamenco. Nacido en Córdoba en 1993, comenzó su trayectoria profesional en 2014 y entre sus reconocimientos anteriores figuran también el primer premio Cayetano Muriel ‘Niño de Cabra’ del certamen Jóvenes Flamencos de Córdoba y el segundo premio del III Certamen del Premio Agustín Gómez de Flamenco del Ateneo de Córdoba, ambos logrados en 2014. En 2020 fue finalista del Concurso Nacional de Antonio Mairena.

La 65ª edición del Festival Internacional del Cante de las Minas también ha repartido sus principales galardones en las categorías de baile, toque e instrumentación. El trofeo Desplante, dotado con 6.000 euros, fue para la sevillana Lucía Fernández González, ‘Lucía La Bronce’, mientras que el segundo premio correspondió a la granadina Susana Sánchez Jiménez.

En el toque, el Bordón Minero, también dotado con 6.000 euros, se quedó en La Unión con el músico local Pablo Barrionuevo Bernal, ‘Pablo Barrionuevo’. El madrileño Diego Antonio Fernández Montoya, ‘Pino Losada’, obtuvo el segundo puesto. Por su parte, el Filón, máximo reconocimiento en la categoría de instrumentistas y dotado con 6.000 euros, recayó en el valenciano Carlos Ferrer Peralta, ‘Karlos Nao’. María Antonia Suárez Montaño, ‘Ostalinda Suárez’, de Zafra, fue segunda.

El jurado concedió además un Premio Especial, dotado con 1.000 euros, al cantaor Manu Soto como mejor artista de acompañamiento durante el festival. El Premio Mariano Conde fue para el granadino Pablo Campos Trigueros, ‘Pablo Campos’, mientras que el Premio Especial para Cantaores Jóvenes quedó desierto.

Entre los restantes reconocimientos de la noche figuran los obtenidos por Sebastián Cruz Márquez, ‘Sebastián Cruz’, por su soleá y cartagenera; Isabel María Rico Nieto, ‘Isabel Rico’, por su levantica; y Bernardo Javier Miranda Luna, ‘Bernardo Miranda’, por sus tarantas. El nuevo Premio Festivales Región de Murcia, dotado con 1.000 euros, fue también para Pablo Barrionuevo.

El broche a esta 65ª edición llegó en el Café-Cantante con la última Madrugá Flamenca, celebrada en colaboración con Grupo Luna y protagonizada por José del Calli, acompañado a la guitarra por Antonio Muñoz Fernández.

Era un domingo cualquiera de 1951 o, tal vez, de 1952 y poco hacía sospechar que iba a ser una tarde crucial en la vida de una adolescente. Tenía quince años y se llamaba Josefina Molina.

Aquel domingo apuraba aprisa el postre del almuerzo familiar en su casa del barrio de San Pedro, en pleno casco histórico cordobés. Tenía el plan con su hermano Rafael de acudir a la sesión de las 15.30 del Cine Góngora. Proyectaban El río, de Jean Renoir, una película francesa con unos actores que no les sonaban de nada.

Llegaron corriendo, con el último bocado aún en la garganta, y puede que se sentaran con las luces ya apagadas y la linterna del acomodador iluminando la fila. Con el intenso olor a moqueta de aquellos cines del franquismo comenzó la película que le cambiaría la vida. “Apenas empezó, percibí algo distinto en la pantalla. El color no era brillante, pero sí creíble, con matices que no había visto nunca; los actores eran seres próximos y la historia era realmente un trozo de vida sin principio ni final que, haciendo honor a su nombre, equivalía a contemplar el paso de un río, disfrutando de su belleza en aquella porción de su curso, en un estado casi hipnótico. No pasaba nada y pasaba todo”, cuenta la propia Josefina en su autobiografía, Sentada en mi rincón (SEMINCI, 2000).

Es imposible dejar de pensar en cuánto debió identificarse la joven Josefina con Harriet, la protagonista de aquella historia. Una joven británica de su misma edad que vive en La India, que pierde la inocencia y descubre la aceptación de la vida como un flujo constante donde “crecer duele”. Los paralelismos con la Josefina Molina de 15 años en la Córdoba de 1951 son profundos: mientras la protagonista de la película compite por afectos y se enfrenta a cambios inevitables en un entorno exótico a la vez que familiar, la joven cordobesa vivía en una ciudad “ensimismada y de espaldas al presente”, marcada por el ambiente gris de la posguerra y del integrismo nacionalcatólico. A pesar de todo y al igual que Harriet, Josefina descubría que la vida fluye sin pausa.

Para otro director de su generación, Martin Scorsese, El río sigue siendo una de las películas en color “más hermosas jamás hechas”¿Por qué tuvo tanta importancia para la futura directora esta película? Nunca lo supo muy bien, pero el hecho es que descubrió con ella la acción del director y su carácter decisivo. “Desde entonces no recuerdo haber dudado sobre lo que quería hacer: dirigir cine”. Lo único en su contra era que en España apenas existían mujeres directoras de cine. Pero quién dijo miedo.

La Córdoba inquieta: Cineclubes y el Teatro Medea

En aquella Córdoba de la juventud de Josefina, todo lo que sonaba a intelectualidad se pronunciaba con desdén. Sin embargo, en aquel ambiente gris de la dictadura, la futura cineasta inició el viaje a su estación destino, ser directora de cine. La primera parada y su gran refugio fueron espacios de debate como el Cineclub Senda, el del Círculo de la Amistad y el Círculo Juan XXIII. Los cineclubes eran los pocos espacios donde la escasa juventud inquieta de la época buscaba nuevos lenguajes y formas de compromiso.

En aquella Córdoba de la juventud de Josefina, todo lo que sonaba a intelectualidad se pronunciaba con desdén

Aunque era extraño encontrar a alguna mujer en estos foros, eran contadísimas las que acudían, ella aparecía de forma asidua en las proyecciones donde las películas servían como “pretexto para hablar de lo que pasaba en el país”, permitiendo analizar la realidad española desde posturas antifranquistas disimuladas bajo la invocación de valores humanos.

En el Cineclub Senda, ligado a la Iglesia de la Compañía en unos tiempos en los que la revolución se hacía desde dentro, conoció a Fernando Álvarez Nicolás, a quien Molina consideraba su maestro intelectual. Él la enseñó a analizar películas, a decantar sus gustos estéticos y literarios, y la ayudó a vencer el miedo escénico animándola a dirigir algunos coloquios y escribir en los programas.

