La programación paralela del XXIII Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba tuvo lugar ayer en el Gran Teatro con un pistoletazo de salida extraordinario. La maestra de ceremonias fue Carmen Linares, quien, con su cuadro flamenco, desarrolló la primera parte del espectáculo “Falla, Lorca y cante jondo”, un espectáculo en memoria del primigenio Concurso de Cante Jondo de Granada de 1922. Este es un espectáculo que aúna los dos pilares fundamentales en su trayectoria artística, el cante jondo y la canción española, y que a su vez entrelaza letras populares con los más ricos versos de Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez y Miguel Hernández.  

Al unísono comenzaron a sonar las dos guitarras del cuadro, Eduardo Ruiz Pacheco y Salvador Gutiérrez, aunque no tardó mucho en unirseles por tangos de Granada el pianista Pablo Suarez, quien hizo su aporte de frescura no solo a este palo sino a todos los que acontecieron. Así, por tangos, apareció Carmen, quien sin mediar cante alguno evocó un enorme aplauso del teatro en el que apenas cabía un alfiler, imaginense cuando comenzó su cante…  

De Granada nos trasladó a Jaén, su tierra natal, haciendo una original versión entre peteneras y tarantas del poema de Miguel Hernández, Aceituneros, mejor conocido como Andaluces de Jaén. Entre las fatigas que narran estos versos, se alzó un hondo quejío inolvidable. Prosiguiendo en un tono solemne, interpretó la versión que realizó Enrique Morente sobre la Leyenda del tiempo, poema de Federico García Lorca. De Morente aclaró Carmen: “un gran artista que ya no está entre nosotros, pero que su huella ha sido muy profunda”, dejando claro su gran admiración por el granadino.  

La estampa jovial y festiva de este encuentro vino marcada por el baile de cantiñas de Pepe Torres, bailaor ilustre proveniente de un largo abolengo flamenco. Carmen realizó un entrada libre al baile y apenas acompañó al bailaor en una letra, pues el grueso del baile lo llevaron las dos cantaoras de su cuadro, Rosario Amador y Ana Gonzalez. Estas alegrías fueron sacadas de la Antología de la mujer en el cante, disco referente en la cosmogonía flamenca por encerrar siglo y medio de cantes con grito de mujer. Por ponerle alguna pega, sentí que no se le dio tiempo al baile para respirar, pues el compás se llevó muy acelerado y apenas hubo silencio. No obstante, esta es la impronta del bailaor quien nos demostró un perfecto trabajo de pies.  

El cuadro abandonó la escena, tan solo quedaron Carmen y el guitarrista Salvador Gutierrez para desempeñar una granaina y un fandango abandolao. Este fue el momento en el que el guitarrista sacó sus dotes a relucir, no me refiero a la técnica, que también, sino a la creatividad y originalidad de sus composiciones, las cuales fueron siempre muy frescas y curiosas manteniendo, al mismo tiempo, esos sonidos hondos de antaño correspondientes a cada palo. Aquí se adecuó al cante “Asesinado por el cielo” de Poeta en Nueva York, uno de los poemarios más conocidos de la literatura lorquiana.  

En memoria del onubense Juan Ramón Jiménez, Carmen nos quiso traer Huelva al teatro, sin poder ser de otra forma que de la mano del fandango. En primer lugar, ella y las chicas de su cuadro, cantaron una serie de fandangos populares, con mucha presencia de Alosno. Sin embargo, el pueblo al que fue dirigido el cante es Moguer, pueblo del célebre poeta y autor de “Moguer”, poema que interpretó más tarde Carmen. 

Esta primera parte de “Falla, Lorca y cante jondo” no podía acabar sin un fin de fiestas, y siguiendo con los tintes del espectáculo, adecuaron a bulerías y a cuplés los versos de Lorca, tales como “Baladilla de los tres ríos”, “El poeta pide a su amor que le escriba”, y el tan popular “Anda jaleo”, que tanto se usa en baile, y que efectivamente usó Pepe Torres para despedirse. Desde el patio de butacas hasta el paraíso, el público en su totalidad se puso en pie hasta en dos ocasiones, un público muy agradecido al que no le faltaron razones para estarlo.  

