La presentación pública del informe justificativo para la declaración como Bien de Interés Cultural (BIC) de los cines de verano de Córdoba ha puesto de manifiesto el“ rigor técnico, normativo y antropológico de una iniciativa formulada desde la ciudadanía activa y la comunidad científica unidas para este fin”. La Biblioteca Grupo Cántico de la ciudad ha sido el escenario elegido para esta exposición, seguida de un coloquio con la comunidad, sobre esta figura de máxima protección para los cuatro cines de verano del casco histórico.

En un esfuerzo conjunto por salvaguardar una de las señas de identidad más profundas de la cultura andaluza y cordobesa, este informe técnico se presentó formalmente el pasado 29 de junio ante la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, a través de su delegación territorial en Córdoba, junto a la solicitud para declarar Bien de Interés Cultural (BIC) los cines de verano de Córdoba.

A través de una metodología transversal que vincula los estudios urbanos, la historia del arte, la antropología social y el derecho patrimonial, las especialistas autoras del expediente articulan la respuesta técnica a las preguntas esenciales que determinan la salvaguardia de este bien común.

En nombre de estas autoras, la antropóloga social y cultural de la Universidad de Córdoba, Mónica Alonso, junto a Gaia Redaelli, arquitecta y doctora, profesora de la Universidad de Sevilla, han sido las encargadas de defender el informe en conversación con la periodista Marta Jiménez, también autora del expediente. Todo ello ante la mirada de otras redactoras del informe, firmado también por Isabel Cantillo, arquitecta, María Yllescas y Araceli Velasco, historiadoras, e Isadora Donnier, activista social. 

Un amplio grupo de ciudadanía comprometida con los cines de verano acompañó el acto en el salón de actos de la Biblioteca, muchos de ellos pertenecientes a la coordinadora SOS Cines de Verano, quienes entraron en coloquio con las autoras en la parte final. Otro ejemplo de cómo la ciudadanía cordobesa se ha configurado como una auténtica comunidad patrimonial.

Las redactoras hablaron de la pertinencia jurídica del Lugar de Interés Etnológico (LIE) para esta declaración BIC, ya que la Ley de Patrimonio Cultural de Andalucía cita de forma explícita a los “cines” como una de las tipologías con presunción de valor etnológico. Las especialidades antropológicas del expediente destacan que el LIE es la figura jurídicamente idónea porque ampara el patrimonio dual, la unión indisoluble entre el continente (el inmueble, el patio y la pantalla) y el contenido (el rito estival, la sociabilidad de barrio, la memoria compartida y los hábitos colectivos).

Para documentar el valor inmaterial, el expediente ha incorporado testimonios de historia oral recogidos en obras documentales como Picadillo y Cine o La casa de vecinas. Conforme a la metodología validada por el Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH), los relatos vecinales aportan evidencia empírica de cómo la comunidad valora el espacio por el ritual comunitario —el encuentro, el riego del albero, las cenas compartidas, los saberes técnicos de proyeccionistas— antes que por la película concreta proyectada en cartelera.

As¡mismo, el informe justifica la inscripción conjunta de los cuatro recintos del casco histórico —el Cine Coliseo San Andrés, el Cine Fuenseca, el Cine Olimpia y el Cine Delicias— al formar un sistema urbano y cultural unitario que comparte la misma tipología de patio/vacío interior de manzana reocupado, la misma comunidad portadora y el mismo riesgo de desaparición.

Las ponentes también se refirieron a cómo el expediente demuestra que Córdoba constituye una excepción única en el patrimonio urbano español. Mientras que en otras capitales las proyecciones al aire libre son eventos ocasionales o efímeros montados sobre plazas o playas, Córdoba ha conservado durante más de un siglo una red permanente de estructuras fijas, con recintos en funcionamiento ininterrumpido desde la década de 1920 integrados en un Conjunto Histórico declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO.

Desde el origen de los cines de verano cordobeses en 1923, las salas estivales han resistido las sucesivas crisis del sector. Esta supervivencia ha sido posible gracias a dos factores clave: la calificación urbanística del PGOU de 1986 y el PEPCH de 2003, que blindaron los solares como equipamientos y zonas verdes frente a la especulación inmobiliaria, además de la figura protectora de gestores como Martín Cañuelo, desde 1986 hasta su fallecimiento en 2023.

Las autoras pusieron el foco en que el informe técnico analiza de forma crítica por qué las fichas del catálogo urbanístico del Plan Especial de Protección del Casco Histórico (PEPCH) se han mostrado insuficientes. La protección urbanística tutela únicamente el “continente” (volumetría, edificación y calificación del suelo como equipamiento), pero no impone legalmente la obligación de mantener la actividad cultural de exhibición cinematográfica.

El expediente elaborado por el equipo técnico de investigadoras concluye que la declaración de los cines de verano de Córdoba como Bien de Interés Cultural no constituye una mera apelación a la nostalgia, sino una medida urgente de justicia patrimonial y sostenibilidad urbana.

Proteger los cines Coliseo San Andrés, Fuenseca, Olimpia y Delicias bajo la figura de Lugar de Interés Etnológico supone garantizar que la experiencia colectiva del cine al raso continúe siendo un derecho ciudadano y un pulmón de identidad cultural para las futuras generaciones.

Ya estamos de vuelta.

Como ocurrió la primera temporada, arrancamos el mismo día que empieza Cosmopoética. Es una maravillosa manera de darle la bienvenida al otoño cultural cordobés, que este año, además, llega cargadísimo. Mientras escribo estas líneas, me debato entre ir este viernes al estreno y posterior coloquio de La bola negra, a la inauguración de Cosmopoética o al concierto de Jay Jay Johansson en Viana.

En los tres eventos espero mucha carga política. Incluso en el concierto de Viana. La música en directo vive estos días revuelta las consecuencias del despido del rapero Macklemore de la gira de Ed Sheeran por decir Free Palestine en directo. La maravillosa carta con la que Macklemore contó su despido, unida a la timorata respuesta de Sheeran ha dejado claro que el momento de quedarse callado mientras Israel asesina a miles de niños y personas inocentes en Gaza ha pasado.

A nivel nacional, algo similar ha ocurrido con el Festival de las Ideas, que se ha visto forzado a deshacerse de Allianz, un patrocinador que ha mostrado siempre su complicidad con el gobierno sionista. Más cerca, en Granada, la escritora judía Ariana Harwicz ha sido desprogramada de un festival literario por su postura personal, tanto respecto a la matanza indiscriminada de civiles por parte del Gobierno de Israel en Gaza, como por lo que ella considera una banalización de la palabra genocidio por parte de la intelectualidad progresista. 

Expulsar a alguien por una opinión disidente de un festival cultural me parece tremendo error. Y la prueba está en que ha habido daños colaterales importantes -han perdido al cabeza de cartel y ha habido un contracomunicado-. Mientras no se tontee con el delito (decir cosas nazis es delito, aunque no se persiga), siempre es preferible y más nutritivo debatir con quien expone su opinión que con quien opta por el silencio como postura (y el silencio ya rara vez es consecuencia de la ignorancia, pues la ignorancia cotiza al alza).

En Cosmopoética, no tengan ustedes dudas, se acabará hablando del genocidio, de Trump, de la violencia y el auge de los extremos. Y no solo. También se hablará de la violencia y la tiranía de los gobiernos hispanoamericanos que vienen de la izquierda (Nicaragua, Venezuela y Cuba). La poesía, la literatura, la música, el cine, la belleza en definitiva, son una mirada sobre el mundo. Y yo personalmente espero que Siri Hustvedt, Sergio Ramírez, Leonardo Padura o William González Guevara, por citar a algunos, respondan a las preguntas que les interpelan como ciudadanos que cuentan con una voz y una mirada privilegiada.

También querría escuchar lo que tenga que decir John Banville, que ha renunciado a ir a Granada y será una de las estrellas de este año en Cosmopoética, sobre las atrocidades de Israel en Gaza. Porque lo cierto es que sus opiniones son, en buena medida, similares a las que expresa Ariana Harwicz.

Y porque, aunque discrepe con él, creo que toca mojarse. Porque tenemos un mundo nuevo por delante y es mejor saber dónde se sitúa cada uno que ir dando palos de ciego.

El arte, la cultura, la belleza en definitiva, no nos va a salvar. Pero al menos nos ayudará a entender mejor por qué pasan las cosas que pasan.

Desde abajo

“Sin dinero y sin contactos”. Así describe la periodista norteamericana Sofiarose Minheghino, el ascenso meteórico de la nueva generación de jóvenes músicos españoles que lo están petando a nivel mundial y que han creado una suerte de sonoridad propia. Habla en el artículo de nombres como Judeline, Rusowsky, Ralphie Choo, Pablopablo o Guitarricadelafuente, artistas que, efectivamente, tienen en común un impacto enorme logrado en muy poco tiempo y un talento difícil de cuestionar.

Ahora, lo cierto es que algunos de ellos también tenían dinero y contactos cuando empezaron. La periodista escribe una muy buena e interesante pieza sobre esta microescena, pero se le olvida mencionar que Pablopablo en realidad se llama Pablo Drexler; que Judeline es la hermana menor del cantante de dancehall y reggae Swan Fyahbwoy; o que Guitarricadelafuente es el acomodado hijo de un técnico de Hacienda y de una médica.