Además, estos espacios la conectaron con figuras clave de la cultura y la resistencia intelectual de la época, como el doctor Carlos Castilla del Pino, que se convirtió en un gran amigo durante toda su vida, el pintor José Duarte (del Equipo 57), o los abogados y políticos Rafael Mir y Joaquín Martínez Bjorkman.

Su paso por los cineclubes y el bullir de ideas que se generaban en sus tertulias fue lo que desembocó en que Josefina fundara el Teatro de Ensayo Medea en 1962, con el que realizó su primera puesta en escena con Casa de muñecas, de Ibsen. El estreno fue en el Salón Liceo del Círculo de la Amistad, un recinto reservado entonces para las buenas familias y los terratenientes, que se llenó de público de todos los barrios. Se invitó a la ciudad sin cobrar entrada, por lo que bajo aquellos espejos y volutas barrocas, tal vez por primera vez, se extendió el tapiz de un público diverso ansioso por ver un montaje que era, en sí mismo, un acto de rebeldía cultural.

Los cineclubes la conectaron con figuras clave de la cultura y la resistencia intelectual de la época

Los conocimientos sobre análisis fílmico que Josefina aprendió en los cineclubes más la experiencia teatral fueron los que la futura cineasta aplicaría años después en sus exámenes de ingreso y trabajos en la Escuela Oficial de Cinematografía, donde se tuvo que enfrentar a un tribunal en el que formaban parte directores como Luis García Berlanga y José Luis Sáenz de Heredia.

Pero antes de tan crucial prueba, la joven audaz tenía que saltar la primera valla: convencer a su familia para volar a Madrid.

La familia y la semilla del feminismo

Si bien la vocación de Josefina se forjó en los cineclubes y en la Córdoba intelectual de mitad del siglo XX, su determinación tampoco venía del vacío. Su madre, de ascendencia catalana y de apellido Reig, fue una figura fundamental que se empeñó en que su hija aprovechara al máximo su educación. La familia, hecha a sí misma y que nunca pasó necesidades, regentaba un negocio de droguería y calzados. Un almacén en el que se vendían productos que escaseaban en la posguerra, como zotal, lana vegetal para colchones o sosa cáustica para hacer jabón y alpargatas.

En aquel caserón con tienda en su planta baja del número 20 de la calle Gutiérrez de los Ríos, hoy desaparecido, nació la cineasta. El negocio debió ubicarse en la esquina con la plazuela de Los Sousas, donde hasta hace unos años hubo una famosa herboristería. Josefina recuerda en sus memorias estar sentada en el mostrador del comercio mientras su madre atendía a mujeres humildes y mutilados de guerra. El mostrador también formaba parte de sus juegos; su hermano Rafael se escondía allí en sombras para asustarla personificando al monstruo de Frankenstein.

Ver a su madre regentar el negocio familiar con éxito durante la ausencia de su padre —y su talante arriesgado para conseguir comida durante el racionamiento—, la hizo comprender desde niña que una mujer era perfectamente capaz de desempeñar las mismas labores que un hombre. Esa observación fue la semilla de su feminismo: “En algún momento debí decidir que el hecho de ser una niña no iba a impedirme hacer nada de lo que quisiera”.

“En algún momento debí decidir que el hecho de ser una niña no iba a impedirme hacer nada de lo que quisiera.

Sin embargo, cuando terminó el bachillerato y anunció que quería ir a Madrid al Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, la reacción de su familia fue de asombro y escepticismo. Sus padres la miraron “como si fuera transparente” y le rogaron que estudiara una carrera convencional, pues el cine les parecía un “mundo de perdición”.

Para no escandalizarlos, Josefina se marchó en 1963 con el pretexto de estudiar Ciencias Políticas, aunque su verdadero objetivo era la Escuela de Cine. Incluso cuando ya estaba en Madrid, sus padres seguían invitándola a dejarlo: “Vente a casa” era el cierre habitual de sus cartas, incapaces de confiar en que aquel camino tuviera futuro para una mujer.

Una historia plagada de muros

Convencer a sus padres fue solo el inicio de una carrera plagada de muros que la joven tuvo que escalar. Al salir de la Escuela de Cine como la primera mujer en obtener el título de Dirección en 1969, se topó con la invisibilidad, el ninguneo y “un asfixiante paternalismo industrial” hacia las mujeres cineastas. “Eramos marginadas del cajón de género”, comentaba mientras sufría presupuestos mucho más bajos que sus colegas varones.

Josefina tuvo que gastar gran parte de su energía en romper la inercia de su tiempo para dejar de ser una rareza y alcanzar, sencillamente, la igualdad de oportunidades. Pese a las injusticias y los sinsabores, la directora nunca se instaló ni en el desencanto ni en el victimismo y supo mirar con estrategia e inteligencia hacia el futuro.

Su carrera alcanzó el cénit con Función de noche, hito de la vanguardia cinematográfica española además de éxito comercial. En televisión, tras colar el mejor teatro en los salones del país a la hora de cenar con Estudio 1, triunfó con la humanización de Teresa de Jesús, a quien dotó en una serie de una dimensión feminista inédita, por destacar solo dos de sus grandes obras. Pionera absoluta, fue la primera directora en recibir el Goya de Honor, el Premio Nacional de Cinematografía y en ingresar en la Academia de Bellas Artes.

Sin embargo, la propia Josefina Molina siempre mostró humildad respecto a esta etiqueta de “la primera”. En diversas entrevistas recordó que aunque ella fue la primera titulada, hubo precedentes de mujeres cineastas antes que ella, como Ana Mariscal o aquellas que trabajaron durante la Segunda República en los años 20 y 30. Consideraba a su generación como “un escalón necesario” para demostrar que una mujer podía dedicarse profesionalmente a la dirección.

Al fundar CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, sustituyó la soledad de las pioneras por una solidaridad que hoy ampara a las nuevas generaciones de directoras y mujeres del cine.