Pero no quedó aquí la cosa, pues tras una pausa continuó la segunda parte de este espectáculo. Lo cierto es que no se informó por megafonía que tan sólo era efectivamente, una pausa, destinada a modificar el escenario y al cambio de vestuario. De esta forma, muchos asistentes pensaron que ya acabó por completo el concierto y menguaron las plazas ocupadas, pese a los esfuerzos de los trabajadores del teatro. Para más inri, pareció que hubo una confusión en cuanto a desvelar el telón, pues varios músicos aún no se habían colocado y la imagen primera fue un tanto caótica. Pese a toda esta aglomeración de infortunios la segunda parte de “Falla, Lorca y cante jondo” se desarrolló gratamente, en gran medida gracias a su director Juan Luis Pérez, quien supo mecer a la Orquesta de Córdoba con el cante y la voz abisal de Carmen Linares.  

Esta segunda parte homenajea a los más excelentes autores de música impresionista de España, que bien fueron Joaquín Turina y Manuel de Falla. Del primer autor interpretaron parte de su Op.55 Cinco danzas gitanas (1920-1930), y así destacaron Zambra, Generalife y Sacromonte. De Manuel de Falla, desarrollaron El Amor Brujo (1915-1925), alma mater entre todas sus composiciones, aquí fue parte activa Carmen Linares, quien interpretó el Romance del pescador, Canción de fuego fatuo y las Campanas del amanecer, sacando a relucir además de su cante, sus dotes interpretativas.  

“Falla, Lorca y cante hondo” es un espectáculo que no sólo trata de rendirle culto a ese antiguo Concurso Nacional de Granada, también rememora las vivencias     y la trayectoria de una de las más importantes artistas del panorama flamenco. Una artista versátil con gran conocimiento del cante y experiencia sobre los escenarios, Carmen Linares. 

Si por algo persiste en el vivo recuerdo el genio Paco de Lucía, no es sino por la hazaña de revolucionar y cambiar la percepción de la guitarra flamenca, hecho que le valió para internacionalizar este noble arte. Prueba de ello es el EOS Guitar Quartet, un cuarteto suizo de guitarras conformado por Marcel Ege, Julio Azcano, David Sautter y Michael Winkler, en palabras de Leo Brouwer: “uno de los mejores cuartetos de guitarras del mundo”. 

El teatro Góngora fue el escenario idóneo para plasmar precisamente cómo los genios se nutren de otras genialidades, y es que este cuarteto inició su repertorio con algunas piezas de “Paco de Lucía interpreta a Manuel de Falla”, el duodécimo álbum del guitarrista, donde homenajea y adapta algunas de las obras de este otro genio como Danza de la molinera, Danza de los vecinos o La vida breve. 

Prosiguieron con una pieza compuesta expresamente para el cuarteto por Leo Brouwer que se articuló en tres movimientos; Fandango de las Cositas Buenas, Quejío del Poeta Duende y El Trébol de Cuatro Hojas. Fluctuaron entre fandangos y rondeñas, sin embargo y a mi gusto, no con mucho acierto. Cierto toque minimalista y una afinación poco usual, hicieron en su conjunto una composición poco armoniosa con momentos muy tensos cargados de sonidos estridentes. 

La gran sorpresa de la noche fueron las composiciones del integrante Marcel Ege, realizadas expresamente para el cuarteto, para su interpretación contaron con la participación del percusionista Ricardo Espinosa, quien contó con el cajón y con una vasija o botijo para mecerse en el compás. Seguiriyas y bulerías fueron los palos que interpretaron, creando de esta manera un ambiente disruptivo a los anteriores, un ambiente puramente flamenco. Aunque alejado de las paletas de sonidos asociados a estos palos, conservó los cierres típicos de dichas falsetas, haciendo genuina la interpretación de un extranjero sobre la Andalucía más profunda y castiza. 

Tras una hora de concierto se dispuso un breve descanso que dio pie a lo que muchos de los asistentes esperaban, la interpretación de “El alma de Paco” la obra que compuso el cordobés José Antonio Rodríguez para el cuarteto. Una pieza muy en la línea del maestro; sonidos que nos evocan la añoranza de la tierra desde la perspectiva de la lejanía y en cierta medida, la soledad, sin dejar atrás la frescura y el soniquete al más puro sello Rodríguez. 

La siguiente aportación vino de la mano de John McLaughlin, en conmemoración a una amistad que surge a partir de la música. “Soñando con el sonido” fue una creación pensada para tocarla con el maestro Paco, y dado que este hecho nunca llegó a producirse McLaughlin la cedió para este homenaje el cual “estaría incompleto sin esta presencia”, aclaró el argentino Julio Azcano. 