No es culpa de nadie venir de un entorno privilegiado. Tampoco que la periodista lo oculte (por desconocimiento o porque se le cae su tesis). Tener talento y colchón económico es, hoy en día, la mejor fórmula para entrar en la carrera por el éxito (lograrlo es otra cosa). Eso sí, ocultar o minimizar el capital económico y social (los contactos) es el mejor pasaporte hacia el cuestionamiento moral y el escrutinio digital.

En cualquier caso, el artículo entronca con una realidad que cada vez se hace más patente: al ritmo al que va esta sociedad, en el futuro, los algoritmos practicamente solo nos darán a elegir entre arte generado por IA o arte hecho por artistas de familia rica (o la tercera vía, arte hecho por gente de familia rica usando la IA). Lo que cada vez será más inusual es disfrutar en las grandes plataformas de arte producido desde entornos humildes. El desgaste es enorme para quien no tiene colchón o apoyo familiar. Algo así sugería un post de Isabel Do Diego de esta misma semana, que citaba, además, las palabras de Remedios Zafra: “Es difícil resistir, porque cuando convertimos las cosas en marca y producto, ser visto aumenta la posibilidad de ser elegido”.

En España, aún falta un informe que ponga el fenómeno en datos, pero en otros países ya lo han hecho. En el Reino Unido, por ejemplo, pese a que solo el 7% de la población infantil asiste a escuelas privadas, el 43% de los músicos clásicos y el 47% de los actores británicos nominados o premiados con un BAFTA en la última década provienen de la educación privada. En Irlanda, por su parte, han visto la evolución, y directamente han creado una renta básica para artistas.

Es decir: otro mundo nuevo. Porque es evidente que, si nada cambia, cada vez será más inusual es disfrutar de arte producido desde entornos humildes. Los portfolios artísticos y musicales de los futuros albañiles y fontaneros serán, eso sí, un tesoro por descubrir.

Have you heard of Lorca?

Lorca vuelve a estar de actualidad (si es que alguna vez ha dejado de estarlo) gracias al petardazo que han pegado Los Javis con La bola negra. Y porque ayer mismo el alcalde de Nueva York, Zohran Mamdani, recitó el poema que Federico García Lorca dedicó a Córdoba, La canción del jinete, en su encuentro con Pedro Sánchez. 

Puede parecer que me estoy subiendo al hype (y en parte, es así), pero lo cierto es que lo de Mandami me pilló este miércoles montando una lista con algunas de las canciones lorquianas (escritas por él o inspiradas en el personaje) que se han hecho fuera de nuestras fronteras. Todo partía de una premisa:

¿Se puede hacer una lista de música sobre Lorca y no meter a Leonard Cohen ni flamenco?

Como somos un poco suicidas, lo hemos intentado y aquí la tenéis. 30 canciones de géneros muy distintos (hay folk, rock, brazil, canciones infantiles, psicodelia, ambient y electrónica), y de países tropicales, escandinavos, anglosajones o balcánicos. Sorprenderá escuchar a Robert Wyatt o Malcolm McLarena cantando y rapeando en español, a Tim Buckley volverse loco en honor al poeta, a Joan Baez recitando sus versos, a Fito Páez hacer un baladón con su sello personal, o a varios cantantes desconocidos de Dinamarca, Finlandia o Brasil improvisar una suerte de sonido español. También a productores de electrónica adentrarse en la oscuridad buscando encontrar el espíritu que guió la obra del poeta asesinado.

Es solo un pequeño botón de un mundo muchísimo más amplio, ya que la huella de Lorca está diseminada en centenares de discos de todo el mundo (en Japón ni me he atrevido a entrar). Y es también un guiño a esa canción que nunca escribió Joe Strummer sobre el poeta al que un día se fue a buscar.

La historia me la contó Migue Pérez, de El Colectivo: Strummer apareció un día en Granada, recogió a Jesús Arias, y juntos se fueron a una ferretería a comprar unas palas para desenterrar a Lorca. Como no lo encontraron, Strummer se sentó en un paraje entre Víznar y Alfacar a fumarse un porro bajo un olivo. Cuentan que lloró y prometió escribir una canción que nunca llegó a existir.

El Festival Internacional de Poesía Cosmopoética. Poetas del Mundo en Córdoba, organizado por el Ayuntamiento de Córdoba y patrocinado por la Fundación Kutxabank, arranca mañana viernes, 25 de septiembre, con una edición que reunirá a más de 70 autores y en la que se celebrarán más de medio centenar de actividades.

El inicio de la 23ª edición de Cosmopoética 2026, que este año rinde homenaje a Jorge Luis Borges en el 40 aniversario de su fallecimiento y que lleva como lema ‘Inventar la alegría“, correrá a cargo de la escritora estadounidense Siri Hustvedt que, entre los numerosos premios y distinciones internacionales que ostenta, cuenta con el Princesa de Asturias de las Letras en 2019. La autora dialogará con la periodista, escritora, poeta y ensayista cordobesa Azahara Palomeque en el Teatro Góngora, que ya ‘ha colgado el cartel de completo’ para esta gala.

Hustvedt es una aclamada autora de novela, poesía y ensayo, y este mismo año ha presentado su última creación, Historias de fantasmas, una obra en la que rinde homenaje a su marido, el escritor Paul Auster, fallecido en 2024.

La inauguración contará también con la presencia de otro Premio Princesa de Asturias, en este caso de las Artes, Carmen Linares, que ofrecerá una colaboración especial en la que pondrá voz a algunos de los más grandes poetas en lengua castellana.

A partir del sábado comenzarán los distintos ciclos y actividades del Festival Internacional de Poesía, que reunirá a más de 70 autores nacionales e internacionales, entre quienes se encuentran algunas de las figuras literarias más relevantes del momento, como los Premios Princesa de Asturias de las Letras Leonardo Padura y John Banville y el Premio Cervantes Sergio Ramírez.

La Sala Orive será el escenario de ciclos como ‘Voces desde el Aleh’, donde narradores, artistas, periodistas y ensayistas, entre los cuales se encuentran Chema Madoz, Rodrigo Cortés y José Carlos Ruiz, conversarán sobre la capacidad de la literatura para dar respuesta a los retos de la edad contemporánea.

También tendrá lugar en esta sala el ciclo ‘Poetas en el espejo’, concebido como el espacio específico para la poesía, a través de la lectura y el encuentro entre autores que representan a algunas de las más importantes voces poéticas de la actualidad, tales como Felipe Benítez Reyes, Ada Salas, Ángeles Mora, William González Guevara (Nicaragua), José F. A. Oliver (Alemania) u Olivia Elías (Palestina).

Mientras, en el ciclo ‘Las noches del laberinto’, que también se desarrollará en Orive, la música y la poesía dialogarán mano a mano con autores como Joaquín Pérez Azaustre, Carmen París, Raúl Rodríguez o Miguel Ángel García Argüez. El acceso a las actividades que se desarrollan en la Sala Orive será libre y gratuito hasta completar aforo.

Cosmopoética 2026 se complementa con un amplio programa formativo, un ciclo de conferencias sobre Borges y otras propuestas que suman más de medio centenar de actividades repartidas por toda la ciudad y que llenarán cada rincón de Córdoba de poesía.

Por otro lado, la Gala de Clausura de Cosmopoética 2026, que tendrá lugar el 3 de octubre, también en el Teatro Góngora, traerá como novedad la entrega de los I Premios Cosmopoética Ciudad de Córdoba, y lo hará en dos modalidades, a la trayectoria poética y a la difusión de la poesía.

El primero de ellos recaerá en la poeta rumana Ana Blandiana (Premio Princesa de Asturias 2024), cuya visión crítica y su defensa de la libertad y de los derechos humanos han sido el espejo en el que se han mirado autores y lectores de todo el mundo.

Por su parte, el Premio a la difusión de la poesía se otorgará en esta primera edición a ‘La Estación Azul’, de RNE, decano de los programas de poesía en la radio española, por cuyos micrófonos han pasado los autores más relevantes en las últimas dos décadas. El galardón será recogido por su directora Carolina Alba.

La teniente de alcalde delegada de Cultura, Isabel Albás, ha indicado que Cosmopoética “es una cita ya consolidada e imprescindible no solo en nuestro calendario cultural, si no también con carácter nacional e internacional” y ha añadido que “sigue siendo un gran evento de ciudad impulsado por el Ayuntamiento de Córdoba y que ofrece un escenario perfecto para mostrar la literatura rodeada del patrimonio histórico”.

La delegada ha concluido que Cosmopoética “es de todos, de toda la ciudad. Y por eso es necesario agradecer la implicación de todos los que la hacen posible y que nos ha permitido acumular tantos años de éxitos y dar continuidad a una iniciativa que hoy es una seña de identidad de nuestra cultura”.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, retoma en septiembre su programación del ciclo ‘Exploratorio’ con ‘Yampo’, una propuesta del escritor y poeta Alejandro Simón Partal que tendrá lugar el viernes 25 de septiembre, a las 20.00 horas, en la Caja Negra del centro. La propuesta forma parte del segundo ciclo del ‘Exploratorio’, comisariado en 2026 por Marisa Lull bajo el nombre ‘Existe un río’. 