Una relación dual: Córdoba como inspiración

Josefina mantuvo siempre una “relación dual”, según sus palabras, con Córdoba. Se sentía atada emocionalmente a sus paisajes, pero sabía que debía distanciarse para cumplir su sueño. Pese a vivir en Madrid, la ciudad califal nunca la abandonó creativamente. “Mi estética se formalizó en aquellos terrenos que como niña me hicieron feliz”.

La primera obra audiovisual ligada a su tierra en la que trabajó Molina mientras estudiaba cinematografía fue Córdoba (1966). Aunque no como directora, la futura cineasta trabajó en este documental como ayudante de dirección de Claudio Guerín para el programa de televisión Conozca usted España, el cual fue presentado por el torero Manuel Benítez, El Cordobés.

“Mi estética se formalizó en aquellos terrenos que como niña me hicieron feliz.

En muchas de las siguientes obras en las que trabajó su nombre ni siquiera aparece en los créditos principales.

Feria en Córdoba (1968), dirigido por ella mientras aún se formaba en la Escuela de Cinematografía, se considera su documental más personal y forma parte de la serie Fiesta. Con una duración de 30 minutos, Molina estructuró el guion siguiendo las horas del día para retratar a la ciudad y a sus habitantes a través de la forma en que se divertían las distintas clases sociales durante la feria.

La cineasta también exploró la provincia y Retablo del Valle de los Pedroches (1971) fue un programa de la serie Teatro de siempre de Televisión Española rodado en Dos Torres, desde donde se retransmitió en directo un retablo navideño interpretado por los habitantes del pueblo, incluyendo imágenes de su vida cotidiana.

Averroes (1981) fue un episodio de la serie Paisaje con figuras, de Televisión Española, rodado en Córdoba, con guion y presentación de Antonio Gala centrado en la figura del filósofo andalusí.

A la serie Esta es mi tierra pertenece San Roque, Ronda, Córdoba: pretérito imperfecto (1998), episodio dedicado al psiquiatra e intelectual Carlos Castilla del Pino, gran amigo y cómplice de la directora.

A pesar de su amor por la ciudad, Molina, al igual que directores como Almodóvar o Ridley Scott, manifestó en más de una ocasión haber tenido dificultades para rodar en el interior de la Mezquita, un espacio que defendía como patrimonio de la humanidad “que debería ser mostrado y retratado por el cine”.

Josefina, semilla del porvenir

Una de las hazañas por las que Molina se sentía más orgullosa, desde su timidez y humildad, es por ser considerada “maestra de cineastas” y un referente fundamental para las actuales y futuras generaciones de directoras en España. Su influencia no solo reside en su obra artística, sino en su empeño personal por transformar una industria históricamente masculina en un espacio de igualdad y solidaridad.

El jurado del Premio Nacional de Cinematografía insistió en ello y subrayó que su mirada “libre y sin prejuicio es esencial para que las jóvenes cineastas comprendan la evolución de la mujer desde la Transición hasta la democracia”.

Su trayectoria ha servido de base para que directoras contemporáneas puedan contar sus propias historias con mayor libertad. Su labor ha influido directamente en autoras de gran prestigio como Isabel Coixet, Icíar Bollaín o Gracia Querejeta, quienes han continuado expandiendo el “universo femenino múltiple” que Josefina defendía, perpetuado en una nueva generación encabezada por Carla Simón, Alauda Ruiz de Azúa, Pilar Palomero o Celia Rico.

Cuestiones como la construcción de la intimidad femenina, la libertad y la lucha contra la opresión siguen siendo ejes centrales para que estas nuevas directoras vean en el cine de Molina un espejo donde reconocerse. La imagen que les devuelve es la de una mujer inclasificable, valiente y libre.

En su tierra, el nombre de Josefina Molina lleva décadas unido a la Filmoteca de Andalucía en una de sus salas, devolviendo a su Córdoba natal la luz que ella misma descubrió de adolescente. Un viaje que comenzó con la mirada hipnótica hacia un río lejano en la pantalla del cine Góngora. Un “trozo de vida sin principio ni final” que fluyó con la misma fuerza y caudal con la que el Guadalquivir atraviesa ciudades, olivares y valles buscando el mar.

Hemos visto el futuro de Arsenio. Es un techo a punto de derrumbarse mientras las golondrinas revolotean rompiendo la melódica sinfonía de las chicharras en una mañana de finales de junio. Las paredes caídas, los muros derrumbados, la tierra agrietada y la sal apenas intuida. Los aperos del campo yacen abandonados como si el salinero hubiera salido un día con prisa, sin tiempo para dejar una imagen de postal adecuada a eso que llaman el turismo de experiencia.

Llegamos a Duernas (Espejo, Córdoba) con el recuerdo de una tarde de verano en Lo Valdivia (Chile). Allí, cerca del Pacífico soplaban vientos del sur, los únicos capaces de dibujar una sonrisa plena en Arsenio Cordero, salinero a la fuerza cuando las explotaciones forestales del centro del país sustituyeron a la agricultura de la que había vivido su padre. Apenas 24 horas de viento sur y la producción de sal duplica la de la semana anterior. Esmeralda, su esposa, la vende unos kilómetros más abajo en una de las decenas de tiendas locales dedicadas a la venta de sal. Nos hemos parado en la carretera a observar y hemos terminado cruzando la carretera para entender cómo se produce una de las sales artesanales más reconocidas de Chile. La sal de Arsenio procede del estero de Boyeruca, que, como el de Cáhuil, está amenazado por la llegada excesiva de agua dulce procedente del embalse Convento Viejo.

La salinidad no es un problema en la campiña cordobesa. Como en el resto de salinas de interior de Andalucía, el mineral está asegurado, siempre que haya alguien dispuesto a extraerlo. En Duernas parecen haberse rendido. Al menos es lo que percibimos en nuestra visita. No queda nadie dispuesto a abrasarse en el verano cordobés rastrilleando las pozas para esperar a que el agua se evapore y la sal se deposite sobre un suelo que parece lava. La conservación del ecosistema, sin embargo, preocupa a la comunidad científica que sostiene investigaciones y proyectos que buscan su restauración. En ese ecosistema entran también las personas que mantienen un oficio milenario, en declive desde que también la producción de sal fue industrializada en el siglo XIX.

Paula no entiende aún de cambios de modelos productivos. Acaba de terminar el curso y las notas no han salido nada mal y cuando tienes 8 años eso es más que suficiente para ver la vida con optimismo. Nos ha contado que su madre es la dueña de una de las salinas de Albendín (Baena, Córdoba), que antes lo fue su abuelo y antes, el padre de su abuelo.