El fin de fiestas fue protagonizado por los trabajos de dos de los integrantes del cuarteto; David Sautter con “Axa, Fátima y Marién” y Marcel Ege con “Paquiro”, ambos inspirados en dos poemas de Federico García Lorca, Las morillas de Jaén y el Café de Chinitas respectivamente. Una excelente muestra de la originalidad y creatividad compositiva que levantó por completo a los asistentes.  

En definitiva, este homenaje fue un repaso del reguero de amistades e influencias musicales que sembró en vida Paco de Lucía, pese a que su huella no estuvo del todo clara en algunas ocasiones, como diría Rodríguez, siempre permanecerá eterna “El alma de Paco”.

Si bien son el mismo instrumento, cuán distintas son la guitarra flamenca y la clásica, no obstante, “lo Cortés no quita a lo Gallardo”. Así es como se presenta este dúo tan particular de guitarristas conformado por José María Gallardo, guitarrista clásico y Miguel Ángel Cortés, guitarrista flamenco, quienes en esta edición del Festival de la Guitarra de Córdoba nos presentan su nuevo espectáculo, Albéniz Flamenco. Como su propio nombre indica, fusiona las composiciones de Isaac Albéniz (1860-1909) con el flamenco, dos ámbitos aparentemente alejados pero que casan a la perfección dada la admiración del compositor por esta música andaluza. 

Sin mediar palabra con un teatro Góngora con pocos huecos libres dio comienzo la actuación con Torre Bermeja, ya desde esta pieza mostraron las bases de las dinámicas que nos iban a ofrecer; la más pura guitarra clásica, con el acompañamiento de la guitarra flamenca. Sin embargo, no todo fueron composiciones de Albéniz, también mostraron una composición inédita realizada por Gallardo con la ayuda de Cortés que lleva por nombre “Epitafio a Isaac Albéniz”, este título designa a su vez el poema que dedicó Federico García Lorca a la muerte del maestro. Una pieza muy simbólica acorde a lo solemne en esa clase de momentos.

Ana Morales alivió ese aire un tanto lúgubre, con bata de cola y abanico desarrolló su baile personalísimo en el que entre tanto, pudimos vislumbrar una sevillana. Desenvolverse entre la esencia de la bailarina y la pureza de la bailaora, ese fue el gran reto que desempeñó con creces la catalana. 

Una niña llorando entre los asistentes interrumpe por completo Mallorca, la pieza que estaban tocando, a lo que Gallardo les propuso no muy amablemente que se marcharan en lo que fue un acto no muy cortés, que no obstante, permitió que siguiera la música. Al ser Granada la siguiente obra, fue protagonizada por el granadino Cortés, quien dedicó unas palabras muy sentidas a la afición cordobesa en las que recalcó el claro interés por asociar los tangos a esta pieza, que luego pudimos corroborar. 

Y prosiguiendo con el repaso de las provincias andaluzas, no podía faltar Córdoba, una pieza que dedicó Gallardo con mucho cariño a la afición. Una falda vaporosa cubrió las piernas de la bailaora dejando intuir al mismo tiempo que tapaba sus movimientos. Fue curioso su atuendo ya que nos vino a recordar a las indumentarias de aquellas mujeres de Julio Romero de Torres, además su pose, gallarda y pinturera dio pie a este tipo de reminiscencias. 

Asturias, por contradictorio que pueda parecer, fue la pieza con más soniquete del sur, quizás más escuchada en el piano, pero igualmente bárbara para guitarra. Esta fue la sentencia que dio fin al espectáculo más clásico que flamenco, aunque esto no impidió que un aplauso unánime del teatro en pie inundara a los artistas durante al menos un minuto. 

Ante semejante ovación del público hicieron un fin de fiesta con aire a tangos, donde la bailaora mostró un gran trabajo de pies, así como fuerte trabajo de creatividad. Pese a que el espectáculo tuvo un inicio un tanto frío y distante, los artistas supieron ganarse a los asistentes a base de pulsión perfecta y bordón flamenco. 