‘Yampo’ toma el nombre de un concepto que, en Estepona, localidad natal de Alejandro Simón Partal, significa relámpago. A partir de esta idea, el poeta realizará un recital de poesía que propone un espacio íntimo, convulso y sonoro, que recorre los extremos de la condición humana. ‘El yampo rompe la oscuridad y el silencio para acabar subrayándose en todo. Es efímero, inefable e incompleto, como la alegría, como nuestra propia vida. El yampo también puede ser una respuesta contra los males de nuestro tiempo’, señala el artista. La propuesta contará con el acompañamiento de Sergio Portales, guitarrista y compositor, que ha trabajado en diferentes estilos y ha acompañado, entre otros, al Niño de Elche, a la colomo irlandesa Katie James o a los neo-floklóricos castellanos Dulzaro y Lemus. 

Alejandro Simón Partal (Estepona, 1983) es doctor en Filología Hispánica y ha sido profesor en universidades de Francia, República Checa y España. Es autor de ensayos, obras teatrales y cinco poemarios, con los que ha obtenido, entre otros, los premios internacionales ‘Arcipreste de Hita’ y ‘Hermanos Argensola’. Su obra poética ha sido compilada en ‘Ese de anoche’ (Aguilar, 2023). En narrativa, obtuvo el Premio Cálamo ‘Otra mirada’ con ‘La parcela’ (Caballo de Troya, 2021). Su último libro es ‘La planta baja. Diario de rodaje’ (Plaza & Janés, 2024). 

Esta pieza se incluye en el ciclo 'Exploratorio', un programa del C3A dedicado a las prácticas artísticas contemporáneas vinculadas a la creación, la experimentación y la investigación. En su segunda edición, 'Existe un río', comisariada por Marisa Lull, el programa reúne propuestas que invitan a adentrarse en los universos planteados por los artistas. En esta recta final, la palabra poética irrumpe y, acompañada de la música, abre un espacio para explorar las tensiones del ser en la contemporaneidad, revelando nuevas formas de presencia y percepción ante la complejidad de nuestra realidad, señala la comisaria.

“Hay libros que nacen de una idea y otros que uno descubre que estaba escribiendo mientras vivía. Manual para no apagarse pertenece a los segundos”, así define el escritor cordobés Enrique Adamuz Ruiz su nuevo poemario, que llega a librerías de la mano de Valparaíso Ediciones después de haberse construido, casi sin hacer ruido, entre conversaciones, pérdidas, trayectos, cafés, habitaciones, límites aprendidos tarde y días aparentemente normales. 

Adamuz Ruiz explica que el libro parte de una intuición sencilla: apagarse no siempre es un acontecimiento visible. A veces consiste en seguir llegando a tiempo, contestar “todo bien”, hacer la compra o poner una lavadora mientras algo, por dentro, ha empezado a quedarse sin luz. Los poemas miran precisamente ahí, a ese lugar íntimo en el que una persona intenta sostenerse, volver a reconocerse y encontrar alguna forma de cuidado en medio del desgaste. 

“No quería escribir un manual para saber vivir. No sabría hacerlo. Quería escribir sobre esos días en los que seguir no tiene nada de épico: levantarse, descansar sin culpa, decir ”hasta aquí“, cerrar una puerta o descubrir que permanecer también puede ser una forma de valentía”, explica Enrique. 

De ese pulso nace un libro atravesado por la ausencia, los vínculos, la soledad, la calma, el regreso y la reparación. No ofrece fórmulas ni respuestas cerradas. Su mirada es más pequeña y, quizá por eso, más reconocible: una cama recién hecha, un café sin prisa, una conversación que llega a tiempo o el primer límite que uno consigue poner sin sentirse culpable. En ese territorio cotidiano, Manual para no apagarse intenta recordar que no siempre hay que brillar; a veces no apagarse del todo ya es muchísimo. 

Dentro de la trayectoria del autor, este volumen supone un nuevo paso después de Del aprendizaje al corazón (2020) y El diario que me debía (2024). La escritura mantiene su raíz autobiográfica, pero se desplaza hacia una voz más contenida y apoyada en objetos, escenas domésticas y gestos mínimos. Enrique compagina la literatura con su trabajo como profesor de Educación Infantil en Córdoba, y esa convivencia entre aula, ciudad y vida diaria también late en un libro que no se separa de la rutina, sino que nace precisamente de ella. 

“Durante mucho tiempo fueron solo textos sueltos. Hasta que empezaron a hablar entre ellos. Y entonces entendí que quizá el libro no iba de aprender a estar bien, sino de aprender a seguir estando”, señala el autor. 

Publicado por Valparaíso Ediciones, Manual para no apagarse abre una nueva etapa en la trayectoria de Enrique Adamuz Ruiz. El libro está disponible en librerías y en plataformas como Amazon, Fnac y Casa del Libro. El autor también ofrece ejemplares firmados y dedicados de forma directa. 

Casa Árabe ha acogido el estreno de Hawāʼ, el documental realizado por Juan Pablo Lucena sobre la última edición de Patrimonio Fértil, el programa que Amigos de Medina Azahara impulsa desde 2015 para promover nuevas miradas sobre Madinat al-Zahra desde la creación contemporánea y la participación ciudadana.

El audiovisual, disponible desde hoy en YouTube, recorre el proceso dirigido por el artista visual y performer Zhenxiang Zhao, desde los primeros talleres de bordado colectivo hasta la acción final celebrada en Cuevas del Pino. Las voces, los gestos y las imágenes recogidos por Lucena permiten reconstruir una experiencia desarrollada durante meses y sostenida por la implicación de más de 60 participantes.

Hawāʼ explora el deseo humano de volar a partir de dos referencias vinculadas a la cultura andalusí: los ingenios y máquinas aladas descritos en manuscritos medievales y la presencia simbólica de aves —halcones, pavones o águilas— en textiles, marfiles, cerámicas y otras piezas del arte califal.

A partir de una investigación sobre esta iconografía realizada por la arqueóloga Ana Zamorano, el proyecto fue tomando forma mediante talleres abiertos y un proceso de micromecenazgo creativo. Más de 60 personas participaron en el bordado de las aves y del vestuario empleado en la performance, recuperando de manera contemporánea la memoria del Dar al-Tiraz, el taller real de tejidos de la Córdoba omeya. Los encuentros se desarrollaron en espacios como Espacio Plástico, La Casa Escondida y la propia Casa Árabe, además del trabajo realizado por las participantes desde sus hogares.

El proceso culminó en el entorno natural de Cuevas del Pino con una performance de Zhenxiang Zhao, acompañada por el paisaje sonoro de Pepe Santos y el atrezzo de Mauricio De Grado. La acción incorporó también los relatos y movimientos compartidos durante los talleres por quienes imaginaron cómo vuelan cuando sueñan que vuelan.

El documental de Juan Pablo Lucena conserva la memoria de este proceso y muestra cómo la creación artística y la participación ciudadana pueden activar nuevas relaciones con el patrimonio. Con Hawāʼ, Amigos de Medina Azahara da continuidad a Patrimonio Fértil, un programa que desde 2015 conecta el legado de Madinat al-Zahra con las preguntas, los lenguajes y las comunidades del presente.

La Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) a través de Fundación SGAE, recuerda el legado de Josefina Molina, directora y guionista, con un ciclo de películas y coloquios en Madrid.

Así, cerca de una decena de profesionales del audiovisual participarán en coloquios para homenajear a Molina --fallecida el pasado 30 de mayo a los 89 años--. Además se proyectará una selección de sus trabajos para cine y televisión del 29 de septiembre al 3 de octubre de 2026, en la Sala Berlanga.

'Homenaje a Josefina Molina' recorrerá dos décadas de su trayectoria cinematográfica, desde su ópera prima, 'Vera, un cuento cruel', hasta su último largometraje, 'La Lola se va a los puertos', con títulos como 'Esquilache' y el documental 'Función de noche'.

El ciclo recuperará también parte de su trabajo para televisión con 'Camino de perfección', primer episodio de la serie 'Teresa de Jesús', y 'Lope de Vega', perteneciente a 'Paisajes con figuras'.

En los coloquios participarán Fernando Méndez-Leite, Inés París, Manuel Gutiérrez Aragón, José Carlos Plaza, Fernando Lara, Natalia Martínez Pérez y Francisco Zurián, entre otros.

La Peña El Almíbar retoma su programación tras el paréntesis estival con una nueva edición de Las Noches Íntimas, un ciclo que alcanza ya su decimotercera convocatoria y que reunirá en su sede de la calleja del Niño Perdido a una selección de artistas top del panorama flamenco. La programación incluye doce recitales que se extenderán desde octubre hasta mayo y que alternarán propuestas de cante, guitarra y baile.

Entre los nombres que pasarán por este espacio cordobés figuran Arcángel, Antonio Reyes, Gema Moneo, Dani de Morón, Ana Morales y Juan Requena, dentro de una propuesta que mantiene el formato de actuaciones en un entorno de aforo reducido en el local que durante décadas ocupó el Rincón del Cante.