Paula cree conveniente aclararnos que ella aún se lo está pensando porque su madre le ha dicho que tiene que estudiar mucho y las salinas cansan, “que tienes que poner el agua y esperar tres días y rascar y… bueno, si eres como mi hermano, pues puedes hacer hasta figuras”. Pero sea ella “o mi hermano” (frase que repite varias veces en nuestra conversación) lo que no parece dudar un solo instante es que las salinas seguirán produciendo. “Mi madre me ha contado que llegaron a tener ¡32 pozas!”, aclara enfatizando una cifra que, efectivamente, Lupe Cañete, su madre, nos confirma horas después.

Lupe ha trabajado en esas salinas durante toda su vida. Ahora quedan ocho pozas y toda la producción es para la familia y amigos. No hay negocio en un oficio tan exigente, pero en cada amanecer de verano Lupe se reencuentra con aquellas mañanas de trabajo junto a su padre y la nostalgia y el amor a esa tierra salada son suficiente. No sabe si Paula (o su hermano) lo verán igual.

Es el mismo temor de Arsenio, que desde el otro lado del mundo admite que teme más al desinterés de los hijos por el oficio que al agua dulce que el embalse manda rompiendo el ciclo natural del estero. Él tampoco pudo seguir el de su padre. Se lamenta lo justo y sigue sonriendo: “los chicos saben”… Paula, también.

Benamejí volvió a viajar al siglo XIX con el estreno de una nueva edición de La Duquesa de Benamejí, el macroespectáculo cultural basado en la obra de Manuel y Antonio Machado, que regresó a escena con un rotundo éxito de público y con el cartel de aforo completo para sus dos representaciones.

La Plaza de Toros de Benamejí presentó un lleno absoluto durante la primera función, celebrada el viernes 7 de agosto. Cerca de un millar de espectadores disfrutaron de una cita que volverá a repetirse este sábado 8 de agosto, también con todas las localidades agotadas. En total, alrededor de 2.000 personas vivirán durante estos dos días una de las grandes propuestas del verano cultural andaluz.

La obra, interpretada por 203 artistas benamejicenses pertenecientes a once colectivos culturales, volvió a demostrar la fuerza de un proyecto capaz de reunir teatro, música, flamenco, danza, folclore, tradición popular, caballos y patrimonio inmaterial en una experiencia escénica única.

“Pasé por Benamejí, mal vestido y peor armado; y al verla en el ventanal de su palacio encantado, el curita renegado pensaba en ser general”. Con estos versos entra en escena Lorenzo Gallardo, el noble bandolero interpretado por José Manuel Artacho, un personaje que encarna la figura romántica del “bandido bueno” y que cae rendido ante Reyes, duquesa de Benamejí, a quien da vida Toñi Gómez.

Amor, honor, injusticia y bandolerismo se entrelazan en una historia estrechamente conectada con el imaginario histórico de Benamejí y con los numerosos mitos y leyendas que han llegado vivos hasta nuestros días.

La adaptación de La Duquesa de Benamejí eleva el texto de los Machado y lo transforma en un gran espectáculo cultural que muestra la esencia y la riqueza del patrimonio inmaterial benamejicense, manteniendo intacto el espíritu romántico de la obra original. El público vive una auténtica montaña rusa de emociones que lo traslada hasta una España ocupada por las tropas napoleónicas, en la que los bandoleros dominaban caminos y sierras.

La alcaldesa de Benamejí, Carmen Lara, ha destacado que este proyecto “trasciende lo local para convertirse cada verano en una referencia dentro de la programación cultural de Andalucía”.

Según Lara, La Duquesa de Benamejí “es hoy un producto turístico de máximo nivel, reconocido y admirado, pero, por encima de todo, es la guardiana de nuestro patrimonio inmaterial y la excusa perfecta para recuperarlo, mantenerlo vivo y difundirlo”.

La regidora también ha subrayado la implicación del tejido cultural del municipio: “El aforo completo nos dice algo muy importante: que La Duquesa hay que seguir haciéndola; que el público la espera, que Benamejí la siente y que esta obra continúa emocionando dentro y fuera de nuestro pueblo”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Gonzalo García, ha insistido en que La Duquesa “es un proyecto de pueblo que aúna distintas áreas de gestión municipal e implica a todo el tejido cultural benamejicense, poniendo de manifiesto las señas de identidad de Benamejí y, sobre todo, el amor de todo un pueblo por un legado transmitido de generación en generación”.

El concejal ha añadido que “aunque está protagonizada por artistas amateur, La Duquesa alcanza un resultado escénico de enorme calidad, fruto de la entrega, la ilusión y la voluntad colectiva de quienes participan en ella”.

El director del espectáculo, José Luna, ha destacado que “La Duquesa siempre sorprende, incluso a quienes creen conocerla”. Según Luna, “cada edición tiene una vida propia: cambian las miradas, las voces, los gestos, la música y la emoción del reparto. El texto de los Machado permanece, pero el pueblo de Benamejí lo vuelve a levantar cada dos años con una energía nueva”.

La representación cuenta con la participación de numerosos colectivos culturales y asociaciones locales: AM Teatro, Cuerpo de Baile Entrebambalinas, ARH Benamejí Bandolera, Peña Caballista El Galope, Peña Flamenca Cayetano Muriel, Grupo de Folklore Marquesa de Benamejí, Asociación Musical de la Santa Cruz, Grupo Nuestra Navidad, Peña Flamenca El Melón de Benamejí, grupos flamencos y Asociación Cultural Campanilleros La Aurora.

Reconocida en 2024 como Mejor Producto Turístico de la provincia de Córdoba en los Premios al Mérito Turístico concedidos por la Diputación de Córdoba, La Duquesa de Benamejí se ha consolidado como uno de los grandes ejemplos de cómo el patrimonio, la historia, la literatura y la participación ciudadana pueden transformarse en un espectáculo capaz de proyectar la esencia más auténtica de un pueblo.

Este sábado 8 de agosto, la Plaza de Toros volverá a llenarse para acoger la segunda y última función. Muchas personas se han quedado sin entrada, por lo que desde la organización recuerdan que quienes no hayan podido conseguir una localidad tendrán que esperar hasta la próxima edición para disfrutar de una obra que se representa cada dos años.