Uno de los comentarios que más he escuchado durante esta semana ha sido que la Noche Blanca ha fracasado precisamente por su notorio y gran éxito. Pocos eventos aglutinan a tal multitud alrededor del flamenco. Anoche, tras varios años sin su realización, pudimos volver a congregarnos en torno a su decimotercera edición. Volvimos a sacar nuestra indumentaria blanca, a las callejuelas plagadas de aficionados cantando, a llegar corriendo de una plaza a otra y, por supuesto, volvimos a perdernos de nuevo. 

Volvimos a Volver, cuplé por bulerías indisoluble a la cantaora que dio inicio a la noche, Estrella Morente. Ante unas Tendillas donde apenas un alfiler podía abrirse paso, abrió su espectáculo con una caña que acabó por fandangos abandolaos, por supuesto con el sonido tan peculiar, amable y fresco que caracteriza a la familia Morente. Un repertorio que bien trasladó a los asistentes, entre los que se encontraron algunas instituciones como el alcalde José María Bellido, a lo más profundo del Albayzín, caracterizado por los tangos y la zambra. La cantaora se mantuvo arropada sobre las tablas de algunos de sus familiares como el guitarrista José Carbonell Montoyita, además de un magnífico elenco de músicos con Las Negris como guinda del pastel. Efectivamente, la “cosa” quedó en familia y es que  en distinto escenario, junto a la iglesia de Santa Marina, actuó su hermana, Soleá Morente, quien combinó el pop rock junto al flamenco ajustado a su personalidad. 

La Posada del Potro recobró su protagonismo en esta edición convirtiéndose en un espacio que, tras las muchas críticas merecidas del panorama flamenco de Córdoba, aboga por una Noche Blanca con mayor representatividad de artistas cordobeses. Así nacie Córdoba Flamenca, una programación que se desarrolló en paralelo a los espectáculos de la Noche Blanca, permitiendo a artistas como Alfonso Linares, Lucia Leiva o Rosa de la María formar parte de este gran evento. Destacó el número de Manuel Jiménez Montes y su grupo, quienes apostaron por homenajear a los antiguos, pero también por visibilizar la diversidad que posee el flamenco trayendo como artista invitado a José Chofles, el joven bailaor con síndrome de Down indispensable para cualquier buen fin de fiestas. No sólo en el flamenco, también la moda llevaba firma cordobesa, y es que Palomo Spain fue el encargado de vestir en parte a esta figura del baile cordobés que pronto dará mucho que hablar. 

Contra todo pronóstico, tras una semana con temperaturas propias de pleno verano, el calor nos dio tregua abriéndose camino un tiempo agradable aunque cargado de viento, como dijo Benítez con mucho salero. “Está la noche para volar cometas”, apuntó. Este hecho dificultó la visión de las actuaciones de Ezequiel Benítez y José Valencia. No obstante, la Plaza de San Agustin fue, sin lugar a dudas, el espacio que congregó a la afición más honda y purista, una plaza no tan abarrotada como en anteriores ediciones a la que poco a poco se sumaron más espectadores. Benítez se encargó, junto al joven guitarrista Paco León, de caldearle el ambiente a Valencia, repasando una gran variedad de cantes. Hizo un recital muy ameno mientras se mantuvo cercano al público, quien no paró de pedirle fandangos hasta que los cantó.

El lugar que reunió a un mayor número de personas fue, junto a Tendillas, la Plaza de la Corredera, donde Argentina fue la anfitriona. En esta, su tercera ocasión que actúa en la Noche Blanca, la cantaora onubense se metió al público en su bolsillo desde el primer minuto cantando una versión por bulerías de Córdoba, del grupo Medina Azahara. Su repertorio fue muy afable, cargado de cantes alegres como tanguillos de Cádiz, guajiras y mucho soniquete cubano, aunque no dejó atrás la solemnidad de los cantes como la soleá o la granaína y verdiales. 

Procedente del seno de una de las familias más flamencas del panorama, los Habichuela, Lucía Fernanda debutó en el cine de verano Fuenseca. Su música se aleja del flamenco tradicional para fusionarlo con el pop y sonidos electrónicos. Su espectáculo estuvo enfocado a un público más juvenil y el resultado fue excelente por ser sus rumbas un medio para captar adeptos que profundicen en el flamenco más hondo que podían encontrar en el entorno de la Axerquía.  