La nueva temporada arranca fuerte el 2 de octubre con el cantaor David de Jacoba acompañado del tocaor Dani de Morón. Ambos compartirán escenario acompañados por Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla, encargados de las palmas y los jaleos. La segunda cita tendrá lugar el 23 de octubre y estará protagonizada por la cantaora sevillana Cristina Tovar, que contará con Dani Bonilla al toque y Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla en el acompañamiento de palmas y jaleos.

El mes de noviembre incluye dos recitales de perfiles diferentes. El día 13 será el turno de Arcángel, toda una estrella del cante jondo, que llegará a El Almíbar junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés y Los Mellis de Huelva, al frente de las palmas y los jaleos. Dos semanas después, el 27 de noviembre, la programación dará paso al cantaor pacense El Perrete, acompañado por José Tomás a la guitarra, Alfonso Aroca al teclado y el habitual acompañamiento de Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla.

La actividad de 2026 concluirá el 12 de diciembre con la actuación del bailaor gaditano Juan Tomás de la Molía. El artista, de 26 años, cuenta con una trayectoria desarrollada en distintos escenarios y reconocimientos dentro del flamenco (entre ellos, el Premio Nacional de Córdoba en el año 2020). La programación se reanudará después de las fiestas navideñas, el 15 de enero, con el recital del cantaor sevillano José Ángel Carmona, que actuará acompañado por Juan Requena a la guitarra y Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla a las palmas y los jaleos.

El 5 de febrero, la peña recibirá a la cantaora cordobesa Sara Dénez, ganadora del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en 2025. La artista compartirá la velada con el guitarrista José Tomás, además del acompañamiento de Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla.

Ese mismo mes, el día 19, Sandra Carrasco llevará su propuesta al escenario de El Almíbar. La cantaora estará acompañada por David de Arahal a la guitarra, con Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla completando el cuadro.

Recta final

La agenda de marzo estará dedicada a un mano a mano entre los cantaores Manuel de la Nina y José El Pechuguita. Ambos actuarán con Jesús Rodríguez a la guitarra y el acompañamiento de Ríchar Gutiérrez y Alberto Parraguilla. El 2 de abril regresará a la peña el cantaor chiclanero Antonio Reyes, uno de los nombres destacados de esta edición. El recital contará también con la participación de Nono Reyes, Tate Núñez y Ramón Reyes.

El baile tomará el relevo el 23 de abril con Gema Moneo, que estará acompañada por los cantaores Juan de la María y el Quini de Jerez, además del guitarrista sevillano Juan Campallo. El cierre de la decimotercera edición de Las Noches Íntimas llegará el 7 de mayo con Ana Morales. La bailaora catalana, afincada en Sevilla, ofrecerá un espectáculo junto al guitarrista José Quevedo Bolita, el contrabajista Pablo Martín Caminero y el percusionista Paquito González.

De nuevo, la Peña El Almíbar mantiene su sistema habitual de reservas, que se abre aproximadamente una semana antes de cada recital. La apertura coincide con la publicación del cartel específico de la actuación en las redes sociales de la entidad, y las personas interesadas pueden solicitar su incorporación a la lista de difusión de WhatsApp mediante un mensaje al número 644 92 05 83.

La Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba organiza la tercera edición del Festival de Cine Taurofilm, una cita que se desarrolla en el cine Fuenseca los días 24, 26 y 27 de septiembre. En esta ocasión, las tres películas que componen el ciclo se corresponden a otros tres momentos históricos del país, cada uno de ellos con una idea distinta sobre la tauromaquia, en este caso con 'Los clarines del miedo', 'Tardes de soledad' y 'Blancanieves'. Todas las proyecciones, previstas a las 21,00 horas, serán de entrada libre hasta completar aforo.

Según ha detallado el Consistorio, el jueves 24 se proyectará 'Los clarines del miedo' (1958), dirigida por Antonio Román y protagonizada por Francisco Rabal. Basada en la novela homónima de Ángel María de Lera, quien elabora también el guion junto a Antonio Vich, narra las vicisitudes de un joven torero (Rogelio Madrid) acompañado de un subalterno veterano y fracasado (Francisco Rabal). Ambos llegan a un pueblo en fiestas que, como era propio de la España de la década de 1950, se vuelca con el festejo taurino. La plaza de carros, el ambiente del pueblo y las exigencias del público sirven para retratar la España del momento.

El sábado 26 se proyectará 'Tardes de soledad' (2024), dirigida por Albert Serra. Prescindiendo de un elemento esencial de la película anterior --el público--, el director catalán expone con imágenes crudas un filme documental sobre la intimidad de la tauromaquia, sobre su intemporalidad, ofreciendo un primer plano entre toro y torero, de su intimidad, que llega a su paroxismo con una frase de uno de los subalternos: “La vida no vale na”. Con el torero Roca Rey como protagonista, el film ganó la Concha de Oro del Festival de San Sebastián y ha sido estrenado en países como Japón o Estados Unidos.

Y el domingo 27 se proyecta 'Blancanieves' (2012), de Pablo Berger. Situada cronológicamente entre las dos cintas anteriores, es una película muda con una excelente banda sonora de Alfonso de Vilallonga. Protagonizada por Maribel Verdú, Macarena García, Ángela Molina y Daniel Giménez, reinventa el mito de Blancanieves, transformada en matadora de toros y rodeada de una troupe de enanos toreros entre los que destaca Emilio Gavira. El filme fue galardonado con diez premios Goya.

El Festival Internacional de Poesía Visual Poemx ha presentado este martes en el Palacio de Viana su tercera edición y ha abierto una nueva convocatoria internacional. La convocatoria se dirige a artistas, diseñadores, fotógrafos, ilustradores y creadores de cualquier nacionalidad y trayectoria, que podrán participar con una obra inédita o ya publicada.

Bajo el lema “En red. Las redes que nos conectan, sostienen y presionan”, la edición de 2026 invita a reflexionar sobre los vínculos visibles e invisibles que articulan la vida contemporánea: redes afectivas, familiares y de cuidados; redes digitales y sociales; redes profesionales, urbanas y de movilidad; redes de solidaridad y apoyo, o redes de influencia, vigilancia y presión.

La presentación ha contado con la participación de Nieves Galiot y Rafael Obrero, miembros del colectivo Nadie y cocomisarios de Poemx; Leopoldo Izquierdo, director de la Fundación Kutxabank, y Gerardo Barrios, arquitecto y director de Construcciones Ictino.

Durante el acto, Nieves Galiot destacó la capacidad de la poesía visual para hacer visibles las conexiones que atraviesan nuestra vida cotidiana. “Vivimos dentro de muchas redes a la vez: algunas nos cuidan y nos permiten avanzar; otras nos vigilan, nos condicionan o nos dejan fuera. Queremos ver cómo la poesía visual es capaz de revelar esas relaciones y abrir nuevas formas de reflexión”, señaló.

Por su parte, Leopoldo Izquierdo subrayó el compromiso de la Fundación Kutxabank con iniciativas que contribuyen a enriquecer la vida cultural de la ciudad y fomentan nuevas formas de creación artística. En este sentido, destacó que “Poemx se ha consolidado como una de las citas de referencia de la poesía visual y la creación contemporánea en Córdoba gracias a la calidad de su propuesta y al trabajo desarrollado por sus organizadores”.

Asimismo, puso en valor el papel de la cultura como “espacio de reflexión, diálogo y pensamiento crítico, especialmente en una edición dedicada a analizar las redes que articulan nuestras relaciones personales y sociales”. Finalmente, reafirmó la voluntad de la Fundación Kutxabank de seguir apoyando “proyectos culturales innovadores y transformadores, capaces de impulsar la creatividad, favorecer el intercambio de ideas y acercar la cultura a toda la ciudadanía”.

Gerardo Barrios subrayó la importancia de integrar la cultura en el tejido social de Córdoba. “La cultura no es un adorno, sino una necesidad colectiva: nos ayuda a comprender nuestro tiempo y a imaginar otras posibilidades. La arquitectura y la poesía visual comparten la capacidad de transformar la mirada y de dar nuevos significados a los espacios que compartimos. Colaborar con Poemx es nuestra manera de contribuir a que el arte forme parte de la vida de la ciudad”, afirmó.

Dos exposiciones abiertas al público en noviembre

Un jurado especializado seleccionará hasta diez obras para su exhibición en distintos espacios urbanos de Córdoba. Además, podrá elegir hasta treinta piezas adicionales para integrar una exposición colectiva en el Palacio de Viana. Ambas muestras podrán visitarse durante el mes de noviembre y constituirán el eje central de la programación expositiva de Poemx 2026.

Cada participante podrá presentar una única obra y la inscripción permanecerá abierta hasta el 22 de octubre de 2026, a las 23:59, a través de la página web del festival.

Una convocatoria con creciente proyección internacional

La edición de 2025 cerró con 1.002 propuestas procedentes de 42 países y 220 ciudades, más del doble de las recibidas en la primera convocatoria. Estas cifras consolidan la dimensión internacional de un proyecto cultural nacido en Córdoba con el objetivo de acercar la poesía visual a públicos diversos y generar espacios de encuentro entre la creación contemporánea y la ciudadanía.