Cuando vuelvan a apagarse las luces y los focos iluminen el ruedo, Benamejí demostrará nuevamente que La Duquesa de Benamejí no es solamente una representación teatral: es una leyenda viva levantada por todo un pueblo.

Una de las piezas más emblemáticas del patrimonio arqueológico cordobés permanece fuera de la vista del público desde hace más de un año. El célebre cervatillo de bronce de Medina Azahara, una de las obras más representativas del arte califal andalusí, lleva almacenado en el sótano del Museo Arqueológico de Córdoba desde su regreso de una exposición internacional celebrada en Nueva York entre noviembre de 2024 y marzo de 2025, sin que haya vuelto a exhibirse.

Según ha podido saber este periódico a través de varias fuentes conocedoras de la situación del museo, el cervatillo regresó directamente a las dependencias de almacenamiento tras formar parte de la muestra Madinat al-Zahra: The Radiant Capital of Islamic Spain, organizada en el Institute for the Study of the Ancient World (ISAW) de la Universidad de Nueva York. Una vez de vuelta, la pieza se ha mantenido inaccesible al público.

Desde la Consejería de Cultura, consultada por este periódico, han confirmado que el cervatillo no está entre los fondos visitables del museo en este momento. “Se está estudiando una nueva fórmula expositiva”, han señalado las fuentes consultadas, sin especificar el sentido ni dar un plazo para explicarlo.

Por su parte, al menos una de las fuentes consultadas asegura a este periódico que el cervatillo fue sometido a un proceso de limpieza cuando llegó, aunque desde el Gobierno Andaluz insisten en que a la escultura no le pasa nada. Al mismo tiempo, se insiste en que el personal del museo desconoce los motivos por los que la escultura continúa sin exhibirse y señala que se trata de una decisión que corresponde a la dirección del centro, algo que tampoco ha sido confirmado ni negado por el Gobierno Andaluz.

El cervatillo fue una de las piezas más destacadas de la exposición dedicada a la ciudad califal de Medina Azahara, declarada Patrimonio Mundial por la Unesco en 2018. La muestra reunió 111 obras procedentes de cuatro museos andaluces y de importantes instituciones internacionales, con el objetivo de acercar al público estadounidense la historia del Califato de Córdoba y el esplendor artístico de la ciudad palatina fundada por Abderramán III.

En el caso del Museo Arqueológico de Córdoba, la institución cedió una treintena de piezas de su colección estatal, entre ellas algunos de sus capiteles más destacados y el célebre cervatillo, convertido desde hace décadas en uno de los grandes símbolos del arte califal.

Una pieza de leyenda

La escultura, que es propiedad del Ministerio de Cultura, fue realizada en bronce a mediados del siglo X y presenta una cuidada decoración de palmetas y roleos repartida por todo el cuerpo. Conserva además la marca del taller en el pecho y los orificios donde originalmente se fijaba la cornamenta. Los especialistas consideran que formó parte de una fuente monumental de Medina Azahara, actuando como surtidor de agua en uno de los palacios de la ciudad.

Las fuentes árabes medievales describen la existencia de complejos sistemas hidráulicos decorados con figuras animales en la ciudad palatina. Incluso una antigua leyenda sostiene que cuatro cervatillos de bronce fueron objeto de una maldición lanzada por un brujo como castigo al califa por representar seres vivos, prohibidos según una interpretación estricta del islam. La tradición asegura que aquella maldición provocaría la destrucción de Medina Azahara antes de cumplir un siglo y que los cuatro animales quedarían dispersos para no reunirse jamás.

Más allá del componente legendario, sí está documentada la existencia de varias esculturas zoomórficas muy similares. Una cierva de bronce sobredorado se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid, mientras que otra pieza prácticamente gemela forma parte de la colección del Museo de Arte Islámico de Doha, adquirida en una subasta internacional. También se conocen leones, pavos reales, gallos y otras esculturas que, con alta probabilidad, proceden igualmente de Medina Azahara y hoy se encuentran repartidas por distintos museos y colecciones.

El cervatillo tuvo además un largo recorrido antes de instalarse en el Museo Arqueológico de Córdoba. Tras la desamortización fue depositado en el antiguo Museo de Bellas Artes de la ciudad y posteriormente pasó a la colección arqueológica estatal. Durante años ha sido una de las piezas más admiradas por los visitantes y uno de los iconos del museo.

Sin embargo, desde su regreso de Nueva York en marzo de 2025 permanece fuera del circuito expositivo. Más de un año después, quienes visitan el Museo Arqueológico no pueden contemplar una de las obras más singulares del patrimonio andalusí cordobés, sin que se hayan hecho públicos los motivos de su ausencia de las salas.

Los últimos días de García Lorca de Eduardo Molina Fajardo vuelve al catálogo de la editorial Almuzara y a las librerías con una nueva edición, con motivo del noventa aniversario del fusilamiento del poeta granadino, aquel fatídico 19 de agosto de 1936. Se trata de la reedición de uno de los trabajos de investigación más concluyentes y minuciosos de la última etapa vital de García Lorca.

Una obra que, aunque quedó inconclusa en su redacción debido la muerte de su autor, según su familia, desde la primera edición de este libro, la investigación estaba sustancialmente concluida y apoyada en pruebas documentales, testimonios directos y una larga indagación periodística desarrollada durante años, décadas después de su fusilamiento.

El volumen reúne entrevistas a testigos directos, archivos particulares, documentos y una reconstrucción minuciosa de los hechos que acontecieron, desde el regreso del poeta a Granada hasta su traslado final a Víznar.

La obra entra en la Granada de julio y agosto de 1936 desde el terreno de los hechos. Sigue el viaje de Lorca desde Madrid, su llegada a la Huerta de San Vicente, el registro que precipitó su salida, el refugio en la casa de los Rosales, la detención, el paso por el Gobierno Civil y el traslado a Víznar. Al hacerlo, dibuja una ciudad atravesada por la sublevación militar, la represión y una red de lealtades, temores y silencios que marcó cada decisión de aquellos días.