Esta decimotercera edición de la Noche Blanca ha reflejado la versatilidad del flamenco y su profunda capacidad para adaptarse a cualquier sonido o música distinta. Así lo han demostrado artistas como Hamid Ajbar, la compañía Chicharrón Circo o la anteriormente mencionada Lucía Fernanda. Al mismo tiempo, también se vio la esencia y germen del cante y el baile más verdadero de la mano de artistas como Dani de Morón o Farru, quien además de mostrarnos sus habilidades para el baile, nos presentó sus facultades para el cante, o Diego Amador y José María Bandera, con su reminiscencia a la más profunda hondura y frescura del maestro Paco de Lucía. 

Lin Cortés puso el broche de oro en el Alcázar a una noche donde lo menos flamenco fue la puntualidad, británica y rigurosa en todos los escenarios. Con la misma premura debe darse la próxima Noche Blanca, la cual ansían los aficionados al flamenco, pues tras el parón de estos últimos años a causa de la covid-19, tan sólo una noche nos deja con la miel en los labios. 

La muerte es uno de los momentos más desconocidos de la vida y, sin embargo, es sobre el que más se reflexiona. Paco Peña obsequió este sábado al público con su particular reflexión sobre la muerte. En concreto, sobre la muerte del planeta. Una magistral clausura de la 40ª edición del Festival de la Guitarra en un marco incomparable como es la Mezquita Catedral de Córdoba.

 El Coro Brouwer tomó asiento mientras se incorporaba el cuadro del maestro Paco Peña. Sin ninguna presentación, pues no hizo falta, dio comienzo Réquiem por la Tierra. Pese a que el canto y el cante forman, aparentemente, la combinación del agua y el aceite, no fue este el caso. Una estremecedora interpretación por bulerías no sólo del cuadro flamenco, sino también del coro, que dejó atónito y expectante a todo asistente.

El coro fue poco a poco apagándose hasta que su director, Javier Sáenz-López, se marchó de la escena para que las cámaras pudieran enfocar al cantaor Chaparro. El eco de su voz, entre columnas milenarias, mostró las claras referencias entre la toná y el canto del almuédano. No fue cosa baladí, pues de la misma forma en que el almuédano llama a la oración, Chaparro llamó al sentir de un corazón, que bien tuvo que estar predispuesto a experimentar sensaciones novedosas.

Frente a un coro blanco apareció, luciendo el negro, la soprano Inmaculada Almeda, que entremezcló su voz con la cantaora Gema Jiménez en la perfecta ejecución de unas peteneras, palo que interpela directamente a la muerte en la cultura gitana. Un canon dispuesto entre tal cúmulo de voces que inundó cada rincón, no sólo de la Mezquita, sino también de nuestra sensibilidad, haciendo cada vez más profunda la herida.

El flamenco duele, como duelen cien fatigas de muerte, y así duele la tierra. Ni pudo decirse más alto ni mejor que cantando por seguiriyas. Bien quedará en el recuerdo de José del Calli, por su similitud con el cante de José Plantón El Calli, para gloria de su padre. La Escolanía del Conservatorio Profesional de Música de Córdoba Ziryab alivió por bulerías este doloroso momento, que fue seguido del cante por malagueñas de Chaparro.

Tangos, soleá, soleá por bulerías, caña… Réquiem por la Tierra es, ante todo, una misa flamenca que aúna en comunión el canto y el cante por derecho que, junto a los ya mencionados cantaores, fue propiciado por Rafael Plantón y Rafael de Utrera. Un canto y un cante que fueron las lágrimas de una tierra que agoniza. Sin embargo, el pensamiento ha de ser cambiado desde el gozo. No pudo haber mejor forma de acabar este recital que por alegrías: “Alegre como los campos, vendrán tiempos mejores”. La muerte ataña a todo aquello que posea vida, pues es caduca, y es que a pesar de que esta obra lleve por nombre Réquiem, no es sino un llamamiento a la concordia y a la esperanza.

Entre todo, Paco Peña sin más, genio creador, maestro de maestros, no pudo evitar mover los labios ante la majestuosa música que con tanto denotado cariño creó. Como uno de los precursores de la fundación del Festival de la Guitarra de Córdoba, fue el idóneo delegado para la clausura de su 40º aniversario.

Aunque se escoja el exilio, siempre duele, y el regreso sabe irremediable a caramelo. Tras una temporada en Los Ángeles, José Antonio Rodríguez vuelve un tiempo a su ciudad natal para, entre otras cosas, presentar su disco Mccadden Place en esta 40 edición del Festival de la Guitarra de Córdoba.