Poemx está impulsado por el colectivo Nadie, la publicación independiente Preferiría no hacerlo y Boek Visual, referente nacional de la poesía visual. Su programación combina la convocatoria internacional con exposiciones urbanas e interiores, la creación de obras específicas para distintos espacios y actividades de reflexión en torno al tema elegido en cada edición.

La edición de 2026 cuenta nuevamente con la Fundación Kutxabank como patrocinador principal, Construcciones Ictino como Cómplice y Fundación Xul y Salud Ópticos como Mecenas.

El universo creativo de Noor, el restaurante cordobés de tres estrellas Michelin dirigido por Paco Morales y Paola Gualandi, llega este martes al Festival de Cine de San Sebastián a través del documental Noor: cocinar pasados posibles / Noor: Eating History. La película, dirigida por Carlos Velasco y Kate Hu, inaugurará la sección Culinary Zinema: Cine y Gastronomía de la 74ª edición del festival, que se celebra estos días en la capital guipuzcoana.

El documental, que se puede ver este martes y también el miércoles, se adentra en la filosofía que sustenta la propuesta gastronómica de Noor, basada en la investigación histórica y cultural de Al-Ándalus y en su reinterpretación a través de la alta cocina contemporánea. El filme plantea así un viaje entre ciudades, artesanos y memorias para mostrar el proceso creativo de Morales y Gualandi y la manera en que el restaurante cordobés convierte el pasado andalusí en una experiencia gastronómica actual.

Noor: cocinar pasados posibles está dirigido por Carlos Velasco (Madrid, 1981) y Kate Hu (Taipéi, 1982), que trabajan como dúo creativo y han codirigido varios cortometrajes y los largometrajes Para qué sirven las canciones de amor (2023) y Mar Menor, mal mayor (2025).

La película, de 105 minutos y producción española, competirá por el Premio Culinary Zinema, dotado con 10.000 euros, con otras cuatro películas centradas en la gastronomía y la cocina.

La proyección estará además vinculada a una de las cinco cenas temáticas de Culinary Zinema. Este mismo martes 22 de septiembre, tras el pase de la película, Paco Morales y Paola Gualandi ofrecerán un menú diseñado específicamente para la ocasión y basado en la particular mirada de Noor sobre la cocina andalusí. La propuesta trasladará a la mesa el trabajo de investigación y reinterpretación de recetas, sabores y tradiciones de Al-Ándalus que define al restaurante cordobés.

La editorial Almuzara publica Piconera, una novela de Juanele Zafra que recrea la relación entre Julio Romero de Torres (1874-1930) y la que fue su última modelo y obsesión hasta el fin de sus días, Teresa, una joven de ojos almendrados a la que retrató en una de sus obras más emblemática, La chiquita piconera, obra que cuelga del museo del pintor en Córdoba.

Su rostro pasó de mano en mano: fue la cara visible de los billetes de cien pesetas (Romero de Torres en el anverso y ella en el reverso, siempre en la parte de atrás) y su vida se cantó sin que ella abriera la boca. El artista, que la había pintado de niña, volvió a encontrarse con ella en 1926 cuando la joven tenía 13 años y él había pasado de los cincuenta. Y ahí empezó una obsesión que duró hasta la muerte del cordobés. Pintarla y poseerla. Sin embargo, frente a las habladurías y lo que contaba el pueblo (su padre llegó a darle una paliza al escuchar lo que, inventado, se contaba por las calles cordobesas sobre Teresa), jamás mantuvieron relaciones; ella se negó.

Cuando posa para el pintor hablan de arte, ella le escucha atenta. Sorolla, Jacinto Benavente, de quien la niña dice haber visto alguna de sus obras, Valle-Inclán… La conversación no es baladí. Él le cuenta cómo empezó a pintar mientras ella posa: “Crecí con el pincel en una mano y la paleta en otra. Mis primeros trabajos fueron para varias publicaciones. Y algunos retratos a conocidos, a quien se dejara, que eran pocos. A tu edad, más o menos, hay un primer cuadro que llama la atención, ”La huerta de Morales“. En esos años era lo que se pintaba: paisajes o temas religiosos. Sin embargo, cuando estudié en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba, aunque me hablaban de todos los estilos, a mí me atraía el realismo social, el impresionismo y el modernismo social. ¿Sabes lo que es?”, le pregunta. Y ella responde con una ingenuidad desarmante: “Ni por asomo. Como si me hablara en arameo, me tiene usted que disculpar”.

Aunque La chiquita piconera ha pasado a la historia como su testamento pictórico, el pintor trabajó después en otro retrato de la misma modelo: Monja. El lienzo, fechado en 1930, mostraba a Tere como una novicia, rodeada de una imagen de inocencia, pureza y recogimiento. La novela plantea el retrato como el intento final del artista de acallar las habladurías y devolver a la modelo parte de la dignidad que su obsesión y su fama habían contribuido a arrebatarle. Romero de Torres murió antes de concluirlo. Monja quedó oculto y olvidado.

Teresa López vivió hasta 2003 buscando el anonimato. Durante décadas, los vecinos la señalaban a la salida de misa como la modelo maldita. Sus retratos fueron reproducidos infinitamente sin recibir nada a cambio. Junto a esta casi niña, la mujer del pintor, Paca, que sabe y mira hacia otro lado porque en Madrid, donde Romero de Torres tiene casa y estudio, puede pasar de todo, y Carmen de Burgos, compañera de vida muchos años de Gómez de la Serna, protagonista de una historia durísima y traicionada de la manera más cruel por su amante de media vida, que tiene una aventura con la hija de esta, un mazazo enorme que precipitó el final de la periodista.

Según detalla la editorial, Zafra recrea en la novela los encuentros entre la modelo y el artista, él cada vez más obsesionado por poseer lo que se le escapa y que en ocasiones desea con violencia: “Conforme pasaba el tiempo me fui dando cuenta de lo que verdaderamente quería de mí. A partir de ese momento y hasta su muerte, tres años después, casi no pintó a otras porque estaba obsesionado por poseerme. Por eso me pintaba una y otra vez, a ver si había una ocasión y a la fuerza lo conseguía. Cada vez que nos quedábamos solos me atacaba como un loco. Muchos días me rompió los tirantes de la combinación cuando salía corriendo del estudio… No me atreví a decírselo a mi padre para evitar un escándalo, porque él tenía negocios con el hermano de Julio, Enrique, y seguí acudiendo a posar, rezando para que su familia no lo dejase solo conmigo). Y al mismo tiempo recrea el ambiente cultural, en total efervescencia, de Madrid. Por el piso del cordobés en la madrileña calle Pelayo número 61 desfilan todos los que son, desde Valle-Inclán a Azorín, pasando por Benavente, los hermanos Machado, los Álvarez Quintero, Anita Delgado o Pío Baroja, sin olvidar a Ramón Gómez de la Serna, gran amigo y confidente del cordobés, un intelectual único. Con un lenguaje ágil y casi cinematográfico, el autor vuelve a los primeros años del siglo XX, describe cómo eran los ambientes de tertulias, las amistades y las envidias, recrea las conversaciones y ofrece una panorámica de la sociedad de la época, bastante más cerrada y conservadora en una Córdoba que a veces parece de cerrojo y ultratumba.

Piconera reúne pintura, literatura, periodismo y bohemia para revisar el relato construido alrededor de una de las imágenes más reconocibles del arte español. La novela utiliza la notoriedad de Julio Romero de Torres como puerta de entrada, pero entrega el protagonismo a la mujer que hizo posible una parte decisiva de su legado. Y formula una pregunta que atraviesa toda la obra: ¿qué ocurre cuando el arte hace eterno a un creador, pero condena al anonimato a la persona que lo ayudó a alcanzar esa eternidad?

Juanele Zafra (Sevilla, 1980) es licenciado en Periodismo y MBA (Master in Business Administration). Desde 2002 trabaja en televisión como guionista y director de programas de entretenimiento. En el ámbito de la ficción ha ejercido como director de contenidos de varias miniseries, y desde 2017 forma parte del departamento creativo de Warner Bros ITVP España. Piconera es su segunda novela publicada en Almuzara, tras la exitosa Directamente Encarna Sánchez (2021).

La Biblioteca Grupo Cántico de Córdoba ha alcanzado los 34.480 usuarios inscritos, según las cifras difundidas por la la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía.

Además, la biblioteca cordobesa está entre las que han experimentado un mayor aumento de participantes en sus actividades. Los mayores incrementos de asistentes a actividades culturales en las bibliotecas provinciales se produjeron en las Francisco Villaespesa de Almería, la Grupo Cántico de Córdoba y la de Huelva. El número de visitas registrado por estos espacios culturales también ha crecido durante el primer semestre de 2026, incrementándose un 2,3% respecto a los primeros seis meses de 2025, pasando de 773.239 a 791.158 visitantes.

La red de bibliotecas públicas que gestiona la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte --la Biblioteca de Andalucía, con sede en Granada, y las ocho provinciales-- han crecido en lo que va de año en número de visitantes, usuarios inscritos y asistentes a actividades culturales.

El incremento es “especialmente significativo” en este último apartado, ya que el número de asistentes a actividades culturales de estos espacios culturales se ha incrementado en el primer semestre del año casi en un 20% respecto al mismo periodo de 2025, según ha destacado la Junta en una nota.