Molina Fajardo aborda uno de los episodios más investigados de la historia cultural española desde un cruce especialmente delicado entre memoria y documento. La obra distingue los hechos acreditados de las declaraciones de testigos y de las hipótesis que quedaron abiertas. Esa cautela recorre la reconstrucción de la detención, el papel de la casa de los Rosales, las gestiones fallidas para frenar el traslado, la estancia en Víznar, la última noche del poeta y las pesquisas sobre el lugar de enterramiento, todavía rodeado de versiones contradictorias.

El valor del volumen está también en su arquitectura documental. A los capítulos narrativos se suman la introducción a la nueva edición, el prólogo de Antonina Rodrigo, la introducción de Ángeles González, un amplio cuerpo de entrevistas, documentos, fotografías, materiales gráficos e índice onomástico. El prólogo sitúa la presencia de la muerte en la vida y en la obra de Lorca. La investigación, por su parte, mantiene el foco en el expediente humano, político y memorialístico de sus últimos días en Granada.

En un momento en que la muerte de García Lorca, la búsqueda de sus restos y la verdad documental sobre la represión siguen ocupando un lugar central en la memoria democrática, Los últimos días de García Lorca reaparece como una herramienta de trabajo para periodistas, investigadores y nuevos lectores. Almuzara recupera así una pesquisa esencial y devuelve a la conversación pública un archivo de voces, papeles y huellas sobre la Granada de 1936, dentro de su colección Memorias y biografías.

Eduardo Molina Fajardo fue un periodista e investigador granadino que dirigió varios periódicos andaluces durante más de cuarenta años y comenzó a trabajar sobre los temas lorquianos en la década de 1960. Murió en 1979, cuando esta obra había quedado inconclusa en su redacción y sustancialmente concluida en su investigación.

La Coordinadora SOS Cines de Verano ha solicitado reuniones con el alcalde de Córdoba, José María Bellido, y con el delegado de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, Eduardo Lucena, para abordar la situación de los cines de verano de la ciudad y reclamar medidas concretas que garanticen su conservación y continuidad.

El colectivo, que trabaja para que estos espacios pasen a ser de titularidad pública, sean declarados Bien de Interés Cultural (BIC) junto al Coliseo San Andrés y recuperen cuanto antes la actividad cinematográfica, pretende trasladar a ambas administraciones la “indignación ciudadana” generada por las primeras declaraciones municipales sobre la imposibilidad de garantizar su supervivencia, unas afirmaciones que posteriormente fueron matizadas.

Además, la coordinadora expresa su preocupación por lo que considera una “compleja y confusa transmisión de responsabilidades” entre el Ayuntamiento de Córdoba y la Junta de Andalucía, una situación que, a su juicio, está retrasando las decisiones necesarias para proteger los históricos cines de verano.

Durante los encuentros solicitados, SOS Cines de Verano también presentará oficialmente la plataforma, integrada por más de 35 asociaciones vecinales, culturales y de otros ámbitos, así como los objetivos que persigue desde su constitución. La entidad destaca igualmente que, en poco más de un mes de actividad, ha recibido el respaldo de más de 70 personas vinculadas al cine, la literatura y el arte procedentes de distintos puntos de España.

Entre las principales reivindicaciones que la coordinadora trasladará a los responsables institucionales figura la elaboración de un calendario concreto para la declaración como Bien de Interés Cultural de los cuatro cines de verano de Córdoba, así como para la adquisición pública de los cines Fuenseca, Delicias y Olimpia. El colectivo asegura que mantendrá las movilizaciones hasta que ambas demandas se hagan realidad.

El actor Fernando Tejero debutó en la noche de este miércoles en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida logrando un lleno en el aforo del Teatro Romano de Mérida, con un público muy agradecido que llenó de risas constantes toda la función.

Así llegó 'Cómicos de Roma', el sexto estreno de la 72 edición del Festival de Teatro de Mérida, una de las obras más esperadas de la programación y que como suele ser habitual ya en las representaciones del mes de agosto, aterriza ya con gran parte del aforo vendido.

Basada en una obra del dramaturgo estadounidense David Mamet, inspirado en las comedias de Plauto, 'Cómicos de Roma' llega a Mérida adaptado para esta obra por José Pascual, quien también asume la dirección.

La obra sitúa al espectador en la antigua Roma, donde el actor Strabo, al que borda Fernando Tejero con su vis cómica, malvive encabezando una compañía de actores sin ningún proyecto profesional en mente pero sí muchas deudas, que le hacen plantearse irse a probar suerte en el Festival paralelo del Corcho de Sicilia.

En sus desventuras le acompañan fielmente Rafa Castejón, dando vida a Pelargón, también actor y compañero de vida desde hace años de Strabo, quien sin embargo, bebe los vientos por el joven Philius, un aprendiz de actor con mucha intención pero sin el talento suficiente.

Sin embargo, todo cambia cuando Strabo recibe una invitación de última hora para actuar con su compañía ante el hombre más rico de Roma, un trabajo que puede cambiar su suerte, pero que se ve frustrado por una serie de enredos y equivocaciones que hacen que los tres actores den con sus huesos en una cárcel militar, donde todo apunta a que serán ejecutados en el Coliseo.

Las risas de la obra se ven salpicadas en algunos momentos por la reflexiones que Fernando Tejero realiza sobre el oficio de actor, y lo poco considerado que está ante la sociedad a pesar de su función social, y en las que reivindica el poder de la palabra frente a la violencia.

Completan el elenco Adrián Expósito, que interpreta a Heraldo, que va dando las últimas noticias con publicidad incluida; Pedro Moreno, como Titus; Jorge Asín, como Ramus; Daniel Morato, como Quintus; Álvaro Tejero, que interpreta al Mensajero y al Sacerdote; Michel Serrano, en el papel de Lupus Albus, y Mario Gallardo que interpreta a Armero.

Cabe destacar que la obra está coproducida por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos, y que tras su estreno este miércoles, podrá verse hasta el domingo, 9 de agosto, en el Teatro Romano de Mérida.

Tras el estreno de 'Cómicos de Roma', el actor Fernando Tejero ha querido agradecer al “maravilloso y entregado público” del Teatro Romano su motivación, ya que antes de salir al escenario no se encontraba bien, por lo que “podía haberlo disfrutado mucho más”.

En cualquier caso, Tejero se ha mostrado “encantado” de estar en Festival de Teatro Clásico de Mérida y ha confiando en que los siguientes días, la representación “salga maravillosamente”.