Se denotaron sus ganas de tocar en el Gran Teatro, pues comenzó mientras aún estaba alzándose el telón. Como el pintor tiene paleta y pinceles, Rodríguez tiene la sonanta. Una herramienta que le permitió mostrarnos suculentas imágenes llenas de color en un incansable juego con las armonías.

Su presentación de McCadden Place fue un paseo por California, a veces alegre, a veces amargo, pero un paseo cargado de recuerdos y, por supuesto, lleno de flamenco. Acompañado de un lienzo de lujo, como el bajista Paco Peña, el percusionista Patricio Cámara Pachi, Fran Roca en la flauta, armónica y teclado entre otros… El cuadro se pintó desde el comienzo.

Como el pintor que innova y ha de tener claras las bases de la pintura, Rodríguez demostró tener cristalinas las reglas del juego y, al mismo tiempo, demostró haberlas desaprendido, pues no puede construirse nada sin antes haber demolido. Siempre unos aires que recuerdan a más de 9.000 kilómetros en la interpretación de tangos y rumbas y unas alegrías que, lejos de Cádiz, son de la costa californiana. Sin embargo, la cercanía de un lamento que resuena a Andalucía se materializó por rondeñas y soleá. 

Si bien McCadden Place posee en lo sonoro un fuerte contenido visual, fue el iluminador Pedro Serrano el encargado de llevar la luz a la escena. Lejos de quitarle protagonismo a la música, sino escoltándola, Serrano deleitó al público con sinuosas videografías que animaban al trance, así como un gran equipo y montaje de luces que resaltaron momentos relevantes del concierto.

Un fin de fiesta alejado del flamenco ortodoxo, y del todo inesperado, pues Jose Antonio sorprendió al teatro con su adaptación por bulerías de No es lo mismo, tema compuesto por Alejandro Sanz. Ante la admiración del público de Córdoba y pese a que no cesaran los aplausos, interpretó Macarron Fly, uno de los últimos temas de su disco. Concluyó con un solo de guitarra, que bien fue una oda a la guitarra flamenca que se transforma y se evade, pero siempre regresa a los orígenes.

Las despedidas tienen siempre un sabor amargo, esto es algo de sobra conocido, más si cabe cuando tratamos la despedida de un genio. El Festival de la Guitarra de Córdoba acogió ayer un agridulce “adiós” a los escenarios de Serranito, donde fue sembrada en el Gran Teatro un aura de tristeza desde butacas al paraíso, pues dicho adiós supone la pérdida de un gran exponente a la más fructífera generación de la guitarra flamenca.

Ante un teatro expectante en completo silencio, sonó su guitarra por malagueñas, ya resabiada por los años. Tarareando con la boca la melodía que resonaba entre sus manos, dio paso al cante de Eva Durán, quien hizo el cante aparentemente fácil, cantó como se habla y habló desde el corazón. Ya en esta interpretación se dejaba entrever la tónica de este concierto, un gran ejercicio de técnica con mucho riesgo, y el apoyo de las guitarras de Paco Vidal y Javier Conde, así como el chelo de Cary Rosa.

En un acto lleno de sinceridad confesó al público de Córdoba que, en primera instancia, estaba nervioso, para más tarde relatar la importancia en su vida y proyección artística de esta ciudad.

La segunda parte del concierto, de un carácter más animado, supo de la pasión fundamentalmente por la guitarra, pero también por la musicalidad. Serranito dio paso a las segundas guitarras, fueron las que en solitario acompañaron el cante por tangos de Granada. La soleá por bulerías le dio el espacio perfecto a Ángel Muñoz, quien realizó las funciones de palmero, pero cuando verdaderamente sorprendió al público fue con su pulido baile.

En el terreno de lo personal, Serranito nos presentó un tema que nació de su vivencia propia, y narra el pronto fallecimiento de un amigo cercano a su entorno, Dani, un tema que aún cargado de pena, es uno de sus favoritos en el repertorio. Entre tangos y bulerías, acabó golpeando por seguiriyas la madera fría de su guitarra. Un solo por bulerías de algunos de los componentes del cuadro animó el ambiente de tragedia y tras una despedida por tangos, que no fue la última, no hubo asistente que no se levantara de su asiento.