La consejera de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, Patricia del Pozo, se ha felicitado por estos incrementos en los principales indicadores de la red de bibliotecas públicas, ya que estas instituciones “juegan un papel fundamental en la vida cultural y educativa de Andalucía, especialmente, en el fomento de la lectura, una línea prioritaria para el Gobierno que preside Juanma Moreno y que ha contribuido que la comunidad se haya situado entre las que más ha crecido el índice de lectura desde 2019, según el 'Barómetro de hábitos de lectura y compra de libros en España'.

En ese sentido, Del Pozo defendió que las bibliotecas “prestan un servicio público esencial porque fomentan la lectura, favorecen la inclusión social, promueven la alfabetización digital y el acceso universal a la información, así como dinamizar y cohesionar territorios”.

A estas premisas responde el conjunto de actividades culturales organizadas por las bibliotecas que gestiona la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, cuyo número se ha incrementado en más de 200 en lo que va de año respecto al mismo periodo de 2025, sumando 2.491 entre las organizadas por las ocho provinciales y la Biblioteca de Andalucía, según datos de la Estadística de la Red de Bibliotecas Públicas de Andalucía.

Sólo en las primeras, la cifra de asistentes a actividades culturales ha subido en algo más de 10.000 respecto a los primeros seis meses de 2025, pasando de 54.853 a 64.946, lo que supone un incremento del 18,4% de las personas que han participado en propuestas como exposiciones, clubes de lectura, presentaciones de libros y encuentros con autores, cursos y talleres, cuentacuentos, y jornadas, congresos y exposiciones.

Respecto al mismo periodo del año anterior, los mayores incrementos de asistentes a actividades culturales en las bibliotecas provinciales se produjeron en las Francisco Villaespesa de Almería, la Grupo Cántico de Córdoba y la de Huelva. El número de visitas registrado por estos espacios culturales también ha crecido durante el primer semestre de 2026, incrementándose un 2,3% respecto a los primeros seis meses de 2025, pasando de 773.239 a 791.158 visitantes.

Además, la cifra de usuarios inscritos en la Biblioteca de Andalucía y las ocho instituciones provinciales ha ido aumentando durante lo que va de año, registrándose un incremento del 1,1% en los primeros seis meses. Hay que recordar que la red de bibliotecas cerró 2025 con un total de 520.189 usuarios inscritos, una cifra que había crecido hasta los 526.028 a principios del verano.

Las mujeres inscritas siguen superando a los hombres, 266.670 frente a 246.968. Así, la Biblioteca Francisco Villaespesa de Almería cuenta con 63.042 usuarios inscritos; la Biblioteca Provincial de Cádiz, con 52.211; la Biblioteca Grupo Cántico de Córdoba, con 34.480; la Biblioteca Provincial de Granada, con 99.342; la Biblioteca Provincial de Huelva, con 59.478; la Biblioteca Provincial de Jaén, con 56.149; la Biblioteca Provincial de Málaga, con 31.865; y la Biblioteca Infanta Elena de Sevilla, con 117.070.

Finalmente, la Biblioteca de Andalucía cuenta con 12.390 usuarios inscritos. Durante el primer semestre del año, se alcanzó la cifra de casi 190.000 préstamos, la mayoría de ellos libros, seguidos de documentos audiovisuales y sonoros.

The Speedways, los “chicos de oro del Power Pop británico” tienen nuevo disco, y lo van a presentar en España durante este mes de septiembre, en el que harán una parada en Córdoba este mismo martes.

Será en la Sala Hangar, dentro del ciclo 'Conciertos entre semana de El Colectivo', que arranca fuerte esta nueva temporada, con la presencia del grupo, que pondrá sobre las tablas Triple Platinum, recopilatorio de los tres primeros y versiones regrabadas de su disco debut.

Su personal sonido -definido por Ronettes-Punk- y su óptimo estado de forma les ha llevado a actuar en festivales de la península de la talla del Funtastic Dracula Carnival, Purple Weekend o Luna Fest. Además, ha actuado en los conciertos de Radio 3 y han ido colgando el cartel de sold out en distintas ciudades por dónde han pasado en España, Europa y USA.

“Ahora regresan en gira con su idilio con nuestro país intacto para llenar las salas de color y enormes canciones una vez más. Podremos disfrutarlos de mano de El Colectivo en la Sala Hangar, espacio ideal para disfrutar de su potente sonido entre amigos de la ciudad cordoboide”, explican los promotores.

El concierto arrancará a las 22:00, y las entradas tienen un precio de 9 euros anticipada, y de 12 en taquilla.

Ars Operandi vuelve a la escena cultural cordobesa. La revista digital especializada en arte contemporáneo, que inició su trayectoria en 2008 y mantuvo una actividad continuada durante más de una década, emprende ahora una segunda época con nuevas firmas, un nuevo dominio y una interfaz renovada. El proyecto recupera además todo el archivo generado durante su primera etapa, entre 2008 y 2020, con el propósito de preservar una parte de la memoria documental del arte contemporáneo de Córdoba y su entorno.

La publicación, impulsada por José Álvarez y Tete Álvarez, nació en un momento marcado por la crisis económica y la progresiva desaparición de espacios para la información y la crítica cultural en los medios de comunicación. Coincidió también con la expansión de la blogosfera y los primeros años de la Web 2.0. Lo que comenzó como un blog dedicado al arte contemporáneo evolucionó hacia un formato de magazine que combinaba información especializada, crítica y documentación audiovisual. Entre sus aportaciones se encuentran los repositorios Ars Operandi TXTs, alojado en Scribd, y Ars Operandi Videos, en Vimeo, que permiten recuperar entrevistas, exposiciones y otras voces vinculadas a la creación artística de comienzos del siglo XXI.

Tras varios años en los que las responsabilidades profesionales de sus integrantes obligaron a reducir el ritmo de publicación, Ars Operandi regresa en un contexto que sus responsables consideran muy diferente al de su nacimiento. En su editorial de regreso, titulado Decíamos ayer, la revista señala la desaparición de buena parte del mercado artístico local y de las galerías de Córdoba, así como el progresivo empobrecimiento de la oferta institucional. La publicación vincula esta situación a unas políticas culturales que, a su juicio, muestran un creciente recelo hacia las prácticas artísticas contemporáneas.

El regreso se produce además mientras permanece abierto el debate sobre el futuro de las salas expositivas de las Caballerizas Reales y el proyecto de implantación del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona. Ars Operandi recuerda la carta abierta que difundió contra esta iniciativa y el respaldo recibido por más de 700 personas, entre ellas numerosos integrantes del tejido cultural cordobés y profesionales del sector artístico nacional. Para la revista, su nueva etapa nace precisamente en un momento en el que considera necesario recuperar el papel de la crítica y la mediación cultural.

“El periodismo de corta y pega, sin mediación, sin contraste y, demasiadas veces, sin criterio” es uno de los fenómenos frente a los que se posiciona el editorial. La publicación reivindica así la información independiente y el análisis crítico frente a la proliferación de contenidos automatizados, textos clónicos y dinámicas de autopublicidad. Por eso, sus responsables definen este regreso no como un ejercicio de nostalgia, sino como “un acto de resistencia”.

La nueva etapa mantiene al frente de la edición a José y al equipo formado por Jesús Alcaide, Ángel Luis Pérez Villén y Óscar Fernández, al que se incorporan Reyi Pérez Castillo, Lola Molina y Rafael Sillero. El primer número de esta segunda época incluye, además del editorial Decíamos ayer, críticas firmadas por Reyi Pérez Castillo y Ángel Luis Pérez Villén sobre sendas exposiciones en el Museo Picasso de Málaga (MPM) y el MUCAC. La publicación incorpora también un artículo sobre la reciente exposición de Francisco Salido en Casa Góngora y otro de carácter histórico dedicado al Ateneo de Madrid y sus Cuadernos de Arte, con la participación de Antonio Povedano e Isabel Santaló.

El estreno se completa con una nueva incorporación al catálogo de Ars Operandi Vídeos: una pieza dedicada a documentar la exposición De ida y vuelta, de Alegría y Piñero, celebrada en el Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (C3A) en 2024. La revista mantiene accesibles los materiales de su primera época a través de sus repositorios de Vimeo y Scribd, así como documentos históricos como Ars Operandi.doc, y suma ahora un canal de YouTube y presencia en Bluesky e Instagram.

Además, sus responsables explican que todas las personas que participan actualmente lo hacen de forma voluntaria mientras no existan recursos para financiar la revista, una decisión que, subrayan, no implica considerar gratuito el trabajo cultural. El archivo histórico queda asimismo a disposición de investigadores, profesionales y usuarios mediante licencias Creative Commons. El objetivo declarado sigue siendo el mismo que en 2008: dar visibilidad, documentar y generar un espacio de reflexión sobre las prácticas artísticas del contexto más cercano.

Radio 3, emisora de radio perteneciente a Radio Televisión Española (RTVE), ha anunciado, a través de un comunicado expuesto en su página web, que se une a la celebración del décimo aniversario del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) con una jornada especial de música en directo.