Por su parte, Rafa Castejón también ha querido agradecer la actitud del público de Mérida, que les ha “acompañado” y “compartido la función” con los actores, y les ha “sostenido durante la hora y pico que dura la representación”, por lo que “ha sido un tesoro”.

Finalmente, el director, José Pascual, destacó que “después de una noche en el Festival de Mérida, los sentimientos siempre son muy complejos”, aunque destacó la reacción del público que “ha estado entregado desde el principio hasta el final”, algo que nunca le “había pasado, ni como director ni como espectador”, ha dicho.

“Yo creo que hemos hecho el mejor espectáculo que hemos podido hacer hoy, y a partir de mañana lo haremos mucho mejor”, reafirmó el director, quien quiso agradecer especialmente la labor de Fernando Tejero, que es “el alma” de esta obra.

La Delegación de Cultura y Patrimonio Histórico ha ordenado el traslado de ubicación y la modificación del calendario del ciclo de espectáculos musicales Noches en la Terraza previsto para este verano de 2026. La medida responde a una incidencia técnica sobrevenida e imprevista: el ascensor del Centro de Recepción de Visitantes (CRV) se encuentra clausurado por avería, lo que impedía por completo el acceso a la terraza a las personas con movilidad reducida. Hacemos Córdoba ya denunció estos hechos el pasado 24 de julio.

El contrato para la organización y producción de este ciclo cultural -que abarca actuaciones de música, danza, poesía, artes escénicas y variedades- se firmó a principios de julio y las funciones estaban programadas para celebrarse todos los jueves y viernes, entre el 16 de julio y el 18 de septiembre, en horario nocturno de 22:00 a 00:00. Sin embargo, tras dar inicio las primeras funciones, se constató que el ascensor para subir a la terraza del CRV estaba fuera de servicio por problemas técnicos, siendo las escaleras el único medio de acceso actual. Ante esta situación discriminatoria para colectivos con dificultades de movilidad, un informe técnico municipal propuso a finales de julio el traslado de los espectáculos a pie de calle, concretamente a la Plaza del Triunfo, junto a la Puerta del Puente.

Junto a este cambio, dicho informe también detectó que en las inmediaciones de dicha plaza se celebrará, entre el 8 y 15 de agosto, la tradicional Verbena de Nuestra Señora de Acá, organizada por la Federación de Peñas Cordobesas. Dado que este evento popular incluye espectáculos musicales y reproducción de ambiente sonoro en horario de apertura, mantener simultáneamente el ciclo en la misma zona provocaría graves interferencias acústicas y aglomeraciones en el tránsito de los asistentes. Para evitar solapamientos se ha modificado el calendario, trasladando los espectáculos previstos inicialmente para los días 13 y 14 de agosto a las jornadas del 24 y 25 de septiembre.

Tras la reorganización técnica, los espectáculos de Noches en la Terraza se celebrarán en la Plaza del Triunfo los jueves y viernes en su horario habitual de 22:00 a 00:00 de acuerdo al siguiente calendario definitivo: los días 6, 7, 20, 21, 27 y 28 de agosto; y los días 3, 4, 10, 11, 17, 18, 24 y 25 de septiembre. El protagonista del concierto de este jueves a partir de las 22:00 será Rafa Aranda Taleguilla, una de las voces reconocibles del carnaval, que presentará su espectáculo Taleguilla por Carnaval, un recorrido guiado por las coplas más importantes de los últimos 50 años del Carnaval de Cádiz, en el que entrelaza humor y anécdotas de sus propias vivencias. Le acompañarán Manuel Ruiz-Constantino Cueto, en la guitarra, y Daniel Morales Mawe, en la percusión.

Agustín Requena, director general de la Delegación de Centro Histórico asumirá la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Ayuntamiento de Córdoba, vacante tras la marcha de Raúl Ramos al gabinete de la nueva Consejería de Inteligencia Artificial de la Junta de Andalucía.

Según ha podido saber este periódico, Requena será el sustituto de Ramos, y compatibilizará ambas áreas, asumiendo en Cultura, entre otras cuestiones, la gestión técnica y administrativa en monumentos de titularidad municipal como el Alcázar de los Reyes Cristianos.

Requena entró en el ayuntamiento a comienzos del año 2023 como director general de Centro Histórico, una delegación que se creó en 2021 para cerrar una crisis de gobierno entre el PP y Cs, que entonces gobernaban juntos.

En el actual mandato, con el PP con mayoría absoluta, la delegación fue para Lourdes Morales, con Requena como director general. Ahora, a partir de septiembre, Requena compatibilizará su trabajo entre ambas delegaciones.

La Asociación Amigos de Ategua ha completado el cupo de plazas disponibles para la observación del eclipse solar total que tendrá lugar el próximo miércoles 12 de agosto, tal y como informa la organización en su web. El evento, enmarcado dentro del programa cultural y arqueológico Las Lunas de Ategua, ha registrado un lleno absoluto en las opciones de asistencia previstas: tanto el autobús habilitado desde Córdoba -con 50 plazas- como el acceso para transporte particular -con 100 plazas-

El enclave arqueológico, situado a unos seis kilómetros de Santa Cruz y a casi 300 metros de altitud, ofrece una panorámica despejada hacia el oeste, convirtiéndolo en un emplazamiento idóneo para presenciar este fenómeno astronómico, el primero de estas características visible desde la península ibérica en más de un siglo. Ategua está situado en una loma a casi 300 metros sobre el nivel del mar, dominando el horizonte, permitiendo una visión privilegiada del oeste, punto cardinal en el que al atardecer del miércoles 12 de agosto podrá observarse el primer eclipse total de sol visible desde la península Ibérica en más de un siglo.

La convocatoria arrancará a las 19:30, pero el eclipse comenzará a apreciarse a las 19:50, alcanzando su punto máximo a las 20:37 y concluyendo en torno a las 21:30. Aunque la provincia se sitúa fuera de la franja de totalidad, en Ategua la Luna cubrirá el disco solar hasta una magnitud de 0,96. La actividad, que se enmarca dentro del convenio entre Amigos de Ategua y la Delegación de Cultura de la Diputación de Córdoba, estará guiada por el director de la Escuela Municipal de Astronomía de Villanueva de Córdoba, Juan Gómez Coleto.