A modo de fin de fiesta, ejecutó un arreglo propio de Recuerdos de la Alhambra, pieza compuesta por Francisco Tárrega. Entre aplausos y rumbas, asomó una tarta con velas de 79 años, un “cumpleaños feliz” muy flamenco.

“Como un sueño” es en efecto una despedida, pero también es la aceptación de la guitarra como miembro inherente al cuerpo, es un tarareo que no cesa en el que queda claro cómo lo tradicional puede resultar de lo más novedoso.

La forma más honda de amar es la admiración. Y la admiración bebió este martes de la inspiración, nutriéndose de la fuente que llevó por nombre Manolo Sanlúcar. David Carmona y Santiago Lara han sido aprendices del maestro. Él sentó, y así lo confirmaron, las bases para su composición. Al final, el alumno traza a su manera los caminos del maestro y a veces hasta lo supera.. Pero no fue este el caso.

Lo intentaron, eso sí. Sobre unas tablas tintadas de azul, David Carmona inició este tributo a su maestro con una pieza por taranta muy bien ejecutada, donde destacó la importancia de los silencios, momentos irremplazables que dotan de cuerpo a este palo. Le siguió un solo por soleá, en el que sacó a relucir sus rasgueos que acompañaban a melodías simples, a la par que efectivas. Preludio del cante, sus bulerías del mixolidio, de su disco Un sueño de locura, un curioso título basado en el modo mixolidio de origen griego y reminiscencia clara de Sanlúcar, que se vio acompañado por un compás deslumbrante a manos de las palmas de Los Mellis de Huelva. 

El cante, y más si cabe, el cante a compás, tiene muchas más limitaciones que la guitarra. Este hecho fue perceptible en las alegrías cantadas por Carmen Molina, donde una excesiva experimentación en la métrica, además de una letra con poco trasfondo, hicieron que no brillara el toque. De igual manera ocurrió en la siguiente interpretación por soleá, compuesta en Re sostenido. En definitiva, un cúmulo de sonidos de excesiva complejidad difíciles de comprender y asimilar.

La segunda parte de este concierto fue llevada a cabo por Santiago Lara, quien prosiguiendo con el modus operandi de la primera, interpretó dos toques como solista. En primer lugar, Oración, una composición por rondeña del disco Tauromagia, del maestro al que se le rinde culto en este tributo. En segundo lugar, una composición de Lara por soleá evocó la profundidad del compás de amalgama.  

Con la incorporación de su cuadro, el cual discernió de de David Carmona, procedió a interpretar unas alegrías acompañado del teclado de José Amosa, teniendo como resultado una interesante y divergente mezcla sonora. Destacó su pieza por seguiriyas, llena de solera con impactantes cierres. Para finalizar su intervención como solista, nos deleitó con una composición de su nuevo disco, Sentimientos nuevos, una obra por bulerías titulada Concuerda. 

El punto y final de esta jornada debía seguir llevando el nombre de Manolo. Y, por este motivo, ambos guitarristas interpretaron Maestranza, de Tauromagia, disco clave en la producción artística de Manolo Sanlúcar, por el que siempre será recordado.

La forma más honda de amar es la admiración y, en su estado más puro, se encuentra la admiración a un maestro. La inspiración brilló una vez más en esta 40ª edición del Festival de la Guitarra de Córdoba.

El estreno de Fantasía para el 40ºFestival tuvo lugar en el Teatro Góngora, una composición del guitarrista Paco Serrano y Juan Luis González, director titular de la Orquesta de Plectro de Córdoba, y que concitó suficiente interés como para que quedara localidad alguna por ocupar.

Propuesta por la organización del festival, esta obra, y así insistió Juan Luis, pretende aunar una serie de “citas guitarrísticas” por parte de algunos de los más grandes momentos que vividos en los pasados 39 años del Festival de la Guitarra de Córdoba. Así, pudimos ver pinceladas de Paco de Lucía, Tárrega o Leo Brouwer. El resultado fue un ameno paseo por las músicas del mundo que tan bien han sembrado su huella en Córdoba. Una musicalidad que, invitando al regusto de los sentidos, sumergió al público en imágenes propias del cine costumbrista español.