Dicha infraestructura celebra su X aniversario con una programación especial bajo el título 'Ciudad de quién', que incluye una exposición que reúne cerca de un centenar de obras y que ocupa casi la totalidad del centro, así como un programa público que incluye charlas, visitas guiadas y conferencias, entre otras actividades. Una jornada en la que Radio 3 estará presente en la programación conmemorativa con una propuesta de música en directo que reúne diferentes sonidos y generaciones de la escena musical.

El C3A, dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte de la Junta de Andalucía, es un espacio de referencia para la creación y la cultura contemporáneas en Andalucía, concebido como lugar de encuentro entre artistas, ciudadanía y nuevas formas de expresión. Situado en Córdoba y con una arquitectura especialmente vinculada a su identidad, el centro desarrolla una programación en torno a las artes visuales, la creación contemporánea y las prácticas culturales actuales, combinando exposiciones, producción artística, investigación y actividades abiertas al público.

Una celebración llena de música en vivo

De 13:00 a 15:00, el C3A acogerá las actuaciones de Nita, El Chaparro, Vallellano Sound System con Distrito Sur, Nine Fifty Seven y Viva Belgrado, en un encuentro abierto al público que conecta la creación contemporánea con la diversidad y vitalidad de la música actual.

Bajo el lema “Ciudad de quién”, el aniversario invita a celebrar el C3A como lugar de encuentro y creación, y convierte durante esta jornada al centro cordobés en escenario de una programación en la que conviven distintas propuestas musicales. Además de la fiesta de Radio 3, durante todo el día se sucederán más actuaciones y djs como Solea Morente, The Flying Cumbias, 3Head, Peinetta Djs, El colectivo girls djs, Juani Cash, David kano de Cycle o Miriam Tucan. En colaboración con la Fundación Kutxabank.

El XXI Festival Internacional de Juegos Córdoba 2026 ha tenido lugar del 4 al 6 de septiembre en el Centro de Exposiciones, Ferias y Convenciones (CEFC) de Córdoba, organizado por la asociación cultural cordobesa Jugamos Tod@s.  

La Delegación de Juventud de la Diputación de Córdoba ha continuado con su apoyo a este evento con dos décadas de tradición en la ciudad. La Delegación de Juventud del Ayuntamiento de Córdoba también se ha incorporado como parte fundamental para la organización.  

A la ceremonia de inauguración del Festival 2026 asistieron el alcalde de la ciudad, José María Bellido; junto con Blanca Torrent, primera teniente de alcalde y otras autoridades. Ha habido un total de 49 empresas expositoras, 4 de ellas de Córdoba y provincia.

Un público heterogéneo y de todas las edades se ha mantenido como rasgo más característico del Festival de Córdoba. Según el CEFC, se superó la cifra de 20.000 personas participantes durante los tres días de Festival 2026. Esto tuvo su reflejo en el lleno del parking del CEFC y las zonas de aparcamiento exteriores, el uso de la línea 8 de Aucorsa o las lanzaderas especiales para volver al centro de la ciudad desde el CEFC de madrugada.  

La aplicación digital Meeplay ha servido de herramienta con múltiples usos para el público asistente en el Festival 2026, para conocer los juegos disponibles, las actividades de las 49 empresas expositoras o los juegos candidatos al premio del público.  

Las personalidades invitadas internacionales han disfrutado de la ciudad y de sus actividades en el Festival 2026: Marcus Cerleson pudo contemplar por ejemplo la versión gigante cordobesa de su juego Hitster, y Rob Daviau pudo jugar y tener muchos de sus juegos históricos en las mesas. Ambos autores tuvieron sesiones de firmas de dos horas de duración. La diseñadora gráfica Lindsay Daviau fue protagonista de una exposición sobre su labor en el juego Return to Dark tower (Tim Burrell-Saward & Isaac Childres & Noah Cohen & Rob Daviau & Justin D. Jacobson & Brian Neff - Restoration Games). 

Además, la organización anunció que el XXII Festival Internacional de Juegos Córdoba 2027 de Jugamos Tod@s volverá a su fecha habitual, del 8 al 10 de octubre del próximo año, de nuevo en el CEFC de Córdoba.

El doctor en Arqueología y divulgador Mikel Herrán ofrecerá el próximo jueves, 24 de septiembre, a las 18:30, la conferencia 'El viaje de los hechos y las ideas: el legado universal de al-Ándalus' en el Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Córdoba (UCO), enmarcada en las actividades conmemorativas del IX centenario del nacimiento de Averroes.

Según informa la UCO en su web, consultada por Europa Press, la ponencia de Herrán ofrecerá “una reflexión sobre la transmisión de conocimientos, ideas y formas de pensamiento vinculadas a al-Ándalus, así como sobre la huella que este legado ha dejado en la cultura y el pensamiento universal”.

Esta conferencia se enmarca en el programa conmemorativo dedicado a la figura de Averroes (Ibn Rushd), una de las grandes personalidades del pensamiento medieval y una figura fundamental para comprender el diálogo entre las distintas tradiciones intelectuales del Mediterráneo.

Esta actividad conmemorativa, en la que colaboran la Universidad de Córdoba, UCOCultura y la Fundación Las Fuentes, surge como un espacio de encuentro, reflexión y divulgación en torno al legado intelectual de al-Ándalus.

Como creador de contenido, Mikel Herrán, conocido como 'PutoMikel' en sus redes sociales, cuenta con más de 325.000 seguidores en YouTube y 313.000 en Instagram. Además, ha publicado tres libros hasta la fecha: 'La historia no es la que es: Es la que te cuentan'; 'Sodomitas, vagas y maleantes: Historia de la España desviada de Atapuerca a Chueca' y 'Sobrevivir en el Medievo: Crónica de un viajero por Spania'.

Cuando el exalcalde de Córdoba y exlíder de IU Julio Anguita dejó la primera línea política a principios de siglo, pasó a vivir en un anonimato que solo rompía cuando publicaba alguno de sus libros, y que se desquebrajó completamente cuando una generación joven, la del 15M, vio en él el molde moral con el que debían ser esculpidos todos los nuevos políticos de este país. Ese último Anguita, el que deambulaba de manera anónima por la ciudad de Córdoba, no llevaba una vida muy distinta a la de Vini Reilly, líder de Durutti Column, un músico que durante gran parte de su trayectoria ha vivido de espaldas al gran público, siendo idolatrado por una ferviente minoría, antes de que, en los últimos años, una nueva generación joven lo haya redescubierto gracias a artistas como Blood Orange o Harry Styles.

Lo curioso es que estos dos personajes, tan distintos y a la vez tan mitificados, llegaron a darse la mano. Anguita le sacaba doce años a Reilly cuando se conocieron, en Manchester, en junio de 1985. Vistas desde el presente, las fotografías de aquel encuentro tienen algo de insólito. Anguita, con su porte andalusí y su presencia recia, parece por momentos una suerte de hermano mayor del músico, cabizbajo, enjuto y ensimismado. Y ahí está, además, el gesto que vuelve la escena todavía más extraña y fascinante: Anguita le entrega una guitarra española a Reilly, que, aunque la recibe con una expresión casi de desconcierto, como si tampoco él terminara de entender del todo a qué viene aquel regalo, es capaz de esbozar una sonrisa que parece sincera.

Aquella guitarra era una pieza única. Había sido construida y reconstruida por un artesano cordobés. Y acabó en manos de uno de los músicos más singulares de Manchester gracias a algo tan protocolario como un hermanamiento entre dos ciudades de dos países distintos.

Aquel instrumento, sin embargo, ha marcado la trayectoria de Durutti Column desde mediados de los años 80 hasta la actualidad. El reciente lanzamiento de Renascent, el primer disco de Vini Reilly en 15 años, recupera acordes y fraseos hechos con una guitarra flamenca, algo que Reilly ha venido incorporando a su universo sonoro y visual prácticamente desde que aquel alcalde comunista español puso en sus manos aquel trozo de madera hecho por el artesano Juan Montero.

El factor Tony Wilson

Al final de la película 24 Hour Party People (Michael Winterbottom), Tony Wilson recibe la visita de Dios, que le recuerda que Vini Reilly merece desde hace tiempo un homenaje y le sugiere que quizá debería plantearse publicar un Greatest Hits de The Durutti Column. “Es buena música para relajarse”, le dice Dios todopoderoso en una bella licencia ficticia que, por otra parte, funciona como un reconocimiento simbólico a uno de los miembros más antiguos y menos reconocidos de la familia Factory (The Durutti Column fue el primer grupo que Wilson contrató para actuar en la primera noche del club Factory, celebrada en 1978, y Reilly se convirtió además en el primer artista en firmar un contrato con Factory Records, con la que lanzó New Order, Joy Division o Happy Mondays).

Algo similar debieron pensar en Córdoba unos 20 años antes de Winterbottom tres cabezas pensantes: la del periodista Julián Estrada, y la de los músicos Álvaro Tarik y Cisco Casado (entonces parte del grupo Yacentes). Ellos fueron los que, aprovechando la Semana de Córdoba en Manchester, que se iba a celebrar entre el 22 y el 30 de junio de 1985, tuvieron la idea de llevar una guitarra española para regalársela a algún grupo de aquella ciudad. Y ellos fueron quienes acabaron eligiendo a The Durutti Column por encima de todos los grupos de la Factory Records de Tony Wilson que ya entonces estaban casi más interesados en los cables de los sintetizadores que en las cuerdas de las guitarras.