Los asistentes inscritos deberán seguir las recomendaciones de seguridad publicadas en la web de Ategua y acudir provistos de la protección homologada adecuada para evitar daños oculares durante la visión del eclipse.

El actor cordobés Fernando Tejero afronta su debut en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con la obra 'Cómicos de Roma', donde interpreta a Strabo, un personaje del que ha asegurado que lo ha elegido a él para actuar en el que considera “el escenario perfecto”.

“Yo he tardado mucho en venir a Mérida por el respeto y la responsabilidad. Quería venir con algo que yo considerase que me había escogido a mí, y a mí Strabo me ha escogido”, ha afirmado en una entrevista concedida a Europa Press.

Sobre la obra, Tejero ha explicado que aborda la historia de una compañía en “sus horas bajas” y que refleja la dificultad de la profesión. “Vivimos muy pocos actores de esto, el 8 por ciento, una cifra muy triste, pero la pasión por el teatro convierte a mi personaje en un superviviente”, ha dicho.

Para dar vida a Strabo, el intérprete ha reconocido haber bebido de referencias muy dispares. “Ahora que lo has dicho sí, tiene un poco de Paquita Salas, pero también he mirado 'La jaula de las locas' de Robin Williams y a Blanche DuBois en 'Un tranvía llamado deseo', esa cosa que tiene como de diva equivocada”, ha apuntado.

Ante el reto de actuar ante más de 3.000 personas, el actor ha admitido la impresión del escenario. “Ayer pisé el escenario, miraba al graderío y por supuesto que impresiona. Imagínate cuando sientas latir el corazón de 3.300 personas. Es que si no impresionase ni sería actor ni sería humano”, ha aseverado.

Por último, Tejero ha invitado al público a asistir para desconectar del contexto actual, para “evadirse un poco de cómo va este mundo” y pasárselo muy bien en este marco “tan único”.

El artista sevillano Haze hará su segundo concierto en Córdoba en un año. Será en noviembre, aproximadamente seis meses después de haber hecho un sold out en la Sala M100, que dejó a muchos seguidores con las ganas de asistir a esta gira que lo trae de vuelta a los escenario.

Así, el 21 de noviembre, el que fuera pionero (y algo vilipendiado en su día por ello) del rap flamenco pasará por la Sala Impala, el espacio de conciertos privado de mayor aforo de la ciudad. Las entradas ya están a la venta en la web de Impala y en la del propio artista, que compagina hoy la docencia con la música.

Haze, Sergio López Sanz, comenzó su andadura tras la elaboración artesanal y venta de su primera maqueta, Crónicas del barrio (2003), que disparó su trayectoria. Poco después le puso banda sonora a películas de éxito como 7 Vírgenes (2005) o Yo soy la Juani (2006). El flamenco lo acompañó cada invierno, en las plazoletas de su barrio, en las cansadas calles del extrarradio, donde también se encontró con las drogas, el delito y el cautiverio.

Así que, en un tiempo en el que esa mezcla solo la hacían Mala Rodríguez con Lujo Ibérico (2000) y Solo Los Solo, con sus dos primeros discos (1998 y 2001), se lanzó a mezclar sus dos amores. A diferencia de ellos, Haze optó con un enfoque más comercial y recibió no pocas críticas de otros artistas del género. Dos décadas y media después, la huella de aquellos discos es fácil de rastrear en numerosos proyectos que mezclan lo jondo con ritmos y músicas urbanas.

En cualquier caso, el surgimiento de una nueva generación de artistas de este género le cogió a Sergio en otras cosas, ya que se licenció y comenzó a ejercer como profesor de Lengua castellana y Literatura de Enseñanza Secundaria en Andalucía, al tiempo que se lanzaba a publicar libros de poesía y prosa. Así, hasta que este 2026 anunció que volvía a los escenarios para hacer un recorrido de toda su trayectoria artística. Desde Crónicas del barrio hasta Caín, repasando sus grandes éxitos, como Libertad, Gasolina, sangre y fuego, En esta celda, El Killo, Galopa, Dime qué es el miedo, Capitán Fariña, etc.

El catedrático de Historia Moderna de la Universidad de Córdoba Universidad de Córdoba Enrique Soria Mesa publicará el próximo 28 de septiembre El gran secreto, un ensayo en el que cuestiona uno de los pilares sobre los que se construyó la sociedad española durante la Edad Moderna: el mito de la pureza de sangre. La obra verá la luz de la mano de la editorial Ático de los Libros, especializada en narrativa y ensayo.

La propia editorial ha adelantado el lanzamiento en sus redes sociales, donde define el volumen como “el único español de la tanda de novedades” que publicará en otoño y “el que más ruido va a hacer”. Según ha explicado, el libro es el resultado de décadas de investigación en archivos y promete desmontar “el mito sobre el que España se contó a sí misma durante cuatro siglos”.

Bajo el subtítulo La sangre judía de los nobles españoles, la obra sostiene que, mientras la Inquisición perseguía a los descendientes de judíos y los estatutos de limpieza de sangre condicionaban el acceso a cargos y privilegios, muchas de las familias más poderosas de la Monarquía Hispánica ocultaban precisamente esos orígenes que públicamente rechazaban.

A partir de una amplia investigación en archivos, genealogías y pleitos de nobleza, Soria Mesa reconstruye el ascenso social de numerosos linajes desde la condición conversa hasta la cúspide del poder político, religioso y económico. El ensayo recorre casos que abarcan desde el reinado de Fernando el Católico hasta los duques de Alba, pasando por altos cargos de la administración, la Iglesia e incluso la propia Inquisición, para mostrar las estrategias familiares, matrimoniales y de cambio de identidad que permitieron consolidar estas posiciones de privilegio.

La editorial presenta El gran secreto como una obra “revolucionaria y seminal” para comprender la verdadera historia de la nobleza española y los orígenes de las élites que gobernaron la Monarquía Hispánica.

Enrique Soria Mesa es catedrático de Historia Moderna en la Universidad de Córdoba, director del Departamento de Historia y responsable del Laboratorio de Estudios Judeoconversos, desde donde ha desarrollado una destacada trayectoria investigadora centrada en la historia social de la nobleza, la limpieza de sangre y las minorías judeoconversas en la España moderna.