La realidad es que escuchar a la Orquesta de Plectro de Córdoba siempre es todo un lujo. Cuando hablamos de una orquesta de plectro, uno espera envolverse en renacimiento y volver a la cara más dulce del pasado medieval. Esto no fue lo que se presentó en esta ocasión, pues se optó por sonidos frescos adaptados a la más pura contemporaneidad. Sonidos de hoy en día propiciados por una orquesta donde la característica principal es la juventud de sus integrantes.

Paco Serrano fue el encargado de aportar el aire flamenco a la jornada. En cuanto a su faceta como compositor, destacaron sus guajiras llenas de sabor a ida y vuelta, aunque con fuerza, arraigadas en la solera. No obstante, su ejecución de la taranta de Paco de Lucía fue sin duda lo que deslumbró sobre las tablas, momento en el cual la orquesta se ocupó de dotar a la pieza de un inesperado dinamismo.  

Para concluir el repertorio ejecutaron una farruca, composición de Manuel de Falla; La danza del moliner del ballet El sombrero de tres picos, que a modo de fin de fiesta, dejó al público con la miel en los labios. Un repertorio en el que fueron indispensables la bandurria de Elena Caro y los laúdes de Celso García y Francisco León. 

Por otro lado, en vez de apostar por la fluidez entre la orquesta y la guitarra de Paco Serrano, se propuso un diálogo. Un perfecto diálogo que tuvo como medio la cuerda, en el que entre réplica y réplica, asomó la gracia, pero también la complejidad, de la sencillez. En resumidas cuentas, una atractiva propuesta clásica cargada de flamencura.

El flamenco nace de la necesidad, una necesidad que se transforma bien en llanto o bien en grito. Manuel Liñán gritó su necesidad al público de Córdoba, una necesidad que pasa por contar su propia historia, una historia paralela a lo hegemónico, una historia invisible, que nunca antes se había mostrado con tanta claridad.

El relato que nos propuso Liñán comienza en su infancia, donde ante la imposibilidad de negar su esencia, se mostró en soledad realizando un cuidado trabajo de brazos y manos, una de las más destacables señas del baile flamenco ejecutado por bailaoras. Si bien sentí que la feminidad pudo verse un tanto reducida y en algunos momentos estereotipada, las imágenes que se reflejan son la misma Andalucía llevada a un escenario. Una Andalucía risueña y llena de júbilo, donde la mujer juega un papel muy importante en la comunidad, y donde el popular y sencillo acto de nuestras abuelas de sacar las sillas a la calle, cobra somera relevancia.

El flamenco nace de la necesidad, una necesidad que trasciende al individuo para dotar de voz al pueblo. Y esto ocurrió sobre las tablas del Gran Teatro, donde cada bailaor no sólo se identificó sino que hizo suya la historia de Liñán, ejecutando una serie de solos que van desde tangos de triana a fandangos y fandangos de Lucena, entre otros palos.

En este sentido, destacó el solo de nuestro paisano Hugo López. Un baile en el que dejó aflorar su sensibilidad, acompañado del violín de Victor Guadiana. La coreografía, comenzando en tono alegre y jocoso, nos mostró finalmente un sentimiento de extrañeza, y por último, de soledad, un sentir que acompaña a toda persona LGTBIQ+ cuando socializa en comunidad, y más si cabe en la comunidad flamenca. Siento que fue un afable reencuentro entre Hugo López y su ciudad natal, pues no quedó persona sin levantarse de su asiento para aplaudir hasta ya comenzada la siguiente escena. 

Un lamento por alegrías fue el broche de oro para un espectáculo lleno de sensaciones. Un segundo telón de filamentos plateados al más puro estilo de la farándula hicieron las funciones de “armario”, donde como última imagen aparecieron colgados los trajes que vistieron durante el desarrollo de la obra. Los bailaores semidesnudos son el espejo del hombre que encierra la bata de cola, que junto al mantón, fueron los comienzos de la fama de Liñán.

Manuel Liñán, en pocas palabras, un meticuloso artesano y un gran artista. ¡Viva! no deja puntada sin hilo, desde las letras, escogidas con premeditación, a la iluminación… Una coreografía que ahonda en la plasticidad y nuevas tendencias del baile flamenco en su dimensión más expresiva.   

La pureza del flamenco reside en la medida en la que duele, ¡Viva!, duele. Y es que por más transgresor que pueda parecer este espectáculo, las tablas del Gran Teatro supieron ayer del baile “por derecho” y el flamenco con mayúsculas.