Álvaro Tarik recuerda a Cordópolis que el nombre de Vini Reilly apareció casi de inmediato y que solo The Smiths podían hacerle sombra como banda guitarrera mancuniana de ese momento. Reilly, que de hecho tocó y grabó con el grupo de Morrisey, era el guitarrista de The Durutti Column, y su música transitaba por un territorio propio, entre el pop, la experimentación, la electrónica y una delicada concepción de la guitarra. Para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que seguía con atención lo que ocurría en Manchester, era el candidato natural.

Su grupo, además, había tomado el nombre de un famoso guerrillero anarquista, y el alcalde de Córdoba pasaba por ser el primer alcalde comunista de una capital española desde la muerte de Franco. Todo rimaba, así que solo hacía falta la guitarra. Y resultó que el instrumento, por su lado, también tenía su propia y fascinante historia.

La guitarra rota en una reyerta

Todo esto aparece en el documental Una guitarra para Durutti (2008), dirigido y producido por Evaristo Vinuesa y Juan Carlos Merino, y también lo recuerda desde el presente Julián Estrada: la guitarra la había construido Juan Montero Aguilera, un artesano cordobés ya fallecido, y había pertenecido a un guitarrista flamenco, que la había usado en sus recitales hasta que resultó dañada durante una trifulca en un tablao. El guitarrista entonces pidió al luthier que la reparase y el artesano optó por darle una nueva, y acabó quedándose con ella, restaurándola con cuidado.

Esa fue la guitarra que el 20 de junio de 1985 salió de Córdoba rumbo al Reino Unido, primero en un autocar desde la capital hacia el Aeropuerto de Málaga, después en la bodega de un avión de Iberia que aterrizó en Londres, y finalmente en otro autobús de dos plantas que llevó a la comitiva cordobesa desde la metrópolis británica hasta la ciudad de Manchester. Una vez allí, Julián Estrada charlará con Bruce Mitchell, batería de la banda, en los días previos a la entrega, que tendrá lugar en el Ayuntamiento de Manchester, el día 22. Mitchell, según recogen las publicaciones municipales de la época, ya advierte de que Reilly es una persona particular y, de hecho, deja caer que es posible que ni siquiera acuda al acto.

Pero acude. Con su novia. Puntuales los dos (los tres, contando a Mitchell). El que tarda es Anguita, que no encuentra taxi. Así que, mientras llega el alcalde, aprovechan para contarle a Reilly la historia de la guitarra, y le pasan el manuscrito del luthier, que se despide: “Ahora que me desprendo de esta guitarra, quisiera hacer llegar a la persona que va a disfrutarla que la trate con mucho cariño y la conserve para siempre como una joya artesanal cordobesa”. Estrada recuerda que el músico recibió toda la información con cara de sorpresa, como si no entendiera por qué lo merecía. “Why me?”, apenas acertó a articular, antes de acomodarse el instrumento y comenzar a tocarlo.

Anguita, en la línea que siempre caracterizó su etapa política, aprovechó el momento para cargar un buen discurso: cita a Buenaventura Durruti y apunta que, con el mapa de Andalucía en la mano, allí donde en la República había anarquismo de la CNT, en 1985 hay comunismo fuerte. A Reilly probablemente esto le importa un pimiento, mira el suelo mientras el político habla y, cuando termina, asiente y le da la mano.

Parte de su universo

Aquella noche, comenzará a trastear la guitarra. Y no tardará en incorporarla a su trabajo. Dos años después publica The Guitar And Other Machines, y en 1989 usa la española tanto para abrir su LP Vini Reilly, como para una colaboración con el grupo Swing Out Sister. Ya por entonces había confesado su amor por la sonoridad única de este tipo de acústica: “Mi guitarra preferida española, tocada acústicamente en una habitación pequeña. Pero he visto que, cuando está en escena, no puedes utilizar este tipo de guitarra por las dificultades de amplificación (…) Yo procuro producir un sonido claro, nítido que se parece mucho a una guitarra acústica”, contaba Reilly en una entrevista con la delegación española, recogida en la prensa de la época.

En el año 1991, además, se dio el milagro de que Reilly pudiera tocar en Córdoba. The Durutti Column actuó en el teatro de La Axerquía en octubre de aquel año, en un concierto que quienes estuvieron allí todavía recuerdan con especial intensidad. Álvaro Tarik lo describe como un acontecimiento para aquella pequeña comunidad musical cordobesa que llevaba años siguiendo a Reilly: escuchar en directo a uno de aquellos músicos que parecían pertenecer a un mundo lejano tenía algo de excepcional.

Pasaron unos días en la ciudad y se movieron por los bares y tabernas. Hace unos años, en una entrevista en The Guardian, Reilly se reía cuando le llamaban virtuoso: “Pásate por cualquier bar de Córdoba, en España, y los tipos que encuentres tocando me harán parecer un estúpido”, dijo al periodista un músico, esquivo y propenso al mito, que pese a los altibajos, ha mantenido a pulso una carrera hecha disco a disco, a partir de devaneos entre el ambient, el rock instrumental, la música clásica y el toque flamenco.

Una subasta

Nadie sonaba como él y, sin embargo, ser único no lo hizo ser lo que se dice un músico exitoso. Más bien lo contrario. Es probable que Reilly no estuviera de acuerdo con romper el pacto con el luthier que le fabricó y restauró su guitarra española. Pero a punto estuvo de hacerlo. En 2011, una página vinculada a Phil Kooky Cleaver (que, a principios de los 2000 comenzó a reeditar parte del catálogo de Reilly) publicó un anuncio con un título inequívoco: Vini Reilly's Juan Montero guitar for sale. La guitarra que Anguita le regaló a Reilly salía a la venta.

El contexto hacía comprensible aquella decisión. Reilly había atravesado graves problemas de salud y una situación económica complicada. La guitarra aparecía así vinculada a una posible operación destinada a conseguir fondos para ayudarlo a levantarse. La pregunta, entonces, es: ¿se vendió realmente aquella guitarra? Este periódico ha contactado con Phil Kooky Cleaver para interesarse por el resultado de aquella subasta y tratar de despejar la incógnita, pero no ha obtenido respuesta.

Todo apunta, sin embargo, a que la guitarra no llegó a venderse. Hay dos datos especialmente significativos: el primero, que ese mismo año se reeditó Vini Reilly con dos nuevos temas (bocetos, eso sí) que llevan por título Juan Montero. El segundo, la aparición de nuevos acordes de guitarra española en Renascent, su nuevo disco, publicado hace unas semanas. Este hecho, conociendo bien al personaje y la historia de aquella guitarra, alimenta la hipótesis de que Reilly no incumplió su promesa.

Porque hay otro elemento importante en la historia de este nuevo disco, el primero de The Durutti Column en 15 años. El material de Renascent no responde a un proceso de composición y grabación desarrollado ahora. Buena parte de estas piezas procede de un periodo amplio, que se remonta a la década pasada y llega hasta la actualidad. Reilly ha ido trabajando y registrando este material después de una etapa especialmente dura de su vida.

El músico ha sufrido dos ictus y ha atravesado además una severa depresión. Su regreso a la grabación ha sido posible en buena medida gracias al apoyo de sus amigos y colaboradores Bruce Mitchell y Keir Stewart. De ahí que la publicación de un nuevo trabajo tenga un significado que va más allá de la propia discografía de The Durutti Column: significa que Reilly ha vuelto a hacer música y que aquella manera tan personal de entender la guitarra sigue viva.

Y que, ahora, al igual que hace 40 años, Reilly sigue buscándose a sí mismo en el sonido evocador de una guitarra española que le regaló un alcalde comunista y que había sido restaurada para él, tras ser destrozada en una pelea en una taberna cordobesa. La historia es tan bonita, que hasta Tony Wilson la querría para su revival de ese genio de la música contemporánea que es Vini Reilly.

El Mar en Llamas publicó el pasado viernes Tan tonto, su nuevo single, una canción que continúa definiendo el universo sonoro del proyecto creado por Fernando Sendra y que ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales.  

Construida como un medio tiempo que crece progresivamente, Tan tonto parte de una atmósfera contenida para ir ganando intensidad a medida que avanza. Guitarras, texturas electrónicas y una base rítmica sólida dan forma a una composición que se mueve entre el pop-rock y el rock alternativo, manteniendo el carácter melancólico presente en buena parte de las canciones de El Mar en Llamas.  

La canción nació a partir de una historia cercana a Fernando Sendra. Una conversación con un amigo que acababa de atravesar una ruptura y que intentaba asumir cómo estaba desapareciendo una vida que nunca imaginó que podría perder terminó convirtiéndose en el punto de partida de Tan tonto. 

El tema ha sido compuesto, interpretado y producido por Fernando Sendra, con mezcla y mastering de Santi Capote (The Punch) y distribución a través de Beatclap.  

El lanzamiento tendrá continuidad el próximo viernes 25 de septiembre con el estreno del videoclip oficial de Tan tonto en el canal de YouTube de El Mar en Llamas.  

La pieza audiovisual traslada la atmósfera de la canción a una historia construida desde la distancia y el silencio entre dos personas, con una estética cinematográfica, íntima y oscura que acompaña el carácter emocional del tema.